Haciendo una Pausa...

    Mis mejores deseos en 2023 para quienes han sido fieles seguidores de ARPEGIO a través de todos éstos años.

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    Probablemente el Blog no continúe su actividad regular por algún tiempo. Compromisos laborales y comentarios hirientes de ¨gente¨ que critica que comparta mi música en archivos mp3 (música por la que no pagan ni un centavo) realmente no animan mucho a continuar ésta labor. Tal vez una pausa sea lo más conveniente.

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    De igual modo, muchas gracias a quienes de alguna manera han expresado su apoyo a ésta labor que no ha perseguido más que estimular el conocimiento, difusión y el disfrute de la música clàsica. Siempre es satisfactorio saber que ha sido del interés de alguien... Nos leemos en el camino.¨

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M-S.

 

Al Brillo de las Velas de Navidad.

IM GLANZ DER WEIHNACHTSKERZEN.

(POLYDOR)

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       Mi obsequio de Navidad a todos los fieles seguidores de ARPEGIO. ¡FELICES FIESTAS!

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M-S. 

Franck: Sinfonía en Re menor.

César Franck  (n. 10.12.1822)

SYMPHONIE d-moll.

Chicago Symphony Orchestra

Dir: Pierre Monteux.

(RCA)

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     Arribamos finalmente a la fecha bicentenario del nacimiento de César Franck, y lo celebramos con su obra más conocida y famosa, su Sinfonía en re menor. Constituye su única sinfonía y su único trabajo orquestal de madurez, y para el día de hoy sin duda es su obra más grabada.

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      La Sinfonía en re menor fue compuesta entre 1886-1888, terminada el 22 de agosto de 1888 y dedicada al discípulo de Franck, Henri Duparc. La misma fue estrenada en el Conservatorio de París, el 19 de febrero de 1889.  La reacción al estreno fue negativa, dada una supuesta ¨influencia¨ germánica en la partitura y el uso de recursos musicales poco franceses como la estructura cíclica remitente a Liszt e intentos de ¨leitmotiv¨ wagnerianos. El rechazo a la obra seguramente se debió más a razones políticas que artísticas y todo el proceso desde los primeros ensayos hasta el estreno y posteriores ejecuciones condenaron a la obra. Sin embargo con los años y ya entrado el siglo XX, la obra conquistó poco a poco espacio en las salas de concierto y sobre todo en los estudios de grabación, para la cual muchos de los grandes directores, y no sólo francófonos, se empeñaron en dejar su lectura de ésta obra que ha resultado ser tan atractiva.

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         La obra está compuesta para gran orquesta y está estructurada en tres movimientos:

I.- Lento. Allegro ma non troppo.

II.- Allegretto.

III.- Finale: Allegro non troppo.

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        El primer movimiento es el más extenso y sigue la típica forma sonata, con pasajes de drama y brío orquestal. El segundo expone una melodía pastoral a cargo del corno inglés que se alterna con dos tríos, haciendo las veces de un scherzo. El finale, en ánimo triunfal, expone un tema principal en forma sonata para luego recapitular materiales de los movimientos anteriores, retornando en la coda a los materiales y tonalidades del principio, utilizando la forma cíclica de componer. Es una gran sinfonía, equiparable a la Fantástica de Berlioz o la Sinfonía Nr. 3 de Saint-Saëns.

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        La Sinfonía en re menor tiene una cantidad importante de grabaciones en el catálogo, iniciando por insospechadas grabaciones como la de Furtwängler, pasando por las más previsibles batutas francesas y llegando hasta Japón con Kobayashi. De ésta pléyade de grabaciones se sigue destacando claramente la inmortal grabación de Pierre Monteux en Chicago, grabación para RCA en un sonido stereo que aún hoy se mantiene muy vigente. Monteux explota el caleidoscopio orquestal que encierra ésta partitura como pocos, imprimiéndole esa fragancia francesa que reafirma a la obra como una obra eminentemente gala y no germánica como la etiquetaron los necios de la época. Es la grabación de referencia para ésta obra.  ¡FELIZ CUMPLEAÑOS MAESTRO FRANCK!

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M-S.

Pfitzner: Sinfonia Grande.

Hans Pfitzner

SYMPHONIE, cis-moll, Op. 36a

Münchner Philharmoniker

Dir: Christian Thielemann.

(MP)

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      La Sinfonía en do sostenido menor, Op.36a de Hans Pfitzner (1932) constituye su mayor y más asertivo esfuerzo sinfónico, en su línea de mantenerse fiel a la tonalidad y al nacionalismo germánico moderado, en contracorriente a las tendencias musicales de la primera mitad del siglo XX, las de la Segunda Escuela de Viena, las operas de Richard Strauss, los impresionistas franceses y el minimalismo transicional y rupturista de Stravinsky.  Me refiero a la ¨Sinfonía Grande¨, Op. 36a de Pfitzner para diferenciarla de sus otros dos esfuerzos sinfónicos: la ¨Pequeña Sinfonía¨ (Kleine Sinfonie) Op. 44 de 1939 y su Sinfonía en do mayor, Op. 46 ¨An die Freunde¨ (1940), que en realidad se puede considerar como un Poema Sinfónico.

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       La Sinfonía en do sostenido menor es realmente la versión orquestada de su cuarteto de cuerdas Nr.2, Op.36.  El compositor deseaba expandir el conocimiento de sus obras y sentía que con música de cámara no sería suficiente. La obra fue estrenada en Munich, el 23 de marzo de 1933. La obra nos muestra una orquestación ocurrente, siempre interesante, de economía clásica y de buen gusto, sin dejar de mostrar reminiscencias postmahlerianas que recuerdan a Zemlinsky y al Schönberg tonal, como al mismo tiempo no deja de coquetear con el impresionismo francés y con la sorna de Prokofiev. Es una gran sinfonía de la primera mitad del siglo XX que merece ser más conocida.

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     La música de Pfitzner ha venido a ser conocida a partir de los años 90´s del siglo pasado, cuando comienza a ser atractiva para las disqueras, comenzando a grabarse las principales obras de su catálogo, siendo de especial relevancia la magnífica serie grabada para CPO por Werner Andreas Albert, que incluye una estupenda grabación de la Sinfonía Op.36a.  Más recientemente se agrega ésta versión grabada por Christian Thielemann con la Filarmónica de Munich, grabación portentosa y asertiva que incluso va más allá que la de Albert. Thielemann explota muy bien las texturas orquestales, demostrando una vez más su afinidad por éste tipo de repertorio, y aunque son pocos los discos de Thielemann que recomendaría, éste sí es uno que vale mucho la pena.

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M-S.

 

RVW: Sinfonía Nr. 9

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr. 9

London Symphony Orchestra

Dir: Bryden Thomson.

(CHANDOS)

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     Arribamos a la última sinfonía de RVW, como última entrega de su ciclo homenaje.

