A UN AÑO...

Gustav Mahler
SYMPHONIE NR.6
New York Philharmonic
Dir: Dimitri Mitropoulos
(Live Recording 10-04-1955)
(ARCHIPEL)
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A un año de la desaparición terrena del inolvidable amigo Gabriel "Cuervo López"...

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La inspiración de este modesto BLOG ha sido mi admiración por el titánico trabajo dejado por El Cuervo en el suyo propio, y de alguna manera ARPEGIO, al igual que otros Blogs hermanos, es descendiente ó al menos tributario de aquella gran enciclopedia virtual cuerviana, respetando las abismales diferencias.

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Su pasión por Mahler no la he conocido en más nadie, y su discoteca mahleriana debe ser hoy todo un patrimonio cultural... En una de mis últimas correspondencias con El Cuervo le pregunté sobre la grabación que hoy presento, y no la poseía, y hasta donde sé nunca llegó a escucharla. De todas las sinfonías mahlerianas probablemente su gran pasión era la 6ta, y su versión favorita era su enguerrilladamente defendida grabación de Solti, que muchísimas diatribas levantó en los foros de discusión.

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Buena como es esta grabación de Solti, la 6ta es una obra con un rango dinámico y expresivo que acepta casi cualquier tipo de enfoque, desde el sombrío estoicismo espartano de Barbirolli hasta los límites y umbrales de la psicopatofonía de versiones como las de Bernstein ó Tennstedt.

Un referente obligado en esta sinfonía es uno de los indiscutiblemente grandes intérpretes mahlerianos: el maestro Dimitri Mitropoulos... el mismo que hizo la primera gran grabación de la 1ra, la "Titán" (entrega futura de ARPEGIO). Mitropoulos, director por una decada de la Filarmónica de New York, introdujo la 6ta sinfonía, hasta entonces una obra muy impopular e incomprendida, nada menos que en el ambiente musical de los Estados Unidos. Si bien ha dejado una grabación comercial y conocida con la orquesta de la Radio de Colonia, su verdadero hito histórico lo constituye una grabación anterior, digna de atesorar, realizada el 10 de abril de 1.955 con la Fil. de New York, y con semejante grado de intensidad y penetración del pathos mahleriano, se puede considerar como el rasero a través del cual deben medirse el resto de las grabaciones, habidas y por haber.

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A tal respecto, el reputado mahlerólogo Tony Duggan escribió en su revisión a esta grabación:

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"A truly great recording of this work is one by the New York Philharmonic under Dimitri Mitropoulos "live" at Carnegie Hall in 1955. Unfortunately this is only available as part of a very expensive multi-disc NYPO commemorative box called "The Mahler Broadcasts" but is the one performance in that box that cries out for individual release. I’m still using this survey to make a strong plea that the orchestra authorities contribute to the Mahler discography and licence it to one of the major companies as the remastering engineers have certainly done it proud. One critic described this as a "dramatic, intense reading of molten heat and energy" and I wouldn’t disagree with that. Mitropoulos was a Mahler pioneer who gave the first American performance of this work in 1947 and it’s extraordinary to hear this performance when you consider that it predates all but the earliest released versions by Charles Adler and Eduard Flipse, both of which are available on compact disc still and deserve to be heard, even though I am left with the impression that even the 1950s were early days in the consideration of this forward-looking work. The playing by the New York Philharmonic for Mitropoulos more than justifies their reputation as one of the great Mahler ensembles and proves beyond doubt they could play Mahler magnificently long before Leonard Bernstein came along and usurped his old mentor.
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The first movement begins with another superbly weighty yet also forward moving tempo, each element of the exposition crucially integrated: energetic yet reflective at the same time, classical structure maintained with expressive contours. Alma is urgently conveyed with a real sense of the "Schwungvoll" ("Gusto" or "Spirited") Mahler asks. There is no exposition repeat from this era but Mitropoulos has invoked such a sense of the "all-or-nothing" you feel you just want to press on regardless. He makes no apologies for the relentless quality to the march rhythm, of course, with really unforgiving percussion battering away at us so that the pastoral interlude with cowbells seems a welcome place to catch our breaths before the recapitulation pitches us back into the maelstrom which seems to grow out of the music. Mitropoulos proves, if proof were ever needed, that to keep the symphonic argument to the fore brings the greatest dividends.
This performance took place before publication of the work’s critical edition so it reverses the usual order of the inner movements. Mitropoulos’s cor-anglais soloist manages a fine lamenting quality at the start of the Andante, as does his solo trumpeter later with some nice vibrato, really idiomatic, charged in its nostalgic feel but absolutely part of the whole. Mitropoulos also maintains the link to the Kindertotenlieder song already noted and the whole movement is taken "in one" with just the merest assistance to the melodies from Mitropoulos. The central climax of the movement is absolutely overwhelming in its power but by virtue of its nobility. Then the scherzo is remarkable at the start for, as with the first movement’s opening, great forward momentum matched with weight. The crucial trios find Mitropoulos aware of the various changes in meter that are there, bringing out that impression of children playing on the beach Alma Mahler has left us with. I also liked the perky woodwinds of the New York Philharmonic. All in all, Mitropoulos conveys the ugliness of this music without playing it in an ugly fashion.
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It cannot be said enough just how remarkable it is to find that in 1955 an orchestra could give such a performance as this of Mahler’s then least played and most difficult work. The opening pages of the last movement under Mitropoulos show he has appreciated their importance but he never lingers over them, showing they must be seen as prelude of the titanic drama to come. I’ll say straight away that, for me, this is the finest performance of the last movement I know. Mitropoulos keeps such a firm grip on the symphonic structure, such a single-minded concentration on pressing ahead, that the drama the movement delivers seems to hit us head on, rather like the blows of fate the hammer delivers. Note the passage 237-270 which, in more than any other version, recalls the corresponding passage in the first movement and so knits the symphony together across the movements. Then, soon after, the astonishing contribution of the trumpeters as the first hammer approaches with the latter a real blow of fate - heroic ambition emphatically stopped in its tracks. Then the "whipped" passage between the first two blows also has to be heard to be believed. So towering, so thrillingly conceived and delivered, with the orchestra playing like things possessed. Likewise in the final assault leading to the place where the third hammer blow used to be there is the same feeling as with Sanderling of the work’s "hero" going for one final throw before utter disaster. Too often we hear described the three blows of fate that fell the "hero". We never hear anywhere near enough of that which is felled, that which the hero loses and Mitropoulos seems aware of that. As I have said before, how are we to appreciate the devastating nature of what fate delivers unless we appreciate what it is that will be lost ? A man "in full leaf and flower", as Alma described Mahler at this time, must be depicted in this movement. Right up until the last note the orchestra never flags. In a studio recording this would be remarkable enough but in a "live" performance this has to be one of the great public recordings of anything, up there with Furtwängler’s Beethoven Ninth from 1942. If there is any justice this recording will become available singly at some point. If you cannot get the NYPO version by Mitropoulos but still want to experience this man’s special view of the work look out for a Cologne performance on Living Stage (LS4035155). Not quite as compelling as in New York but still formidable in its own way and a Mitropoulos Mahler Sixth to treasure."

