domingo, 20 de julio de 2014

Ravel - Maazel: Los Dos Conciertos Para Piano.

Maurice Ravel
LOS DOS CONCIERTOS PARA PIANO
Jean-Philippe Collard, Piano
Orchestre National de France
Dir. Lorin Maazel
(EMI)
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     Segunda entrega en homenaje al Maestro Maazel. Sus interpretaciones en el repertorio francés suelen ser de antología, y su dupla con Collard en los conciertos de Ravel revisten particular inspiración que me hace considerarlos como primera referencia.
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M-S.


jueves, 17 de julio de 2014

Wagner - Maazel: El Anillo Sin Palabras.

Richard Wagner
DER RING OHNE WORTE
Berliner Philharmoniker
Dir: Lorin Maazel.
(TELARC)
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        Primera entrega de la serie homenaje a Lorin Maazel, uno de sus mejores discos, una secuencia de los mejores momentos orquestales del gigantesco ciclo de El Anillo wagneriano.
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M-S.

domingo, 13 de julio de 2014

Maestro Lorin Maazel (1930-2014)... IN MEMORIAM



      Con hondo pesar transmitimos la terrible noticia de la muerte del renombrado Maestro Lorin Maazel, fallecido el día de hoy a los 84 años. Gran artista y mejor ser humano, deja un legado registrado en una amplísima discografía.
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       Desde ARPEGIO nos unimos al embargo y dolor por tan lamentable pérdida y se hará una respectiva serie en homenaje a su arte. DESCANSE EN PAZ.
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M-S.


domingo, 6 de julio de 2014

Todo Rach: La Primera Sinfonía.


Sergei Rachmaninov
SYMPHONIE Nr.1, Op.13
Hungarian National Philharmonic Orchestra.
Dir: Zoltán Kocsis.
(BMC)
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     Llegamos hacia la etapa final de nuestra serie de entregas "Todo Tchaikovsky", para ahora comenzar a dar impulso a la ya empezada serie "Todo Rach", dedicada a la obra de Sergei Rachmaninov.
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     La Primera Sinfonía fue compuesta por Rachmaninov entre enero y octubre de 1895 en Ivanovka. La misma se estrenó en San Petersburgo el 28 de marzo de 1897, sin que fuera vuelta a interpretar de nuevo en vida del compositor. Dicho estreno fué literalmente un desastre: una orquesta mal preparada y sin suficiente ensayo bajo la batuta de un Alexander Glazunov alcoholizado y quien se permitió chapuceros arreglos a la partitura hicieron la mezcla perfecta para la catástrofe. La crítica de César Cui, compositor mediocre pero inflamado crítico (as usual) fue emblemática del sentimiento general: "Una sinfonía programática sobre las Diez Plagas de Egipto". Por otra parte el estilo vanguardista de la obra no fue del gusto del establishment musical peterburguense, en constante rivalidad con los círculos moscovitas, disparando una crítica despiadada que conllevó a un profundo estado depresivo en el compositor del que le llevaría años recuperarse. Tras el obligatorio exilio de Rachmaninov con los desmanes de la revolución de octubre, dejó la partitura de la obra en su departamento en Moscú, considerándose extraviada para siempre. Las partes instrumentales de la sinfonía fueron descubiertas en 1944, pudiéndose reconstruir en su totalidad la obra, para su reestreno que tuvo lugar en el Conservatorio de Moscú, el 17 de octubre de 1945, bajo la batuta de Alexander Gauk. Desde entonces es una obra cada vez más apreciada e interpretada, conquistando su justo lugar en el repertorio sinfónico, aunque sin alcanzar la popularidad de su posterior esfuerzo, la monumental 2da Sinfonía.
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      La Primera es hoy reconocida como la gran página sinfónica que es: una obra dotada de una prodigiosa originalidad, espontáneamente apegada a la forma tradicional, con un despliegue sonoro innovador y estimulante pero sin excesos, con un magistral uso de la economía musical... una obra que se puede establecer como transición entre la vieja tradición sinfónica rusa y el inminente advenimiento de los modernistas, cuyo máximo representante sería Scriabin. Aunque estructuralmente no deja de tener problemas y dista de la perfección, una interpretación atenta y comprometida ayuda sin duda a salvar éstos obstáculos.
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      La obra tuvo su estreno en los Estados Unidos el 19 de marzo de 1948, con la Orquesta de philadelphia, dirigida por el amigo y colaborador incondicional de Rachmaninov, Eugene Ormandy, además escogida para el primer concierto televisado que tendría lugar en dicho país.}
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      La disponibilidad de grabaciones de la Primera no es tan amplia como de otras de sus obras, pero sí posee varias y dignas referentes, como la clásica lectura comercial de Eugene Ormandy para la CBS, pasando por la esplendorosa grabación de André Previn para EMI, la asertiva lectura de Lorin Maazel en DG con la Filarmónica de Berlin y el suntuoso registro de Vladimir Ashkenazy en DECCA dirigiendo la Orquesta del Concertgebouw. Todas grabaciones de primera factura que le hacen total justicia a la obra. Sin embargo siempre sale alguna que le da incluso un "toque final" que la hace revestirse de distinción especial. La referencia propuesta proviene de un concierto en vivo ofrecido por Filarmónica Nacional Húngara, dirigida por el renombrado pianista y luego eficiente director, el húngaro Zoltán Kocsis. La misma posee la emoción del sonido de un concierto en vivo, con un despliegue orquestal extraordinario, y que a juicio de quien escribe, podría compendiar lo mejor de las grabaciones anteriores antes citadas. La Filarmónica Nacional Húngara es hoy una agrupación de primera línea a nivel mundial y hoy día es la primera orquesta de Hungría. Su sonoridad y virtuosismo son magníficos. Sin más, la Primera de Rach.
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M-S.






