La Hija de Pohjola.

Jean Sibelius

POHJOLAS TOCHTER, Op.49

New York Philharmonic

Dir: Leonard Bernstein.

(CBS-Sony)

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Complaciendo peticiones, particularmente en dedicatoria al amigo y colega Julio Salvador.

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Leonard Bernstein fue otro de los grandes directores sibelianos, y su registro de este hermosísimo poema sinfónico da testimonio de su maestría. Viene en este disco acompañando al Finlandia ya presentado y a otras piezas famosas que se completarán en una última entrega.

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Sibelius compuso su Op.49 en 1.906. Originalmente Sibelius proyectó el título de Väinämöinen para esta obra, en relación a uno de los personajes del Kalevala. El publicista Robert Lienau insistió entonces en el título Pohjolas Tochter (La hija de Pohjola), que fue aceptado luego por el compositor. La hija de Pohjola fue el primer trabajo que Sibelius publicó bajo una editorial alemana. Para sorpresa, la premiere de esta obra se llevó a cabo en Sankt Petersburg, en Rusia, en diciembre de 1.906 con el compositor mismo dirigiendo la Orquesta del Teatro Mariinsky.

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Este pasaje del Kalevala proviene de la 8va Runa, que narra la historia de "Väinämöinen y la doncella de la granja del norte". El viejo Väinämöinen conoce y se enamora de la "Hija del lejano Norte (Pohjola)", quien se presenta sentada en un arcoiris, vestida de oro mientras de desplaza en un trineo (muy finlandés eso). Väinämöinen pide su mano, pero ella responde que sólo se unirá al hombre que cumpla determinadas tareas casi imposibles, como atar un huevo con nudos invisibles ó construir un barco con los restos de su rueca de hilar. Dadas sus habilidades de mago, Väinämöinen acepta los retos, pero en el ínterim se enfrenta a unos demonios malignos y resulta herido con la aguja de la rueca, y ante la burla sarcástica de Pohjola, renuncia a sus pretensiones y sigue su viaje solo.

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Este poema sinfónico se constituye en una de las mejores obras de Sibelius, volcado en estructura hacia las formas de Richard Strauss, pero con un lenguaje finés indudable. La versión aca presentada hasta el momento tiene pocos competidores.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: Variaciones Rococo (original)

Piotr Ilich Tchaikovsky

ROCOCO VARIATIONS, Op.33

Raphael Wallfisch, Cello

English Chamber Orchestra

Dir: Geoffrey Simon.

(Chandos)

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Complaciendo peticiones, las Variaciones Rococo, en su versión original, tal como las compuso Tchaikovsky, sin ninguna de las intervenciones de Fitzenhagen.

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Corresponderá al escucha evaluar y comparar para encontrar las diferencias y cual versión les complace más.

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M-S.

Finlandia.

Jean Sibelius
FINLANDIA, Op.26
The Philadelphia Orchestra
Dir: Eugene Ormandy.
(CBS-SONY)
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Finlandia es una de las obras orquestales más queridas, conocidas y populares de todo el repertorio y probablemente la mejor obra orquestal de corte nacionalista creada alguna vez.

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La obra fue escrita originalmente en 1899 y posteriormente revisada en 1900. La pieza dura aproximadamente siete minutos, se desarrolla en tres diversos escenarios anímicos, una primera parte turbulenta y oscura, que representa la opresión del pueblo finés durante mucho tiempo bajo el yugo ruso, una segunda parte con gran y brillante despliegue orquestal en modo maestoso que representa la lucha contra el intruso opresor, y finalmente una conclusión que se manifiesta como un himno de reivindicación y esperanza. La obra desde su estreno fue un éxito rotundo, logrando burlar la censura zarista y convirtiéndose en consigna patriótica y canto a la libertad.

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Dada la popularidad de esta bellísima pieza sinfónica, no es de extrañar que existan muchas grabaciones hechas por los más diversos directores y orquestas, tanto en su versión pura orquestal, como en la versión que incluye coros. De las versiones orquestales, hasta el momento no hay ninguna que se iguale a la legendaria grabación de Eugene Ormandy con su Orquesta de Filadelfia. Ormandy no sólo fue un gran sibeliano, sino que fue amigo cercano del compositor, y la calidad de esta interpretación revela mucho más que un compromiso.

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M-S.

Sibelius y Ormandy

En el Bicentenario de Schumann (II)

Robert Schumann

Cello Concerto, Op.129

Mstislav Rostropovich, Cello

Leningrader Philharmonie

Dir: Gennadi Rozhdestvensky.

