Mendelssohn - Sawallisch (II)

Felix Mendelssohn Bartholdy
SYMPHONIE NR.2, Op.52 "Lobgesang"
New Philharmonia Chorus
New Philharmonia Orchestra 

Conductor:  Wolfgang Sawallisch
(PHILIPS)

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     Continuando con el ciclo Mendelssohn en homenaje al desaparecido Maestro Wolfgang Sawallisch, en uno de los mejores registros disponibles de la 2da sinfonía, como lo reseña la siguiente revisión que cito a continuación:

"     The Symphony No. 2, “Lobgesang” or “Hymn of Praise,” is a symphonic cantata for orchestra, chorus, two sopranos, and one tenor, requiring about 65 minutes to perform. The vocal parts consume the final 40 minutes. This is an essentially ecumenical religious work. Almost all the tempos here are brisker than Abbado’s, shaving 10 minutes off his 75-minute time, and all for the better. The chorus and soloists are excellent, with Sawallisch keeping interest up by moving along smartly. Christoph Poppen also moves things along in this symphonic cantata, but Sawallisch and the Philharmonia forces produce a better sound. I have always regarded the “Scottish” Symphony as Mendelssohn’s most attractive symphony of the five. Here, both Sawallisch and Abbado excel, but at the end of the last movement, the triumphant A-Major coda is also Sawallisch’s triumph. He follows the preceding pianissimo with a correspondingly quiet A-Major 

entry, building up quickly to full volume. How effective!" 

                                                     

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      Sawallisch volvió a grabar ésta obra con la Filarmónica de Berlín, para EMI, con resultados relativamente decepcionantes. Para escuchar y apreciar la maestría de Sawallisch en Mendelssohn, definitivamente hay que remitirse a éste fabuloso ciclo con la New Philharmonia.

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M-S.

Janos Starker (1924-2013) IN MEMORIAM...

    Se nos va uno de los grandes cellos del siglo XX. Sus grabaciones legendarias para el sello MERCURY son testimonio del legado que nos deja... Paz a su alma.
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M-S.

Grieg: Las Suites de Peer Gynt

Edvard Grieg
PEER GYNT: SUITES NRS.1 & 2
Bamberger Symphoniker
Dir: Otmar Suitner.
(DG)
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     El presente disco forma parte de una colección de joyas discográficas pertenecientes al archivo de  la Deutsche Grammophon, provenientes de grabaciones insignia de los años 50´s, que en su momento fueron LP´s de gran éxito y revuelo, pero que recién ahora y afortunadamente han salido remasterizados y editados en  CD. La serie, llamada Musik... Sprache der Welt, contiene seis volúmenes y espero poder compartirlos todos en las próximas semanas, de haber aceptación.

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M-S.

Berlioz: La Fantástica por Sir Colin Davis.

Hector Berlioz
SYMPHONIE FANTASTIQUE
Koninklijk Concertgebouworkest Amsterdam
Dir: Sir Colin Davis.
(PHILIPS)
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    Homenaje al recién desaparecido Maestro, Sir Colin Davis, con la que hasta el momento aparece como la mejor lectura de la Sinfonía Fantástica alguna vez registrada. Gloria al Maestro por ésta verdadera joya.
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M-S.

Sir Colin Davis (1927-2013) IN MEMORIAM

    Ha fallecido la tarde de hoy el renombrado Maestro británico, Sir Colin Davis, una de las más grandes batutas mundiales del último medio siglo. La noticia ha sido difundida ésta tarde por la vocería oficial de la Orquesta Sinfónica de Londres, agrupación de la que era su Presidente.

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     Se nos va no sólo una gran batuta, sino la más grande batuta berlioziana de todos los tiempos. Su muerte es una pérdida tremenda para todo el mundo musical. Paz a su alma y agradecidos estamos todos los melómanos por el inmenso legado musical que nos deja.

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M-S.

Schubert - Sawallisch: Sinfonía Nr.2

Franz Schubert
SYMPHONIE NR.2
Staatskapelle Dresden
Dir: Wolfgang Sawallisch
(PHILIPS-DUO)
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     Con el propósito de completar el magnífico ciclo sinfónico de Schubert que nos dejó el recién desaparecido Maestro Sawallisch, les entrego su emblemática versión de la 2da sinfonía.

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     La presente ejecución posee las mismas características extraordinarias que la de la 1ra Sinfonía, ya publicada, pudiéndose considerar como la referencia para ésta obra. Mientras la Primera posee rasgos mozartianos, la Segunda nos identifica más con Haydn. La interpretación de Sawallisch, como sucede en la Primera, se inclina más hacia el lado romántico que hacia la vena clásica, y una evidencia de ello es la manera de llevar el tercer movimiento, más como Scherzo que como Menuetto. Una joya de interpretación y en conjunto uno de los ciclos más importantes de las sinfonías del genio austríaco.

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M-S.

Rossini: Stabat Mater.

Gioacchino Rossini
STABAT MATER
Pilar Lorengar, Ivonne Minton, Luciano Pavarotti, Hans Sotin (Soloists)
London Symphony Chorus
London Symphony Orchestra.
Dir: István Kertész.
(DECCA).
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    Conmemorando el Domingo de Resurreción, presento hoy una de las obras cumbre de toda Música Litúrgica universal, el Stabat Mater de Rossini.
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     Dotada de gran poder sonoro, tanto en sus partes vocales como orquestales, la obra ha sido señalada, al igual que ocurre en el Requiem de Verdi, de discordante con el sentido místico y religioso del momento que pretende representar. Sin embargo, a pesar de los pasajes de gran poder y grandilocuencia que presenta, la obra cuenta de igual modo con secciones de increíble misticismo, sublimidad y lamento. Sin duda es una de las grandes obras musicales de toda la literatura universal.
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     La presente grabación explota a plenitud todos los elementos fuertes del Stabat Mater, una interpretación  sobrecogedora, coros celestiales y voces solistas ideales, con un plus inmenso como es la participación de Luciano Pavarotti, en uno de sus tantos registros memorables.
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      Todo gran compositor tiene una obra cumbre que sella su trayectoria artística. En el caso de Rossini, compositor eminente de Operas, no culminó con una Opera, sino con una inmensa obra sacra, su Stabat Mater.
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M-S.

Graun: La Muerte de Jesus.

Carl Heinrich Graun
DER TOD JESU (La Muerte de Jesús), Passionskantate.
Zadori, Fers, Klietmann, Mertens.
Kammerchor Cantamus Halle
Capella Savaria.
Dir: Pál Németh.
(HUNGAROTON)
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       En conmemoración de la Pasión y muerte de Nuestro Señor Jesucristo.
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M-S.

Allegri: Miserere

Gregorio Allegri
MISERERE
The Tallis Scholars
Dir: Peter Phillips.
(GIMELL)
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     Iniciando los días santos con la obra musical insignia de la liturgia católica.
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M-S.

Mendelssohn - Sawallisch

Felix Mendelssohn Bartholdy

-SYMPHONIE NR.1, Op.11

-SYMPHONIE NR.3, Op.56 "Schottische"

New Philharmonia Orchestra

Dir: Wolfgang Sawallisch.

(PHILIPS)

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     Continuando con la serie de entregas dedicadas al arte del recién desaparecido Maestro, Wolfgang Sawallisch.