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     Vaughan Williams compuso su Sinfonía Nr. 9 ya de 83 años, entre 1956-57. Se trata de una obra de vanguardia, con muchos avances armónicos y de orquestación de los que es capaz un compositor en la cúspide de sus poderes creativos, sin embargo la atmósfera ambígua y enigmática que impregna la obra, oscilante entre pasajes pacíficos y pastorales y bruscos momentos de violencia primitiva, le impidieron una fácil digestión por parte del público pero sobre todo de la crítica desde el momento de su estreno, el 2 de abril de 1958, con Malcolm Sargent al frente de la Real Orquesta Filarmónica. Según se relata, la obra fué más recibida con respeto y veneración que con entusiasmo.

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     Con los años la obra ha conquistado el espacio que se merece como obra maestra que es. La primera grabación de la 9na es la de Adrian Boult, y es bien conocido que durante éstas sesiones de grabación el compositor muriera el 25 de agosto de 1958, sin finalizar algunas revisiones que había emprendido. La Novena gozó de mejor suerte en los Estados Unidos, tras su estreno en Carnegie Hall a finales de ese mismo año a cargo de Leopold Stokowski, cuya grabación es también de referencia. Aunque la obra no tiene un programa confeso literal y subyacente, sí parece reflejar un programa tácito que expone los claroscuros de la naturaleza humana, con vistas retrospectivas a un pasado oscuro (las dos grandes guerras mundiales) y luego una vista de vuelta hacia un futuro esperanzador. La obra ha ganado su puesto a medida que se entiende mejor éste contenido programático.

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     En cuanto a grabaciones modernas, la presente grabación del relevante ciclo de Bryden Thomson es otra excelente referencia, para quien busque nivel artístico acompañado de los mejores estándares de sonido. Una buena muestra muestra para finalizar éste paseo que hemos hecho por las nueve sinfonías de RVW.

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M-S.

 

Khachaturian: Piano Concerto.

Aram Khachaturian

PIANO CONCERTO, Op.38

Peter Katin, Piano

London Symphony Orchestra.

Dir: Hugo Rignold.

(EVEREST)

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    El Concierto Op. 38 de Khachaturian es sin duda uno de los grandes conciertos para piano del siglo XX.  Su originalidad, complejidad sin pretensiones, colorido y estilo tan propios lo han hecho desde su estreno uno de los más desafiantes del repertorio, tanto para solistas como para las orquestas. A pesar de su rango como obra maestra no tiene la popularidad del Nr.1 de Tchaikovsky ó del Nr.2 de Rachmaninov.

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    Khachaturian compuso la obra en 1936, por lo que es una obra más o menos contemporánea con la Sinfonía Nr.5 de Shostakovich. La misma fue escrita para el pianista Lev Oborin, quien la estrenó en Moscú, el 12 de julio de 1937, con Lev Steinberg al frente de la Filarmónica de Moscú. El éxito del concierto le abrió las puertas al compositor para el reconocimiento internacional. Pronto el concierto se hizo caballito de batalla en occidente para pianistas como Moura Lympany, pero sobre todo para el tristemente malogrado William Kapell, quien tiene entre varias una inmortal grabación hecha con Koussevitzky en Boston.

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     La obra está estructurada en tres movimientos. El primer movimiento es el más tradicional, siguiendo la forma sonata y el que más permite las salidas virtuosas del solista. El segundo movimiento, a la manera de intermezzo, se despliega en un ambiente elegiaco y fantasmagórico, ambiente al que contribuye el uso absolutamente novedoso de una ¨sierra musical¨ (musical saw) que crea un sonido oscilante característico que indica bruma y misterio espectrales. Es un momento musical inolvidable. El Finale implanta un cambio anímico oscilante entre lo brillante y festivo y lo más reflexivo e introspectivo, introduciendo embriones de melodías de presunto orígen armenio, llegando a una coda que cierra el concierto de modo triunfal al mejor modo brahmsiano. 

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      En cuanto al uso de la ¨sierra musical¨ en el segundo movimiento como indica el compositor, al no ser un instrumento nada común (y hasta peligroso), en ocasiones se utiliza en su lugar un flexatone ó un vibráfono para lograr un sonido parecido, aunque en algunas grabaciones simplemente se ha omitido cualquiera de éstos instrumentos.

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     No existen demasiadas grabaciones del Concierto de Khachaturian. De entre las referencias históricas tenemos a la grabación pionera de Moura Lympany con Anatole Fistoulari (LSO) y a las grabaciones de William Kapell, sobresaliendo la ya mencionada grabación de 1946 con Sergei Koussevitzky. Oborin lo grabó ese mismo año con Mravinsky al frente de la Filarmónica Checa. Entre las grabaciones modernas probablemente la referencia siga siendo la magnífica grabación de Alicia de Larrocha acompañada de Frühbeck de Burgos. De la era del stereo temprano sobresale la grabación hecha por Peter Katin y Hugo Rignold al frente de nuevo de la Sinfónica de Londres (1959). Grabación portentosa, ajena a exhibicionismos y con una magnífica sonoridad del movimiento central, aunque no tengo la información precisa, parecieran usar en ésta ocasión el flexatone, con una tonalidad más aguda que la sierra musical. Grabación de colección y con excelente sonido reprocesado por EVEREST. 

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M-S.

Fantasía Tallis.

Edward Elgar

IN THE SOUTH

Ralph Vaughan Williams

FANTASY ON A THEME BY THOMAS TALLIS

THE WASPS, OVERTURE.

Bournemouth Symphony Orchestra

Dir: Constantin Silvestri.

(EMI)

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      Grabación modélica de la célebre Fantasía Tallis de RVW.

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M-S.

Alfvén: Sinfonía Póstuma.

Hugo Alfvén

SINFONÍA Nr. 5  (versión completa revisada)

Royal Stockholm Philharmonic Orchestra

Dir:  Neeme Järvi.

(BIS)

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      Finaliza con ésta entrega el ciclo homenaje al natalicio 150 de Hugo Alfvén.

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       La Sinfonía Nr. 5 es el último esfuerzo sinfónico de Alfvén y la obra que le llevó mayor tiempo de gestación y mayores dificultades para lograr una versión a su juicio satisfactoria. La primera versión fue concluida en 1953. La misma fue estrenada el 14 de abril de ese año, con la Sinfónica de Gotemburgo, bajo la batuta del director húngaro Carl Garaguly.  Alfvén se mantuvo revisando la obra hasta su muerte en 1960, sin haber podido escuchar una ejecución de la versión revisada. La presente grabación del magistral ciclo de Neeme Järvi es la pionera, con apenas una o dos competidoras que han salido desde entonces.

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      La Quinta en la versión que ha llegado hasta nosotros representa sin duda un avance en la técnica y estilo de composición de Alfvén. La misma está desplegada en los tradicionales cuatro movimientos y recoge temas presentados en el magnífico ballet ¨Bergakungen¨ ya presentado en éste espacio. Se trata de una obra que refleja distintos y contrastantes estados de ánimo, con momentos de alta intensidad dramática. Un primer movimiento muy elaborado y de gran fuerza, sucedido por un Andante de hermoso lirismo; un siniestro Scherzo de gran originalidad y sonoridad con especial trato de la percusión. Finalmente, una prolongada conclusión que se despliega en modo triunfal, en el típico lenguaje posromántico escandinavo, con reminiscencias nielsenianas. Se necesita de una orquesta comprometida con ésta música para lograr una interpretación que no naufrague, y por supuesto Neeme Järvi no decepciona en ésta empresa. Sin haber escuchado aún la más reciente grabación de Niklas Willen en Naxos, la de Järvi suena aún magnífica, teniendo en sus manos a la orquesta ideal, por lo que  puede ser tomada aún como la referencia para ésta magnífica obra.