(DG)

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En el marco de nuestro primer aniversario, celebrando las primeras 100.000 visitas al Blog y en el año centenario del gran Robert Schumann, una de las mejores obras de su creación.

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Crear un buen concierto para cello es un gran reto y que sólo algunos de los grandes lograron superar. Mozart no lo hizo. Beethoven no se atrevió y resolvió su carencia con el Triple Concierto que atenuaba los problemas técnicos que plantea el cello solista frente a una orquesta. Quitando las libertades de forma de compositores contemporáneos (Shostakovich, Elgar, Walton), no hay en períodos anteriores muchos conciertos verdaderamente buenos para cello. Poniendo como la más alta cumbre de la expresión al milagro que es el concierto de Dvorak, probablemente el de Schumann pueda ocupar el segundo lugar. Es una obra maravillosa, idiomáticamente expresiva a pesar de la gran economía en su composición, significando el más puro estilo romántico embrionario germánico de la primera mitad del siglo XIX.

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De entre la pléyade de interpretaciones que existen de este concierto, probablemente no hay ninguna que haya capturado mejor todos los elementos resaltantes de esta obra que la que hicieron Rostropovich y Rozhdestvensky, más o menos para la época en que hicieron su igualmente fabulosa versión de las Variaciones Rococó de Tchaikovsky, recientemente presentada por aca.

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Siguiendo pues con este homenaje al bicentenario del natalicio de Schumann que durará el resto del año, disfruten de su concierto para cello.

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M-S.

1er Aniversario de ARPEGIO.

Sir Michael Tippett

A CHILD OF OUR TIME, Oratorio (El Niño de nuestro tiempo)

Jessye Norman, Janet Baker, Richard Cassilly, John Shirley-Quirk, Solistas.

BBC Symphony Orchestra

Dir: Sir Colin Davis.

(PHILIPS)

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ARPEGIO celebra su primer aniversario como Blog de Música Académica, y desea hacerlo mediante esta entrega especial, una obra única y de gran relevancia.

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"A Child of Our Time" (El Niño de nuestro tiempo ó El Niño de nuestra era) es la obra coral más importante compuesta por Sir Michael Tippett y uno de los mas grandes Oratorios de toda la música británica. Compositor bastante irregular, Tippett compuso bastantes fruslerías, pero entre sus obras rescatables resalta por sobre todo este Oratorio, escrito entre 1939 and 1941.
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El Oratorio está inspirado en eventos ocurridos en 1.938, como prolegómenos a la II Guerra Mundial: Herschel Grynszpan, un joven judío refugiado en París, asesinó al diplomático alemán Ernst von Rath. Este incidente sirvió de perfecta excusa a la dirigencia nazi para desencadenar la primera gran ola de violencia contra todos los judíos de Alemania en lo que se conoció como la Kristallnacht.

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La fuerte impresión de estos acontecimientos estimuló a Tippett a componer el libreto para el Oratorio, mostrando sus fuertes creencias pacifistas y su convicción del ser humano como una mezcla de "luz y sombra". El título de la obra proviene de la novela escrita en 1.938 por Ödön von Horváth, Ein Kind unserer Zeit (A Child of Our Time). Tippett comenzó la composición el 5 de Septiembre de 1.939, dos días después de la declaración de guerra de la Gran Bretaña a Alemania. El Oratorio está decididamente marcado por el estilo formal inglés impuesto desde Händel, pero también claramente volcado hacia el lenguaje del siglo XX, con elementos provenientes del Jazz y de los Spirituals afroamericanos. El resultado es una obra única en su estilo.
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Estructure
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First part:
Chorus: The world turns on its dark side
The Argument & Interludium: Man has measured the heavens
Scena: Is evil then good?
The Narrator: Now in each nation there were some cast out
Chorus of the Oppressed: When shall the usurer's city cease?
Tenor Solo: I have no money for my bread
Soprano Solo: How can I cherish my man?
A Spiritual: "Steal away to Jesus"
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Second part:
Chorus: A star rises in midwinter
The Narrator: And a time came
Double Chorus of Persecutors and Persecuted: Away with them!
The Narrator: Where they could, they fled
Chorus of the Self-righteous: We cannot have them in our Empire
The Narrator: And the boy's mother wrote
Scena: The Mother, the Uncle and Aunt, and the Boy: O my son!
A Spiritual: "Nobody knows the trouble I see"
Scena: Duet: The boy becomes desperate
The Narrator: They took a terrible vengeance
Chorus: The Terror: Burn down their houses!
The Narrator: Men were ashamed
Spiritual of Anger: "Go down, Moses"
The Boy Sings in his Prison: My dreams are all shattered
The Mother: What have I done to you, my son?
Alto Solo: The dark forces rise
A Spiritual: "By and by"
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Third part:
Chorus: The cold deepens
Alto Solo: The soul of man
Scena: The words of wisdom
General Ensemble: I would know my shadow and my light
A Spiritual: "Deep river"
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La première tuvo lugar en el Adelphi Theatre de Londres, el 19 de Marzo de 1.944, con Walter Goehr dirigiendo la Filarmónica de Londres, obteniendo un estruendoso éxito. La premiére fuera de Inglaterra tuvo lugar en 1952, en Haifa, Israel, concierto en el que estuvo presente el padre de Herschel Grynszpan. Herschel Grynszpan fue deportado a Alemania en 1.94o después de la caida de Francia y estuvo en cárceles y campos de concentración hasta finales de 1.943, momento a partir del cual no se supo más nada de su destino.

