Reinhold Gliére: El Caballero de Bronce.

Reinhold Gliere (1875-1956)
EL CABALLERO DE BRONCE, Ballet en 4 actos.
BBC Philharmonic Orchestra
Dir: Sir Edward Downes.
(CHANDOS)
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Reinhold Gliere fue un compositor ruso postromántico, contemporáneo de Rachmaninov, aunque la totalidad de su vida artística transcurrió en la Rusia Zarista y luego en la Unión Soviética. Aunque la mayoría de sus trabajos importantes corresponden a la primera mitad del siglo XX, su estilo y espíritu se compaginan absolutamente con el final del siglo XIX. Gliére fue discípulo del gran Rimsky-Korsakov, con quien aprendió Teoría. También tuvo entre sus maestros a Arensky, Taneyev e Ippolitov-Ivanov, con quienes aprendió composición. En el estilo de Gliére se evidencian influencias de todos estos maestros, aunque tal vez sea mayor la vena de Glazunov en sus composiciones. Gliere constituye una generación intermedia entre sus maestros y los discípulos que luego tuvo a cargo en el Conservatorio de Moscú al lograr la titularidad docente, entre los que se cuentan Prokofiev, Khachaturian, y Alexander Mossolov. Emblema del llamado "Realismo Socialista", Gliere se hizo también figura política durante el estalinismo, sirviendo como Presidente de la "Unión de Compositores Soviéticos". Su calidad artística fue luego atacada y desvirtuada por estos motivos, pero en la actualidad lo podemos apreciar de nuevo a plenitud por su arte, dejando de lado agravantes políticos.
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La reputación de Gliere reside en su música para ballet (principalmente su gran ballet, "The Red Poppy") y su monumental 3ra Sinfonía "Ilya Muromets", ganadora en su momento de varios importantes galardones. "El Caballero de Bronce" (1949), es un ballet atípico, perteneciente a la última etapa de vida creativa del compositor, y basado en el más famoso Poema Narrativo de Alexander Pushkin. La obra compendia varias corrientes de estilo, pero su esencia nos recuerda a Glazunov y Borodin. Sir Edward Downes, director rusófilo como pocos, dirige de manera ideal la versión completa del ballet y la Filarmónica de la BBC toca gloriosamente cada uno de los números. El enfoque, en ocasiones operístico de Downes, resulta magistral, contribuyendo a añadir momento musical a la partitura. La obra finaliza con un monumental himno-fanfarria (Himno a una Gran Ciudad) que concluye el ballet de forma gloriosa.
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Un esencial en la discografía de música académica rusa.-
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M-S.

Sibelius: Poemas Sinfónicos

Jean Sibelius

TONE POEMS

- VALSE TRISTE

- THE SWAN OF TUONELA

- THE OCEANIDES

- TAPIOLA

- LEMMINKÄINEN´S RETURN

- FINLANDIA

The Philharmonia Orchestra

Dir: Paavo Berglund.

(SERAPHIM)

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Un homenaje un poco retardado al arte del recién desaparecido maestro finés, Paavo Berglund.

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Una de las especialidades absolutas de Berglund era, como es de suponerse, Sibelius. En su haber existen fenomenales interpretaciones de sus obras orquestales dirigiendo las orquestas Fil. de Helsinki, La Sinfónica Bournemouth y la Philharmonia. De los Poemas Sinfónicos hoy presentados y grabados por Berglund con todas estas orquestas, su mejor logro a juicio de quien escribe, es esta antología grabada con la Philharmonia. Se trata de registros inspirados, comprometidos, atmosféricos como la partitura sibeliana exige, y con un sonido de la orquesta incomparable, preciso, prístino y depurado. Una joya sibeliana como homenaje a una de las más grandes batutas de Finlandia.

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M-S.

Prometeo y sus Criaturas.

Ludwig van Beethoven
DIE GESCHÖPFE DES PROMETHEUS
Scottish Chamber Orchestra
Dir: Sir Charles Mackerras.
(HELIOS)
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Sir Charles Mackerras, gran director recientemente desaparecido, dejó un gran legado discográfico. Su acervo más memorable lo dejó en sus apariciones con la Orquesta Filarmónica Checa y luego con la Orquesta de Cámara Escocesa, con la cual grabó un excelente ciclo de las
sinfonías de Mozart y luego de Beethoven. Defensor del rescate de obras olvidadas, una de las piezas de este género que pudo grabar fue la muy interesante música incidental que Beethoven compuso para el libreto de "Las Criaturas de Prometeo". Grabación espectacular que compite con la conocida y mucho más anterior de George Szell. Mackerras demuestra igual nivel de compromiso con esta música, gozando del beneficio adicional de una mejor calidad de sonido...
Un excelente disco muy recomendable.
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M-S.

La Trompeta de Oro de Maurice André.

En homenaje al gran trompetista desaparecido, mostrando lo mejor de su arte interpretando las piezas clásicas más conocidas para este instrumento.

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M-S

Maurice André (1933-2012)... In Memoriam

La Gran Trompeta del Siglo XX.

Sinfonía Fantástica

Hector Berlioz
SYMPHONIE FANTASTIQUE
Boston Symphony Orchestra
Dir: Charles Munch.
(RCA)
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Para esta ocasión, una grabación que alcanza el rango de legendaria.
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La Fantástica de Berlioz es una de las grandes obras del repertorio universal, bien conocida y ampliamente interpretada. Sería de esperar que sus mejores interpretaciones vengan de directores franceses ó al menos de escuela francesa. Sin embargo, acaso la mejor interpretación provenga de un británico, Sir Colin Davis, la semi-legendaria lectura del alsaciano Charles Munch sigue siendo el rasero por el cual se miden todas, incluyendo las de Davis. Con un sabor tradicionalmente francés, Munch destaca por su asertividad y por el colorido que logra con su orquesta bostoniana, la más "francesa" de las orquestas americanas.
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Sin más, la Fantástica por Charles Munch...
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M-S-

Todo Tchaikovsky: la Serenata para Cuerdas.

Piotr Ilich Tchaikovsky

STREICHERSERENADE, Op.48

Staatskapelle Dresden

Dir: Otmar Suitner.

(Brilliant Classics)

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Continuando con nuestra serie de entregas cronológicas de las obras del Gran Trágico Ruso, nos corresponde a continuación su magnífica Serenata para Cuerdas, Op.48, que califica dentro de sus más grandes obras maestras.