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       El presente ciclo de las sinfonías de Mendelssohn por Sawallisch es aún hoy relativamente desconocido, opacado en buena medida por competidores más famosos como los de Abbado, Karajan, Masur ó Dohnanyi.  Sin embargo, el ciclo de Sawallisch en Philips, grabado con la New Philharmonia Orchestra, se mantiene a la misma altura interpretativa de los anteriores, sin nada que envidiarles. En el caso de la 1ra Sinfonía, la presente lectura se planta como una de las mejores disponibles en disco; y en el caso de la Escocesa, aún habiendo gigantescas referencias como las de Karajan y Maag, para muchos insuperables, la de Sawallisch se les acerca bastante en juicio y calidad interpretativa.

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      Continuaremos con algunas entregas de esta serie posterior a la temporada de Pascua.

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M-S.

Schubert - Sawallisch (1)

Franz Schubert
SYMPHONIE Nr.1
Staatskapelle Dresden
Dir: Wolfgang Sawallisch.
(PHILIPS)
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    El ciclo sinfónico Schubert grabado por Sawallisch con la Staatskapelle Dresden sigue siendo hoy día una de las primeras referencias, no sólo por la maestría de las ejecuciones, sino por la uniformidad de que goza el ciclo completo. La 1ra Sinfonía en particular, de ánimo más mozartiano que haydniano, goza de un tratamiento pre-romántico desde la óptica de Sawallisch, lo cual la imprime de una energía que la coloca como absoluta referencia en ésta obra. Lo mismo observaremos en su ejecución de la 2da sinfonía, de próxima publicación.
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M-S.

Brahms - Sawallisch

Johannes Brahms
VIOLINKONZERT, Op.77
Oto Ughi, Violin
Philharmonia Orchestra
Dir: Wolfgang Sawallisch.
(RCA)
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     Continuando con el ciclo en homenaje al arte del gran Maestro Wolfgang Sawallisch, recientemente desaparecido, con una de las mejores grabaciones existentes del concierto para violin de Brahms.
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M-S.

Sawallisch dirige Weber.

Carl Maria von Weber
OUVERTÜREN
The Philharmonia
Dir: Wolfgang Sawallisch.
(EMI)
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     Homenaje IN MEMORIAM al Maestro Sawallisch, recientemente desaparecido. Paz a su alma...

Van Cliburn (1934-2013) IN MEMORIAM.

Los Frescos de Piero della Francesca

Bohuslav Martinu
-LOS FRESCOS DE PIERO DELLA FRANCESCA
-RAPSODIA-CONCIERTO PARA VIOLA Y ORQUESTA
-DOBLE CONCIERTO.
Nobuko Imai, Viola
Malmö Symphony Orchestra
Dir: James DePreist.
(BIS)
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      Homenaje al recién desaparecido Maestro James DePreist, en una de las joyas discográficas que nos dejó, con interpretaciones de referencia de tres obras orquestales de Bohuslav Martinu, con particular relevancia en la mágica lectura que hizo del Tríptico "Los Frescos de Piero della Francesca", al frente de la Orquesta de Malmö.
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      Primera entrega de una selección en homenaje a la memoria del Maestro.
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M-S.

Wolfgang Sawallisch (1923-2013)... IN MEMORIAM.

Se despide el último gran director de la vieja escuela alemana, Wolfgang Sawallisch (1923-2013)

   Sawallisch, en su debut con la Orquesta de Philadelphia, 1966.

James De Preist (1936-2013). IN MEMORIAM.

     El pasado 8 de Febrero falleció en Scottsdale, Arizona, el renombrado músico y director de orquesta afroamericano James De Priest, quien durante muchos años fue titular de la Orquesta Sinfónica de Oregon, agrupación que logró llevar a un primer nivel dentro de la escena musical de los Estados Unidos.

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    De Preist fue uno de los primeros afroamericanos egresados con honores de de la Escuela de Música Juilliard, siendo luego uno de sus docentes y directores. Era sobrino de la legendaria soprano Marian Anderson.

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    En 1962 contrajo Polio en una gira asiática y en 1965 fue elegido por Leonard Bernstein como director asistente en la Filarmónica de Nueva York. Posteriormente ocupó cargos titulares en la Orchestre Symphonique de Québec, la Sinfónica de Malmö, la Filarmónica de Monte Carlo y últimamente en la Oregon Symphony. De igual modo hizo apariciones regulares en el Aspen Festival, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Orquesta de Filadelfia y la Juilliard Academy Orchestra, así como apariciones como invitado en Amsterdam, Berlín, Budapest, Melbourne, Munich, Praga, Roma, Róterdam, Seúl, Estocolmo, Stuttgart, Sídney, Tokio, Viena y en Londres con la Orquesta Sinfónica de Londres en 2005.

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     Titular de numerosos galardones y doctorados honoris causa, en el 2005 recibió la Medalla Nacional de las Artes, de manos del Presidente Bush.

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     Su muerte, injusta y escasamente reseñada por la prensa y los medios, resulta un hecho insólito, por lo que creemos es un acto de justicia hacerle una pequeña reseña en este espacio.

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     Paz a su alma, Maestro.

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M-S.

Todo Rach: Capriccio Bohemio.

Sergei Rachmaninov
CAPRICE BOHEMIEN (FANTASY ON GIPSY THEMES), Op.12
TWO DANCES FROM "ALEKO"
The Philharmonia
Dir: Neeme Järvi.
(CHANDOS)
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    Continuando la serie "Todo Rach", presentamos a continuación una obra sinfónica y dos extractos orquestales de la que fué la primera Opera de Rachmaninov, "Aleko". Ambos trabajos pertenecientes a la primera y más temprana etapa creativa del compositor.

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      El Caprice bohémien, Op. 12 es un Poema Sinfónico que data de 1892-1894. La obra es una pieza de composición libre, compuesta por varios momentos de tipo danza intercalados con fastuosos y poderosos tuttis orquestales, dando la impresión de una pieza de ejercicio académico. Recibida con relativo éxito al momento de su estreno, fué mucho mejor recibida que la obra inmediatamente consecutiva, la Primera Sinfonía. La obra, pretendiendo comunicar un espíritu relajado, alegórico al modo de vivir gitano, no deja de transmitir ese trasfondo lúgubre y elegiaco que percibiremos en todas las obras de Rachmaninov.

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     Con el devenir de la industria discográfica y con la programación regular de conciertos, el Op.12 ha sido rescatado del olvido y se le ejecuta de vez en cuando, contando ya con algunas grabaciones que permiten conocerlo. Neeme Järvi es un director eficientísimo en todos los repertorios que aborda, aunque inexplicablemente ha incurrido poco en Rachmaninov. Sin embargo éste es un hermoso disco que recopila lo que ha abordado, incluyendo una grabación inolvidable del Caprice Bohemien.

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     Como complemento, dos danzas características de la Opera "Aleko" (1892), la primera Opera completada por Rachmaninov,  que fué su trabajo de graduación en el Conservatorio de Moscú, y estrenada al año siguiente (1893). De nuevo acá apreciamos el carácter gitano de la composición.

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M-S.

Shostakovich: La Décima.

Dimitri Shostakovich
SYMPHONIE NR.10, Op.93
Czech Philharmonic Orchestra
Dir: Karel Ancerl.
(DG)
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     La 10ma fué iniciada por Shostakovich en julio de 1953 y terminada en octubre de ese mismo año. La Premiére estuvo a cargo de Evgeni Mravinsky, quien la dirigió en Leningrado (actual San Petersburgo) el 17 de diciembre de 1953.