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M-S.

   

Raff: Violin Concertos.

Joseph Joachim Raff

VIOLIN CONCERTOS

Michaela Paetsch-Neftel, Violin

Bamberger Symphoniker

Dir: Hans Stadlmair.

(TUDOR)

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      Con éste hermoso disco que contiene los dos conciertos para violín de Raff, finaliza nuestro ciclo homenaje al bicentenario del compositor.

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M-S.

Bernard Haitink: A un año.

Maurice Ravel

DAPHNIS ET CHLOÉ  (Complete)

Tanglewood Festival Chorus

Boston Symphony Orchestra

Dir: Bernard Haitink.

(PHILIPS)

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     Conmemorando y celebrando a Bernard Haitink, a un año de su partida de éste plano.

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      Aunque muy asociado al repertorio tradicional germánico romántico y posrromántico (Beethoven, Mahler, Bruckner...) existe un grupo de grabaciones de repertorio menos frecuente y con el cual el recordado maestro holandés nos dejó grabaciones de auténtica referencia.

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    Uno de éstos discos imprescindibles es su primera grabación del Dafne y Cloé de Ravel, ballet en versión completa  hecho con la Sinfónica de Boston. Por alguna razón Haitink tuvo siempre una gran afinidad con ésta obra en particular, con al menos tres grabaciones en su haber (la bostoniana es la primera y la indiscutiblemente de elección). Se trata de un portento de grabación, con el mejor sonido Philips, tal vez sin el toque final de sensualidad hedonista que conseguiríamos en un Munch, pero sin duda una grabación inspirada y del más alto nivel artístico. Una gran adición para toda colección esencial dedicada al maestro desaparecido.

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     Sin más y nuevamente, gracias por su arte, MAESTRO.

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M-S.

#RVW150

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr. 8

Bournemouth Symphony Orchestra

Dir: Kees Bakels.

(NAXOS)

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    Un día como hoy, 12 de octubre de 1872, hace 150 años, nace Ralph Vaughan Williams, considerado el más grande de los sinfonistas británicos.

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   Como todo gran sinfonista, llegó a componer nueve sinfonías. La 8va entra ya en el período tardío de la vida creativa del compositor. La misma fue compuesta entre 1953-55 y está dedicada a Sir John Barbirolli y a su Orquesta Hallé. La Octava fue estrenada en Manchester por sus dedicatarios, el 2 de mayo de 1956, con éxito contundente. El ¨Manchester Guardian¨ reportaba después de ésta premiére que era ¨raro ver una ovación de pie tan estruendosa y tan unánime, tratándose de una obra inédita¨.  Es la sinfonía más corta, más neoclásica, más económica y de mayor colorido y luminosidad del total de las nueve. La obra no está asociada a programas ni a ideas obvias extramusicales, por lo que se considera un buen exponente de música absoluta.

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    La especial musicalidad de la 8va y la forma en que se estructura (Variazioni senza thema, alla Marcia, Cavatina, Toccata) remiten claramente a períodos anteriores al romanticismo, pero con recursos orquestales modernos que le imprimen una estimulante sensación de descubrimiento. El caleidoscopio sonoro de la Toccata (Finale) es un espectáculo.

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     Dada la relativa economía de la 8va, es posible que casi cualquier grabación le haga buena justicia. Están las clásicas de Boult, Barbirolli, Previn, Slatkin, Thomson... La grabación de Kees Bakels para NAXOS recoge maravillosamente los detalles sonoros de la orquestación y en una de las mejores calidades sonoras. Una verdadera gozada y la mejor manera de conmemorar el genio de RVW.

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M-S.

La Leyenda de Kullervo.

Jean Sibelius  

KULLERVO, Suite Sinfónica, Op. 7

Soile Isokoski, Tommi Hakala (Solistas)

YL Male Voice Choir

Helsinki Philharmonic Orchestra.

Dir: Leif Segerstam.

(ONDINE)

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    Parto del principio de que Sibelius compuso nueve sinfonías, siete sinfonías numeradas, la Suite Sinfónica ¨Kullervo¨ y las Cuatro Leyendas del Lemminkäinen que en conjunto se puede considerar una sinfonía.

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    Kullervo fue creada por Sibelius en 1892. Es el primer gran proyecto del compositor, basado en Kullervo el desdichado, personaje trágico narrado en los Cantos (Runos) 31 al 36 del Poema Epico ¨Kalevala¨. La obra está dispuesta para coros, solistas vocales y orquesta. Fué estrenada por el compositor, el 28 de abril de 1893, dirigiendo la Orquesta de la Sociedad Musical de Helsinki, con un éxito contundente.

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    A pesar del éxito de la obra, la misma nunca fué publicada en vida del compositor y sólo fue interpretada cuatro veces más en ese año 1893. Probablemente diversas controversias en torno a sus tintes nacionalistas,  la complejidad y aceptación del lenguaje finés en un territorio bajo tutela rusa pero donde las élites culturales eran sueco-parlantes, limitaron su difusión. La obra no volvió a ser interpretada en su totalidad hasta 1958, al año siguiente de la muerte de Sibelius, y a cargo de su yerno Jussi Jalas, en el marco del primer Festival Sibelius de Helsinki.

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      Kullervo fue finalmente publicada en 1966 (Breikopf & Härtel) y la primera grabación comercial se llevó a cabo en 1971, con el director finlandés Paavo Berglund dirigiendo la Sinfónica de Bournemouth, para el sello EMI, constituyéndose en una auténtica revelación para los medios musicales. La enorme grabación de Berglund, hoy bastante difícil de conseguir, es tenida no sólo como pionera sino como absoluta referencia para ésta importantísima obra del repertorio finlandés. Sin embargo desde la misma ha surgido un puñado pequeño de grabaciones que se le pueden poner a la par. Una de ellas es la maravillosa lectura de Leif Segerstam, que forma parte de su ciclo Sibelius para el sello ONDINE con la Filarmónica de Helsinki, grabación que tiene todas las bondades de la referencial de Berglund, con los agregados de una mejor calidad sonora y el canto inolvidable de Soile Isokoski en el rol de la soprano. Alternativa Nr.1 para quien no tenga la grabación de Paavo Berglund.

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M-S.

Sinfonía Antartica.

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr.7, ¨SINFONIA ANTARTICA¨.

Ralph Richardson, Narrator.

London Symphony Orchestra

Dir: André Previn.

(RCA)

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    Continuando nuestro ciclo homenaje a RVW.