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Hacia mediados de 1880, después de un período de descanso, el compositor manifestaba deseos de emprender una nueva obra. Sus ímpetus creativos se orientaban hacia una nueva sinfonía o un cuarteto de cuerdas. Finalmente sus ideas se fueron orientando hacia lo que llamó una "Suite para Orquesta de Cuerdas". La estructura de los tres primeros movimientos (la obra fué concebida en los clásicos cuatro movimientos) fué emanando de manera bastante espontánea y fluida, mientras que para el Finale, Tchaikovsky incluyó melodías provenientes de dos canciones populares rusas. Para el 14 de octubre del mismo año, la finalmente "Serenata para Cuerdas" estaba concluida, arreglada luego para piano a 4 manos, y de inmediato enviadas las versiones a Petr Jurgenson para ser publicadas. Taneyev asistió a Tchaikovsky en las correcciones previas a la publicación definitiva.

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La Serenata fué estrenada el 21 de Noviembre de 1880 en un concierto privado en el Conservatorio de Moscú, constituido especialmente para la ocasión por una fuerza de Profesores y estudiantes, para dar una sorpresa y agasajar al compositor, después de una larga ausencia del Conservatorio. La recepción de la obra fué bastante cálida. En junio del año siguiente, Tchaikovsky escribió a Eduard Nápravník, preguntando si la obra podría ser programada para conciertos futuros, obteniendo una respuesta positiva.

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La primera ejecución pública del Op.48 tuvo lugar en San Petersburgo, el 18 de Octubre de 1881, en el tercer concierto de la Sociedad Musical Rusa, dirigida por el mismo Eduard Nápravník. La primera ejecución moscovita se llevó a lugar el 16 de Enero de 1882, en el 7mo concierto de la Sociedad Musical Rusa, dirigida por Max Erdmannsdörfer.
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La Serenata es una obra de intensa expresividad de las cuerdas, una obra muy emotiva y de gran sabor y cualidad autóctonos rusos. Desde el sonido de las primeras cuerdas hasta el acorde final se aprecia ese olor, ese sabor y ese ánimo inconfundible en el que se mezclan sentimientos de calma, nostalgia, resignación y tristeza impostados. La nostalgia y poder oníricamente evocador de estas páginas son algo difícil de describir con palabras. No se trata de una partitura alegre, pero aún sin alegría se puede expresar una belleza casi insoportable. Tchaikovsky siempre lo hizo.

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La obra cuenta con muchas grabaciones que le hacen justicia, sin embargo son menos las que penetran ese característico ánimo tchaikovskiano que muchos banalizan y edulcoran. La versión de Yuri Bashmet al frente de los Solistas de Moscú es un prototipo de ejecución ideal, muy rusa y muy ardiente. La versión hoy presentada, a cargo de Otmar Suitner, dirigiendo la Staatskapelle Dresden, pudiera considerarse antítesis de la primera, pero convergiendo a la final en resultados similares. Suitner opta por la aproximación más germánica, reposada, lírica, pero que permite a las cuerdas de la orquesta llegar al umbral de lo imposible en detalle, depuración y brillo del sonido. Es una grabación increible que invito a conocer a plenitud. Celebrando con esta joya el arribo a las 300.000 visitas al Blog.

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M-S.

La ejecución ideal del concierto para violín de Brahms.

Johannes Brahms
VIOLIN CONCERTO, Op.77
Viktoria Mullova, Violin
Berliner Philharmoniker
Dir: Claudio Abbado.
(Philips)
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Si hay una lectura moderna que se acerca a la perfección brahmsiana en el Op.77, es ésta maravilla producto de un concierto en vivo que se llevó a cabo en Tokyo en el año 1992.
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Abbado es un director de excelentes credenciales brahmsianas, por lo que ha grabado esta obra varias veces (Vengerov, Mintz, Mullova) siendo esta última la grabación de absoluta preferencia. Quedan invitados a apreciarla.
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M-S.

Las Múltiples caras de la 9na de Beethoven.

Ludwig van Beethoven

SYMPHONIE NR.IX, Op.125

Irmgard Seefried (soprano); Sieglinde Wagner (alto); Anton Dermota (tenor); Josef Greindl (bass)

Wiener Philharmoniker

Dir: Wilhelm Furtwängler.

(August, 31th, 1951)

(ORFEO)

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Si entre sus intérpretes, la inmortal 9na de Beethoven ha tenido un único dueño, ese ha sido el no menos célebre director alemán Wilhelm Furtwängler, quien durante su vida la dirigió decenas de veces. En la actualidad existen unas 10 grabaciones más o menos bien personalizadas de las diferentes visiones que durante su vida éste artista le imprimió a la partitura, paseándonos por las más variadas atmósferas, desde las trágicas y ominosas, pasando por las épicas y llegando finalmente a las visiones más humanísticas y universalistas de la obra. Al primer renglón pertenecen la mayoría de sus grabaciones y lecturas de los años de guerra, siendo titular de la Filarmónica de Berlin, siendo su más reconocida insignia su archifamosa grabación de 1942, dramáticamente premonitoria. Al segundo grupo pertenecen las lecturas que son tenidas como su mejor Beethoven, donde cuentan sus modélicas grabaciones de posguerra hechas en los festivales de Bayreuth y de Lucerna. Finalmente, a la última categoría pertenece la grabación hoy presentada, que data del 31 de Agosto de 1951, posterior a la grabación de Bayreuth. Lo curioso del caso, es que no hay un período cronológico preciso para estos cambios de ánimo, Furtwängler era un personaje muy variable y en este sentido polifacético, si en alguna obra lo demuestra, es en la 9na de Beethoven.

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La presente grabación nos muestra a un director en ánimo inusualmente holgado, sosegado, reconciliado consigo mismo, capaz de ofrecernos una visión de la 9na profunda e incluso enternecedoramente humana, universalista y como pocas veces con un mensaje de optimismo y de verdadera esperanza (intenciones explícitas del compositor). Para quien está acostumbrado a las grabaciones dramáticas, intensísimas y esquizoides este cambio de concepción puede resultar chocante, pero precisamente en esto radica la fascinación por un artista único como fué Furtwängler.

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Sin más, una 9na controversial y poco difundida en comparación con las más famosas de Furt, pero que bien vale la pena agregar a toda colección.

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M-S.

Paavo Berglund (1929-2012)... IN MEMORIAM.

Descanse en paz, Maestro...

Gustav Leonhardt (1928-2012)... IN MEMORIAM

Hermann Abendroth dirige la 1ra de Brahms.

Johannes Brahms.

SYMPHONIE NR.1, Op.68

Rundfunk Sinfonie-orchester Leipzig

Dir: Hermann Abendroth.

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Hermann Abendroth (1883-1956) fué una de las auténticas grandes batutas del siglo XX. Su grandeza es aún desconocida por muchos melómanos al no haber contado con el más que ventajoso padrinazgo discográfico con que sí lo hicieron contemporáneos como Furtwängler ó Klemperer.