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     En 1953 moría Stalin, después de tres décadas de terror y de brutal opresión. Shostakovich se había mantenido en bajo perfil después del disgusto ocasionado al dictador por el episodio de la 9na Sinfonía. En cuanto murió el sátrapa el compositor se puso a trabajar en la Décima, su triste y ominoso retrato de Stalin. Con la muerte de Stalin y Zhdanov se dió paso a un ligero ambiente de distensión en todos los ámbitos de la sociedad soviética, y el mundo de las artes no escapaba a éste definitivo cambio de era. Ya Shostakovich era un valor nacional demasiado importante para poder tocarlo sin consecuencias, y de este modo ya no sentía necesidad de transigir en cuanto a su lenguaje musical. Con coraje permitió que se presentara entonces la 10ma, una obra totalmente alejada del optimismo y del "realismo socialista", aunque ocultara su significado secreto.

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     La obra encontró oposición. Fue criticada por su complejidad, sus texturas lúgubres y sus tendencias nihilistas. El sindicato de compositores soviéticos se sumergió en la bizantina discusión sobre si la obra era suficientemente optimista, llegándose a una solución rocambolescamente ridícula, al catalogarla como expresión de "optimismo pesimista". Como suele ocurrir en socialismo, se injerta un significado políticamente conveniente a una expresión artística.

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     Sesenta años después de la creación de la 10ma ya somos capaces de apreciarla por lo que es, una sinfonía vigorosa y bella. El primer movimiento ofrece un hermoso significado de su significado intrínseco. A partir de una apertura tranquila se desarrolla un avance vigoroso e inexorable que alcanza una serie de clímax fragmentados. El discurso se mueve por una transformación magistral de los materiales y no por abierto contraste. Después de este plateau sinfónico, la música se calma regresando a la exposición de la apertura. La fuerza emocional del momento es inmediata y es independiente de los significados extramusicales.

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     Ambos movimientos centrales obran a manera de Scherzos, el primero áspero, ominoso y grotesco; el otro jovial y lleno de gracia. Está reconocido claramente que en el primer scherzo (2do movimiento) Shostakovich hace un retrato musical de Stalin, mientras que en el tercero tal vez se abre espacio a la esperanza, la esperanza de la recuperación de todos los valores y libertades perdidos durante la criminal era estalinista. El segundo tema de este movimiento está basado en un motivo de 4 notas, y que no es más que la  signatura musical del compositor DSCH (el equivalente en notación germánica a la secuencia Re-Mi bemol-Do-Si) y que quiere decir D.Sch (Dimitri Schostakowitsch, abreviatura del alemán). Aunque aca se revela un nuevo enigma, se puede uno imaginar que se trata de una proclama desafiante de la verdadera identidad artística del compositor. El mismo motivo aparece de nuevo en el movimiento final, donde el compositor efectúa una gloriosa transición de la oscuridad a la luz, escuchando por primera vez motivos que sugieren optimismo. El movimiento está insuflado de elementos de tipo danza folklórica, conduciendo a una extrovertida coda que finaliza en modo directo y concluye la que es sin duda una de las grandes sinfonías del siglo XX.

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     La obra es con justo mérito una de las más conocidas y populares del repertorio shostakoviano, teniendo en su haber muchísimas interpretaciones y numerosas grabaciones, con una amplia selección que le hace absoluta justicia, encontrando desde las emblemáticas y dramáticas grabaciones de Mravinsky, hasta las suntuosas y perfectas grabaciones de Herbert von Karajan. Habiendo para todos los gusto, me atrevo a recomendar en ésta ocasión una grabación fuera de serie, una grabación que tal vez aporta lo mejor de las dos concepciones. Se trata de una grabación de 1956, a dos años apenas del estreno de la obra, y ejecutada por la entonces y siempre gloriosa Filarmónica Checa, bajo la batuta de uno de sus mejores titulares, el Maestro Karel Ancerl.

     La legendaria grabación de Ancerl posee características que la colocan como un registro fuera de serie, a a pesar de no contar con la mejor calidad sonora. El ambiente logrado es de inmediata revelación, como el despliegue de una Gran Historia en pleno desarrollo y en vivo. La orquesta suena formidable, con una precisión y virtuosismo increíbles, desarrollando con velocidad sobrecogedora tal vez el que sea el mejor 2do movimiento existente en disco. La calidad tonal de ésta grabación, rústica pero especialmente vibrante en sus solistas de vientos y bronces, es justo la que combina con éste tipo de música. Las grabaciones posteriores han tendido a exponer una visión más expansiva de la 10ma, sobre todo en el primer movimiento y en la introducción del Finale. Contrario a ésta tendencia, Ancerl logra reducir la temperatura a costa de ésta aparente impaciencia cinética, y de éste modo hasta el Scherzo se beneficia de éste impacto rítmico y en los diversos clímax se logra crear una verdadera sensación de crisis, genuinamente turbulentos, como en realidad deben sonar. 

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     Con ésta rara secuencia en reverso, presentamos en la ya conocida serie de las Sinfonías de Shostakovich la 10ma, debiendo continuar con la 9na en una próxima entrega.

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M-S.

La Sinfonietta de Janacek

Leos Janacek  (1854-1928)
-SINFONIETTA
-BALLAD OF BLANEK
-FIDDLER´S CHILD
-TARAS BULBA
Royal Stockholm Philharmonic Orchestra
Dir: Sir Andrew Davis.
(APEX)
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      A continuación un emblemático disco de Leos Janacek, no sólo por incluir sus dos obras orquestales más populares y conocidas (la Sinfonietta y la Suite Taras Bulba), sino por las extraordinarias ejecuciones que nos brinda Sir Andrew Davis al frente de la Real Filarmónica de Estocolmo, tanto en interpretación como en balance y calidad sonora. Una verdadera joya del repertorio Jancekiano.
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M-S.

Ein Feste Burg.

Johann Sebastian Bach
CANTATA NR.80 "EIN FESTE BURG IST UNSER GOTT"
CANTATA NR.140 "WACHET AUF RUFT UNS DIE STIMME"
Gabriele Fontana, Julia Hamari, Gösta Winbergh, Tom Krause.
Hymnuschor
Stuttgarter Kammerorchester
Dir: Karl Münchinger.
(DECCA)
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    Dos de las Cantatas más conocidas y famosas del extenso número que compuso Bach. La primera data de 1715, de la época en que Bach residía en Weimar, y está basada en el famoso canto de Lutero "Ein feste Burg ist unser Gott". La segunda data de 1730-31, y se sabe que fue estrenada por Bach en Leipzig, el 25 de noviembre de 1731. Está basada en la canción devocional del teólogo y compositor del siglo XVI Philipp Nicolai. En ambos casos se evidencia la siempre presente maestría de Bach en la Armonía y en la transmisión de sentimiento y espiritualidad. Las ejecuciones de Münchinger son absolutas pioneras, en ese estilo que le caracteriza y que ya hemos descrito. A diferencia de las interpretaciones puristas que luego han sentado regla, las ejecuciones de Münchinger me parecen más cálidas y afectuosas, distantes de la frialdad que suelen transmitir las versiones "históricamente informadas". Sin más, es cuestión de escuchar y comparar con las versiones más modernas.
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M-S.