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    ¨Sinfonia Antartica¨ es el título en lengua italiana recibido por la Sinfonía Nr. 7 de Vaughan Williams. La misma fue compuesta entre 1949-1952 y su antecedente inmediato es la música incidental compuesta en 1947 para la película ¨Scott of the Antarctic¨, basada en la expedición de Robert Falcon Scott a la Antártida. Se trata de una obra ambiciosa para gran orquesta, con inclusión de pasajes para voz femenina sin palabras (a la manera de la Sinfonía Pastoral), pasajes para textos con narrador, órgano y eolifón, instrumento que emula el soplido del viento. El uso del narrador es opcional, y así encontramos interpretaciones que lo usan ó no. La presente grabación de André Previn lo incluye.

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      La Sinfonia Antartica fué estrenada en Manchester, el 14 de enero de 1953, con Sir John Barbirolli al frente de la Orquesta Hallé. Dicha interpretación no incluyó narrador. A pesar de su originalidad y valor artístico, es una de las obras menos interpretadas de RVW, dada la complejidad y la gran infraestructura instrumental que requiere para ejecutarla. La grabación del espléndido ciclo de André Previn recoge como pocas el espíritu integral de la obra, acercándose a la perfección sonora cinemática que la misma involucra.  Un disco esencial para empezar una colección de nuestro compositor homenajeado.

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M-S.

   

Vangelis: Carros de Fuego.

VANGELIS

CHARIOTS OF FIRE (1981)

Polydor.

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    ¨Chariots of Fire¨ es la banda sonora compuesta por Vangelis para la película del mismo nombre realizada por el director Hugh Hudson, y ganadora de cuatro Oscar de la Academia, incluyendo a éste disco como mejor banda sonora.

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     El disco se ubica entre sus creaciones ¨See You Later¨ de 1980 y ¨Antarctica¨ de 1983. Todos los temas del disco son de Vangelis, a excepción de ¨Jerusalem¨, que es un poema de William Blake musicalizado por Hubert Parry. En el mismo podemos escuchar la intervención coral de los Cantores Ambrosianos. De entre las bandas sonoras compuestas para el cine por Vangelis, probablemente ¨Chariots¨ sea la más lograda en conjunto con ¨Bladerunner¨ de 1994.

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M-S.

Haydn: Concierto para Trompeta.

Franz Joseph Haydn

TRUMPET CONCERTO, In E Flat Major, Hob. Vlle 

Adolf Scherbaum, Trumpet

Sinfonie Orchester Des NDR Hamburg

Dir: Christoph Stepp.

(DG)

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     A pesar de haber sido publicadas en éste blog numerosas obras de Haydn a través de los años, recién hoy caigo en cuenta que su Concierto para Trompeta, una de sus obras más memorables, ha dormido el sueño de los justos. Es momento de reivindicarlo.

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     Aunque los conciertos para trompeta son obras características del barroco (Torelli, Telemann, Hertel, Molter, Fasch...), es con Franz Joseph Haydn que el género llega a la cúspide, no sólo por el genio del compositor en el arte del concierto para instrumentos solistas, sino por un hecho particularmente relevante en la historia de la música: la invención de la trompeta de llaves por Anton Weidinger, trompetista de la corte imperial austríaca, en 1796.  Las investigaciones de Weidinger estimularon a Haydn a componer su concierto para trompeta, un concierto clásico inédito, de longitud inusual en comparación con los conciertos del barroco, y definitivamente innovador en cuanto al rango expresivo, pues la nueva trompeta de llaves permitía realizar escalas cromáticas que eran imposibles con la trompeta natural. Sólo Johann Nepomuk Hummel fué capaz posteriormente de llegar a un logro similar. A pesar de éste gran avance, la trompeta decaería como instrumento solista virtuoso en el período romántico, recobrando protagonismo a través de grandes conciertos contemporáneos del siglo XX.

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    Haydn compuso entonces su concierto para Weidinger, quien sin embargo no lo estrenó en la premiére del 22 de marzo de 1800 en el Burgtheater de Viena. El mismo lo tocaría a la semana siguiente, en un concierto público del 28 de marzo, con excelente acogida del público y de la prensa vienesa. La partitura del concierto se perdió después de la muerte de Haydn, siendo recuperada a finales del siglo, logrando establecerse definitivamente como pieza regular y obligada del repertorio.

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     Uno de los más grandes representantes de éste concierto ha sido el recordado trompetista Maurice André, quien tiene numerosas grabaciones que permiten reconocer su genio. Sin embargo existen otras versiones que merecen mucho la pena escuchar. La grabación de Adolf Scherbaum, uno de los más grandes solistas del instrumento antes del reinado de André, es una gran favorita que permite recoger la esencia de lo que debe haber sido el concierto interpretado por la trompeta de llaves. Las escalas recogidas por Scherbaum en el desarrollo son memorables, y las cadenzas, con mucho componente improvisador, son las más endemoniadamente difíciles que he escuchado, con unos agudos inigualables. Una de esas cosas inexplicables del mundo de la discografía, particularmente de Deutsche Grammophon, es por qué éstas joyas nunca han sido rescatadas en CD. La presente grabación es transcripción a mp3 desde el LP original, por lo que se espera la comprensión del oyente. 

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M-S.

Tríptico Isabelino

Ralph Vaughan Williams

THREE PÓRTRAITS FROM ¨THE ENGLAND OF ELIZABETH¨

London Symphony Orchestra

Dir: André Previn

(RCA)

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       Continuando el ciclo homenaje a RVW.

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    ¨La Inglaterra de Isabel¨ es un documental de la BBC del año 1957 sobre la era isabelina, la Inglaterra de la mítica reina Isabel I Tudor. Vaughan Williams fué comisionado para la realización de la música incidental. A partir de la misma se realizó luego un maravilloso tríptico orquestal llamado ¨Tres Retratos de la Inglaterra de Isabel¨. El tríptico recoge no sólo una maravillosa ambientación de la Era Tudor, sino toda la esencia histórica británica. No es una obra muy conocida ni muy interpretada, por lo que la grabación del recordado André Previn se coloca como fácil referencia. Sirva además ésta entrega como homenaje a la recién desaparecida reina sucesora del mismo nombre, quien con su escala de grises, ha logrado llevar y dejar la nave del Estado en puerto seguro. RIP.

 

Raff: Sinfonía Nr. 1.

Joachim Raff

SYMPHONIE Nr.1, Op. 96, ¨An das Vaterland¨.

Rhenish Philharmonic Orchestra

Samuel Friedman.

(NAXOS)

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     Introducción a la creación sinfónica de Joachim Raff, cuyo bicentenario seguimos conmemorando.

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M-S.

Job.

Ralph Vaughan Williams

JOB, A Masque for Dancing 

English Northern Philharmonia

Dir: David Lloyd-Jones

(NAXOS)

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    Como ya hemos comentado, la música más cautivadora de RVW suele ser la que menos rigor académico conlleva. Es el caso de Job, un ballet en un acto y nueve escenas, compuesto en 1931 para el Vic-Wells Ballet, estableciendo el concepto moderno del ballet británico. La obra fué denominada originalmente como ¨Mascarada¨ por el compositor. Sin embargo al no haber conseguido un éxito definitivo siendo representada en su concepción original (mascarada bailable o danzante) ha cosechado posteriormente reconocimiento como obra orquestal, magníficamente rica en ideas y con maravillosa orquestación que incluye instrumentos como el órgano, el xilófono, el glockenspiel y el tam-tam. La presente grabación del recién desaparecido David Lloyd-Jones reproduce los mejores aspectos de ésta, una de las mejores partituras de RVW.