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Sirva además esta entrega como Homenaje a las víctimas de Katyn, cruelmente masacradas hace 70 años por la brutalidad criminal estalinista, cuya conmemoración que se iba a celebrar ayer fue empañada por el trágico accidente aéreo que segó las vidas de parte de la actual élite polaca, incluyendo al presidente, en una de esas macabras ironías históricas. Paz a las almas de todos.

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M-S.

Ferenc Fricsay y El Moldava.

Bedrich Smetana

DIE MOLDAU (EL MOLDAVA)

Berliner Philharmoniker

Dir: Ferenc Fricsay

(DG)

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Como preludio al 1er aniversario de ARPEGIO.

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El Moldava es la obra por la que Smetana ha pasado a la inmortalidad, y no sin razón, pues se trata de una de las obras orquestales más hermosas y magistralmente inspiradas que alguna vez se haya creado.

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Como bien se sabe, este poema sinfónico es una de las partes que conforma el ciclo llamado "Mi Patria" (Ma Vlast), pero resalta sobre el resto por la magia que irradia desde el mismo comienzo dionisíaco de la flauta dialogando con las cuerdas.

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Ferenc Fricsay, gran batuta y talento truncado por una muerte precoz, fue un experto en la interpretación de esta obra, llegando en su tiempo a considerarse el auténtico dueño de la misma. Su famoso video ensayando la obra con su orquesta de la RIAS berlinesa es revelador por el maníaco empeño de Fricsay en afinar hasta el menor detalle e impoluta sincronización de la orquesta hasta dar con el sonido perfecto y puro.

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Sin embargo, de las grabaciones dejadas por el maestro húngaro, la presente hecha con la Filarmónica de Berlín (la orquesta de su potencial rival, Karajan) es la más imponente y expresiva de todas. Provoca brincar en bravos cuando la misma finaliza. Digna pieza de celebración de aniversario.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: Valse-Scherzo.

Piotr Ilich Tchaikovsky

VALSE-SCHERZO, Para Violín y Orquesta, Op.34

Itzhak Perlman, Violin

Leningrader Philharmonie

Dir: Yuri Temirkanov.

(RCA)

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Las obras cortas del Gran Trágico Ruso se pueden considerar auténticas piezas de bombonería musical. Pequeñas pero con mucho sabor.

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La obra musical de Tchaikovsky para violín y orquesta comprende su temprana Serenata Melancólica, ya presentada; el Valse-Scherzo, originalmente compuesto para violín y piano y luego arreglado con acompañamiento orquestal; y finalmente el Concierto para Violín, que viene en entrega próxima. De cualquier modo, los pasajes para solo de violín son abundantes en toda la obra del compositor, a los cuales era muy afecto.

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En 1.990 el sello RCA editó este interesante disco como tributo a los 150 años del nacimiento del compositor. Lo seleccionado está acertado y en general es un disquito simpático, y dentro de los mejor que tiene está esta interpretación del Valse-Scherzo.

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M-S.

Requiem de Mozart.

Wolfgang Amadeus Mozart
REQUIEM, K.626 (Versión Süssmayr)
Karl Ridderbusch, Hans Haselböck, Edith Mathis, Wieslaw Ochman
Wiener Philharmoniker
Dir: Karl Böhm
(Deutsche Grammophon)
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Para culminar la conmemoración de la Pascua, otra gran obra coral, de trascendencia universal, en probablemente la lectura más reverencial, implacable y apocalíptica de cuantas se han hecho.