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La mayoría del legado discográfico de Abendroth pertenece al período de posguerra, durante el cual le tocó vivir bajo la penosa transición de una Alemania arruinada hacia una nación dividida y, obligado ó no, finalmente destinado a permanecer en el lado comunista.

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Como hemos dicho, un director desafortunadamente para muchos oídos poco conocido, pues aparte de haber sufrido las consecuencias por haber pertenecido al partido nazi, luego fue execrado por haber decidido quedarse en la Alemania comunista y haber sido el primer director alemán en aceptar invitaciones a dirigir en la URSS. Después de la caida del nazismo, el nuevo villano, la nueva encarnación del Mal era el comunismo soviético y esto le valió un veto automático al director por razones políticas, lo que le impidió poder grabar con los grandes sellos disqueros, mientras por el contrario Furtwängler, Knappertsbusch, Böhm Schuricht y Karajan, entre otros, con igual pasado político no del todo impolutos, sí pudieron reivindicarse. Es por esto que Abendroth solo pudo grabar para sellos de segunda, que nunca serían competencia para gigantes como EMI ó Decca. No todo fue malo, pues esta decisión del director permitió el renacimiento de grandes orquestas como la Gewandhaus de Leipzig, ó la RSO Berlin las cuales vivieron una de las eras más brillantes de toda su historia. Luego de la caída del nazismo se crearon orquestas nuevas, entre ellas la famosa Sinfónica de la Radio de Leipzig, que fue estrenada por Hermann Abendroth, su primer titular.

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La especialidad de Abendroth era el repertorio romántico alemán: Beethoven, Brahms, Bruckner, Schumann, de los cuales dejó formidables grabaciones, usualmente de conciertos en vivo. De Brahms, con quien el director tuvo siempre una muy particular y extraordinaria afinidad, es de lo que más hay disponible en discografía de Abendroth. Se puede apreciar a través de la misma en sus diferentes eras, circunstancias y orquestas, la uniformidad y la misma visión básica que siempre mantuvo a través de lecturas de intensa pasión, pulcra sonoridad, ataques incisivos y extremidad en los tiempos, que compartiendo similitudes con Furtwängler, sin embargo sus derroteros finales eran harto diferentes. Hacia el final de su carrera artística Abendroth dispuso de un ciclo completo que incluye sus conciertos y las cuatro sinfonías, de entre las cuales destaca una mercurial, erudita y heterodoxa interpretación de la Primera, grabación que nos enorgullece compartirles. Probablemente no sea del gusto o aprobación de todos, pero lo que escuchareis a continuacion es una forma de interpretar a Brahms que ya ha muerto y que probablemente no volverá. Desde la primera explosión volcánica y ominosa que abre el primer movimiento nos damos cuenta de que se nos viene encima algo fuera de serie, y esta tensión se mantiene durante toda la ejecución, con un movimiento final controversial pero para nada rutinario y en todo momento excitante. Como detalle adicional, se trata de grabaciones que cuentan con un magnífico e incluso increíble sonido, tomando en cuenta que son monoaurales de entre los años 1953-56 (ninguna de las Primeras por Furtwängler suena así). Todo un tesoro a tener en sus colecciones y del que se recomienda no escuchar luego por mucho tiempo otras versiones «para no descontaminarse».

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M-S.

Carlos Kleiber y la 7ma de Beethoven

Ludwig van Beethoven

SYMPHONIE NR.7, Op. 92

Bayerisches Staatsorchester

Dir: Carlos Kleiber.

(ORFEO)

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La mejor 7ma de cuantas grabó Carlos Kleiber.

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"Carlos Kleiber's best Beethoven Seventh remains his Concertgebouw video. His Vienna recording for DG has discipline going for it, and lively tempos, but the same somewhat mechanical approach to the opening two movements afflicts this newcomer, which features thrilling accounts of the scherzo and finale. In the first movement, Kleiber's refusal to inflect the music robs it of character. The transition from the introduction to the main allegro has no charm whatsoever, and the general impression once the music gets going is one of breathlessness. And why can't the orchestra play the opening chords together? They sound squeezed rather than attacked with the necessary precision.
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The swift allegretto features a marvelously phrased opening tune, and a totally expressionless view of the counter-theme in violas and cellos, with grace notes minimized in a most unstylish manner. As his father did before him, Kleiber keeps the pizzicato strings right up to the end, which is wrong and sounds more so absent any attempt to phrase the movement's conclusion with even the slightest hint of a ritard. But as I said, the scherzo trips along enchantingly, and the finale is volcanic, with brilliant horn playing and a real tornado of a coda.
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The orchestra plays very well throughout, with oboes particularly outstanding, and the audience is present but well-behaved, offering surprisingly underwhelmed applause at the end. I listened in stereo only; why or how this 1982 production can possibly offer real multi-channel sound I don't want to know, but the two-channel mastering is very present and impactful. Whether you want or need a 35-minute CD containing only Beethoven's Seventh, shorn of repeats in its outer movements, obviously is a personal choice. If you have the Concertgebouw video, then you have Kleiber at his best in this music, and you don't need this new release. But I certainly wouldn't want to be without the scherzo and finale. They are remarkable".
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--David Hurwitz

Todo Tchaikovsky: Capriccio Italien

Piotr Ilich Tchaikovsky
CAPRICCIO ITALIEN, Op.45
Berliner Philharmoniker
Dir: Herbert von Karajan.
(DG)
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Comenzando el año 2012, y haciéndolo de manera festiva, y qué mejor manera que con una obra como el fantástico Capriccio Italien.
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Tchaikovsky compuso su Op.45 en Roma, a principios de 1880. El compositor quiso componer una "Suite Italiana" a la manera de la Fantasía Española de Glinka, y en base a melodías autóctonas recogidas por su mismo oído durante su periplo italiano. Sin embargo, la obra no sería estrenada hasta el 6 de diciembre de ese año, ya en Moscú, bajo la batuta de Nikolai Rubinstein.
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La obra es un maravilloso caleidoscopio de melodías, de indiscutible aroma italiano, desplegado en un fastuoso despliegue orquestal, colocándola como un verdadero mostrario de exhibicionismo, en el buen sentido.
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Por todo esto es una obra que se presta para exhibir todas las dotes de una orquesta. Grabaciones hay muchísimas, aunque su partitura no ha sido tan destrozada como Romeo u Julieta. Desde Arthur Fiedler y Erich Kunzel, hasta los directores más intelectuales, han grabado al menos una vez su propia versión del Capriccio.
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De entre toda la pléyade de grabaciones existentes, quien escribe considera hasta el momento irrebatible la milagrosa versión de Herbert von Karajan, de 1967, en la que fue sin duda la década de oro de la Filarmónica de Berlin. El masivo pero deslumbrante despliegue sonoro logrado en esa oportunidad aún luce incontestable a los oídos de hoy.
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M-S.