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M-S.

Vangelis: Opera Sauvage.

Vangelis

OPERA SAUVAGE (1979)

1.- Hymne

2.- Réve

3.- L´Enfant

4.- Mouettes

5.- Chromatique

6.- Irlande

7.- Flamants Roses

(POLYDOR).

Schnittke: Suite Gogol.

Alfred Schnittke

GOGOL SUITE (arr. Gennady Rozhdestvensky)

Malmö Symphony Orchestra

Dir: Lev Markiz.

(BIS)

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    Alfred Schnittke murió el 3 de agosto de 1998 a la edad de 63 años, edad lamentablemente prematura para un artista de su estatura. Su poliestilismo musical es uno de sus sellos personales y aunque su música más académica y erudita es muy estimulante para el oído entrenado, puede parecer ininteligible e indigerible para el público en general.  Sin embargo hay un Schnittke más versátil, tonal, interesante e incluso divertido que podemos encontrar en sus composiciones incidentales y música para el cine, donde podemos encontrar auténticas maravillas que deberían de ser mucho más conocidas.

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      Un buen ejemplo de éste otro tipo de música de Schnittke es la Suite Gogol, la cual es una selección de números de la música para la película ¨The Census List¨ (1975) hecha por el también desaparecido director Gennadi Rozhdestvensky. La Suite está construida con las 8 partes que expresan mejor el concepto del guión original. La obra refleja no sólo el estilo poliestilístico del compositor sino una intención satírica mediante la sucesión de motivos aparentemente inconexos (Collage) que ridiculizan a los principales caracteres que aparecen en la película. No dejan de observarse otras técnicas típicas de Schnittke como el uso de citas a otros compositores (Beethoven, Tchaikovsky, Shostakovich). El resultado es muy divertido.

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     La magnífica serie discográfica hecha por el sello BIS compila toda la obra principal de Schnittke (sólo falta específicamente la música para el cine, que sí ha sido hecha por el sello Capriccio), y por supuesto está incluída la Suite Gogol.  Dada la dificultad en conseguir la grabación del mismo Rozhdestvensky, está la de Lev Markiz en BIS como buena alternativa.

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M-S.

Alfvén: Sinfonía Nr. 4

Hugo Alfvén

- EN SKARGARDSSAGEN ( A Legend of the Skerries), Poema Sinfónico, Op.20

- SINFONIA Nr. 4, Op. 39 ¨Fran Havsbandet¨ (From the Outermost Skerries)

Stockholm Philharmonic Orchestra

Dir:  Neeme Järvi.

(BIS)

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    El cuarto disco de la serie Alfvén-Järvi trae dos de las obras más emblemáticas del compositor. En primer lugar su Poema Sinfónico ¨Leyenda de los Arrecifes¨ que viene del mismo período artístico del ¨Midsommarvaka¨. La palabra ¨Skerries¨ se refiere a arrecifes o formaciones rocosas costeras (islotes o isletas) demasiado pequeñas para ser habitadas y que abundan en Escandinavia e Irlanda. El Poema de Alfvén, de intención descriptiva, se refiere a un paisaje estival en éstas zonas, con lenguaje coloridamente escandinavo, pero que deja adivinar influencias postmendelssohnianas, wagnerianas y straussianas. Merece ser más conocido.

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     La Sinfonía Nr. 4  fué concluída por Alfvén en 1919 y estrenada en un concierto privado para la Real Academia de Música de Estocolmo, a la que seguiría el estreno público el 23 de enero de 1920, con estruendoso éxito, tal vez el más grande alcanzado por el compositor en vida. Al revuelo del estreno de Estocolmo sucedieron estrenos de la obra en Frankfurt (1920); Viena (1921) y Berlín (1922). La popularidad de la obra llevó a que se estrenara en los Estados Unidos en 1938, siendo el propio compositor invitado a dirigirla con la Sinfónica de Chicago. 

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     Se trata de una obra para gran orquesta y voces solistas que intervienen vocalizando, no articulando palabras, a la manera de la Sinfonía Pastorale de Ralph Vaughan Williams. La misma va desplegada en los tradicionales cuatro movimientos pero se ejecutan sin interrupciones, con suaves transiciones internas entre los mismos. La obra se titula en sueco ¨Fran Havsbandet¨ (Desde los remotos arrecifes), por lo que su ánimo y estilo están claramente emparentados con el mundo del Op.20. El ánimo eminentemente romántico de la obra se despliega en una plácida atmósfera marina que no deja de tener sus amenazas tormentosas, revelando nuevamente las técnicas descriptivas que Alfvén admiraba tanto en Richard Strauss. 

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     La Sinfonía Nr. 4 es una obra magnífica, con muchos momentos de genialidad creadora, para muchos dentro de Suecia es la mejor sinfonía creada en esas tierras.  De nuevo la grabación de Neeme Järvi para BIS es reveladora de sus mejores aspectos y resulta particularmente apropiado que en el CD original la obra venga precisamente acompañada por el Op.20 que en cierto modo sirvió de boceto para el desarrollo del Op.39. Una absoluta recomendación.

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M-S.

Raff: Cello Concertos

Joseph Joachim Raff

CELLO CONCERTOS

Daniel Müller-Schott, cello

Bamberger Symphoniker

Dir: Hans Stadlmair.

(TUDOR)

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    Volviendo a visitar a Raff en homenaje a su bicentenario, con sus dos conciertos para cello en grabaciones de referencia.

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M-S.

Vaughan Williams: Sinfonía Nr. 6

Ralph Vaughan Williams

SINFONIA Nr. 6

Philharmonia Orchestra

Dir: Leonard Slatkin

(RCA)

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    RVW compuso su Sinfonía Nr. 6 entre 1944-47, la cual fue estrenada en su versión original el 21 de abril de 1948, con Sir Adrian Boult al frente de la Orquesta Sinfónica de la BBC.  La misma sufrió revisiones en 1950 hasta llegar a la versión definitiva.  La primera grabación comercial es la famosa de Leopold Stokowski de 1949, con la Filarmónica de New York.

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    En la 6ta, el compositor abandona el mundo pastoral y bucólico de la Sinfonía Nr. 5 y vuelve a los modos agrestes, violentos y disonantes de la Cuarta, y aunque no hay contenido programático, su contemporaneidad con la temprana posguerra la hace adivinar de pasajes alegóricos al lanzamiento de las bombas atómicas sobre el Japón, no dejando de haber paralelismos con una obra contemporánea, la 8va de Shostakovich. La versión revisada de 1950 es la que se interpreta y graba a partir de la grabación Decca de Adrian Boult.

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    El ciclo sinfónico de Leonard Slatkin hecho para RCA es aún hoy uno de los mejores y más uniformes disponibles, destacando precisamente su 6ta sinfonía, grabación seleccionada para ésta entrega.