Todo Tchaikovsky: Concierto-Fantasía

Piotr Ilich Tchaikovsky

CONCERTO-FANTASIA FOR PIANO & ORCHESTRA

Igor Zhukov, Piano

USSR Symphony Orchestra

Dir: Dimitri Kitaenko

(Melodiya)

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     El Concerto Fantasia en Sol Mayor, Op. 56, para Piano y Orquesta, fue escrito por Pyotr Ilyich Tchaikovsky entre junio y octubre de 1884. Fue estrenado en Moscú, el  6 de marzo de 1885, con Sergei Taneyev como solista y Max Erdmannsdörfer al frente de la Orquesta de la Sociedad Musical Rusa. El estreno fue exitoso, garantizando posteriores ejecuciones en los siguientes 20 años, para luego desaparecer completamente del repertorio hasta su resurgir en décadas recientes.

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     La obra ciertamente carece de los alcances y profundidad de los dos grandes conciertos para piano que le anteceden. La obra, agradable y accesible como es, posee una debilidad intrínseca al no contener verdaderas ideas de contundencia, pudiendo sonar a algunos como un collage de materiales procedentes de obras más importantes. Sin embargo, su original estructura lo colocan en una categoría por encima de una simple obra de exhibición.  Su riqueza melódica sin duda cautiva y su fresca estructura lo hacen una obra atractiva  y con el inconfundible sello tchaikovskiano.

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     Siendo aun hoy en día una obra poco interpretada, existe sólo un puñado de grabaciones disponibles, una de las mejores sin duda la que nos dejó Igor Zhukov, acompañado de la Orquesta de Svetlanov, pero en esta ocasión bajo la batuta de Dimitri Kitaenko. Una joya.

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M-S.

Todo Rach: La Roca.

Sergei Rachmaninov
DER FELS (UTYOS), Fantasia, Op.7
Royal Stockholm Philharmonic Orchestra
Dir: Sir Andrew Davis.
(Finlandia)
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    La Roca (Der Fels), el Op.7 de Rachmaninov, fue la primera obra orquestal formal del compositor y considerada para publicación. Fué dedicada a Nikolai Rimsky-Korsakov. La expectativa con la obra era tal que el mismo Tchaikovsky estuvo interesado en dirigirla en su siguiente tour europeo, lamentablemente moriría antes de ver cumplido su deseo. La obra data de 1893, y en la misma el compositor comienza a encontrar su propia vena melódica y anímica. El Prefacio de la misma está basado en un Poema de Lermontov del mismo nombre, el cual reza: "En el seno de una gigante roca, una nube dorada duerme en la noche"; sin embargo, el desarrollo posterior se inspira en una prosa de Chejov, llamada "En el camino", y donde se plasma una narrativa de pasiones y sentimentalismos sin llegar a confesarse una verdadera intención programática. Es un delicioso trabajo, encantadoramente atmosférico y rica y originalmente orquestado.
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     La interpretación de Sir Andrew Davis representa de manera excelente las bondades de una obra que, aunque corta, hechiza por su atmosférico colorido. Un buen regalo para despedir el 2012.
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     Para todos, los mejores deseos de paz, salud y prosperidad para este 2013.
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M-S

A la Memoria de un Angel...

Alban Berg 

VIOLINKONZERT "Dem Andenken Eines Engels"

Itzhak Perlman, Violin.

Boston Symphony Orchestra

Dir: Seiji Ozawa.

(DG-Originals)

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       Quiso el fatídico destino este año adelantar el Día de los Inocentes en dos semanas. La masacre de Sandy Hook es un hecho abominable como lo fué aquella matanza de infantes ordenada por Herodes. Así como Alban Berg compuso su Concierto para Violín dedicado a la memoria de la pequeña Manon Gropius, su ángel particular, el espíritu del mismo sirve para conmemorar el ascenso de cualquier otro ángel al Cielo. Sirva como mensaje de paz y solidaridad a las familias de las víctimas que hoy sufren y como una reflexión a que un horror semejante no vuelva a ocurrir nunca más.

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M-S.

Navidad Húngara.

Kalaka
KARÁCSONYI
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     Como obsequio navideño, una pequeña selección de canciones navideñas tradicionales húngaras.
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M-S.

Bach: Oratorio de Navidad

Johann Sebastian Bach
WEIHNACHTSORATORIUM
Elly Ameling, Helen Watts, Peter Pears, Tom Krause
Lübecker Kantorei
Stuttgarter Kammerorchester
Dir: Karl Münchinger.
(DECCA)
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     Para ustedes, la obra más importante del repertorio navideño, el monumental Oratorio de Navidad de
Bach.
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     Muy Feliz Navidad para todos.
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M-S.

Sinfonía Santa Claus.

William Henry Fry
SANTA CLAUS SYMPHONY
Royal Scottish National Symphony Orchestra
Dir: Tony Rowe.
(NAXOS)
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      Una nota de aliento en estos días de reflexión y sentimientos encontrados y una dedicatoria a los niños del mundo, nuestra mejor promesa y nuestra única esperanza. Una obra hermosa, impresionantemente orquestada, y ejecutada por la orquesta ideal.
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M-S.

Connecticut.

Gustav Mahler
KINDERTOTENLIEDER
Norman Foster, Bariton
Bamberger Symphoniker
Dir: Jascha Horenstein.
(VOX)
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      A los mártires de Newtown, Connecticut. No existen palabras para describir el sentimiento. IN MEMORIAM.
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M-S.

Galina Vishnevskaya (1926 - 2012) IN MEMORIAM.

     Adiós a la mejor "Tatiana" de todos los tiempos... paz a su alma.
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M-S.

Saint-Säens: Oratorio de Noel.

Camille Saint-Säens
ORATORIO DE NOËL
Schweizer, Wiens, Jungwirth, Melzer, Widmer
Bachchor  Mainz
Bachorchester Mainz
Dir: Diethard Hellmann
(PROFIL)
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     Magnífico Oratorio de Navidad a la francesa, por el prolijo y burbujeante Camille Saint-Säens. Continuando en celebración de las festividades navideñas.
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M-S.

Felices Fiestas

Jean Sibelius
CINCO CANCIONES DE NAVIDAD
Soile Isokoski, Soprano
Sinfonietta Finlandia
Dir: Ilkka Kuusisto.
(FINLANDIA)
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     Para celebrar el inicio de la temporada, cinco hermosas canciones de navidad finlandesas, compuestas por nada menos que Jean Sibelius. Las canciones están compuestas para soprano y orquesta, y en esta ocasión los ejecutantes del presente disco hacen un magnífico y evocador trabajo.
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      Felices Fiestas!
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M-S.

La Grande de Schubert.

Franz Schubert
SYMPHONIE NR.IX, "GROSSE SINFONIE C-DUR" (LA GRANDE)
Czech Philharmonic Orchestra
Dir: Franz Konwitschny.
(SUPRAPHON).
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    Si existe una Sinfonía en el repertorio que merece llamarse "La Grande", ésta es la 9na de Schubert.
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     La Sinfonía No. 9 en Do Mayor, D. 944, conocida como la Grande (publicada en 1840 como “Sinfonía No. 7 en Do Mayor”), es la última sinfonía completada por Franz Schubert. Originalmente llamada "Gran Sinfonía en Do Mayor" para distinguirla de la Sinfonía No. 6, "la pequeña en Do Mayor", el apellido con el tiempo fue usado y entendido como referencia a la imponente majestad de la obra. Una interpretación típica de la misma lleva alrededor de 55 minutos, en la versión revisada que hoy conocemos. 