La Canción de la Tierra

Gustav Mahler

DAS LIED VON DER ERDE

Janet Baker, Soprano

Waldemar Kmentt, Tenor

SOBR.

Dir: Rafael Kubelik.

(Audite)

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Finaliza este especialísimo año Mahler, donde rendimos homenaje al centenario de la desaparición física del genio de Kalischt.

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Aunque "Das Lied von der Erde" (DLVDE) no es la obra postrera cronológicamente hablando del compositor, sí lo es desde el punto de vista ideológico y espiritual. Es el adiós definitivo a una época y a un sistema, una obra sinóptica y de auténtica vanguardia, una transición entre los recursos vocales de la 8va y las innovaciones armónicas de la 9na.

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DLVDE fue compuesta entre los veranos de 1908 y 1909. Mahler nunca vió la obra interpretada, y fue estrenada en Munich, el 20 de noviembre de 1911 (6 meses despuès de la muerte del autor) bajo la dirección de Bruno Walter.

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Sin el tiempo ya para hacer un análisis más extenso, que sin duda merece, de DLVDE, pasemos a las grabaciones. Existen varias cumbres altísimas en la discografía existente de DLVDE, Klemperer y Walter tienen grabaciones de referencia casi indiscutible, sin embargo creo que la grabación "Live" de Rafael Kubelik, para Audite, supera todo lo conocido, no sólo por la formidable interpretación, sino por los dos solistas vocales, La gran Dame Janet Baker, una de las más fenomenales voces mahlerianas y Waldemar Kmentt, no tan mahleriano, pero escalofriantemente asertivo en esta aparición. Una joya con la que me complazco en concluir este año 2011, deseando un Feliz 2012 a todos los fieles y consecuentes visitantes.

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M-S.

Las Grandes Batutas Mahlerianas.

Sir Georg Solti

Bruno Walter

Dimitri Mitropoulos

Hermann Scherchen

Otto Klemperer

Jascha Horenstein

Leonard Bernstein

Rafael Kubelik

Klaus Tennstedt

Lorin Maazel

Claudio Abbado

Bernard Haitink

La 9na de Mahler.

Gustav Mahler

SYMPHONIE NR.9

London Symphony Orchestra

Dir: Sir Georg Solti.

(DECCA)

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Ya casi finaliza el 2011, y con él este homenaje centenario de la muerte de Gustav Mahler.

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La 9na Sinfonía fue comenzada en el verano de 1908 en Toblach (Austria). Mahler la concluyó el 1ro de abril de 1910 en New York. Nunca logró verla puesta en ejecución. La premiére se llevó a cabo en Viena, el 26 de junio de 1912, con Bruno Walter dirigiendo la Orquesta del Festival de Viena.

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En la 9na el compositor vuelve a la expresividad instrumental pura, estructurada en un tradicional despliegue de 4 movimientos, pero sin ninguna táctica formal aparente en común con sus predecesoras (1a, 4ta y 6ta). Si alguna deuda formal tiene la 9na, es con Das Lied von der Erde, compartiendo el ánimo de obra de despedida, y donde el Adagio final es realmente otro tipo de "Abschied", pero ésta vez sin la intervención de la voz.

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Desde cualquier otro punto de vista, la 9na es una obra de vanguardia que definitivamente abre los caminos del expresionismo del siglo XX, con la incorporación de un cuerpo de ideas absolutamente nuevo. Es la obra del período final de Mahler, que se caracterizó por permanentes conflictos personales y profesionales así como el establecimiento pleno de la enfermedad que lo llevaría muy pronto a la muerte.

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Probablemente para 1912, año en que finalmente se estrenó la obra, nunca se hubiera creado hasta la fecha una obra de semejante nivel de complejidad. Para muchos directores es la sinfonía más difícil de Mahler, por la demanda que requiere representar con convicción los siempre variantes estados de ánimo de la partitura, desde la ternura más sublime, pasando por las diversas caras de la sátira, para finalizar en el dolor y en la premonición de muerte más torturados. El acorde inolvidable a cargo de las cuerdas que comienza el Adagio finale, es casualmente idéntico al mismo acorde que comienza el final de la 9na de Bruckner, otra sinfonía de despedida.

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La discografía de la 9na es extensa, y casi todo director que ha incurrido en Mahler tiene su propia grabación. La primera grabación fue hecha el 16 de enero de 1938, por el mismo Bruno Walter dirigiendo la Filarmónica de Viena, pocas semanas antes del "Anschluss" y el ambiente premonitorio de tensión que se percibe es algo escalofriante. La misma no se volvió a grabar hasta 1950, cuando apareció la controversial grabación de Hermann Scherchen. Tendría que esperar una década más hasta mediados de los 60´s para que empezara a conquistar el terreno que hoy ocupa. Grabaciones hoy día son numerosas, probablemente la que más se acerque al nivel ideal de perfección interpretativa, sea la inolvidable lectura de Herbert von Karajan, en sonido digital con la Filarmónica de Berlín, pero a pesar de ese altísimo pináculo, quien escribe cree que Mahler no puede ser tan aséptico, y menos en la 9na. Volvemos a la contraposición de la ejecución "moralista" y la "amoralista". Sir Georg Solti, a su propio modo, se coloca en el último bando, el de directores como Scherchen, Klemperer, incluso Bernstein y con tempi abruptos y sobreañadido de drama y grotesca perversión, logra una de las grabaciones más intensas de la 9na, sin caer nunca en el melodrama. Una absoluta referencia en la 9na, la obra que decreta el final del romanticismo musical y el arribo de la Música Contemporánea.

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M-S.

Bicentenario Liszt: Los dos Conciertos para Piano.

Franz Liszt

THE TWO PIANO CONCERTOS

Sviatoslav Richter, Piano

London Symphony Orchestra

Dir: Kirill Kondrashin.

(PHILIPS).

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Finalizando el homenaje al bicentenario del nacimiento del gran Ferenc Liszt, compartimos en esta oportunidad sus conciertos para piano.

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Los dos conciertos de Liszt son obras de aparentemente corta envergadura y sencillez, sin embargo las dotes técnicas y dificultades que demanda al intérprete son formidables. Liszt ha sido uno de los grandes pianistas de todos los tiempos, y su maestría de igual modo la refleja en las obras que compuso para su instrumento.