viernes, 27 de junio de 2014

Todo Tchaikovsky: Mozartiana.


Piotr Ilich Tchaikovsky
SUITE Nr.4, Op.61 "MOZARTIANA"
Philharmonia Orchestra
Dir: Michael Tilson Thomas.
(CBS)
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      En la primavera-verano de 1887, durante un viaje a lo largo del Volga hacia el Cáucaso, Tchaikovsky compuso gran parte de su hermosa Suite Nr.4, Op.61, destinada a llamarse "Mozartiana", por sus alegorías a temas de Mozart, a quien Tchaikovsky consideraba el "Cristo de la Música". Eventualmente el compositor la concluiría en Alemania y escribiría a su editor: "Hoy le estoy enviando mi Suite Mozart. Tres de los temas son prestados de algunas piezas de Mozart para piano y el tercero es el Coro "Ave verum corpus... éste homenaje es una especie de visita al pasado en forma de un trabajo contemporáneo".
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     La obra fue estrenada por el mismo compositor el 26 de Noviembre de 1887, en un concierto de la Sociedad Imperial Rusa de la Música, en Moscú. La recepción a la misma fué muy entusiasta, y la sección del Ave Verum tuvo que ser ofrecida como encore. Aún hoy en nuestros días la Mozartiana goza de la misma popularidad y sigue siendo la más interpretada de las Suites orquestales del Gran Trágico Ruso. El delicioso final en forma de Tema e variazioni está basado en las Variaciones sobre un Tema de Gluck, K.455.
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     Existen varias grabaciones de ésta hermosa obra, todas muy bien interpretadas, pero ésta de Tilson Thomas tiene un encanto especial que me hace preferirla sobre las demás. Con la misma se completa el disco que incluye también la Suite Nr.2, ya publicada en ARPEGIO.
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M-S.

sábado, 21 de junio de 2014

Homenaje al Maestro Frühbeck de Burgos.