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      Por largo tiempo se creyó que la obra databa del último año de vida del compositor, es decir, de 1828, pero ahora se sabe que el grueso de la partitura se compuso en el verano de 1825 (Beethoven aún vivía), y que en realidad se trata del trabajo al cual Schubert hace referencia en una carta fechada en marzo de 1824, donde manifiesta estar preparando una "Gran Sinfonía". Para el verano de 1826 la obra estaba concluida, pero al no tener dinero para pagar por una interpretación, la envió a la Gesellschaft der Musikfreunde en Viena, con una dedicatoria. En respuesta, la Sociedad le retribuyó con una pequeña paga, se hicieron cargo de las copias de las partes orquestales, y en algún momento del año 1827 dieron una ejecución preliminar a la obra, considerándola a la final muy larga e inadecuada para una orquesta amateur como era la del Conservatorio. La obra quedó olvidada y su manuscrito en manos del hermano del compositor, Ferdinand Schubert.

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      En 1838, diez años después de la muerte de Schubert, Robert Schumann visitó Viena y pudo obtener copia del manuscrito de "La Grande" de manos de Ferdinand, copia que se pudo llevar a Leipzig, donde finalmente la obra tuvo su primera ejecución en público, a cargo de Felix Mendelssohn dirigiendo su Orquesta de la Gewandhaus, el 21 de Marzo de 1839. Schumann celebró el magno evento a través de un artículo publicado en el Neue Zeitschrift für Musik, donde saludaba a la Sinfonía por su "longitud celestial". La leyenda señala que durante un ensayo del primer movimiento, un musico le preguntó a otro si había logrado poder identificar algún tono. A raíz de la Premiere, Schumann  sentenció a la "Grande" como el más importante trabajo orquestal compuesto desde la muerte de Beethoven. }
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      Continúa la controversia, en vista de evidencias aún confusas, de la verdadera numeración que corresponde a "La Grande". Los académicos alemanes la numeran como la No.7, mientras en la más reciente versión del catálogo Deutsch (D) está listada como la No.8. Los académicos ingleses la siguen numerando como la No.9... Seguirá el fascinante misterio.
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      La obra consta de los cuatro movimientos tradicionales, en la forma y orden clásico haydniano. Un allegro ma non troppo, seguido de un Andante con moto, al cual sigue un Scherzo típico y finalmente una conclusión triunfal en forma de Allegro vivace. Aunque respeta la forma tradicional de una Sinfonía clásica, la 9na de Schubert constituye una obra verdaderamente innovadora y si se quiere revolucionaria. Aún siguiendo el desarrollo temático en el estilo de Beethoven, Schubert coloca más peso y énfasis en el despliegue melódico, cosa absolutamente esperable del Padre del Lieder. Sin duda, no hablamos únicamente de la obra sinfónica más importante del compositor austríaco, sino de una de las más relevantes de toda la literatura sinfónica.
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      Como gran obra emblemática que es, para el día de hoy contamos con decenas de interpretaciones registradas en disco, casi todo gran director que se precie de serlo no ha podido sucumbir a los encantos y bondades de esta gran obra, habiendo dejado su propio testimonio ejecutorio. Como referencia se pueden tomar varias, quien escribe ocasionalmente a la hora de juzgar  pone más peso en la forma como se ejecuta el primer movimiento, el más importante y más complejo de toda la obra. Aunque cada quien tenga su propio favorito, sugiero a todos evaluar la grabación que hoy les presento. Se trata de una joya, una incomparable versión del año 1962, donde el legendario director alemán, Franz Konwitschny, hizo aparición en el Rudolfinum de Praga, dirigiendo la igualmente legendaria Orquesta Filarmónica Checa, dejando una grabación que sin duda se puede tener como lo más cercano a la perfección. La asertividad de Konwitschny y sus magistrales manejos en el detalle, equilibrio y balance orquestales deben ser aún para los oídos de hoy materia de admiración, a pesar de una calidad de sonido por debajo de los estándares que ya se podían conseguir de casas disqueras de la misma época. Durante muchos años sólo disponible en formato LP, a principios de la década pasada el sello SUPRAPHON logró rescatar la grabación y editarla por vez primera en CD, cosa que en su momento agradecimos con el alma los fanáticos de la misma. La presente grabación es un documento importantísimo y un esencial a la hora de evaluar esta Gema de los Grandes Tesoros de la Música.
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        Este post va con dedicatoria especial a mi amigo Joaquín, Quinoff, esperando que forme parte esencial de sus audiciones habituales.
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M-S.

El Sibelius de Sir Alexander Gibson (IV)

Jean Sibelius
-SYMPHONY NR.3, Op.52
-SYMPHONY NR.6, Op.104
-SYMPHONY NR.7, Op.105
Royal Scottish National Symphony Orchestra
Dir: Sir Alexander Gibson.
(CHANDOS)
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     Finaliza el fenomenal ciclo Sibelius de Sir Alexander Gibson con la Orquesta Nacional Escocesa. El último CD del mismo incluye emblemáticas lecturas de las Sinfonías Nrs. 3, 6 y 7.
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      Se repiten aca las mejores características ya apreciadas en los discos anteriores de este ciclo. Lecturas atmosféricas con una ejecución brillante, poderosa y sin fisuras, potenciados por una calidad de sonido excepcional, en la mejor tradición de Chandos.
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       Sin más, la conclusión de un especial ciclo digno de atesorar.
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M-S

Todo Rach: El Príncipe Rostislav.

Sergei Rachmaninov (1873-1941)

OBERTURA "EL PRINCIPE ROSTISLAV" (KNYAZ ROSTISLAV)

National Symphony Orchestra of Ireland

Dir: Jerzy Maksymyuk.

(AMADIS).

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      Hasta ahora se le ha  dado poca cobertura al arte de Sergei Rachmaninov, pero no porque lo desmerezca, todo lo contrario: he esperado un tiempo para empezar una serie especial dedicada a su obra, como se ha venido haciendo con Tchaikovsky.

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      Considerado como el último de los compositores románticos, afirmación que resulta verdad a medias, Rachmaninov fué ante todo un formidable y soberbio pianista, uno de los diez más grandes de todos los tiempos. Su dedicación a la composición siempre fue secundaria y circunstancial, con grandes períodos de productividad intercalados con variables períodos de silencio, y a pesar de ser una actividad que la causaba terrible ansiedad y grandes frustraciones, no dejó de cosechar obras que entonces y hoy en día son apreciadas dentro de las más notables del gran repertorio romántico orquestal y pianístico. Su Piano Concerto Nr.2 es junto con el Nr.1 de Tchaikovsky el más popular de la literatura universal, su 2da Sinfonía es una de la más importantes de este género y argüiblemente su Piano Concerto Nr.3 es considerado el "Monte Everest" de todos los conciertos para éste instrumento. No nos encontramos simplemente entonces ante un nostálgico continuador del legado romántico de Tchaikovsky, sino ante un compositor con personalidad bien definida.

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     Las composiciones de Rach para el piano siempre fueron como es de esperar las que más fáciles se le daban, dejando un catálogo amplísimo y fundamental. No fué del mismo modo a la hora de componer para la orquesta, no por falta de talento, sino más bien por ser un inconformista, y como todo perfeccionista, con una base de inseguridad que siempre le traía prolongados episodios de ansiedad, depresión y en su momento, problemas de alcoholismo.

