El Manfredo de Schumann

Robert Schumann
MANFRED-OUVERTURE, Op.115
Los Angeles Philharmonic Orchestra
Dir: Carlo Maria Giulini.
(DG)
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En Arpegio continúa la conmemoración del bicentenario del natalicio de Schumann.

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El Manfredo inmortalizado por Lord Byron ha sido llevado a música mediante algunos compositores, siendo los más relevantes Tchaikovsky, a través de su sinfonía del mismo nombre, y antes que él Robert Schumann, quien compuso una música incidental basada en el texto de Byron, que aunque está dispuesta en quince números, lo que resalta es especialmente la Obertura, hoy presentada.

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La obra pertenece al último y tardío período creativo del compositor, quien padecía una severa afección mental oscilante, y cuya gravedad se refleja en la tensión, conflicto y angustia que transmiten las notas de la obertura. El mismo compositor admitió que Manfredo fue gestada bajo el "hostigamiento permanente de voces interiores". La música fue compuesta entre

1.848-49, y Schumann dirigió el estreno de la Obertura en Leipzig, el 14 de marzo de 1.852.

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Al igual que en el caso de Tchaikovsky años más tarde con su sinfonía del mismo nombre, el personaje de Manfredo era fascinante para Schumann, pues sus dilemas le servían para reconciliar en cierto modo sus propios conflictos de personalidad colindantes con períodos de auténtica locura. El reto de componer esta obra significaba su lucha personal para imponer sus remanentes de cordura mediante el arte, y como él mismo declaraba "Con la posibilidad de ponerlo en escena, no puedo negar que me sobrecoge un verdadero espanto frente a la magnitud de la empresa".

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La Obertura refleja este estado de conflicto, pues no se trata de una Obertura convencional. Impregnada de cambios dinámicos y violentos contrastes, le falta la continuidad necesaria para establecer una línea convincente. Finalmente la carencia de una resolución en la pieza resulta acorde al mismo drama byroniano, donde el héroe se disuelve vanamente en su destino sin ninguna resolución.

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De la música incidental lo que se interpreta es la Obertura en conciertos y en grabaciones, que aun con todas sus inconsistencias no deja de tener atractivo orquestal y dramático.

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Hay varios enfoques de esta pieza, desde el extremadamente dramático de Furtwängler, hasta las concepciones más melódicas y conciliadoras. Se puede considerar a esta grabación de Carlo Maria Giulini dentro de las últimas, que aunque la lleva en tiempo más lento, sabe sacar la expresión de cada nota, de cada acento y de cada pausa. Es una lectura notabilísima. La colaboración de Giulini con la Filarmónica de Los Angeles ha sido una de las más afortunadas que se puedan recordar, y existen varias grabaciones que dan testimonio, siendo este Manfredo sólo una pequeña muestra.

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M-S.

Shostakovich y la enigmática Doce

Dimitri Shostakovich
SYMPHONY NR.12, Op.112, "The Year 1917"
Gewandhausorchester Leipzig
Dir: Ogan Durjan
(Philips)
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En esta oportunidad un disco de auténtica colección.
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Dimitri Shostakovich es considerado como el último gran sinfonista, al menos en la gran tradición iniciada por Haydn y elevada por Beethoven. Fue de este grupo uno de los pocos en romper la célebre "maldición de la novena", pues pudo completar más de 9 sinfonías (quince). Shostakovich compuso su sinfonía Nr.12, subtitulada "El año de 1917", en 1961, dedicándola a la memoria Vladimir Lenin, líder de la revolución bolchevique. La premiére de la obra tuvo lugar en octubre de ese mismo año, con la Filarmónica de Leningrado, dirigida por

Yevgeny Mravinsky. Esta fue la última obra estrenada por este director, pues su posterior rechazo a estrenar la siguiente sinfonía, la Nr.13, causó una ruptura definitiva en su relación artística (ver artículos anteriores relacionados con Shostakovich y su trilogía sinfónica final).