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Aún en la actualidad son obras que no gozan de la popularidad de otros conciertos de mucha más tradición (Beethoven, Rachmaninov, Tchaikovsky, Brahms), y aunque entre nuevos intérpretes parecieran estar reconquistando su terreno, son pocas aún las grabaciones que les hacen verdadera justicia. Para quien escribe, aún sigue siendo la absoluta referencia de los mismos la inmortal grabación de Sviatoslav Richter, acompañado por la siempre magnífica LSO y la dirección de uno de los grandes: Kirill Kondrashin. El resultado no puede ser sino el ideal, y para muestra el disco que les invito a escuchar.

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M-S.

Sinfonía de los Mil.

Gustav Mahler (1860-1911)

SYMPHONIE NR.8 "SINFONIA DE LOS MIL"

Kölner Rundfunkchor

Prager Philharmonischer Chor

Südfunkchor Stuttgart

Tokyo Sängerknaben

Kölner Rundfunk Sinfonie-orchester

Dir: Gary Bertini.

(EMI)

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Mahler esbozó la 8va sinfonía entre junio y agosto de 1907, orquestándola en el verano siguiente. El estreno se llevó a cabo en Munich, el 12 de septiembre de 1910. Dicho evento fué un suceso de significativa importancia, pues de todas partes peregrinaron a Munich celebridades y músicos para escucharlo, entre los cuales estuvieron Arnold Schoenberg, Otto Klemperer, Anton Webern, Oskar Fried, Willem Mengelberg, Siegfried Wagner, Alfredo Casella, Erich Wolfgang Korngold, Félix Weingartner, Leopold Stokowski, Stefan Zweig, Max Reinhardt, Thomas Mann, el príncipe heredero de Baviera, el rey de Bélgica y Henry Ford. El título "De los Mil" nunca fué colocado por Mahler, pero sin su aprobación se le empezó a conocer de ese modo para efectos de taquilla. Aunque no requiere necesariamente de mil intérpretes, sí prevé el despliegue de al menos 350-400 miembros entre director, orquesta, solistas vocales y grupos de coros.

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Cuando abordamos la 8va sinfonía del homenajeado de este año, nos conseguimos con algo muy diferente a todo lo producido con anterioridad. La diferencia radica en una monumentalidad sinóptica retrospectiva. Al igual que más tarde en Das Lied von der Erde, la 8va resume y desarrolla con grandes recursos las ideas musicales, las formas y los medios que desde hacía ya mucho eran centro de la atención de Mahler al componer. Nuevamente, y después de la gran trilogía sinfónica (5ta, 6ta y 7ma), Mahler siente la necesidad de recurrir a las formas vocales, esta vez en forma masiva y con texturas muy complejas que recogen estilos que vienen desde las Cantatas de Bach hasta las Operas de Wagner.

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La obra se divide en sólo dos partes de extensión considerable:

I.- Hymnus: Veni, creator Spiritus

II.- Escena Final del Fausto de Goethe.

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El masivo primer movimiento, basado en el himno de la fe cristiana "veni creator spiritus", refleja un verdadero tributo mahleriano a uno de los grandes motetes de Bach, probablemente el "Singer dem Herrn", cuya polifonía siempre le abrumara y al que seguramente intentó emular. Por esto, no vamos a observar el desarrollo de una forma sonata típica, sino en la forma de un gigantesco motete para voces, coro y orquesta, en una especie de rediseño barroco distorsionado por las gafas mahlerianas de 1907.

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La segunda parte, a modo de contraste, es una vasta síntesis de de muchas de las formas y medios que Mahler había frecuentado desde que por primera vez hallara su propia voz como compositor. Así, la puesta en música de la última escena del Fausto de Goethe es una amalgama de cantata dramática, oratorio sacro, ciclo de lieder, sinfonía coral a la manera de Liszt y sinfonía instrumental, culminando todo ello en un postrer y apoteósico coral final (Chorus misticus) modelado según la experiencia previa de la 2da sinfonía, aunque definitivamente aventajándole en envergadura y ambición.

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El estreno fue un éxito sin precedentes y Mahler recibió una ovación de 30 minutos. Sería su último gran triunfo. Bruno Walter, director de los coros, escribió en sus memorias: "Cuando la última nota se desvaneció y las oleadas de aplauso entusiasta llegaron a él, Mahler subió los escalones de la tarima, en cuya cima estaban los coros de niños. Los pequeños le aclamaban con gritos de júbilo y caminando a lo largo de la línea, Mahler tomó cada una de las pequeñas manos que le tendían. El saludo afectuoso de la joven generación le llenaba de esperanza por el futuro de su obra y le daba un verdadero placer..."

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Por razones obvias, es hasta el momento la sinfonía menos interpretada y grabada de toda la producción mahleriana. Montar semejante mamuth sinfónico no es fácil por ser una empresa muy costosa. Luego del estreno de 1910, tuvo que esperar 6 años a que finalmente pudiera ser estrenada en América, en Philadelphia, a cargo de Leopold Stokowski. También este director tiene en su haber la primera grabación mundial de la 8va completa, que vino a realizarse el 9 de abril de 1950, con Stokie dirigiendo la Fil. de New York, en un registro de lujo. A partir de este momento se han añadido un puñado de grabaciones, de calidad variable y adaptables a los diversos gustos. Están las que resaltan la perfección sonora como la de Abbado, las que añaden dramatismo hiperromántico como las de Bernstein, las vertiginosamente extremas como la de Solti y las que exquisitamente mezclan todos estos ingredientes, como la que hoy recomendamos de Gari Bertini, uno de sus más altos pináculos en su muy respetable ciclo con la Orquesta de la Radio de Colonia. El enfoque de Bertini se aproxima al de Stokowski, haciendo énfasis en los detalles, en el lirismo, en la belleza sonora, pero sin descuidar nunca el ingrediente dramático. Es una de las mejores 8vas de toda la discografía y con la que creo representa dignamente esta serie de entregas.

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M-S.

Mahler: La Canción de la Noche

Gustav Mahler (1860-1911)

SYMPHONIE NR.7

London Philharmonic Orchestra

Dir: Klaus Tennstedt.

(BBC Legends)

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Casi a finalizar el año centenario de la muerte de Gustav Mahler y retomando la actividad del Blog.