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M-S.

Balakirev y Liadov por Neeme Järvi.

- Anatoly Liadov: POLONAISE.

- Mily Balakirev:  SINFONIA Nr. 1.

City of Birminghan Symphony Orchestra.

Dir: Neeme Järvi

(EMI)

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     Al gran maestro estonio Neeme Järvi lo hemos conocido a través de la impresionantemente prolija discografía que ha hecho para los sellos BIS, Chandos y Deutsche Grammophon. Sin embargo hay rarezas suyas encontradas en otros sellos, como éste disco de EMI, que hasta donde sé, es su única grabación con el emblemático sello inglés del angelito. Disco por demás de colección.

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M-S.

Música de las Cuatro Tierras.

MUSIC OF THE FOUR COUNTRIES

-Ethel Smyth - THE WRECKERS: OVERTURE.

-Hamilton Harty:  WITH THE WILD GEESE.

-Hamish MacCunn: THE LAND OF THE MOUNTAIN AND THE FLOOD.

-Edward German:  WELSH RHAPSODY.

Royal Scottish National Symphony Orchestra

Dir: Alexander Gibson

(EMI).

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    Precioso disco con música de las cuatro tierras que conforman las Islas Británicas: Inglaterra, Irlanda, Escocia y Gales.

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M-S.

Cielo e Infierno.

Vangelis

HEAVEN AND HELL (1975)

Vangelis, Solista

English Chamber Choir

(RCA)

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   ¨Cielo e Infierno¨ fué realizado en 1975 y es el quinto álbum de la producción de Vangelis como solista. Es una de sus creaciones más aproximadas a la música clásica, con la representación de dos ambientes contrastantes: el Cielo, representado en las melodías más lentas, serenas y espirituales que alternan con fragmentaciones corales y vocales; y el Infierno, representado en la música más rápida, estridente y disonante, conducente al caos. El álbum fué un éxito desde su lanzamiento en 1975, pero el mismo tuvo un impulso definitivo a la fama en 1981 al ser su música la seleccionada para los temas de la memorable serie televisiva ¨Cosmos¨ de Carl Sagan. ¨Heaven and Hell¨ constituye hoy uno de los álbumes esenciales de toda la espléndida discografía de Vangelis.

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M-S.

Vaughan Williams: Sinfonía Nr. 5.

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr. 5

London Symphony Orchestra

Dir: André Previn.

(RCA)

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     Arribamos a la 5ta de RVW en nuestro paseo-homenaje a su aniversario.

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     La Sinfonía Nr. 5 fue compuesta entre 1938 y 1943. Para algunos críticos actuales dicha obra representa un retroceso, pues el compositor parece girar desde las armonías telúricas y violentas disonancias de la Sinfonía Nr. 4 al mundo calmo y bucólico de la Sinfonía Pastoral, pero un grado aún por encima. Probablemente las controversias creadas en torno a la Cuarta lo persuadieron de éste aparente retroceso, y el exitoso estreno en Royal Albert Hall, el 24 de junio de 1943, con la London Philharmonic bajo la batuta del mismo compositor, parece haberle dado la razón. La obra está dedicada a Sibelius.

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     Aunque a nuestros oídos de hoy pueda parecer una obra de difícil digestión, la misma gozó en su momento de la mejor recepción por parte del público y de la crítica, y se podrían entender las razones. En 1943, la Gran Bretaña estaba imbuída en lo peor de la II Guerra Mundial, y tal vez el carácter sosegado, sereno y reflexivo de la Quinta era lo que necesitaba una sociedad sometida a un estado de sitio. La obra está libre de contenidos programáticos. 

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    Las características particulares de la Quinta la hacen delicada a la hora de interpretarla, pues una mala ejecución (mala dirección) la harán sucumbir con seguridad. La mayoría de grabaciones que conozco no superan a cabalidad el reto y no han ayudado a que la obra recupere el lugar que le correspondería (¨Escuchar la 5ta de RVW es como ver pastar a una vaca durante una hora entera¨, llegó a decir alguien por ahí) . Una de las pocas grabaciones que cumple la misión es la de André Previn, que en los momentos clave muestra la asertividad requerida. Una referencia redonda para ésta obra.

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M-S.

 

Alfvén: Sinfonía Nr. 3.

Hugo Alfvén

SYMPHONY Nr. 3, Op, 23

Stockholm Philharmonic Orchestra

Dir: Neeme Järvi.

(BIS).

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      Continuando el homenaje a Hugo Alfvén con el magnífico ciclo sinfónico de Neeme Järvi, pionero y de absoluta referencia.

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     La Sinfonía Nr. 3 fue comenzada por Alfvén en 1905 durante una estadía estival en Italia, y concluida en Dinamarca el año siguiente. Se trata de la sinfonía más alegre del compositor, con aromas mediterráneos, y tonalidades que oscilan entre pínceladas post-mendelssohnianas y frases evocadoras del Strauss temprano (ambos también compusieron obras de inspiración italiana). La misma fue estrenada el 3 de diciembre de 1906, en Göteborg, bajo la batuta del propio compositor.

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    La Tercera es una obra de transición, representa un avance en las técnicas que luego el compositor desarrollará plenamente en sus dos últimas sinfonías. La grabación de Järvi recoge magníficamente los aspectos más resaltantes y lúdicos de la partitura.

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M-S

Vangelis: Spiral

 Vangelis

SPIRAL  (1977)

1.- Spiral.

2.- Ballad

3.- Dervish D

4.- To the unknown man (I)

5.- 3 + 3

6.- To the unknown man (II)

(RCA)

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    Homenajeando a Vangelis con uno de sus álbumes más emblemáticos. Spiral fué lanzado en 1977 y se ubica entre Albedo 0.39 (1976) y Beaubourg (1978).  Los avances técnicos de Spiral encaminan de una forma definitiva las tendencias del entonces naciente New Age. Un esencial de la discografía de Vangelis.

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M-S. 

Bicentenario Joachim Raff.

Joseph Joachim Raff (n. 27.05.1822  -  1882)

- ODE  AU PRINTEMPS (ODA A LA PRIMAVERA), para piano y orquesta, Op.76 

- PIANO CONCERTO, Op. 185

Peter Aronsky, Piano 

Radio-Sinfonieorchester Basel.

Dir: Jost Meier (Op.76)

Dir: Matthias Bamert (Op.185).

(TUDOR)

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     Conmemorando el bicentenario de un compositor injustamente olvidado, aún en nuestros días, el suizo Joseph Joachim Raff.  Aunque buena parte de su música comienza a ser rescatada por las discográficas, con un puñado de excelentes grabaciones a disposición, Raff se conoce aún hoy muy poco y rara vez es programado en conciertos, lo cual es una pena adicional. Nacido en Suiza, Raff es probablemente el compositor romántico de ese orígen más importante del siglo XIX.  Aunque las raíces de Raff son alemanas y buena parte del desempeño profesional de Raff transcurrió en Alemania, siempre hay en su música elementos evocadores autóctonos de su tierra natal pero con un estilo general típicamente alemán posromántico, tributario de Mendelssohn, aunque en sus obras orquestales también se adivinan influencias de Liszt y Berlioz. En su extenso catálogo de obras figuran conciertos para diversos instrumentos, obras corales, música de cámara, seis óperas y una amplia diversidad de obras orquestales entre las que sobresalen once sinfonías, la última de ellas inconclusa, por la muerte del compositor en 1882.