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La obra está compuesta para orquesta de tamaño medio, tiene aproximadamente 40 minutos de duración y está estructurada en los cuatro movimientos convencionales de una sinfonía, con una concatenación inmediata entre los mismos y sin pausas, a la manera de una sinfonía programática, como ocurre con su antecesora, la sinfonía Nr.11. El motivo del programa en la 12 es la persona de Lenin, y aunque hoy se considera a Shostakovich como uno de los más notables y originales opositores al régimen soviético, parecía sentir particular veneración por el fundador de la esencia original del Estado soviético. Los movimientos están subtitulados de la siguiente manera:
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1) Petrogrado revolucionario: Moderato — Allegro — Più mosso — Allegro
2) Razliv: Allegro (L'istesso tempo) — Adagio : el movimiento es alegórico al cuartel general de Lenin, en las afueras de Petrogrado.
3) Aurora: Adagio (L'istesso tempo) — Allegro: Aurora fue el buque que disparó contra el Palacio de Invierno zarista, iniciando la revolución rusa.
4) The Dawn of Humanity (despertar de la Humanidad): Allegro (L'istesso tempo) — Allegretto — Moderato : El movimiento final representa la vida soviética bajo la guía de Lenin, con aparentemente pretendido clima de júbilo y triunfalismo.
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Como se ha explicado, la Doce sigue el modelo programático de la Nr.11. Al haber más programa que música en esta obra, se le ha atribuido desde siempre puro valor propagandístico al comunismo y sus "valores", lo que la ha condenado a ser menospreciada musicalmente, como es el caso de sus sinfonías 2 y 3. Pero a diferencia de la 11, donde se hace uso de la narrativa descriptiva musical en forma de drama histórico, en la 12 Shostakovich se plantea en elementos más abstractos una serie de reflexiones concatenadas pero independientes una de otra, en forma de cuadros épicos.

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Aunque no sin razón por parte de los analistas se considera a esta obra musicalmente inferior a sus sinfonías verdaderamente grandes, no deja de tener el sello propio del compositor ni carece de elementos musicales interesantes y de valor. De ninguna manera se puede atribuir esto a una degeneración en la capacidad musical del compositor, pues la obra es contemporánea de maravillas como el 1er concierto para cello ó el 8vo cuarteto de cuerdas, por lo que esa hipótesis queda descartada. Es probable que el compositor creara esta obra "políticamente correcta" para congraciarse temporalmente con el régimen de Khrushchev y preparar el terreno para el cataclismo que luego causaría su siguiente sinfonía, la 13 "Babi Yar" (ver la trilogía sinfónica final, en artículo anterior).
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La recepción del público a la obra no tuvo el mismo nivel de calidez desde el mismo momento de su estreno. La gente se preguntaría donde estaba el Shostakovich grande e irreverente creador de la 5ta, la 8va y la inolvidable 10ma en la que hizo un retrato descarnado de Stalin. Aunque bien recibida en la URSS, en Occidente el efecto fue diametralmente opuesto, y sin necesariamente ser un experto en música, el escucha percibía inmediatamente el tufillo oficialista y propagandístico de la obra, con su natural rechazo impostado.

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Al ser aun una obra que está rodeada de un velo de misterio y de interrogantes, no es interpretada casi, y cuenta con pocas grabaciones. Incluso directores de talla verdaderamente shostakoviana se han negado a grabarla, al igual que las Nrs. 2 y 3.

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La grabación presentada en esta entrega es una rareza que forma parte del legado y conocimiento de coleccionistas y expertos avanzados, pero que constituye tal vez la mejor grabación disponible de esta obra, al nivel de la grabación oficial de Mravinsky (descatalogada) y superior definitivamente al de otras más occidentalizadas como la de Neeme Järvi ó la de Bernard Haitink. Ogan Durjan fue un destacado director soviético e hizo esta grabación con la Gewandhaus de Leipzig, en la era de la Alemania comunista, época donde por razones obvias se apreciaba la música de Shostakovich y de otros compositores soviéticos. Es una joya difícil de conseguir que se recomienda evaluar y atesorar y que clama por una reedición.

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Entrega especial dedicada a ese gran Shostakoviano que es Don Fernando De León.

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M-S.

SCHEREZADE.