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La 7ma Sinfonía es la obra mahleriana que ha llevado más tiempo en lograr aceptación en el terreno de las interpretaciones y grabaciones. Para un análisis completo y extenso de la 7ma y su discografía, les remito al Blog hermano Oido Fino ( http://bit.ly/dVQVz2 ) , con una serie de artículos escritos por este servidor. A pesar de la importante labor del maestro Hermann Scherchen en su difusión hasta llegar a alcanzar el ideal interpretativo, la 7ma sólo empezó a ganar su merecido espacio a final de la década de los 60´s, cuando comenzó a ser llevada de Europa al otro lado del Atlántico, es decir a Norteamérica, y fue empezada a demandar por parte de las casas disqueras comerciales como tesoro insospechado. El año 1965 fue especial para esta obra, pues ocurrieron dos eventos importantes: Hermann Scherchen hizo su famosa grabación canadiense con la Sinfónica de Toronto, de un concierto en vivo fechado el 22-04-1965, y aunque revela el mismo e inconfundible magistral estilo del maestro alemán, refleja por otro lado a una orquesta que no logra ponerse a la par de sus homólogos vieneses en la grabación de 1953, presentada en esta serie como referencia. Aún con todo, esta grabación canadiense (Music & Arts) es motivo de culto entre muchos mahleritas. Por otro lado, a finales de ese año se produjo la importante grabación comercial de Leonard Bernstein para CBS (ahora Sony) con la Filarmónica de New York.

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La grabación de Bernstein fue la segunda grabación de estudio realizada de la 7ma, sólo precedida por la legendaria grabación de Scherchen en Viena para Westminster. En ella el joven Lenny se pone en las antípodas del alemán, al ofrecer una lectura más intervencionista, audaz y si se quiere imaginativa, dando una sensación de frescura y de ánimo más relajado que en la “negra” contraparte schercheniana. Bernstein demuestra gran cuidado en los detalles y en el colorido, sin olvidar las grandes y variadas atmósferas que demanda la partitura y despliega una lectura apasionada, impetuosa e hiperromántica. La Orquesta Filarmónica de New York, para entonces bajo el reinado de Lenny, toca más con arte que con simple virtuosismo y el resultado es una de las más grandes grabaciones aún existentes de la 7ma. Pasarían veinte años (1985), hasta que de nuevo Leonard Bernstein volviera a grabar la misma obra con la misma orquesta, ahora como director invitado, y además para otra casa disquera, la DG. Esta grabación, en excelente sonido digital, muestra grandes diferencias con respecto a la primera: en primer lugar lo obvio, el sonido formidablemente capturado e infinitamente superior a su antecesora. Luego la longitud en tiempo de la nueva versión: la nueva versión digital es considerablemente más extensa, y mientras su primer registro en CBS ocupa un solo CD, el nuevo se tiene que acomodar en dos. Finalmente, en cuanto al estilo, Bernstein se muestra ahora en la plenitud de su madurez, decantándose por una lectura más reposada, expansiva, más majestuosa, refinada, intelectual, que si no menos impetuosa al menos es menos abrupta. A diferencia de lo que señalan algunos expertos, quien escribe encuentra a su versión digital como un indudable paso adelante, y por lo tanto preferible a su versión de 1965. La ejecución de la Filarmónica de New York en esta oportunidad es simplemente celestial.

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La década de los 70´s fue por consiguiente menos tímida en cuanto a nuevas grabaciones de la 7ma, y en estos años ya la misma era pieza regular en conciertos de las grandes orquestas del mundo. Grabación notable de estos años es la de Rafael Kubelik, con su orquesta de la Radio de Baviera (SOBR), quien la grabó para el sello Audite de un fulgurante concierto en vivo que data del 05-02-1976. Kubelik sabiamente concilia lo mejor de los enfoques de Scherchen y de Bernstein y también deja una versión modélica. Es digna de mención para esta década otra grabación de un concierto en vivo del año 1979, donde el director ruso Kirill Kondrashin registró una lectura inolvidable de la 7ma con la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam y que desde su salida en CD es un disco muy codiciado por coleccionistas.
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Los 80`s marcaron ya definitivamente el boom en nuevas grabaciones de la 7ma, y para entonces ya todo director de verdadera estampa mahleriana se procuró su propia grabación oficial. Uno de los más altos pináculos de toda la discografía de la 7ma lo constituye una grabación que marca un antes y un después en la historia interpretativa de esta obra: se trata de un registro, nuevamente tomado de un concierto en vivo, fechado el 29-08-1980 y en el cual al director alemán Klaus Tennstedt le correspondió dirigir la Orquesta Filarmónica de Londres, en su época de titularidad. La grabación ha sido reeditada en CD por el sello BBC Legends. Tennstedt marca mundos aparte de las grabaciones anteriores, dejando una de las lecturas más expansivas de cuantas se conocen (sólo superada por la perversamente elefantina grabación de Klemperer), y en la cual el director, aun con esos tempi tan arriesgados, se permite volcar toda la partitura mahleriana hacia los límites de su expresión, en una lectura absolutamente enrumbada hacia el siglo XX, pero que en ningún momento llega a caer en los marcados, oscuros y autoflagelantes acentos scherchenianos, pintándonos una escena musical en la que aún dentro de una visión modernista y resaltadora de conflictos existe una perspectiva esperanzadora. Tennstedt y sus músicos despliegan una ejecución inolvidable, apasionada pero nunca amanerada, intelectual, sin fisuras ni porosidades, y en donde llevan el rango expresivo a límites inimaginables. Es una grabación especialísima y probablemente mi segunda alternativa después de Scherchen y es la grabación que les presento hoy en el Blog para su pleno disfrute.

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M-S.

El Palacio Nacional de las Artes Escénicas de Budapest.

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Probablemente se trate del complejo cultural más grande y moderno del mundo, y en una ciudad insospechada: Budapest. La monumental edificación incluye la gran Sala de Conciertos Béla Bartók, que es catalogada como la sala de mejor acústica del mundo, y es que en su diseño se han empleado los más modernos recursos tecnológicos para llegar a este espléndido logro. Sin duda un orgullo nacional de Hungría y auténtico lugar de peregrinación para los melómanos.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: Piano Concerto Nr.2