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La Petición y anhelo del Sr. Duggan han encontrado finalmente respuesta a través de ese maravilloso sello que es ARCHIPEL, que ha obtenido los derechos de esta grabación, y la ha reeditado en un fabuloso disco que se encuentra ya disponible a la venta.

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Sirva esta entrega de homenaje y de cálido recuerdo al amigo que ya no está, pero que tantas horas de esparcimiento me brindó, y del que tanto aprendí... "No está muerto, se fue de viaje por un millón de años, quizá un poco menos."

"Cuando un amigo se va queda un espacio vacío que no lo puede llenar la llegada de otro amigo. Cuando un amigo se va se queda un árbol caído que ya no vuelve a brotar porque el viento lo ha vencido..."

Las obras completas para piano y orquesta de Schumann.

Robert Schumann
PIANO CONCERTO in A minor, Op. 54.
INTRODUCCION & ALLEGRO APPASIONATO, for piano & orchestra in G major, Op. 92
INTRODUCCION & ALLEGRO, for piano & orchestra in D minor, Op. 134.
Murray Perahia, Piano
Berliner Philharmoniker
Dir: Claudio Abbado.
(SONY)
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Continuando con las conmemoraciones al bicentenario del nacimiento del gran Robert Schumann.
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El presente disco es una muy asertiva e inteligente selección de todas las obras para piano y orquesta de Schumann, quien al contrario de lo comunmente creído, compuso otras dos obras concertantes para este instrumento. El concierto de Schumann, el Op.54, es el prototipo más puro del concierto romántico, y que sienta diferencias con respecto al estilo de los grandes conciertos posrománticos, como el de Tchaikovsky ó el de Grieg.
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Perahia es excelente y soberbio pianista, y aca en estas grabaciones demuestra toda su genialidad. Abbado, director definitivamente de los grandes, pero con muchas altas y bajas, no tuvo precisamente sus mejores producciones durante su década al frente de la Filarmónica de Berlín, pero entre las honrosas excepciones cuentan, aparte de su ciclo de Brahms y sus lecturas expertas en compositores contemporaneos, sus grabaciones de Schumann.
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Disco esencial para toda discoteca básica de Schumann. Disponible para la compra (recomendable) en http://www.amazon.com/.
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M-S.

Petrouchka

Igor Stravinsky
PETROUCHKA (versión original de 1.911)
New York Philharmonic
Dir: Pierre Boulez.
(SONY)
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Petrouchka ó Petrushka (Francés: Pétrouchka; Ruso: Петрушка) es uno de los tres grandes ballets compuestos por Igor Stravinsky, en conjunto con La Consagración de la Primavera y El Pájaro de Fuego. Stravinsky compuso otros ballets, pero no en las proporciones de ésta gran trilogía.

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Petrouchka es la historia de una marioneta tradicional rusa, Petrouchka, hecha de trapos y rellena de aserrín (conozco gobernantes similares), que a la manera de Pinocho cobra vida y experimenta emociones. Es una obra única y de originalidad asombrosa que fusiona música, ballet, coreografía e historia en balance perfecto, en persecución de la obra de arte perfecta.

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Stravinsky compuso la música durante el invierno de 1.910-11 para la compañía de Sergei Diaghilev. La premiere tuvo lugar en Paris, en el Théâtre du Chatelet , el 13 de junio de 1.911, bajo la batuta de Pierre Monteux, con coreografía de Mikhail Fokine y escenografía de Alexandre Benois. El rol titular dancístico corrió a cargo del célebre bailarín compatriota del compositor, Vaslav Nijinsky. Siendo la producción del estreno en líneas generales muy exitosa, no dejó de provocar reacciones divididas entre el público, aunque no como el célebre zafarrancho que ocasionó La Consagración de la Primavera. La receptividad no fue la misma en otros centros musicales europeos. La Filarmónica de Viena, por ejemplo, se negó a tocar la obra, por considerarla "música sucia".
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Existen dos versiones de la obra: la original de 1.911 y la revisión del propio Stravinsky hecha en 1.947.

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Versión original de 1.911: Ha sido hasta el momento la preferida por los intérpretes y la que cuenta con más grabaciones, no sin razón, puesto que el despliegue orquestal es mayor y más colorido.
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Versión revisada de 1.947: está orquestada para una agrupación menor, requiriendo una flauta menos, dos oboes menos, pero con la adición de un corno inglés... un fagot menos, pero incluyendo un contrafagot. Stravinsky elimina las dos cornetas pero adiciona una trompeta. De igual manera elimina los instrumentos de percusión fuera de escena, así como el Glockenspiel, y deja sólo un arpa. En líneas generales es una versión de atmósfera más íntima, pero en general menos satisfactoria.
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Entre versiones en disco, hay varias dignas de mención. Vale la pena destacar la maravillosa versión en stereo de Pierre Monteux, el mismo director que estrenó la obra, pero muchos años después dirigiendo la Sinfónica de Boston, en una lectura de lujo. Entre grabaciones posteriores emerge por sobre todas la de otro gran stravinskiano, Pierre Boulez, en una lectura filosa, lujuriosa, con tiempos precisos y ritmos excitantemente abruptos, en una de las glorias interpretativas de la Filarmónica de New York. Sony ha tenido el excelente tino de incluirla junto a la también legendaria interpretación del mismo Boulez de La Consagración, con la Orquesta de Cleveland, del año 1.968. En esta entrega vuelvo a publicar La Consagración, ya tratada anteriormente en un artículo, pero con ripeo rabioso de 320 kbps para la mejor apreciación del sonido... Petrouchka, Boulez, New York...