Nikolai Rimsky-Korsakov

SCHEREZADE, Op.35

Glenn Dicterow, Violin

New York Philharmonic

Dir: Yuri Temirkanov

(RCA)

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Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) es sin duda uno de los grandes compositores de la Historia de la Música. Su genio y talento como pictorista musical y orquestador tienen pocos parangones no sólo en la música rusa sino en todo el repertorio universal.

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Iniciado en la música por Balakirev, Rimsky-Korsakov se hizo pronto de nombre propio e ingresó en la esfera del luego conocido "Grupo de los Cinco" (Rimsky, Balakirev, Borodin, Musorgsky, Cui). De toda su obra orquestal, seguramente con toda justicia su inmortal Suite

"Scherezade", basada en las Mil y una Noches, es la obra más famosa, conocida e interpretada del compositor.

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Al tratarse de una obra popularísima y atractivísima, es de entender que tenga numerosa producción en disco, habiendo excelentes referencias a través de registros de antología dejados por directores como Nikolai Golovanov, Sir Thomas Beecham, Fritz Reiner, Igor Markevitch, Herbert von Karajan y Kirill Kondrashin, por mencionar de entre los más reconocidos.

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Yuri Temirkanov no es particularmente un director que haya ocasionado a quien escribe verdadera impresión alguna vez. La mayoria de lo que le he escuchado ha sido bastante"promedio", sin mayor pena ni gloria. Sus interpretaciones del repertorio ruso, en especial de Shostakovich, me parecen aderezadas de sacarina, aun con las orquestas más rusas imaginables. Sin embargo, y atendiendo al decir de que hasta un reloj parado tiene razón dos veces al dia, me topé con esta grabación, y la gran sorpresa ha resultado en una de las mas grandes, inspiradas y poderosas grabaciones alguna vez registradas de esta maravilla sinfónica. Parece otro Temirkanov: su lectura es brillante, poderosa, asertiva y ocurrente en todo momento, con una Filarmónica de New York robusta y en plena forma, cuyo conjunto toca como una secta de posesos, con el aval de ser una orquesta que desde la era Bernstein se ha dado excelentemente bien con esta obra. La presencia de Glenn Dicterow, el legendario concertino de la orquesta, en el rol del violín solista, es un gran plus, y aunado a una toma de sonido brutalmente espléndida, dan en conjunto como resultado un gran registro discográfico que merece estar a la par del nivel de las grandes referencias ya mencionadas.

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Absoluta recomendación para los fervientes melómanos.

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M-S

Schumann: Sinfonía Primavera.

Robert Schumann
SINFONIA NR.1, en Si bemol mayor, Op.38, "Primavera"
Wiener Philharmoniker
Dir: Dimitri Mitropoulos.
(ORFEO)
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En la continuación del bicentenario del natalicio de Robert Schumann.

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Schumann compuso su Primera Sinfonía entre 1.840-1.841, y fue su primer trabajo sinfónico concluido. La premiére de la obra estuvo a cargo de nada menos que Félix Mendelssohn, quien la dirigió el 31 de marzo de 1.841, al frente de la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. La obra fue cálidamente recibida por la audiencia. El título de la Sinfonía, "Primavera", de acuerdo al diario de Clara Schumann, es por inspiración de los "Poemas de Primavera" de Adolph Boettger.

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La obra, de clara inspiración beethoveniana, es sin embargo por su orquestación una sinfonía revolucionaria del más puro romanticismo, con uso virtuoso de los bronces y recurrencia expansiva de los timbales. El ambiente de la obra es en todo momento pastoril, alegre y despreocupado, revelando tal vez conflicto y amenaza en el scherzo. El final concluye la obra de manera festiva y triunfal, y así sería más o menos el patrón compositivo de la mayoría de las sinfonías del período.

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Se trata de una obra muy afortunada en discografía, disponiendo de un gran puñado de excelentes interpretaciones. El gran maestro, Dimitri Mitropoulos, tiene un registro de antología con la Fil. de New York, pero lo hecho en 1.957, en el Festival de Salzburgo, dirigiendo la célebre Filarmónica de Viena es algo que va mucho más allá y se cuenta en el Panteón de las Inmortales.

Qué gran músico fue Mitropoulos!

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M-S.