Aram Khachaturian
PIANO CONCERTO
Alicia De Larrocha, Piano
London Philharmonic Orchestra
Dir: Rafael Frühbeck de Burgos.
(DECCA)
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     Una límpida y espartana interpretación del concierto de Khachaturian, a manos de los intérpretes más insospechados. Aún hasta el día de hoy existen pocas grabaciones de éste concierto, y sin duda la versión Larrocha-Frühbeck se mantiene en pie como una de sus referencias.
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      Vaya la misma como homenaje al desaparecido Maestro.
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M-S.


viernes, 13 de junio de 2014

150 años...


Richard Strauss
FESTLICHES PRÄLUDIUM, Op.61
Berliner Philharmoniker
Dir: Karl Böhm.
(DG)
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       Para celebrar los 150 años del natalicio del último gigante de la composición centroeuropea, una de sus obras menos interpretadas, pero más suntuosas e irresistibles en cuanto a despliegue orquestal, su bombástico Preludio Festivo. La obra, creada para Organo y Gran Orquesta, fue compuesta en 1913, para la inauguración de la Konzerthaus de Viena, la cual se llevó a cabo el 19 de Octubre de 1913, por lo cual es una obra que acaba de cumplir su centenario.
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      La prodigiosa grabación de Karl Böhm, dentro de su maravilloso ciclo de obras straussianas grabadas con la Filarmónica de Berlín, luce como la referencia indiscutible para ésta pieza.
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M-S.




sábado, 31 de mayo de 2014

Beethoven: Concierto para Violin.


Ludwig van Beethoven
VIOLIN CONCERTO, Op.61
Henryk Szeryng, Violin
London Symphony Orchestra
Dir: Hans Schmidt-Isserstedt.
(PHILIPS)
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     El Concierto para Violín fue comenzado por Beethoven en 1806 y terminado justo antes de su estreno, el 23 de noviembre del mismo año. La Premiere tuvo lugar en Viena, bajo la ejecución del celebrado violinista Franz Clement.
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     Clement era uno de los músicos más virtuosos y celebrados de Viena. Discípulo de Haydn, tuvo una brillante carrera ascendente desde muy joven que lo llevó a tocar y luego dirigir en la Opera Imperial. Beethoven no escapó al grupo de notables que quedó impactado por la maestría de Clement, llegando más adelante a encomendarle la dirección del estreno de la Sinfonía Heroica. Para 1806, fué Clement quien pidió a Beethoven que le aportara un Concierto para Violín, para ser presentado en un importante concierto a beneficio. Beethoven accedió, pues respetaba profundamente a Clement y era uno de los pocos músicos de quien estaba dispuesto a recibir una crítica. El concierto, como era usual en Beethoven, fue concluido a último minuto, con poquísimo tiempo para ensayarlo y gracias a la prodigiosa memoria de Clement, la Premiere se salvó de terminar en desastre. La reacción del público fue tibia, no sólo por los huecos dejados por la improvisación, sino por la longitud del concierto y sus alcances de inusual sinfonismo, elementos inimaginables para la época. Luego de un par de interpretaciones más, la obra no volvió a ser ejecutada sino hasta 1844, cuando otro niño prodigio, Joseph Joachim, lo volvió a tocar en Leipzig bajo la batuta de Mendelssohn. El éxito en ésta ocasión fue estruendoso, abriendo la entrada definitiva de la obra en el repertorio estándar de los grandes conciertos para violín.
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     El concierto marca un hito histórico en el género, pues introduce elementos novísimos. En primer lugar resulta llamativo el despliegue de un gran concierto a partir de una economía musical casi espartana. El violín siempre mantiene su protagonismo pero sin efectuar lucha ni oposición contra la orquesta, el trabajo en armonía los hacen sinfonizarse. La longitud del concierto, que para la época pudiera haber sido un problema, hoy nos parece promedio al conocer la longitud de un concierto romántico. También a diferencia de otros conciertos, el de Beethoven permite flexibilidad a la hora de incluir cadenzas, desde las originales del compositor, hasta las variaciones personales del propio intérprete, muy resaltante hacia el final del primer movimiento y hacia la coda del último. Hoy en día no queda duda de la absoluta grandeza de ésta obra.
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     Como obra obligatoria del repertorio básico, por supuesto que el concierto cuenta con numerosísimas lecturas y grabaciones. Todo gran violinista ha dejado su huella personal tocando éste concierto. Lecturas de referencia hay para todos los gustos, desde las festivas y exhibicionistas hasta las introspectivas y meditabundas. A juicio de quien escribe, probablemente las del último rango del espectro sean las que más se acerquen al ánimo y espíritu transmitido por Beethoven en ésta gran partitura, y como mejor ejemplo les dejo la inolvidable asociación del gran Henryk Szeryng, secundado por el Maestro alemán Hans Schmidt-Isserstedt, en una inusual combinación con una orquesta inglesa, la Sinfónica de Londres. El resultado, simplemente celestial, la grabación preferida con mucho de quien escribe.
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M-S.