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M-S.

Stravinsky y Nijinsky, el primer Petrouchka (1911)

Cuando la conciencia de un país pierde una de sus voces...

Frank Ferko
STABAT MATER
His Majestie`s Clerkes
Dir: Anne Heider.
(Cedille)
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Mediante una hermosa obra coral vaya un pequeño pero significativo homenaje musical por la dolorosa e insustituible pérdida de ese gran periodista, poeta, personaje de medios, y sobre todo humorista venezolano y referente latinoamericano que fue Manuel Graterol Santander, mejor conocido y a recordar eternamente como "Graterolacho". Fue su voz en siempre genial prosa y en ocurrentes e hilarantes versos la expresión de la conciencia nacional venezolana, a través de un humor que desde muy temprano hizo academia. Venezuela, ésta Venezuela actual que padece y que parece disolverse en manos de dirigentes indignos, no necesitaba éste duelo adicional y por eso llora tu pérdida, Graterolacho, ahora es allá arribota, cerca del Trono Celestial, donde están disfrutando de tus coplas. IN MEMORIAM.

Manuel Graterol Santander (1935-2010) "Graterolacho"

Paul Hindemith y su Metamorfosis Sinfónica.

Paul Hindemith (1895-1963)
METAMORFOSIS SINFONICA
(SYMPHONISCH METAMORPHOSEN ÜBER EIN THEMA VON CARL MARIA VON WEBER)
Staatskapelle Dresden
Dir: Otmar Suitner.
(Brilliant Classics)
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Con dedicatoria especial al amigo y reciente pero ferviente seguidor de ARPEGIO, Kenbei.
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Paul Hindemith no es sólo uno de los máximos exponentes de la música alemana y centroeuropea del siglo XX, sino de toda la música universal de ese siglo. Su relevancia radica en que fue uno de los más fervientes experimentadores del siglo, en contraposición al vanguardismo radical y atonal de Schönberg y de su escuela, demostrando que aún se podía innovar y crear música "seria" y de calidad dentro del sistema tonal imperante en toda la Historia anterior de la Música. Junto con Schönberg, Stravinsky y Bartók, se le considera uno de los cuatro grandes innovadores del modernismo musical. Fue Hindemith además uno de los pioneros en la creación y evolución de la llamada "música utilitaria" (Gebrauchsmusik), música para poder ser escuchada a cualquier hora del día y en cualquier situación. Hindemith sostenía que el compositor debía actuar como un artesano, al tiempo que debía mostrar en su música las necesidades sociales. En este sentido Hindemith a quien más se aproximaría en estilo sería al también alemán Karl Amadeus Hartmann. Como pedagogo, su influencia en las generaciones posteriores de compositores alemanes e internacionales ha sido muy destacada.

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Desde muy temprano en su carrera musical, la reputación de Hindemith fue en ascenso, inicialmente por el impacto de su música de cámara y de sus primeras Operas expresionistas. Manteniéndose en el expresionismo, Hindemith logra un lenguaje idiosincrático separado de las corrientes postmahlerianas de por ejemplo Zemlinsky y Schreker, y cada vez se vuelca más hacia las corrientes neoclásicas, aunque en una concepción diferente a lo que luego hizo Stravinsky. Las grandes obras del primer período creador de Hindemith contaron con grandes, cálidos y elogiosos estrenos, y representaciones en las principales salas de concierto y de Opera de la Europa de pre-guerra. Sin embargo, aun no siendo judío, su música fue considerada "degenerada" por los censores nazis, lo cual puso en dificultades cada vez mas serias al compositor frente al régimen, quien finalmente se vio obligado a huir de Alemania.
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Posterior a este primer período, Hindemith entra en una nueva etapa creadora de su vida artística, donde su visión creadora cambia radicalmente, dando paso a una etapa neoclásica en sus composiciones. En este sentido, trató de distanciarse lo más posible de Stravinsky y lo logró, ya que mientras Stravinsky trabajaba con variaciones sobre la música de Mozart, el germen fundamental de Hindemith era Bach. Buena muestra de ello fue su serie Kammermusik, que inició con Kammermusik no.1, el primero de una serie de siete trabajos escritos entre 1917 y 1924, en los que Hindemith trataba de imitar los conciertos barrocos, específicamente los Conciertos de Brandenburgo de Bach, aunque usando una armonía tonal mucho más amplia y añadiendo unos elementos jazzísticos y otras técnicas propias de su comtemporaneidad.

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El exilio le valió a Hindemith el auge y esplendor de su creación artística. Por sus muchas obras se labró enorme reputación entre la crítica internacional. Tras Mathias der Maler, la obra que le valió la gloria pero también el ostracismo, el contrapunto lineal de sus composiciones se hizo menos áspero, la tonalidad apareció con más claridad, lo que implicó una mayor belleza en sus piezas, frente a la austeridad característica de sus años anteriores. De esta manera aparecieron obras maestras como Plöner Musiktag; Trauermusik (1936), escrita en menos de veinticuatro horas; la Serie Coral de canciones para los franceses, compuesta sobre poemas de Rilke (1939); el ballet Nobilissima Visione (1938), basado en la vida de San Francisco; Sinfonía en Mi desafinado (1940); Sonata para dos pianos (1942); La Metamorfosis Sinfónica sobre temas de Carl Maria von Weber (1943); La Sinfonía Serena (1945); Los Cuatro Temperamentos (1940); Ludus Tonalis (1942); la Sonata para Arpa en Homenaje a Bach (1949); Sinfonía en Re para banda; o Doce Madrigales. Entre sus conciertos para diferentes instrumentos, destacan el concierto para violín (1939) y concierto para cello (1940), aunque también los hubo dedicados al clarinete, a la trompa y al piano. La última composición de Hindemith fue su snfonía "Die Harmonie der Welt" ('La armonía del mundo', 1957).