Piotr Ilich Tchaikovsky
PIANO CONCERTO NR.2, Op.44
Mikhail Pletnev, Piano
Philharmonia Orchesta
Dir: Vladimir Fedoseyev.
(VIRGIN)
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Continuando el ciclo Todo Tchaikovsky, poco atendido este año por otras prioridades.
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Tchaikovsky compuso el Op.44 entre octubre y diciembre de 1879 entre Kamenka y París.
La orquestación se completó en abril de 1880, de regreso en Kamenka. La obra fue dedicada a su amigo y colega Nikolai Rubinstein (el mismo del penoso affaire con el concierto Nr.1), quien moriría al año siguiente.
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La obra fue compuesta en un período de relativa tranqulidad y descanso para el compositor
lo cual se refleja en la atmósfera despreocupada y a intervalos festiva del concierto. Aún con todo esto, la gestación y maduración de la obra llevó un tiempo prolongado. El 23 de noviembre de ese año, Tchaikovsky escribía: "Esta mañana he trabajado muy satisfactoriamente y el finale está casi terminado; después de concluirlo escribiré el andante, el cual ya existe en mi cabeza..."
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Para el 5 de diciembre, Tchaikovsky dejó Paris y puso marcha a Roma, y allá entre diciembre de 1879 y enero de 1880 estuvo ocupado revisando la 2da Sinfonía y componiendo el siguiente Opus, el Capriccio Italien. Para febrero ya el concierto contaba con una "copia justa". Para entonces escribía a Petr Jurgenson: "Para principios de marzo estaré en San Petersburgo ... allá orquestaré el concierto, el cual está ya listo en versión para dos pianos... Me encuentro muy satisfecho y orgulloso de este concierto..." Para el 2 de mayo la partitura completa fue enviada a Jurgenson.
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La Premiere del Concierto se llevó a cabo el 18 de mayo de 1882 in Moscú, con Sergei Taneyev como solista , y la orquesta dirigida por Anton Rubinstein , hermano del recién desaparecido Nikolai. Tchaikovsky resultó decepcionado por la tibia acogida de la obra y su consecuente falta de popularidad, ya que la consideraba como uno de sus mejores trabajos.
En 1887, Tchaikovsky hizo alteraciones y cortes al concierto, ya que uno de los problemasencontrados por muchos pianistas era su longitud. En 1888, Petr Jurgenson quiso reimprimir el concierto. Alexander Siloti propuso a Tchaikovsky cambios fundamentales al primer y segundo movimientos, propuesta que Tchaikovsky rechazó, limitándose a a hacer cambios sólo a la parte pianística: En respuesta a Siloti, escribió "En absoluto puedo estar de acuerdo con sus cortes, especialmente los referentes al primer movimiento... mi sensibilidad de autor queda fuertemente irritada por sus alteraciones, por lo que me es imposible aprobarlas..." En respuesta a esta misiva, Siloti escribía el 1 de enero de 1889: "Por supuesto que tocaré el Concerto Nr.2 en la forma que me ha indicado, con el gran solo de violín en el segundo movimiento omitido por completo!..." ¨
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En 1891, Tchaikovsky retomó la idea de reeditar el concierto. En carta a Jurgenson, del 30 de marzo de 1891, escribía: "El concierto Nr.2 es casi imposible en su forma actual... entiendo que ha querido reimprimirlo, pero no conozco su posición actual al respecto. Contiene ya varias correcciones, pero aún el número de errores constituye para mí una desgracia. He afrontado ya muchos tormentos con los ensayos de este concierto..."
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Sin embargo, no fué hasta 1893 que Siloti comenzó a preparar su revisión del concierto, con aprobación del autor. Bajo intensa presión del pianista, Tchaikovsky accedió a varios cambios, manteniendo el cuidado en preservar la forma y conceptos originales del mismo: "No estoy del todo feliz con sus proyectados cambios al Andante... Todo lo que ha sugerido is probablemente lo más práctico, pero esta estúpida sensibilidad mía de autor se escandaliza con cambios más radicales..."
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Aun con la desaprobación de Tchaikovsky, Siloti alteró significativamente el concierto, introduciendo cortes y transposiciones a los que el autor nunca dió consentimiento. Ese mismo año moría el Gran Trágico Ruso, y la versión Siloti no sería publicada por Jurgenson hasta 1897.
Para estupor de los puristas, la versión horrorosamente mutilada de Siloti sería la versión conocida y ejecutada del Op.44 de Tchaikovsky por muchos lustros.
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Con el devenir de las décadas, pianistas más académicos y directores más comprometidos con algo más que un aplauso fácil, sabiamente se volcaron al rescate de la partitura original, y la experiencia ha resultado en el descubrimiento absoluto de una obra nueva, maravillosamente concebida, de una originalidad asombrosa, que si bien no encuadra en el típico concierto romántico virtuoso, posee más bien una verdadera estructura de sinfonía concertante, por el importante protagonismo de la orquesta, del violín y del cello. Hemos de dar gracias por el rescate de la versión original de la obra y el abandono definitivo de la versión Siloti.
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Existe un puñado de grabaciones de la versión original del Op.44, con excelentes intérpretes como el gran Igor Zhukov, Peter Donohoe y Mikhail Pletnev, quien lo ejecuta extraordinariamente en la presente grabación, secundado por la batuta de su compatriota Vladimir Fedoseyev, como curiosidad dirigiendo una gran orquesta inglesa como es la mítica Philharmonia. La versión Siloti quedará como curiosidad en los anales de las grandes chapuzas musicales.
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M-S.

Mahler: Sinfonía Nr.6.

Gustav Mahler (1860-1911)

SYMPHONIE NR.6

Wiener Philharmoniker

Dir: Leonard Bernstein.

(DG)

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Continuando en ARPEGIO con el ciclo homenaje al centenario de la muerte de Gustav Mahler.

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La Sexta es considerada por lo común como la sinfonía más "formal" de Mahler, no obstante ser también una de sus creaciones más personales y cargadas de emociones, así como una de las que plantea más problemas y retos a intérpretes y escuchas. Se trata de una obra que confía en una clara organización dramática para apuntalar la estructura en conjunto. La Sexta es también la única obra "trágica" del compositor, puesto que el Héroe constantemente simbolizado en sus sinfonías, cae derrotado y abatido en este particular mundo sonoro. La formalidad viene dada entonces por un planteamiento convencional en cuatro movimientos, así como por la afirmación de una tonalidad concéntrica sin ambiguedades: la obra comienza y termina en la menor, y el scherzo sigue la misma tonalidad. El simbolismo de esta característica es claro y es que el Héroe implicado no tenga escape a la fatídica tonalidad que representa el destino y la muerte. En el finale, uno de los más largos y masivos de toda la literatura sinfónica, la muerte del Héroe queda representada en el último y paroxístico clímax del movimiento.

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Aunque muchos compositores eminentes como por ejemplo Webern y Berg han considerado a la 6ta como una de las más grandes obras de Mahler, en vista de su notable equilibrio entre forma y drama, la obra no está desprovista de escollos y problemas que se oponen al ensamblaje de una arquitectura perfecta: la masividad y densidad de los movimientos externos crea un desequilibrio frente a un violento Scherzo que no termina de encuadrar bien ya sea poniéndolo en segundo lugar, antes del Andante, ó en tercer lugar sucediendo al mismo. Pareciera haber la necesidad, nuevamente como en su predecesora, la Quinta, y posteriormente en su sucesora, la "problemática" Séptima, de colocar un movimiento adicional para amortiguar adecuadamente esta inestabilidad intrínseca estructural. De no menor importancia es el reconocimiento de que las radicales desviaciones de los considerados modelos "clásicos" ó "formales" han sido provocadas por consideraciones exclusivamente dramáticas. De este modo, y sin haber el reconocimiento explícito de un programa, la forma cede definitivamente paso al drama. La Sexta no sólo resalta por su formidable capacidad expresiva de la emoción en todos sus rangos, sino en los tremendos avances logrados por el compositor en el desarrollo de un pensamiento contrapuntístico propio.