sábado, 17 de mayo de 2014

Todo Tchaikovsky: Manfredo.


Piotr Ilich Tchaikovsky
MANFRED, Op.58
Oslo Philharmonic Orchestra
Dir: Mariss Jansons.
(CHANDOS)
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     Retomando la serie "Todo Tchaikovsky" con una de las obras insignia, no sólo de su catálogo, sino de toda la literatura sinfónica rusa en general.
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     Manfredo es una pieza bastante idiosincrática, titulada como "Sinfonía en cuatro cuadros dramáticos según el Poema de Byron". La misma fue compuesta entre mayo y septiembre de 1885, para luego ser estrenada en Moscú, el 23 de Marzo de 1886, bajo la batuta de Max von Erdmannsdörfer. La primera idea para "Manfredo" se remonta a la segunda visita que hiciera Hector Berlioz a Rusia, en el invierno de 1867-68.  Durante esa gira el mismo incluyó en sus conciertos su exitosa obra "Harold en Italia", pieza que deslumbró al establishment musical ruso, al develarse una forma original de expresar la forma sinfónica fuera de las reglas y tradición germánicas.
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     Fue entonces el crítico Vladimir Stasov quien recurriera en primer lugar al gran gurú de los nacionalistas rusos, Mily Balakirev, para sugerirle un nuevo sujeto byroniano, Manfredo, para ser llevado a la partitura. Quizás percatado de sus propias limitaciones como compositor, Balakirev tuvo sus dudas en lo referente al proyecto, remitiéndolo finalmente a Tchaikovsky, quien venía recientemente de disfrutar de un rotundo éxito tras el anterior encargo de Balakirev, nada menos que "Romeo y Julieta".  Aunque desde un principio muy identificado con el personaje creado por Lord Byron, y sin rechazar de plano la propuesta de Balakirev, Tchaikovsky no se sintió del todo confortable con la idea de crear un escenario berlioziano para Manfredo. No fue hasta unos años más tarde, en un reencuento con Balakirev, cuando la idea recobró entusiasmo en Tchaikovsky, pero con el consenso de decantarse más por la vía lisztiana, con la perspectiva de llevar  a nuevos derroteros las técnicas y el lenguaje de la recién estrenada 4ta Sinfonía, así como la oportunidad de conciliar la forma sinfónica con el contenido programático. En cierto modo viene a ser entonces Manfredo, el Op.58, como una evolución de los propósitos establecidos en la Cuarta, la Op.36, manteniendo cierto enlace con el Harold berlioziano y con el Hamlet liztiano pero manteniendo en todo momento su independencia e indiscutible originalidad.
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      Una obra de absoluta innovación y de avanzada como Manfredo no ha escapado de la controversia desde su propio estreno. El mismo compositor, ambivalente en su autocrítica, fue al principio muy entusiasta con su creación, pero después lo asaltaron las dudas: "No sé aún si se trate de mi mejor trabajo ó de toda una abominación". Las mismas reacciones encontradas fueron frecuentes entre los intérpretes y críticos, buena parte por el vacío ejercicio académico de hacer querer que la música sea fiel al libreto byroniano.
(Quién determina ésto?). Muy poco interpretada en las décadas siguientes, la obra comenzó a recuperar su justo lugar a partir de los años 1960´s, cuando comenzaron a aparecer cada vez más grabaciones de la misma y que sin duda han ayudado a reevaluar éste trabajo como la gran partitura sinfónica que es. Para quien escribe es sin duda uno de los grandes hitos de la literatura sinfónica universal.
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      En comparación con el resto de Sinfonías de Tchaikovsky, Manfredo posee aún un número reducido de grabaciones disponibles, sin embargo cada vez van apareciendo más versiones nuevas. Parte del problema se debe a la complejidad de la obra y a los recursos quasi-mahlerianos que exije (gran orquesta con todos los elementos de percusión y hasta un Organo Obbligato). Probablemente la histórica grabación de Toscanini marca el inicio, a pesar de ser una lectura bizarra y hasta perversa. Luego han surgido lecturas de leyenda, como la de Igor Markevitch, y más recientemente la de Mariss Jansons, en sonido digital, que hasta el momento parece ser la más justamente redondeada en todos los aspectos clave de la obra y que es la que presentamos en ésta entrega. Recientemente ha aparecido la justamente celebrada versión de Vasily Petrenko, que será también publicada en fecha próxima.
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M-S.