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Con el tiempo, y sobre todo en el inicio de la postguerra, la influencia de Hindemith fue declinando en favor de las corrientes extremistas de Schoenberg y Webern. La causa principal fue la oposición frontal de Hindemith hacia la dodecafonía que se imponía en las composiciones musicales, lo que incluso le llevó a calificarse a sí mismo como un anti-Schoenberg. Esto hizo que compusiese numerosas piezas satíricas en las que utilizaba once o trece notas seguidas, con las que intentó, sin resultado, cambiar el pensamiento musical de la época. Su trabajo teórico para sustituir la dodecafonía lo resumió en la publicación Unterweisung im Tonsatz ('El arte de la composición musical', 1937-1939). No obstante, su producción musical no decayó en los últimos años de su vida; en estas composiciones tardías se puede encontrar una angustia antes no reflejada. Incluso en su última obra, Die Harmonie del Welt, quizá cansado de lo infructuoso de su empeño, se permitió coincidir en el sonido con las últimas composiciones de Schoenberg.
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Paul Hindemith falleció en Frankfurt en 1.963, y su música en la actualidad recupera el terreno que bien se merece en la esfera interpretativa y en el mundo de la música grabada.

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La Metamorfosis Sinfónica sobre temas de Weber, que motiva esta entrega, constituye una de sus obras más famosas, populares y conocidas y fue compuesta por Hindemith en 1.943. La idea de componer un trabajo basado en música de Weber fue inicialmente el encargo de un ballet por parte del coreógrafo Léonide Massine. Después de estudiar la música de Weber, la idea terminó sin convencer al compositor, y en su lugar compuso la Metamorfosis.

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La obra se divide en cuatro partes:

1-Allegro
2- Scherzo (Turandot): Moderato - Lively
3- Andantino
4- Marsch

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Los temas weberianos escogidos por Hindemith, parten de la música incidental que aquel compuso para el libreto de Carlo Gozzi, Turandot, el mismo que inspiró a la inmortal Opera de Puccini.
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La obra fue estrenada el 20 de enero de 1.944, a cargo del director Artur Rodzinsky, dirigiendo la Filarmónica de New York.

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La grabación presentada en esta entrega, a cargo del recientemente desaparecido gran maestro Otmar Suitner pone de relieve la grandeza de esta música. Interpretación impoluta, cargada en contrastes y atenta a los balances, equilibrio sonoro y fuerte acentuación en todos los departamentos de la orquesta, de particular relieve la exquisita percusión, uno de los fuertes en todas las obras orquestales de Hindemith. Una verdadera joya y otro aporte en forma de homenaje a ese gran maestro que aún no se valora en su justa medida, mientras que nombres de actualidad y Rockstars de calidad oscilante y por verse como Dudamel son los que se llevan el centimetraje de los críticos.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: El Concierto para Violín,

Piotr Ilich Tchaikovsky
VIOLIN CONCERTO, Op.35
Jascha Heifetz, Violín
Chicago Symphony Orchestra
Dir: Fritz Reiner
(RCA)
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¿Qué màs se puede decir sobre el concierto para violín más popular de todo el repertorio? ¿Qué melómano que se digne de tal nombre no lo conoce? Esperando que el abreboca introductorio ejecutado por Viktor Tretyakov haya sido del agrado de los escuchas entraremos en una grabación totémica que hasta el día de hoy es motivo de ritual sagrado.

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Tchaikovsky solía pasar dificultades a la hora de encarar obras concertantes, ya conocemos los intríngulis y desencuentros que rodearon al 1er concierto para piano, así como las circunstancias que permitieron a Fitzenhagen crear su propia versión de las Variaciones Rococó. El concierto para violín también tuvo una gestación y estreno fuera de Rusia. Tchaikovsky lo compuso entre el 17 de marzo y el 11 de abril de 1.878, en Suiza, en circunstancias personales desastrosas, y el estreno correspondió al violinista Adolf Brodsky, secundado por el gran director Hans Richter y la Filarmónica de Viena (vaya estreno!), el 4 de diciembre de 1.881.

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El concierto originalmente estaba destinado al gran violinista Leopold Auer, y de igual modo al affaire Rubinstein con el op.23, Auer declaró el concierto inejecutable, no sólo negándose a tocarlo, sino haciendo activa campaña publicitaria en contra de la obra. Finalmente Brodsky se aventuró a desafiar la censura impostada de Auer y decidió dar la premiere, pero no en Moscú, sino en Viena. El resultado de ese concierto fue un tumulto. El público vienés era de tradicion natural conservadora y sus críticos los más ponzoñosos de Europa. Mientras la mitad de la audiencia quedó eufórica ante las novedades audaces y ritmos gitanos del concierto, la otra mitad quedó espantada y le hizo la cruz a la obra. Estas reacciones, en conjunto con la crítica descarnada de Eduard Hanslick, al contrario de desalentar a Brodsky, lo envalentonaron a seguir tocando el concierto, obteniendo mayor éxito en Londres, y uno estruendoso y rotundo cuando por fín fue llevado a Moscú. Los críticos quedaron a la final en ridículo y el propio Auer años más tarde reconoció su error, enseñándolo luego a sus discípulos, entre los que se encontró nada menos que Jascha Heifetz, el motivo de este escrito.

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El concierto planteaba retos increibles y avances revolucionarios para el mundo musical europeo decimonónico de los 80`s, de allí el rechazo inicial a la obra (como suele suceder ante lo verdaderamente revolucionario), pero una vez que las dificultades pudieron ser afrontadas y resueltas por las diferentes generaciones de violinistas, el concierto fue alcanzando posiciones hasta alcanzar el lugar que hoy tiene y merece.

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Siendo que se trata del concierto más popular de todo el repertorio (lo cual no implica necesariamente que sea el mejor, pura y musicalmente hablando), todo violinista con algun lugar relevante en la historia del instrumento ha tenido que abordarlo, por lo que es de imaginar que grabaciones hay decenas y decenas. Es un concierto que se presta para conocer la personalidad de cada uno de los intérpretes, desde el sanguíneo virtuosismo del gran Jascha Heifetz, la calidez romántica de Milstein y Stern, pasando por el cerebral David Oistrakh, el estoicismo objetivista de Kogan y hasta la estandarización desromantizada que apreciamos en los violinistas del presente. Jascha Heifetz marca un hito importantísimo en este concierto, y en su célebre grabación secundado por otro grande, el director Fritz Reiner, se logró una cumbre olímpica, de la cual se puede decir que hasta ahora no se supera en altura. Dentro de las grabaciones que han pasado la prueba del tiempo y el consenso casi unánime de todos los melómanos, críticos, expertos y no tan expertos, esta es una de ellas, por lo cual no puede faltar en ninguna colección de música que se considere respetable, y menos en una discoteca básica tchaikovskiana. Esta es , pues, una joya esencial de la serie Todo Tchaikovsky.