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      El primer experimento creativo orquestal de Rachmaninov fue una Obertura, o Poema Sinfónico, titulado "El Príncipe Rostislav", la obra que hoy presentamos. La obra fue compuesta en su época de estudiante en el Conservatorio de Moscú, y al ser una obra en boceto, nunca pasó a formar parte del catálogo de sus obras formales publicadas. Los bocetos sobrevivieron al tiempo y hoy existe una partitura ejecutable. El manuscrito está fechado del 15 de diciembre de 1891 y está basado en una balada homónima escrita por Aleksey Tolstoy. Una típica interpretación de la Obertura dura unos 16 minutos. está escrita en Re menor y utiliza la instrumentación en una forma muy particular. La obra no presenta texturas tchaikovskianas como podría suponerse, sino más bien una fuerte influencia del Sadko de Rimsky-Korsakov.

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      A diferencia de su siguiente obra orquestal "Der Fels" (La Roca), su Op.7, "Rostislav" no tiene dedicatoria. Rachmaninov no hizo ningún intento de ejecutar ó hacer ejecutar la obra durante su vida. Su estreno fue póstumo y tuvo lugar en Moscú, el 2 de noviembre de 1945, bajo la dirección de Nikolai Anosov. La obra fue finalmente publicada en 1947.

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      Aunque se trata de una obra de juventud, ya deja ver el talento del joven Rach para componer, desarrollar ideas musicales y orquestar, con un particular sello, que aunque muestra influencia de antecesores como Los Cinco, ya refleja una personalidad propia en desarrollo, más en evidencia en obras posteriores como "La Roca" ó el "Capriccio Bohémien". Con pocos registros disponibles, la grabación hoy presentada es una de las más fáciles de conseguir, más ahora que ha sido reeditada por Naxos.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: Suite Nr.3.

Piotr Ilich Tchaikovsky

SUITE NR.3, Op.55

USSR Ministry of Culture Symphony Orchestra

DIR: Gennady Rozhdestvensky.

(ERATO)

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     Tchaikovsky compuso su Op. 55 en 1884, en simultaneidad con su Concierto Fantasia Op. 56, para piano y orquesta. El movimiento originalmente pensado para la apertura de la Suite, Contrastes, se haría luego la conclusión del Concierto Fantasia. Ambos trabajos fueron concebidos originalmente para ser obras mayores a lo que resultaron: el Concierto Fantasia como un Concierto para Piano y la Suite como una Sinfonía, respectivamente. Sin embargo, son aún hoy en día obras muy apreciadas por los conocedores del repertorio del Gran Trágico Ruso.

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     La Premiere de la Suite se llevó a cabo el 24 de enero de 1885, bajo la batuta de Hans von Bülow. Fue dedicada al director alemán Max Erdmannsdörfer, a quien correspondió la Premiere moscovita unos días después, y quien había dirigido los estrenos de las dos primeras Suites.

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     La Suite está estructurada en cuatro movimientos, el último de ellos en la forma de Tema e variazioni, más largo por sí solo que los tres movimientos antecesores en conjunto: el primero es una Elegía, en el mejor modo nostálgico de que el compositor era capaz, pleno de hermosas melodías. A continuación un oscuro, enigmático y melancólico Valse "en modo obligado" y tal vez un ensayo que anuncia el inolvidable Valse que forma parte de la 5ta Sinfonía. El Scherzo es breve, pero poderoso y directo, aunque no deja de mantener el ambiente ominoso que ha reinado en la obra desde el comienzo, y que sólo se distiende al llegar el Finale, con una de las típicas muestras del genio de Tchaikovsky en el arte de la variación. A partir de un tema muy sencillo, se crea un caleidoscopio de variaciones posibles que encuentran su apoteosis final en una gran y triunfal Polacca. La variación VIII (Adagio), a cargo de un corno inglés, y de menos de un minuto de duración, es un momento particularmente sobrecogedor por la belleza perfecta e irrebatible que transmite, una belleza que hiela la sangre.

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     "Realmente quería escribir una Sinfonía, pero a la final el título de la obra es realmente lo de menos", escribió Tchaikovsky a Taneyev. El compositor completó en primer lugar el Scherzo, y finalizó con el Tema e variazioni. El resultado es una obra única, que por su estilo "libre" es una Suite, pero por su estructura intrínseca se puede considerar una Sinfonía. Tchaikovsky creía que la nueva obra tendría una buena recepción por parte del público. Sus expectativas serían excedidas: "Nunca antes he experimentado semejante triunfo...", escribiría poco después a su mecenas, Madame von Meck. "...Pude ver a la entera masa de la audiencia emocionada y agradeciéndome. Estos son los mejores momentos de la vida de un artista, y gracias a ellos es que vale la pena vivir y seguir trabajando...". De igual modo, la receptividad de la prensa fue muy favorable.

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      La Suite Nr.3 es una de las grandes gemas del repertorio tchaikovskiano. La misma, más que transmitir profundidad de ideas, explota como pocas las posibilidades melódicas y sonoras de la orquesta, ya exploradas en las suites anteriores. Como ya he mencionado, el movimiento final es un magnífico ejemplo del genio único del compositor en el arte de la variación, comparable a lo que ya había logrado en su Trío Patético. Paradójicamente, y por esas cosas que aún no terminan de explicarse, para los oídos de hoy, es una de las obras menos conocidas y ejecutadas del compositor. No existen por tanto muchas grabaciones disponibles, y las más obvias forman parte de los esfuerzos realizados por algunos directores de grabar el ciclo completo de las cuatro suites. Aún con esto, probablemente ninguna se compare en calidad artística y brillo orquestal con la magnífica grabación del Maestro Rozhdestvensky con su personalísima orquesta de Ministerio de Cultura de la Unión Soviética, una ejecución considerada inigualable.

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M-S.

Bloch: Sinfonía Israel

Ernest Bloch
- NIGUN (Extract from Baal Shem, Orch. Stakevich)
- SCHELOMO, Hebrew Rhapsody for Cello & Orchestra
Alexander Kniazev, Cello.
- ISRAEL, Symphony for Orchestra and five soloists.
Russian State Symphony Orchestra.
Dir: Evgeny Svetlanov.
(Le Chant du Monde)

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     Ernest Bloch es un compositor ampliamente conocido principalmente a través de obras como su Rapsodia Hebrea "Schelomo", su imponente "Servicio Sacro", su "Baal Shem", sus "Concerti Grossi" y su Concierto para Violín, éste último ya difundido en éste espacio.
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     Bloch también incurrió en el repertorio sinfónico, con dos obras importantes en su catálogo, la fantástica Sinfonía en Do sostenido, y la Sinfonía Israel, hoy presentada.
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     Este disco es una rareza, pero en vista de los intérpretes me he aventurado y la apuesta ha sido a ganador. En primer lugar contiene el "Nigun" (Improvisación), que es un extracto de la Suite "Baal Shem",
en versión orquestada por Stakevitch, para Orquesta de Cuerdas, Trompeta y Percusión, en vez de la versión original para violín y orquesta. A continuación, una versión muy idiomática del "Schelomo", que suena con una magia particular en manos de intérpretes todos rusos, aunque de seguro carezca del refinamiento de otras grabaciones más occidentales tomadas como referencia, por ejemplo la emblemática de Rostropovich con Bernstein.
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     Finalmente, la "Sinfonía Israel", compuesta entre 1912-1916, tras la primera visita de Bloch a los Estados Unidos, y de hecho estrenada en New York (Carnegie Hall, 3 de mayo de 1916). La obra fué compuesta para Gran Orquesta (Mahler-sized) con la adición de un quinteto de voces solistas, dos sopranos, dos contraltos y un barítono. La obra consta de tres partes, un primer movimiento donde se celebran los orígenes judíos de la antígua Israel, un segundo movimiento alegórico al "Yom Kippur", y un Finale, que
es inspirado por el "Sukkot" (Fiesta de los Tabernáculos), que acaece 5 días después del Yom Kippur y en donde entran en escena los solistas vocales, cantando a modo de Salmo, y en que según disposición del
compositor se colocan dispersos en la orquesta, sentados como músicos adicionales y no en agrupación de pie. Una obra hermosa, original y más que interesante.
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     Disfruten de ésta nueva adquisición de ARPEGIO.
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M-S.