jueves, 1 de mayo de 2014

Leonora III en la magistral lectura de Karl Böhm.


Ludwig van Beethoven
LEONORE Nr.III
Staatskapelle Dresden
Dir: Karl Böhm.
(DG)
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     A pesar de estar destinado a ser uno de los más grandes genios de la Historia de la Música, la música para la escena nunca fue ni nunca sería el fuerte de Ludwig van Beethoven. Su única Opera, "Fidelio" fue objeto de un largo proceso de gestación y ya el mismo hecho de producir una Obertura convincente y en armonía con el libreto fue un verdadero dolor de cabeza para el compositor, resultando de sus intentos tres producciones diferentes para la Opera original que estaba designada a llamarse "Leonora" y finalmente una Obertura más sencilla, de más cortos alcances y si se quiere más italiana (o más operística) como fue la que abriría el despliegue de la Opera definitiva, finalmente llamada "Fidelio".
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     De todas las Oberturas, sin duda la más grande y típicamente beethoveniana es Leonora Nr.III, la versión creada para las representaciones de 1806. Sin embargo, su gran envergadura dramática y poder sonoro eran un problema, pues aplastaban las escenas subsiguientes de la Opera, por lo que la obra quedaría para ser interpretada como gran obra sinfónica y sirviendo de sustrato a lo que sería luego el gran poema sinfónico lisztiano.
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     Todos los grandes directores beethovenianos han dejado sus propios registros de ésta notable partitura, evidenciándose diferentes enfoques, desde el épico hasta los más dramáticos y líricos. La grabación que hoy presentamos creo que tiene la virtud de reunir todos éstos ingredientes en una sola lectura. El alemán Karl Böhm es sin duda una de las grandes batutas beethovenianas y su estilo se considera dentro los objetivos, sin los excesos de un Furtwängler ni la rapidez de un Toscanini pero también sin la ampulosa expansividad  de un Klemperer. Su lectura con la Staatskapelle Dresden tiene todo en su sitio, por lo cual la propongo para su plena apreciación.
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M-S.






sábado, 19 de abril de 2014

Bach: Oratorio de Pascua - Münchinger.