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M-S

Jascha Heifetz

Completando a Sibelius

Jean Sibelius
EL CISNE DE TUONELA
SUITE KARELIA
EN SAGA
The Philadelphia Orchestra
Dir: Eugene Ormandy
(SONY)
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Con esta entrega finalizo este maravilloso disco que recoge las obras más populares de Sibelius. Mención especial al Poema Sinfónico En Saga, que en ejecución de Ormandy es algo realmente fuera de serie. Ya el amigo y colega Julio Salvador puede completarlo.

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M-S.

La Isla de los Muertos.

Sergei Rachmaninov (1873-1943)
TOTENINSEL, Op.29
Minneapolis Symphony Orchestra
Dir: Dimitri Mitropoulos.
(CBS-Masterworks Heritage)
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Sin intención hasta ahora he descuidado a uno de mis compositores preferidos, Sergei Rachmaninov. Compensaré en lo sucesivo esa omisión.

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Rachmaninov fue aparte de gran pianista, gran compositor y gran director de orquesta. Una de sus obras insignia, la 2da Sinfonía, fue completada en 1.907, seguida en 1.909 por su gran Poema Sinfónico "La Isla de los Muertos". La obra está inspirada en una pintura bien conocida del artista suizo Arnold Böcklin, del mismo nombre, la cual muestra a Caronte, el barquero del Hades, quien conduce a los muertos a través del río Styx en su viaje al inframundo, y en cuyo camino fluvial se encuentran los riscos y acantilados de la ominosa isla.

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Como es usual en su obra, Rachmaninov hace uso constante de fragmentos del Dies Irae, el himno tradicional de la Misa de Muertos católica, y a través de su trama espectral, se sugiere la atmósfera del viaje de los muertos en la siniestra barca acompañados de Caronte. La idea sugerida es atmosférica, pues para nada se trata de música descriptiva.

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A pesar de ser una obra atractivísima y con un rico colorido orquestal, no parece aún ser una de las obras más populares de Rachmaninov. Las grabaciones existentes no son demasiado abundantes, y sólo se puede considerar a unas pocas como totalmente asertivas.

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Dimitri Mitropoulos fue sin duda una de las grandes batutas del siglo XX, especialista en el gran repertorio romántico, pero también gran promotor de los contemporáneos de ese siglo. Dado que fue mas o menos contemporáneo con Rachmaninov, fue uno de los primeros intérpretes de "Toteninsel" y uno de los primeros en grabarla. Antes de ser titular de la Fil. de New York, Mitropoulos regentó la Sinfónica de Minneapolis, a la que llevó a un altísimo nivel artístico y de la cuya asociación quedan espléndidas grabaciones.

Una de esas grandes grabaciones inmortales es este registro de "La Isla de los Muertos" , que data de 1.941, y que para muchos es la más grande interpretación realizada hasta el presente. Efectivamente su increible contraste dramático, sus tiempos abruptos y la brillante ejecución orquestal hacen de esta grabación uno de los grandes tesoros de toda la música grabada. A pesar de la antiguedad de la grabación (casi 70 años!), la edicion remasterizada por Sony es extraordinaria y hacen al sonido bastante más que aceptable. Les invito a explorar esta auténtica joya.

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M-S.

La Isla de los Muertos, por Arnold Böcklin (1883)

Prokofiev: Piano Concerto Nr.2

Sergei Prokofiev

PIANO CONCERTO NR.2, Op.16

Yundi Li, Piano

Berliner Philharmoniker

Dir: Seiji Ozawa.

(DG)

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A continuación un disco salido relativamente reciente y que incluye los conciertos Nr.2 de Prokofiev y el concierto en sol menor de Ravel. Probablemente ha pasado con todos ustedes que particularmente una obra no les haya dicho nada por mucho tiempo, hasta que por fin escuchan una interpretación que les hace elevar las cejas y decir WOW!! Había sido hasta este disco mi caso con el Nr.2 de Prokofiev, que no me decía mucho, sin embargo tras la audición mi valoración y opinión han cambiado. Había leido varias criticas alabando a este joven pianista que es Yundi Li, pero hasta este disco aun no escuchaba nada de él. Debo decir que al menos en Prokofiev, la maestria ejecutoria de Li iguala a cualquiera de los que ha rozado el cielo tocando estos conciertos. La ejecutoria de Li es perfecta, asertiva, mercurial y transparente y el acompañamiento magistral de Ozawa, hacen de esta la grabación perfecta del Nr.2 de Prokofiev, igualando al menos a cualquiera que se quiera presentar como referencia. La toma del sonido es muy buena y proviene de un concierto en vivo, y el aplauso estruendoso al final lo dice todo. Acompaña a esta obra el concierto de Ravel. Aca las cosas cambian. Conociendo interpretaciones verdaderamente ravelianas, incluso Bernstein tocando él mismo el concierto con la ONF de una forma posesa, la lectura de Li luce fría y con pocas texturas, resultando una ejecución solo justa, mas nada. El valor del disco viene dado definitivamente por el Nr.2 de Prokofiev y por eso solo este concierto traigo a consideración.

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M-S.

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"Yundi Li turns in a scorching performance of Prokofiev's most exciting piano concerto. In the first movement not even monster banger Alexander Toradze throws off more fireworks in the cadenza that comprises nearly 50 percent of the first movement, and yet Li also shapes the music with purpose and a very keen sense of climax. The second-movement toccata flies by at a breathtaking pace so quickly in fact that articulation threatens to become blurred; but somehow both Li and the Berliners under Ozawa manage to hang together. From there on it's smoothsailing, with perfectly paced and transcendently virtuosic accounts of the two final movements (this concerto has no real slow movement at all). The Berlin Philharmonic plays with notably more weight and conviction than it does in Ozawa's dullest-ever Prokofiev symphony cycle...".David Hurwitz.

Sibelius: Valse Triste.

Jean Sibelius

VALSE TRISTE

The Philadelphia Orchestra

Dir: Eugene Ormandy

(CBS-SONY)

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El Valse Triste formaba parte originalmente de la música incidental que Sibelius compuso para su título "Kuolema". Más tarde, en 1.904, el compositor decidió arreglarlo y publicarlo como obra separada, quedando como hoy lo conocemos.