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A causa de su estructura "clásica", la Sexta es la única sinfonía de Mahler en que un movimiento lento desempeña un papel tradicional dentro de un esquema tradicional cuatripartito, como lo impusiera Haydn. En otras, o bien no hay verdadero movimiento lento, como en la 7ma, ó bien el mismo funciona cumpliendo otro rol, como puede ser el de un Finale (3ra y 9na); el de una antesala al Finale (como en la 5ta); el de un movimiento de apertura (la 10ma); ó el de una parodia impostada (la 1ra). Pero volvemos y repetimos, semejante coloso sinfónico, a juicio de quien escribe, no está del todo pisando terrenos estables bajo la forma tradicional haydniana de una sinfonía.

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Siendo una obra de semejante calibre, plantea un reto constante a orquestas y directores. Herbert von Karajan decía que fuera de las Operas de Wagner, era una de las pocas obras que lo dejaban inevitablemente exhausto. Hay muchísimas grabaciones, y dentro de las interpretaciones hay dos corrientes diferentes: la línea hiperdramática, representada por directores como Leonard Bernstein ó Klaus Tennstedt, con tempi rápidos y mucho énfasis en los clímax; y la línea estoica, que antepone al drama la claridad de las líneas sonoras, del contrapunto y del argumento. Aca sobresalen las versiones de Barbirolli ó Mitropoulos. Entre las lecturas "modernas" de la 6ta pareciera imponerse una línea intermedia que concilia las dos primeras, lo cual tal vez sea lo correcto, y aca sobresalen grabaciones como las de Sanderling, Farberman, Abbado, ó la del mismo Karajan.

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Leonard Bernstein fue un especialista en la 6ta. Director controversial, aunque considerado como uno de los verdaderamente grandes mahlerianos, Lenny tiene dos registros de la 6ta, el primero con la Filarmónica de New York (hiperdramático) y su última grabación hecha para DG con la Filarmónica de Viena, para DG, en todos los aspectos harto preferible. Aunque la concecpción del director es la misma, la grabación en DG es menos extremista, más erudita y reflexiva, así como goza de los hechos de que la Filarmónica de Viena toca como pocas veces lo ha hecho en Mahler, el sonido es extraordinario y el Finale es, sin duda, el mejor que se ha grabado alguna vez. Esta grabación es una de las cinco grandes 6tas que existen en disco.

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M-S.

La Arlesiana

Georges Bizet

L`ARLESIENNE (Incidental Music)

Orchestre du Capitole de Toulouse

Dir: Michel Plasson.

(EMI).

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El célebre creador de Carmen tiene algunas otras obras obras en su haber. Si bien son bastante familiares y populares sus dos Suites de L`Arlesienne (La Arlesiana ò La chica de Arlés), lo es mucho menos la música incidental completa que Bizet creó para el libreto de Alphonse Daudet en 1872. La obra original sigue una estructura y ánimo similares al "Sueño de una Noche de Verano" mendelssohniano, y de igual modo està escrita para voces, coro y orquesta.

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La pobre recepciòn que tuvo la música incidental al momento de su estreno la condenó al olvido absoluto, lo que animó al compositor a hacer algún tipo de rescate mediante la creación de las dos suites respectivas. Sin embargo el score original ha sobrevivido milagrosamente a este olvido y en la era del disco algunos directores se han animado a desarrollar la obra completa. Se puede decir que Michel Plasson ha sido el auténtico dueño de esta versión, tal como lo demuestra en su excelente ejecución al frente de su Orquesta del Capitolio de Toulouse.

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M-S.

La Batalla de los Hunos.

Franz Liszt
HUNNENSCHLACHT (LA BATALLA DE LOS HUNOS), S.105
London Philharmonic Orchestra
Dir: Bernard Haitink.
(DECCA)
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Continuando con el año bicentenario del nacimiento de Franz Liszt.

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La batalla de los hunos (Hunnenschlacht en alemán) es uno de los trece Poemas sinfónicos de Franz Liszt, compuesto en 1857 y como buen Poema Sinfónico de quien iniciara el género, está basado en el cuadro homónimo del pintor alemán Wilhelm von Kaulbach (1850).
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La pintura de Kaulbach, de estilo barroco, describe el escenario de la Batalla de los Campos Cataláunicos en el año 451, en la que las hordas del huno Atila lucharon contra una coalición del ejército romano dirigido por Aecio y el ejército visigodo comandado por Teodorico. Según la leyenda, la batalla fue tan feroz que las almas de los guerreros muertos continúan aún combatiendo en el cielo.
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La estructura del Poema Sinfónico, sin pretender ser explícitamente descriptiva, expone diversas atmósferas del evento histórico, el discurso musical es de ánimo épico, y en el mismo vale resaltar la genialidad de Liszt en la forma de orquestar logrando el efecto con la indicación explícita de que "todos los instrumentos deben sonar como fantasmas". La finalización del mismo de forma triunfal con el uso del Organo es típica del compositor y hacen de esta obra un momento musical único.

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Bernard Haitink, venerado maestro holandés, nos deja una grabación modélica de uno de los mejores Poemas Sinfónicos del segundo homenajeado de este año.

La batalla de los hunos "Hunnenschlacht" de Kaulbach

Requiem. In Memoriam Steve Jobs (1955-2011)

Wolfgang Amadeus Mozart
REQUIEM, Op.626
Choir and Orchestra of Academy of Saint-Martin-in-the-Fields
Dir: Sir Neville Marriner.
(DECCA).
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No es usual homenajear por aca a un personaje extrínseco al ámbito artístico de la Música, pero el actual personaje en cuestión lo amerita. Su paso por la Historia deja huella indeleble en todos los ámbitos del desarrollo de nuestra actual civilización, y aunque no fue compositor como Mozart, comparte con el mismo el raro privilegio de haber sido uno de los pocos que ha hecho que en lo sucesivo la Música no vuelva a ser la misma, en el primero por su arte equiparable al de Bach, y en el caso de Jobs, por las nuevas formas que gracias a su genio tiene la música para alcanzar el oído del escucha. Vaya para él un merecido homenaje.

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Rest in peace, Steve Jobs.

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M-S