Johann Sebastian Bach
OSTERORATORIUM (Oratorio de Pascua) BWV.249
Elly Ameling, Helen Watts, Wener Krenn, Tom Krause, Marius Rintzler (Solisten)
Stittgarter Kammerorchester und Chor
Dir: Karl Münchinger.
(DECCA)
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      Para conmemorar el advenimiento de la Resurrección de Cristo, el magnífico y hermosísimo Oratorio de Pascua del más grande de los Bach. Si bien el Oratorio de Pascua no tiene los alcances ni proporciones de las monumentales Pasiones de Juan y Mateo ni del gigantesco Oratorio de Navidad, posee sin embargo la espiritualidad y atmósfera adecuadas para conmemorar el suplicio, muerte y resurrección del Rey de Reyes.
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      Como ferviente admirador del Bach de la Escuela del legendario Karl Münchinger y su excelsa Orquesta de Cámara de Stuttgart, nuevamente quedo impactado por ésta muestra de despliegue prístino e impecable en su lectura del Oratorio de Pascua, por lo que me atrevo a proponerlo como grabación de referencia entre las versiones no revisionistas. Formidable grabación en espectacular sonido Stereo de la era LONDON.
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M-S.


jueves, 17 de abril de 2014

Vivaldi: Stabat Mater.


Antonio Vivaldi
STABAT MATER
Choir of Christchurch Cathedral Oxford
Academy of Ancient Music
Dir: Christopher Hogwood.
(DECCA)
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       Para la conmemoración del Jueves Santo, el hermoso Stabat Mater de Vivaldi, uno de los más hermosos del barroco y del repertorio en general, en una interpretación que se puede considerar de
absoluta referencia.
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M-S.

domingo, 13 de abril de 2014

Franz Ignaz Beck: Stabat Mater.


Franz Ignaz Beck (1734-1809)
STABAT MATER
Vokalensemble des SWR
La Stagione Frankfurt
Dir: Michael Schneider.
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      Una hermosa pieza para iniciar la celebración de los Días Santos.
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      Franz Ignaz Beck fue un compositor alemán, representante de la 2da generación de compositores de la famosa Escuela de Mannheim. Contemporáneo de Haydn, su estilo se diferencia claramente por las directrices de su Escuela, y aunque buena parte de su vida artística transcurrió en Francia, siempre su estilo se desmarca como centroeuropeo. Creador de numerosas obras sinfónicas y concertantes, resalta entre ellas su muy inspirado Stabat Mater, una de sus pocas obras litúrgicas. El mismo muestra influencias de los hijos de Bach, pero en muchos aspectos también anuncia a Mozart.
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      La agrupación "La Stagione de Frankfurt" se especializa en obras del barroco y del clasicismo y su lectura del Stabat Mater de Beck resalta toda la hermosura y espíritu que caracterizan a ésta obra. Como inicio a la Pascua, resulta una audición más que apropiada.
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M-S.




domingo, 23 de marzo de 2014

La 9na de Shostakovich ó la partitura que abofeteó a Stalin.