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De nuevo, Eugene Ormandy, sibeliano de los mejores, con su orquesta de Philadelphia, nos traen en este disco una interpretación modélica. Para el amigo Julio Salvador...

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M-S.

Todo Tchaikovsky: Feliz Cumpleaños Piotr Ilich!

Piotr Ilich Tchaikovsky

VIOLIN CONCERTO, Op.35

Viktor Tretyakov, Violin

USSR RTV Large Symphony Orchestra

Dir: Vladimir Fedoseyev

(Melodiya)

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En el 170 aniversario del nacimiento del Gran Trágico Ruso...

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Iniciando la primera de varias entregas concernientes a las mejores grabaciones del fabuloso concierto para violín. En lo particular, me parece que ninguna de las grabaciones hechas por artistas de nuevas generaciones y vigentes se acerca a los grandes intérpretes del pasado(Heifetz, Stern, Oistrakh, Kogan, Milstein...). La siguiente entra en ese selecto grupo y se trata de una transcripción en mp3 de un LP que me ha resultado extraordinaria. Aunque se trata de la versión original que incluye un final más largo, con reexposiciones si se quiere innecesarias del tema virtuoso, la grabación a considerar es una joya digna de esta celebración.

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M-S.

La Hija de Pohjola.

Jean Sibelius

POHJOLAS TOCHTER, Op.49

New York Philharmonic

Dir: Leonard Bernstein.

(CBS-Sony)

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Complaciendo peticiones, particularmente en dedicatoria al amigo y colega Julio Salvador.

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Leonard Bernstein fue otro de los grandes directores sibelianos, y su registro de este hermosísimo poema sinfónico da testimonio de su maestría. Viene en este disco acompañando al Finlandia ya presentado y a otras piezas famosas que se completarán en una última entrega.

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Sibelius compuso su Op.49 en 1.906. Originalmente Sibelius proyectó el título de Väinämöinen para esta obra, en relación a uno de los personajes del Kalevala. El publicista Robert Lienau insistió entonces en el título Pohjolas Tochter (La hija de Pohjola), que fue aceptado luego por el compositor. La hija de Pohjola fue el primer trabajo que Sibelius publicó bajo una editorial alemana. Para sorpresa, la premiere de esta obra se llevó a cabo en Sankt Petersburg, en Rusia, en diciembre de 1.906 con el compositor mismo dirigiendo la Orquesta del Teatro Mariinsky.

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Este pasaje del Kalevala proviene de la 8va Runa, que narra la historia de "Väinämöinen y la doncella de la granja del norte". El viejo Väinämöinen conoce y se enamora de la "Hija del lejano Norte (Pohjola)", quien se presenta sentada en un arcoiris, vestida de oro mientras de desplaza en un trineo (muy finlandés eso). Väinämöinen pide su mano, pero ella responde que sólo se unirá al hombre que cumpla determinadas tareas casi imposibles, como atar un huevo con nudos invisibles ó construir un barco con los restos de su rueca de hilar. Dadas sus habilidades de mago, Väinämöinen acepta los retos, pero en el ínterim se enfrenta a unos demonios malignos y resulta herido con la aguja de la rueca, y ante la burla sarcástica de Pohjola, renuncia a sus pretensiones y sigue su viaje solo.

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Este poema sinfónico se constituye en una de las mejores obras de Sibelius, volcado en estructura hacia las formas de Richard Strauss, pero con un lenguaje finés indudable. La versión aca presentada hasta el momento tiene pocos competidores.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: Variaciones Rococo (original)

Piotr Ilich Tchaikovsky

ROCOCO VARIATIONS, Op.33

Raphael Wallfisch, Cello

English Chamber Orchestra

Dir: Geoffrey Simon.

(Chandos)

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Complaciendo peticiones, las Variaciones Rococo, en su versión original, tal como las compuso Tchaikovsky, sin ninguna de las intervenciones de Fitzenhagen.

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Corresponderá al escucha evaluar y comparar para encontrar las diferencias y cual versión les complace más.

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M-S.

Finlandia.

Jean Sibelius
FINLANDIA, Op.26
The Philadelphia Orchestra
Dir: Eugene Ormandy.
(CBS-SONY)
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Finlandia es una de las obras orquestales más queridas, conocidas y populares de todo el repertorio y probablemente la mejor obra orquestal de corte nacionalista creada alguna vez.

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La obra fue escrita originalmente en 1899 y posteriormente revisada en 1900. La pieza dura aproximadamente siete minutos, se desarrolla en tres diversos escenarios anímicos, una primera parte turbulenta y oscura, que representa la opresión del pueblo finés durante mucho tiempo bajo el yugo ruso, una segunda parte con gran y brillante despliegue orquestal en modo maestoso que representa la lucha contra el intruso opresor, y finalmente una conclusión que se manifiesta como un himno de reivindicación y esperanza. La obra desde su estreno fue un éxito rotundo, logrando burlar la censura zarista y convirtiéndose en consigna patriótica y canto a la libertad.

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Dada la popularidad de esta bellísima pieza sinfónica, no es de extrañar que existan muchas grabaciones hechas por los más diversos directores y orquestas, tanto en su versión pura orquestal, como en la versión que incluye coros. De las versiones orquestales, hasta el momento no hay ninguna que se iguale a la legendaria grabación de Eugene Ormandy con su Orquesta de Filadelfia. Ormandy no sólo fue un gran sibeliano, sino que fue amigo cercano del compositor, y la calidad de esta interpretación revela mucho más que un compromiso.

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M-S.

Sibelius y Ormandy

En el Bicentenario de Schumann (II)

Robert Schumann

Cello Concerto, Op.129

Mstislav Rostropovich, Cello

Leningrader Philharmonie

Dir: Gennadi Rozhdestvensky.

(DG)

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En el marco de nuestro primer aniversario, celebrando las primeras 100.000 visitas al Blog y en el año centenario del gran Robert Schumann, una de las mejores obras de su creación.