Sir Alexander Gibson, el Gran Sibeliano (III)

Jean Sibelius
-SYMPHONY NR.2, Op.43
-SYMPHONY NR.5, Op.82
Royal Scottish national Symphony Orchestra
Dir: Sir Alexander Gibson.
(CHANDOS)
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  Continuamos haciendo entrega de la serie dedicada al arte de Sir Alexander Gibson en la producción sibeliana. El segundo disco de su ciclo sinfónico para Chandos incluye las sinfonías Nrs. 2 y 5.

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    Nuevamente haciendo gala de un perfecto entendimiento de ésta música, Gibson nos deja interpretaciones soberbias de éstas sinfonías, en primer lugar una espléndida e irrebatible 2da, comparable a cualquiera de las grandes que se quiera tomar como referencia (Szell, Barbirolli, Bernstein); seguida de una idiosincrática pero efectiva 5ta, que pudiera considerarse un paso adelante en comparación con su ya de por sí famosa grabación más antígua hecha para DECCA con la Sinfónica de Londres.

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   Gibson se corona como un Maestro en el logro de las atmósferas y paisajes sibelianos, añadiendo un colorido orquestal con el cual ya quisieran muchos igualarse. La Orquesta Escocesa está ya en el tope de sus condiciones, sonando como una agrupación de primera línea, sin nada que envidiarle a una Fil. de Berlín ó una Concertgebouw.

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    Estupendas interpretaciones para seguir completando este fantástico ciclo de Chandos.

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M-S.

 

Todo Tchaikovsky: Suite Característica.

Piotr Ilich Tchaikovsky
SUITE NR.2, Op.53 "CARACTERISTICA"
Philharmonia Orchestra
Dir: Michael Tilson Thomas.
(CBS)
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    La Suite Nr.2 comienza el tercer y último período de la vida creativa de Piotr Ilich Tchaikovsky. La misma fue comenzada en 1883, poco después de finalizar la primera versión de su Opera "Mazeppa". A finales de septiembre de ese año, el compositor escribía a su hermano Modest: "... Mi Suite progresa lentamente, pero tiene mucha probabilidad de resultar exitosa... al menos el Scherzo y el Andante serán de mucho agrado...". Para mediados de octubre la obra ya estaba terminada. La Suite Op.53 tuvo su premiere el 4 de febrero de 1884, en Moscú, bajo la dirección del reputado director alemán Max von Erdmannsdörfer. La pieza resultó en un rotundo éxito, tanto para el público como para la prensa. Sin embargo, Tchaikovsky no estuvo en la premiere, pues Mazeppa había tenido su primera presentación la víspera en el Bolshoi, con una recepción opuesta a la Suite, lo cual trajo en el compositor una profunda depresión, que lo llevó a irse de Moscú al siguiente día, con rumbo a Europa Occidental.

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     La Suite Nr.2, llamada "Característica", es una de las obras más nacionalistas de Tchaikovsky, junto con la Sinfonía Ucraniana. Llamativamente ha sido la Suite menos ejecutada de las cuatro que compuso. La misma consta de cinco movimientos, siendo los dos primeros, Jeu de sons y Valse, piezas de inspiración balletística. El Scherzo burlesque es claramente evocador del floklore ruso, tanto en melodía como en color orquestal (el mismo incluye la original participación de cuatro acordeones). El penúltimo movimiento, Réves d´Enfant, también incidental, anuncia con sus atmósferas oníricas materiales que luego volveremos a conocer en El Cascanueces. La obra concluye con una Danse baroque, una variación  basada en una danza tradicional ucraniana, el Kazachok, de Alexander Dargomizhky.

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     Existen pocas grabaciones de esta hermosa Suite, la mayoría formando parte de ciclos que incluyen las cuatro Suites (Marriner, Dorati, Svetlanov). Sin embargo, el entonces joven y revelador director Michael Tilson Thomas la pudo grabar en los 80´s con la Philharmonía, exponiéndonos mejor que nadie toda la riqueza sonora y melódica de esta obra, dejándonos un registro modélico, que aún sonando bastante eslavo, no cae en la rudeza de un Svetlanov ó en la melifluidad de Marriner. Sin duda es mi referencia más tchaikovskiana para esta obra.

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M-S.

Sir Alexander Gibson, el Gran Sibeliano (II)

Jean Sibelius
-SYMPHONY NR.1, Op.39
-SYMPHONY NR.4, Op.63
Royal Scottish National Symphony Orchestra
Dir: Sir Alexander Gibson.
(CHANDOS)
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     Publicando una segunda entrega como muestra del arte sibeliano de Sir Alexander Gibson.
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     Sin duda Gibson ha sido el mayor talento musical alguna vez surgido de tierras escocesas, llegando a ser el primer director nativo de la que lograría llevar a ser la primera agrupación orquestal de Escocia, la Orquesta Sinfónica Nacional Escocesa, bajo cuya titularidad alcanzó niveles de sonoridad, depuración y disciplina de primer orden.
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      Ya en la entrega anterior de esta serie pudimos apreciar a través de algunos poemas sinfónicos la afinidad de director y orquesta por la música de Sibelius, de hecho llegaron a grabar el ciclo sinfónico completo para Chandos, siendo uno de los primeros de la era digital, y manteniéndose hasta nuestros días en plena vigencia y entre los mejores. Los años de Gibson al servicio de la música del finlandés le valieron en 1978 la medalla de la Sociedad Sibelius, y son numerosas las grabaciones de su música, siendo tal vez éste ciclo sinfónico digital la cúspide de su arte interpretativo sibeliano.
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     El ciclo comienza con el presente disco, que incluye las Sinfonías 1 y 4, en fantásticas y muy idiomáticas lecturas, en especial la 1ra Sinfonía, que en este lectura se deja apreciar en todas sus texturas y en toda sus panorámicas y atmósferas. La orquesta toca con gran compromiso, dejando fluir el espíritu sibeliano sin forzarlo en ningún momento. Probablemente menos incisiva que otras versiones como las de Maazel, Segerstam ó Ashkenazy, la grabación de Gibson gana terreno en argumento y detalle al manejarse con tempi   más expansivos. Lo mismo aplica para la 4ta, muy bien tocada, pero al tratarse de una partitura mucho más modernista que exige más carácter, da la impresión Gibson de quedarse corto, y aunque hayan versiones sin duda más logradas, vale mucho la pena conocer lo que Gibson y sus escoceses tienen que decir.
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   Se procurará colocar el ciclo completo para deleite de los seguidores de ARPEGIO.
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M-S.