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M-S.

Franz Xaver Süssmayr: Requiem

Franz Xaver Süssmayr

REQUIEM

St. Olaf Choir

St. Paul Chamber Orchestra

Dir: Andreas Delfs.

(Saint Olaf Records)

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En la conmemoración del Viernes Santo...

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Franz Xaver Süssmayr es recordado y acaso conocido hoy día por haber completado el universalísimo Requiem de su mentor, Wolfgang Amadeus Mozart. Sin embargo, el asistente del gran genio de Salzburgo tuvo también su producción propia, en la que se cuenta este interesante, hermoso, pre-romántico y de breves alcances Requiem.

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-classicstoday.com Review:

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"Any recording by the St. Olaf Choir is worth attention, and although the catalog is hardly desperate for another Mozart Requiem, this program offers an intriguing coupling--what purports to be the modern "premiere" of Franz Süssmayr's own Requiem, likely written sometime after his celebrated (and sometimes maligned) effort to complete Mozart's beloved yet unfinished setting. There's absolutely nothing wrong with the singing here--you can count on this choir to be fully prepared for whatever it undertakes, and Anton Armstrong is America's pre-eminent choral conductor. If you've had the good fortune to hear one of the choir's concerts, you know how good choral singing can be, and you know the glory of inspired, focused ensemble performance. Ironically, it's the quality of the live concert recording, and the strikingly contrasting ambience from two different venues, that compromises the otherwise superb work by the performers, including a very fine group of vocal soloists and a solid, reponsive orchestra.
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For the Mozart, the sound is acceptable in that you can make out most of the detail in the choral parts, and the solos and quartets are well-balanced; but the orchestra often sounds as if it's mixed in with the singers, so in the tuttis you have trouble separating choir from instruments, either spatially or texturally--undoubtedly a function of concert conditions, but nevertheless a definite concern for CD listeners. Interpretively, there's no lack of energy or attention to the text, and, some idiosyncratic Latin pronunciation aside ("ekselsees", for example), this is as satisfying and reliable a performance as the best in the catalog.
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The Süssmayr Requiem is one of those works whose obscurity is pretty much deserved--there's absolutely nothing special or original or compelling about it, and yet it retains significant value for its clues to the composer's own style and, most importantly, to his methods and compositional solutions to matters of text setting, orchestration, harmonization, and fundamental aspects of choral/orchestral structure. The one thing that looms large after listening for a few minutes: how could this composer be the same one who completed Mozart's work? There are a few moments of cleverness and even high competence--but you have to conclude that in finishing Mozart's Requiem he must have had some serious help, most likely in the form of sketches that he either destroyed or were accidentally lost. The sonic cast for this part of the CD is more resonant than for the Mozart, and the performers are closer, yielding a somewhat strained quality to the strings--and worse, making them seem out of tune at times (directly attributable to faulty miking, not the playing). Again, the singing is superb, giving Süssmayr's Requiem as committed and highly polished a performance as we could ask for--and perhaps better than it has a right to expect!
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The uncredited writer of the liner notes shares my view that while we may wish for--and modern scholarship urges--some "improvement" on Süssmayr's flawed completion of the unfinished work of a genius, nevertheless, it's really the best we have, and it bears an authenticity--after all, Süssmayr was at Mozart's side during his last days--that no modern author, no matter how well-intentioned or how musicologically well-armed can claim. I have to mention, however, that this recording suffers from several bad production decisions: the basic track listings appear only on the back of the jewel-box--nothing in the liner booklet (an irritating and unnecessary inconvenience); intrusive audience noise is inexplicably left in at several points in between tracks--and similarly, loud audience applause and shouts are included at the end of the CD. No one really wants to hear this and why anyone thinks so is beyond me. And for those really paying attention, there's a rough electronic glitch about 45 seconds into the "Confutatis" movement. Finally, for some reason Mozart's work is listed only as "Requiem", without the usual key and catalog designation, Requiem in D minor K. 626--not a big deal, but another curious and unnecessary omission. This will be a definite acquisition for St. Olaf fans, but if you have a favorite Mozart Requiem, you need not worry about this one, well sung as it is. However, if you're curious about Süssmayr, this is one of the few opportunities to indulge your interest."
--David Vernier
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M-S.