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Crear un buen concierto para cello es un gran reto y que sólo algunos de los grandes lograron superar. Mozart no lo hizo. Beethoven no se atrevió y resolvió su carencia con el Triple Concierto que atenuaba los problemas técnicos que plantea el cello solista frente a una orquesta. Quitando las libertades de forma de compositores contemporáneos (Shostakovich, Elgar, Walton), no hay en períodos anteriores muchos conciertos verdaderamente buenos para cello. Poniendo como la más alta cumbre de la expresión al milagro que es el concierto de Dvorak, probablemente el de Schumann pueda ocupar el segundo lugar. Es una obra maravillosa, idiomáticamente expresiva a pesar de la gran economía en su composición, significando el más puro estilo romántico embrionario germánico de la primera mitad del siglo XIX.

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De entre la pléyade de interpretaciones que existen de este concierto, probablemente no hay ninguna que haya capturado mejor todos los elementos resaltantes de esta obra que la que hicieron Rostropovich y Rozhdestvensky, más o menos para la época en que hicieron su igualmente fabulosa versión de las Variaciones Rococó de Tchaikovsky, recientemente presentada por aca.

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Siguiendo pues con este homenaje al bicentenario del natalicio de Schumann que durará el resto del año, disfruten de su concierto para cello.

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M-S.

1er Aniversario de ARPEGIO.

Sir Michael Tippett

A CHILD OF OUR TIME, Oratorio (El Niño de nuestro tiempo)

Jessye Norman, Janet Baker, Richard Cassilly, John Shirley-Quirk, Solistas.

BBC Symphony Orchestra

Dir: Sir Colin Davis.

(PHILIPS)

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ARPEGIO celebra su primer aniversario como Blog de Música Académica, y desea hacerlo mediante esta entrega especial, una obra única y de gran relevancia.

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"A Child of Our Time" (El Niño de nuestro tiempo ó El Niño de nuestra era) es la obra coral más importante compuesta por Sir Michael Tippett y uno de los mas grandes Oratorios de toda la música británica. Compositor bastante irregular, Tippett compuso bastantes fruslerías, pero entre sus obras rescatables resalta por sobre todo este Oratorio, escrito entre 1939 and 1941.
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El Oratorio está inspirado en eventos ocurridos en 1.938, como prolegómenos a la II Guerra Mundial: Herschel Grynszpan, un joven judío refugiado en París, asesinó al diplomático alemán Ernst von Rath. Este incidente sirvió de perfecta excusa a la dirigencia nazi para desencadenar la primera gran ola de violencia contra todos los judíos de Alemania en lo que se conoció como la Kristallnacht.

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La fuerte impresión de estos acontecimientos estimuló a Tippett a componer el libreto para el Oratorio, mostrando sus fuertes creencias pacifistas y su convicción del ser humano como una mezcla de "luz y sombra". El título de la obra proviene de la novela escrita en 1.938 por Ödön von Horváth, Ein Kind unserer Zeit (A Child of Our Time). Tippett comenzó la composición el 5 de Septiembre de 1.939, dos días después de la declaración de guerra de la Gran Bretaña a Alemania. El Oratorio está decididamente marcado por el estilo formal inglés impuesto desde Händel, pero también claramente volcado hacia el lenguaje del siglo XX, con elementos provenientes del Jazz y de los Spirituals afroamericanos. El resultado es una obra única en su estilo.
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Estructure
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First part:
Chorus: The world turns on its dark side
The Argument & Interludium: Man has measured the heavens
Scena: Is evil then good?
The Narrator: Now in each nation there were some cast out
Chorus of the Oppressed: When shall the usurer's city cease?
Tenor Solo: I have no money for my bread
Soprano Solo: How can I cherish my man?
A Spiritual: "Steal away to Jesus"
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Second part:
Chorus: A star rises in midwinter
The Narrator: And a time came
Double Chorus of Persecutors and Persecuted: Away with them!
The Narrator: Where they could, they fled
Chorus of the Self-righteous: We cannot have them in our Empire
The Narrator: And the boy's mother wrote
Scena: The Mother, the Uncle and Aunt, and the Boy: O my son!
A Spiritual: "Nobody knows the trouble I see"
Scena: Duet: The boy becomes desperate
The Narrator: They took a terrible vengeance
Chorus: The Terror: Burn down their houses!
The Narrator: Men were ashamed
Spiritual of Anger: "Go down, Moses"
The Boy Sings in his Prison: My dreams are all shattered
The Mother: What have I done to you, my son?
Alto Solo: The dark forces rise
A Spiritual: "By and by"
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Third part:
Chorus: The cold deepens
Alto Solo: The soul of man
Scena: The words of wisdom
General Ensemble: I would know my shadow and my light
A Spiritual: "Deep river"
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La première tuvo lugar en el Adelphi Theatre de Londres, el 19 de Marzo de 1.944, con Walter Goehr dirigiendo la Filarmónica de Londres, obteniendo un estruendoso éxito. La premiére fuera de Inglaterra tuvo lugar en 1952, en Haifa, Israel, concierto en el que estuvo presente el padre de Herschel Grynszpan. Herschel Grynszpan fue deportado a Alemania en 1.94o después de la caida de Francia y estuvo en cárceles y campos de concentración hasta finales de 1.943, momento a partir del cual no se supo más nada de su destino.

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Sirva además esta entrega como Homenaje a las víctimas de Katyn, cruelmente masacradas hace 70 años por la brutalidad criminal estalinista, cuya conmemoración que se iba a celebrar ayer fue empañada por el trágico accidente aéreo que segó las vidas de parte de la actual élite polaca, incluyendo al presidente, en una de esas macabras ironías históricas. Paz a las almas de todos.

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M-S.

Ferenc Fricsay y El Moldava.

Bedrich Smetana

DIE MOLDAU (EL MOLDAVA)

Berliner Philharmoniker

Dir: Ferenc Fricsay

(DG)

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Como preludio al 1er aniversario de ARPEGIO.

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El Moldava es la obra por la que Smetana ha pasado a la inmortalidad, y no sin razón, pues se trata de una de las obras orquestales más hermosas y magistralmente inspiradas que alguna vez se haya creado.

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Como bien se sabe, este poema sinfónico es una de las partes que conforma el ciclo llamado "Mi Patria" (Ma Vlast), pero resalta sobre el resto por la magia que irradia desde el mismo comienzo dionisíaco de la flauta dialogando con las cuerdas.