Dmitri Shostakovich
SINFONIA Nr.9, Op.70
Royal Scottish National Symphony Orchestra
Dir: Neeme Järvi.
(CHANDOS)
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     Desde Beethoven, cada compositor sinfonista de importancia que llegó a embarcarse en su propia empresa personal de componer una 9na Sinfonía se ha sentido inevitablemente con la tremenda presión del número, de la alta expectativa que significa una Novena para el público. Beethoven dejó plasmada la que por excelencia es la Novena de las Novenas y ya éste hecho pone en un tremendo compromiso a cualquiera de sus sucesores. Schubert también compuso una 9na de gran envergadura, y así posteriormente Dvorak, Bruckner y Mahler. En el caso de Shostakovich, ese reto fue particularmente difícil de afrontar en vista del contexto sociopolítico en el cual le tocó componerla. En la mundialmente exitosa 7ma, la "Leningrado" el compositor resalta el heroismo, esperanza y el triunfo de una ciudad y sus habitantes, mientras que en la casi consecutiva 8va plasma el dolor, tragedia y sufrimiento que conlleva el drama de la guerra. La 9na es la última de la llamada "Trilogía de Sinfonías de Guerra". Para inicios de 1945 la derrota de Hitler era ya inminente y lo esperable era una obra monumental, una obra de victoria de proporciones épicas y triunfales apropiadas al momento, nada menos que la victoria de la madre patria soviética sobre el yugo invasor fascista.
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     La 9na de Shostakovich es la Opus 70 del catálogo de obras del compositor y fue estrenada en Leningrado el 3 de noviembre de 1945, con la Filarmónica de Leningrado, bajo la batuta de Evgeny Mravinsky. La reacción a la misma fué para muchos de perplejidad, y de auténtico estupor para las autoridades censoras estalinistas, pues en vez de una gran sinfonía triunfal se consiguieron con una obra más bien económica, austera, en forma de suite en cinco movimientos, con un carácter altamente satírico, que provocó por supuesto intenso debate después de dicho estreno.
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    En la obra literaria "Testimonio" que recoge las memorias de Shostakovich, el compositor evoca el momento de la siguiente manera.
"El disgusto se acumulaba y crecía; ellos querían que produjera una fanfarria, una oda; querían que escribiera una Novena Sinfonía majestuosa. Fue muy desafortunado el asunto de la Novena. Quiero decir, sé que el golpe era inevitable, pero quizás hubiera llegado más tarde o hubiera sido menos duro si no hubiera sido por la Novena Sinfonía... Cuando se ganó la guerra contra Hitler todo el mundo alababa a Stalin y se suponía entonces que yo debía unirme a ese asunto atroz. Había una excusa apropiada. La guerra había terminado victoriosamente. No importaba el costo, lo importante era que habíamos ganado, el imperio se había expandido. Y exigían que Shostakovich utilizara vientos cuádruples, coro y solistas para aclamar al líder. Sobre todo porque Stalin consideraba como un presagio el número: La Novena Sinfonía...

Stalin siempre escuchaba cuidadosamente a los expertos y a los especialistas. Los expertos le dijeron que yo sabía hacer mi trabajo y, por lo tanto, Stalin supuso que una sinfonía en su honor sería una pieza de música de calidad. Podrían decir, aquí está nuesta Novena nacional.

Confieso que dí esperanzas a los sueños del líder y del maestro. Anuncié que estaba escribiendo una apoteosis. Trataba de quitármelos de encima, pero eso se volvió contra mí. Cuando se presentó mi Novena, Stalin se puso furioso. Se sintió profundamente ofendido, porque no había ningún coro, ni solistas, ni apoteosis. Ni siquiera una miserable dedicatoria. Era solamente música, que Stalin no entendía muy bien y cuyo contenido era dudoso.

No pude escribir una apoteosis a Stalin... simplemente no pude. Sabía en lo que me estaba metiendo cuando escribí la Novena. Pero describí a Stalin con música en mi siguiente sinfonía, la Décima..."
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      Efectivamente, la Novena es una obra de proporciones austeras, si la comparamos con sus dos monumentales predecesoras.  Está desplegada en cinco movimientos, aproximándose más bien al ánimos de un divertimento que de una sinfonía. Los cinco movimientos están cargados de simbolismo, sorna, festividad en falsete que se alterna con melancolía, volviendo un poco a materiales tratados en la Sexta. La ira de Stalin, personaje primario y rupestre, se justificaba, pues se sentía insultado, aunque no lograba descifrar la naturaleza del insulto.
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       La 9na tiene una orquestación colorida y original. La misma cuenta con una diversidad envidiable de grabaciones e interpretaciones, pues gusta mucho a los directores. Siendo difícil quedarse con una sola como referencia, me atrevo a postular la extraodrinaria grabación de Neeme Järvi tomando en cuenta dos factores: interpretación y calidad del sonido. En efecto, la grabación del Maestro estonio no sólo muestra una ejecución impecablemente fiel a la partitura y espíritu del compositor, sino que cuenta con lo mejor de la ingeniería de sonido del magnífico sello Chandos. La sonoridad de la Orquesta Nacional Escocesa en los tiempos de la regencia de Järvi es magnífica, y ésta grabación es sólo una de las tantas pruebas.
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      Sin más disfruten de ésta maravilla del repertorio shostakoviano..
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M-S.