IN MEMORIAM 11-IX-2001

Henryk Gorecki
SYMPHONY NR.3 "SYMPHONY ON SORROWFUL SONGS"
Dawn Upshaw, soprano
London Sinfonietta
Dir: David Zinman.
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     En homenaje a todos los inocentes caídos el 11-09-2001, víctimas del fanatismo genocida de criminales que en nombre de un credo pretenden ser dueños de la verdad e imponerla a sangre y fuego. El mal nunca triunfará.
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M-S.

Haydn: Conciertos para Violín.

Franz Joseph Haydn
VIOLINKONZERTE
Rainer Kussmaul, Violin
Amsterdam Bach Soloists
Dir: Robert Hill (Hapsichord)
(OLYMPIA)
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     Al fín una integral de todos los conciertos para violín de Haydn. El "Padre de la Sinfonía" fué también un prolijo compositor de obras concertantes, así tenemos conciertos para flauta, dos excelentes conciertos para corno, un concierto para flauta, un atribuido concierto para oboe, diversos conciertos para teclado, dos magníficos conciertos para cello, y el mejor y más popular concierto para trompeta alguna vez creado. El violín no podía quedarse por fuera, y así existen en la creación haydniana cuatro emblemáticos conciertos para éste instrumento. El más conocido y popular es el concierto en do mayor (Hob.VIIa:1), sin embargo el resto de los mismos son grandes obras clásicas y rara vez se les encuentra en conjunta.
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     La gran bondad del presente disco, aparte de unas ejecuciones de primera, apartadas de las estrictas líneas puristas, es que reúne por tal vez única vez los cuatro conciertos en un disco integral, cosa que los melómanos, aficionados a Haydn y coleccionistas agradecemos encarecidamente.
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      El disco es una delicia y una absoluta recomendación para coleccionistas y completistas, ahorita fuera de catálogo.
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M-S.

Favoritos de Rusia

GLINKA - Russlan & Ludmila (Overture)
BORODIN - In Steppes of Central Asia
TCHAIKOVSKY - Marche Slave
RIMSKY-KORSAKOV - Russian Easter Overture
GLIERE - Sailor´s Dance
Saint Louis Symphony Orchetra
Dir: Leonard Slatkin
(TELARC)
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     A continuación una selección de favoritos del repertorio tradicional ruso, conformado por obras muy bien conocidas y de alta popularidad.
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      El fastuoso sello TELARC hace de este tipo de obras un festín sonoro en vista de la excelente ingeniería de sonido empleada en estas grabaciones. El resultado es fantástico y sólo queda sentarse a escuchar.
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M-S.

Carl Czerny, el compositor eclipsado.

Carl Czerny (1791-1857)
SYMPHONIE NR.1, Op.780
Brandenburgisches Staatsorchester Frankfurt
Dir: Nikos Athinaos.
(CHRISTOPHORUS)
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La biografía musical de Carl Czerny (1791-1857) atraviesa el puente que lleva de la liquidación neoclásica a la eclosión romántica. Digamos, para graficar, el destino de un Rossini, un Cherubini, un Spohr. En ese puente hay un monumento al genio llamado Beethoven. Pero, según afirma el infalible perogrullo, genios son sólo los seres geniales. Entonces: dejémoslo de lado para no bloquear el tráfico.
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Czerny vivió en la Viena ya convertida en el Vaticano de la música. Y la verdad es que no le fue mal. Se convirtió en uno de los virtuosos de esa novedad técnica llamada pianoforte y se lo enseñó a tocar a las familias de la crema mejor batida de la corte imperial. Cualquier estudiante de piano ha aprendido así mismo con él, no por razones de edad sino por las didascalias deliciosamente eficaces que nos dejó impresas.
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Ser un virtuoso de aquellos tiempos tiene sus ventajas para quien goza de tal fama y sus inconvenientes para la posteridad. Los virtuosos vivían, sobre todo, de improvisaciones, temas con variaciones de temible dificultad que raramente llegaban a ser escritas o que lo eran en ínfima minoría de ejemplos. O sea que, fuera de sus comedidas invenciones para el teclado, el arte de Czerny se perdió en las engañosas páginas mudas de la leyenda.
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Distinto es el destino de sus sinfonías. ¿Escribir sinfonías en la Viena de Beethoven? Sí, claro, sin perder los estribos se podía y Czerny es un ejemplo. Schubert también lo hizo, aunque sin grandes pretensiones. Obedeciendo al esquema clásico de los cuatro movimientos – los cuatro temperamentos, las cuatro estaciones del año, las cuatro edades de la vida: nada menos – Czerny evoluciona hacia una retórica del melodismo amplio y encadenado que, sin ser el descabello romántico, se va tiñendo de romántica sensibilidad. Y todo con un aparato orquestal sucinto, como para no salir del amable salón dieciochesco porque en la calle truena el la ira de los revolucionarios.
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Compositor muy prolijo, Czerny compuso seis sinfonías, tal vez el género al que le prestó menos atención por las razones antes expuestas. La primera sinfonía, titulada "Gran Sinfonía", data de 1840, lo que indica que Czerny abordó esta disciplina hacia el final de su carrera artística. Para 1840 ya habían muerto Beethoven y Schubert, pero empezaban a conocer el apogeo Mendelssohn y Schumann. La "Gran Sinfonia" de Czerny se emparenta en muchos aspectos con la 1ra sinfonía de Mendelssohn, aunque por supuesto se perciben las influencias de Haydn y Beethoven. De Haydn mantiene la estructura típica, con amoldaduras eminentemente clásicas, pero a diferencia de Schubert, Czerny es capaz de imprimirle a su modo el pathos contrastante que caracteriza a las obras de su mentor, Beethoven. Se trata de una obra hermosa e importante, la interpretación de Athinaos, hoy presentada, es modélica.
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M-S.

A 15 años de la partida de un Monarca...

Sergei Rachmaninov
Prelude, Op.23, Nr.2
Sviatoslav Richter
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    Sviatoslav Richter es considerado por muchos el pianista más grande del siglo XX. Y esto parece justo si se toma en cuenta su inigualable técnica, el equilibrio que siempre lograba entre el respeto por el autor y los aportes de su interpretación, la mayor importancia que daba a las grabaciones en vivo por sobre las grabaciones de estudio, su capacidad para actuar como acompañante e integrar conjuntos de cámara, su dilatada trayectoria (de más de sesenta años), el reconocimiento unánime que consiguió del público y de sus colegas, y la amplitud de su repertorio, que no puede compararse con la de ningún otro.
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     Su muerte, acaecida hace ya 15 años, constiyuye aún una irreparable pérdida en el mundo de la Música Académica y para toda una generación de grandes pianistas que el mundo conoció en el siglo XX. Ante una pérdida tan tremenda como ésta, sólo cabría citar aquella famosa sentencia de Shakespeare en su Julio César:  "Cuando mueren payasos y falsarios, sólo escucharéis el clamor estridente de las turbas... Cuando un verdadero Soberano muere, el firmamento mismo resplandece con señales".
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      Qué mejor manera de recordar a Richter que con su memorable, única e inimitable ejecución del Preludio Nr.2 del Op.23 de Rachmaninov, una de las piezas con que solía concluir sus recitales, acá ahora en todo su esplendor.
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M-S.