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Ferenc Fricsay, gran batuta y talento truncado por una muerte precoz, fue un experto en la interpretación de esta obra, llegando en su tiempo a considerarse el auténtico dueño de la misma. Su famoso video ensayando la obra con su orquesta de la RIAS berlinesa es revelador por el maníaco empeño de Fricsay en afinar hasta el menor detalle e impoluta sincronización de la orquesta hasta dar con el sonido perfecto y puro.

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Sin embargo, de las grabaciones dejadas por el maestro húngaro, la presente hecha con la Filarmónica de Berlín (la orquesta de su potencial rival, Karajan) es la más imponente y expresiva de todas. Provoca brincar en bravos cuando la misma finaliza. Digna pieza de celebración de aniversario.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: Valse-Scherzo.

Piotr Ilich Tchaikovsky

VALSE-SCHERZO, Para Violín y Orquesta, Op.34

Itzhak Perlman, Violin

Leningrader Philharmonie

Dir: Yuri Temirkanov.

(RCA)

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Las obras cortas del Gran Trágico Ruso se pueden considerar auténticas piezas de bombonería musical. Pequeñas pero con mucho sabor.

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La obra musical de Tchaikovsky para violín y orquesta comprende su temprana Serenata Melancólica, ya presentada; el Valse-Scherzo, originalmente compuesto para violín y piano y luego arreglado con acompañamiento orquestal; y finalmente el Concierto para Violín, que viene en entrega próxima. De cualquier modo, los pasajes para solo de violín son abundantes en toda la obra del compositor, a los cuales era muy afecto.

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En 1.990 el sello RCA editó este interesante disco como tributo a los 150 años del nacimiento del compositor. Lo seleccionado está acertado y en general es un disquito simpático, y dentro de los mejor que tiene está esta interpretación del Valse-Scherzo.

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M-S.

Requiem de Mozart.

Wolfgang Amadeus Mozart
REQUIEM, K.626 (Versión Süssmayr)
Karl Ridderbusch, Hans Haselböck, Edith Mathis, Wieslaw Ochman
Wiener Philharmoniker
Dir: Karl Böhm
(Deutsche Grammophon)
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Para culminar la conmemoración de la Pascua, otra gran obra coral, de trascendencia universal, en probablemente la lectura más reverencial, implacable y apocalíptica de cuantas se han hecho.

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M-S.

Franz Xaver Süssmayr: Requiem

Franz Xaver Süssmayr

REQUIEM

St. Olaf Choir

St. Paul Chamber Orchestra

Dir: Andreas Delfs.

(Saint Olaf Records)

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En la conmemoración del Viernes Santo...

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Franz Xaver Süssmayr es recordado y acaso conocido hoy día por haber completado el universalísimo Requiem de su mentor, Wolfgang Amadeus Mozart. Sin embargo, el asistente del gran genio de Salzburgo tuvo también su producción propia, en la que se cuenta este interesante, hermoso, pre-romántico y de breves alcances Requiem.

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-classicstoday.com Review:

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"Any recording by the St. Olaf Choir is worth attention, and although the catalog is hardly desperate for another Mozart Requiem, this program offers an intriguing coupling--what purports to be the modern "premiere" of Franz Süssmayr's own Requiem, likely written sometime after his celebrated (and sometimes maligned) effort to complete Mozart's beloved yet unfinished setting. There's absolutely nothing wrong with the singing here--you can count on this choir to be fully prepared for whatever it undertakes, and Anton Armstrong is America's pre-eminent choral conductor. If you've had the good fortune to hear one of the choir's concerts, you know how good choral singing can be, and you know the glory of inspired, focused ensemble performance. Ironically, it's the quality of the live concert recording, and the strikingly contrasting ambience from two different venues, that compromises the otherwise superb work by the performers, including a very fine group of vocal soloists and a solid, reponsive orchestra.
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For the Mozart, the sound is acceptable in that you can make out most of the detail in the choral parts, and the solos and quartets are well-balanced; but the orchestra often sounds as if it's mixed in with the singers, so in the tuttis you have trouble separating choir from instruments, either spatially or texturally--undoubtedly a function of concert conditions, but nevertheless a definite concern for CD listeners. Interpretively, there's no lack of energy or attention to the text, and, some idiosyncratic Latin pronunciation aside ("ekselsees", for example), this is as satisfying and reliable a performance as the best in the catalog.
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The Süssmayr Requiem is one of those works whose obscurity is pretty much deserved--there's absolutely nothing special or original or compelling about it, and yet it retains significant value for its clues to the composer's own style and, most importantly, to his methods and compositional solutions to matters of text setting, orchestration, harmonization, and fundamental aspects of choral/orchestral structure. The one thing that looms large after listening for a few minutes: how could this composer be the same one who completed Mozart's work? There are a few moments of cleverness and even high competence--but you have to conclude that in finishing Mozart's Requiem he must have had some serious help, most likely in the form of sketches that he either destroyed or were accidentally lost. The sonic cast for this part of the CD is more resonant than for the Mozart, and the performers are closer, yielding a somewhat strained quality to the strings--and worse, making them seem out of tune at times (directly attributable to faulty miking, not the playing). Again, the singing is superb, giving Süssmayr's Requiem as committed and highly polished a performance as we could ask for--and perhaps better than it has a right to expect!
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The uncredited writer of the liner notes shares my view that while we may wish for--and modern scholarship urges--some "improvement" on Süssmayr's flawed completion of the unfinished work of a genius, nevertheless, it's really the best we have, and it bears an authenticity--after all, Süssmayr was at Mozart's side during his last days--that no modern author, no matter how well-intentioned or how musicologically well-armed can claim. I have to mention, however, that this recording suffers from several bad production decisions: the basic track listings appear only on the back of the jewel-box--nothing in the liner booklet (an irritating and unnecessary inconvenience); intrusive audience noise is inexplicably left in at several points in between tracks--and similarly, loud audience applause and shouts are included at the end of the CD. No one really wants to hear this and why anyone thinks so is beyond me. And for those really paying attention, there's a rough electronic glitch about 45 seconds into the "Confutatis" movement. Finally, for some reason Mozart's work is listed only as "Requiem", without the usual key and catalog designation, Requiem in D minor K. 626--not a big deal, but another curious and unnecessary omission. This will be a definite acquisition for St. Olaf fans, but if you have a favorite Mozart Requiem, you need not worry about this one, well sung as it is. However, if you're curious about Süssmayr, this is one of the few opportunities to indulge your interest."
--David Vernier
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M-S.