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     Como homenaje al bicentenario de Raff presento un magnífico disco con sus dos principales obras para piano y orquesta, de típica influencia post-mendelssohniana. Seguiremos visitando a Raff en el futuro.

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M-S.

Todo Rach: Danzas Sinfónicas.

Sergei Rachmaninov

DANZAS SINFÓNICAS, Op.45

Detroit Symphony Orchestra.

Dir: Leonard Slatkin.

(NAXOS)

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     Danzas Sinfónicas es la última obra compuesta por Sergei Rachmaninov, y aunque no está titulada como sinfonía, puede ser considerada como una.  La misma fué completada a finales de 1940 y fué dedicada a Eugene Ormandy y a la Orquesta de Filadelfia, a quienes correspondió el estreno el 3 de enero de 1941.

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     Aparentemente el estreno en Filadelfia no dejó del todo satisfecho al compositor y al no haber grabación de aquel concierto no puede formarse un juicio. La primera grabación correspondió a Dimitri Mitropoulos, al frente de la Filarmónica de New York, el 20 de diciembre de 1942, en ésta ocasión con ensayos monitorizados por el compositor. Grabación formidable que pude escuchar, rescatada y restaurada recientemente por MARSTON RECORDS, disponible pero seguramente a precios poco permisivos.

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     A diferencia de lo que se pueda pensar, Danzas Sinfónicas se erige como una obra revolucionaria en su estilo, por el manejo rapsódico de los temas, la magnífica inventiva en la orquestación, con aquel inédito y nostálgico pasaje del saxofón tenor en el primer movimiento, los fantasmagóricos vientos del Tempo di Valse y los ritmos frenéticos que intercalan danzas eslavas con elementos del jazz (ritmos sincopados) en el Finale. Las ideas originales de la obra datan de tan temprano como 1915, cuando Rachmaninov componía un proyecto de ballet llamado ¨Los Escitas¨. El proyecto no fructificó pero a principios de 1940 el compositor decide rescatar varios de sus temas para organizarlos en forma de ésta especie de suite orquestal. Como en otras de sus obras orquestales, Rachmaninov incluye en la composición de Danzas Sinfónicas elementos del canto ortodoxo ruso, cantos medievales de muertos en los que no puede faltar el sempiterno Dies Irae, una de las obsesiones del compositor.  La recepción al estreno de Ormandy resultó tibia, en parte por la interpretación, pero también por las reacciones mixtas entre el público y los críticos: mientras el público esperaba más exhuberancia, a la stravinsky, los críticos esperaban más conservadurismo tchaikovskiano, tal vez a la manera de la 2da sinfonía ó del concierto para piano Nr. 3. Con los años, la obra ha venido el justo espacio que le corresponde, siendo hoy un favorito para cualquier gran orquesta.     

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     Grabaciones de Danzas Sinfónicas existen en un número respetable, aunque son pocas las que logran adentrarse verdadera y convincentemente en éste caleidoscopio sonoro. Hay pasajes que requieren especial atención para garantizar una grabación de referencia, como por ejemplo el particular uso de la percusión en el último movimiento, con aquella siniestra pero liberadora intervención del tam-tam que cierra la obra y que no todas las grabaciones respetan como señala la partitura. Hay una trayectoria de buenas grabaciones a través de Kondrashin, Previn, Ashkenazy, y más recientemente Kirill Petrenko y espacialmente Leonard Slatkin, especialista indiscutible en éste repertorio y quien en su más reciente grabación con la Sinfónica de Detroit, explota como pocas todos los elementos expresivos de ésta gran obra que cierra con broche de oro la trayectoria artística de uno de los compositores más importantes del siglo XX.

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      Con ésta entrega queda cerrado el ciclo Todo Rach.

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M-S. 

  

 

VANGELIS (1943-2022). IN MEMORIAM.

 

Vaughan Williams: Sinfonía Nr. 4

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr. 4

Philharmonia Orchestra

Dir: Leonard Slatkin.

(RCA)

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     Continuando el ciclo homenaje a RVW con su Sinfonía Nr. 4.

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      La Cuarta fue concluida por RVW a principios de 1935. La misma, a diferencia de sus predecesoras, no lleva apellido, está entendida como música absoluta, sin inspiraciones incidentales ni referencias externas. La misma fue estrenada en Londres el 10 de abril de 1935, a cargo de la Sinfónica de la BBC bajo la batuta de Adrian Boult. Está dedicada a su colega compositor Arnold Bax. El éxito de la obra entre los círculos musicales británicos llevó a Vaughan Williams a ser reconocido como el sinfonista más importante de su país. La obra fue estrenada en los Estados Unidos el 19 de diciembre de 1935, con Artur Rodzinski dirigiendo la Orquesta de Cleveland.

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       A pesar de la relativa sencillez y economía musical de la obra, no goza de la popularidad de sus predecesoras y en épocas anteriores a nivel de disco sólo era fácil conseguirla a través de los dos grandes ciclos existentes: Boult y Previn. En ninguno de los dos destaca la Cuarta. En ciclos posteriores ya a nivel digital encontramos grabaciones más satisfactorias, por ejemplo ésta perteneciente al ciclo de Leonard Slatkin, uno de los más grandes representantes de la música de RVW y cuyo ciclo es de referencia. Esta 4ta destaca como entre lo mejor de éste ciclo, colocándose al lado de otras referencias como pudieran ser las grabaciones de Mitropoulos ó de Berglund. Una fácil recomendación.

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M-S.  

Alfvén: Sinfonía Nr. 2.

Hugo Alfvén

SYMPHONY Nr. 2, Op. 11

Stockholm Philharmonic Orchestra.

Dir: Neeme Järvi.

(BIS)

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   Continuando con nuestro ciclo homenaje al sesquicentenario del gran compositor sueco Hugo Alfvén, quien casualmente nació el 1ro de mayo de 1872 y murió un día como hoy, 8 de mayo de 1960.

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    La Sinfonía Nr. 2 es también una obra temprana de Alfvén. Fué concluida en 1899 y su amplio rango de claroscuros expresivos, de la luminosidad a lo tempestuoso, reflejan un período complicado en la vida del compositor. Sin embargo, a pesar de los nubarrones dramáticos que recorren la obra, el final es triunfante y reivindicativo, remarcando a ésta como la obra sinfónica más profunda musicalmente creada en Suecia. Aunque la sinfonía va formalmente en cuatro movimientos, el último movimiento, el más elaborado, va dispuesto en forma de un Preludio y Fuga. Es una gran obra que anuncia lo que vendrá en las siguientes sinfonías.

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   Como sucede con la sinfonía anterior, la grabación de referencia es la presente de Neeme Järvi para el sello BIS con la Filarmónica de Estocolmo.  Buena apreciación.

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M-S.

Messiaen: Cuarteto para el Fín de los Tiempos.

Olivier Messiaen (1908-1992)

QUATOUR POUR LA FIN DU TEMPS

Tashi Quartet

(RCA)

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    Conmemorando los 30 años de la partida física de uno de los compositores más notables del siglo XX, Olivier Messiaen.

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    Constituye para muchos todo un desafío descifrar los matices y significados en sus composiciones, sin embargo en todas se intuye una profunda conexión con su ferviente fé cristiana y la unión de los elementos de la naturaleza con un Dios creador.

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    Su ¨Cuarteto para el Fín de los Tiempos¨ me parece una de sus obras más accesibles, pero no por eso inferior ni menos inspirada. Sólo conocer las circunstancias de su composición invita a escuchar. La misma fué escrita por Messiaen durante su reclusión en el campo de prisioneros de Görlitz (Campo Stalag VIII-A) posterior a la caída de Francia en manos de los nazis. La misma fué estrenada en el mismo campo junto con otros reclusos músicos a los que les fué permitida la interpretación. La obra está inspirada en un texto del Libro del Apocalipsis bíblico y compendia en buena parte las mejores características del compositor: su profunda fé católica, su manejo organístico de la polifonía y su afición obsesiva por recoger los cantos de las aves como fuentes primordiales del material sonoro. Aunque se trata de una obra relativamente larga para tratarse de una composición de cámara, la continuidad sonora e inventiva melódica mantienen la atención del escucha durante todo el transcurso.

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   ¨Le Quatour¨ ha venido conquistando con los años su espacio merecido entre intérpretes y grabaciones. La grabación de la agrupación Tashi recoge como pocas las características especiales de la que es sin duda una de las obras más emblemáticas de la música del siglo XX.

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M-S.

Prokofiev: Piano Concerto Nr. 3.

Sergei Prokofiev

PIANO CONCERTO Nr. 3, Op. 26

Martha Argerich; Piano

Berliner Philharmoniker

Dir: Claudio Abbado.

(DG)

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     Sin lugar a ningún tipo de dudas, el compositor más grande nacido en tierra ucraniana ha sido Sergei Prokofiev (n. Sontsivka, 24-04-1891).

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    Compositor entre muchas otras cosas de siete sinfonías y de cinco conciertos para piano, el concierto para piano Nr. 3 es una de sus obras más populares y conocidas, aclamada ampliamente por el público y la crítica desde sus primeras interpretaciones. El mismo fue creado en 1921 y estrenado en los Estados Unidos el 16 de diciembre de ese mismo año con el mismo compositor al piano, acompañado de la Sinfónica de Chicago, bajo la batuta de Frederick Stock. El importante soporte de la batuta de Sergei Koussevitzky llevó al concierto al justo lugar de popularidad que hoy tiene. El mismo no sería estrenado en la URSS hasta 1925.

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    Las grabaciones del Nr. 3 son numerosas, dada su popularidad, facilidad de acceso, vitalidad e inventiva sonora que sólo se puede comparar con el Nr. 1 de Tchaikovsky o el Nr. 3 de Rachmaninov. Existe un puñado de lecturas imprescindibles, entre ellas la presentada hoy a cargo de una de sus más conspícuas representantes, Martha Argerich, secundada por Claudio Abbado y la Filarmónica de Berlín, grabación de 1967 y que desde entonces siempre ha sido una clara referencia. Grabación que se propone en ésta entrega.

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M-S.

Franck: Redemption.

César Franck

REDEMPTION,  Poema Sinfónico en dos partes, para narrador, solistas, coro mixto y orquesta

Orfeón Donostiarra

Orchestre du Capitole de Toulouse

Dir:  Michel Plasson.

(EMI)

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    Para el cierre de la conmemoración de los días santos.

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     Redemption está titulado como Poema Sinfónico aunque su estructura se asemeja más a un Oratorio. En las formas corales se remite indudablemente a Berlioz aunque en las notables partes orquestales se dejan incluso entrever reminiscencias wagnerianas. El mismo data de 1872 y está basado en un texto religioso de Edouard Blau. A pesar de ser hoy considerado como una de las obras más profundas de Franck, prácticamente no volvió a ser interpretado hasta la segunda mitad del siglo XX y rescatado en disco gracias al trabajo de directores como Michel Plasson cuyo testimonio es el que hoy compartimos.

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     Una Feliz Pascua de Resurrección.

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M-S. 

Poulenc: Stabat Mater

Francis Poulenc

STABAT MATER, para soprano, coro y orquesta.

Michéle Lagrange, Soprano.

Choeurs et Orchestre National de Lyon.

Dir:  Serge Baudó.

(HARMONIA MUNDI)

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    Para conmemorar el inicio de los Días Santos con el magnífico, hermoso y meditativo Stabat Mater de Francis Poulenc. De igual modo en memoria de todas las víctimas, civiles inocentes que han caído asesinados en Ucrania a manos de las crueles y criminales tropas rusas de Vladimir Putín. ¡No más genocidio en Ucrania!

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M-S.

Que el manto de la Vírgen bendiga y proteja al pueblo ucraniano.

Vaughan Williams: A Pastoral Symphony

 

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr. 3 ¨A Pastoral Symphony¨

Yvonne Kenny, Soprano

London Symphony Orchestra.

Dir: Bryden Thomson.

(CHANDOS)

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    Continuando el ciclo homenaje a Ralph Vaughan Williams.

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     La ¨Sinfonía Pastoral¨ fué completada en 1922. Sus primeras ideas vienen de los años más duros de la Primera Guerra Mundial (el compositor sirvió en el frente) y a pesar de su engañoso apellido ¨Pastoral¨, la obra recoge realmente lamentos en memoria de los caídos en la ¨Gran Guerra¨, así como una meditación de sonidos evocadores de la paz. La obra supone un cambio de estilo con respecto a sus dos predecesoras, siendo el contenido definitivamente más atmosférico y evocador que programático, y aunque la estructura formal es en cuatro movimientos hay sutiles transiciones entre cada uno. El elemento más característico de la Pastoral es el canto evocador sin palabras de una soprano al inicio del último movimiento, melodía cantada que después del desarrollo principal instrumental retorna para cerrar el movimiento y la obra.

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    La obra fué estrenada el 16 de enero de 1922, bajo la batuta de Adrian Boult. Las reacciones al estreno fueron mixtas y aunque siempre había sido una de las obras menos interpretadas del compositor, la misma con las años ha venido a conquistar su espacio que le corresponde por derecho propio. Aunque las grabaciones referenciales del mismo Boult y de André Previn se pueden considerar las primeras elecciones en la Pastoral, la presente grabación de Bryden Thomson es una buena alternativa, tal vez medio peldaño por debajo de las anteriores, pero con la ejecución experta de la LSO, el sonido característico de Chandos y el especialmente bello y luminoso canto de Yvonne Kenny en el rol solista. Una excelente alternativa, dado que la grabación de Previn ya ha sido publicada en homenaje a Heather Harper.

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M-S.