Todo Tchaikovsky: Maazel dirige la 4ta Sinfonía.

Piotr Ilich Tchaikovsky

Symphony No. 4, Op.36

The Cleveland Orchestra

Dir: Lorin Maazel.

(TELARC)

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La música del gran trágico ruso habla directa y emotivamente al escucha apelando a la sublimidad más accesible de sus niveles de conciencia, haciéndola de entre la música más democrática alguna vez compuesta. La 4ta Sinfonía es buen paradigma de esta esencia, impregnada de registros y cambios emotivos, ritmos estimulantes y agradables y fáciles tonadas que se revisten en suntuosos ropajes orquestales a través de una amplia acuarela musical.

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Aunque Tchaikovsky no era especial adorador de Beethoven, reconoció que la estructura de su nueva sinfonía era "imitación de la idea básica de la 5ta de Beethoven", y examinando el hecho que ambas obras se refieren programáticamente al tema del "destino", nos damos cuenta que efectivamente así es. Sin embargo, mientras Beethoven toma al destino y lo aprieta por la garganta (lo acogota), Tchaikovsky examina por su naturaleza dubitativa e hiperromántica los diversos escenarios del destino a través del amor, del triunfo, de la derrota y de la muerte.
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Como ya se ha comentado, la aparición de la Sra. von Meck en la vida del compositor fue determinante en la recuperación espiritual y artística del mismo, y directamente en la creación de esta formidable obra, dedicada a su misma mecenas.

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La obra es definitivamente una sinfonía programática, género muy particular y característico del romanticismo, y para cada movimiento Tchaikovsky dejó una leyenda explicativa:

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1. Andante sostenuto - Moderato con anima - Moderato assai, quasi andante - Allegro vivo. “Destino, fuerza fatal que impide el impulso hacia los logros; que celosamente se asegura que la prosperidad y la paz nunca sean completas y que cuelga sobre nosotros como una espada de Damocles... Es un ente invencible y todo lo que podemos hacer es lamentarnos vanamente".

Esta nota programática del compositor marca el ánimo del movimiento y explica mucha de la tensión emocional que la magistral forma sonata genera en su impacto. El tema introductorio del destino no es sólo un mero gesto, sino un permanente guía a través de la exposición, desarrollo y recapitulación y el principal peso del conflicto se lleva a cabo definitivamente en este movimiento.

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2. Andantino in modo di canzone

“Qué triste pensar en todo lo pasado y en todo lo que se ha ido! Añoramos el pasado pero no resolvemos ni deseamos un cambio en nuestra vida... somos un ropaje de existencia"

Tchaikovsky fue un prolífico creador de canciones y definitivamente el monarca de la melodía.

Este movimiento es melodía pura y canción, impregnado fuertemente de nostalgia y en una atmósfera evocadora de trasfondo definitivamente ruso. Algo difícil de olvidar.

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3. Scherzo - Pizzicato ostinato, allegro

“De repente nos viene a la memoria la imagen de un campesino ebrio cantando una canción popular, con un fondo de ritmos militares en la distancia. Son imágenes desconectadas, fragmentarias y bizarras, que tienen poco que hacer con la realidad".
Con uso del tiempo impecable, Tchaikovsky suaviza la oscuridad de los movimientos anteriores, y con recursos inusuales crea un scherzo de absoluta originalidad, donde el peso se lo llevan las cuerdas que tocan en pizzicato, el trio esta desempeñado por los vientos y de manera sorpresiva el movimiento concluye simplemente evaporándose.

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4. Finale - Allegro con fuoco

“Paseemonos entre la gente. Vean como es su manera de entender la felicidad. Pero tan pronto te has olvidado de tus sinsabores contemplando las alegrías de los otros cuando ya llega el destino a recordarte todo de nuevo..."

Las explosiones orquestales de este movimiento actuan a manera de llamadas a despertar. Los brotes de tutti orquestal se alternan con el tema del destino que reaparece en este movimiento
conduciendo finalmente a una explosiva, bombástica, nerviosa e hiperemotiva coda de dudosa triunfalidad que representa el triunfo final del destino. Las similitudes con la Sinfonia Eroica de Beethoven son evidentes.

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Sirva esta entrega para anexar la que desde siempre ha sido mi grabación preferida y más querida de esta obra. Lorin Maazel al frente de la Orquesta de Cleveland representa en su formidable grabación lo mejor de los dos mundos concebibles de la 4ta sinfonía. Su lectura es muy emotiva, estudiada, balanceada, psicológicamente preparada, pero controlada (impacto controlado) sin entrar en los insoportables arranques de histeria de Mravinsky que hizo de su famosa lectura un absurdo antitchaikovskiano. Maazel se crece prestando la debida atención a cada nota y a cada instrucción de la partitura y distribuyendo sabiamente el papel de cada uno de los departamentos orquestales, que junto a un tempo giusto y al mando de los que aún fueron los músicos de George Szell, dejaron un registro inolvidable, sin olvidar la calidad de sonido tomada por Telarc que para el momento era state-of-the-art.

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Continuando esta serie de Todo Tchaikovsky, la 4ta con Maazel y la Orquesta de Cleveland.

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M-S.

Noche en el Monte Calvo

Modest Mussorgsky
NIGHT ON THE BALD MOUNTAIN (NOCHE EN EL MONTE CALVO)
(Versión arreglada por Nikolai Rimsky-Korsakov)
London Philharmonic Orchestra
Dir: Sir Charles Mackerras
(EMI)
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Continuamos en ARPEGIO homenajeando a Sir Charles Mackerras, con varias de las joyas que dejó en su legado discográfico.

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La Noche en el Monte Pelado o en la Arida Montaña (tiene varias acepciones) es el nombre común para "La noche de San Juan en el Monte Calvo" ("Ivanova noch' na Lisoy gore"), un poema sinfónico de Modest Petrovich Mussorgsky, el mismo creador de los conocidos "Cuadros en una Exposición", miembro del entonces renombrado "grupo de los cinco" que comandaba Mily Balakirev, y orientados hacia las tendencias nacionalistas rusas. La obra fue originalmente inspirada por una historia de Gogol, en la cual un campesino presencia un acto de brujería en el Monte Calvo (Lisoy gore), cerca de Kiev en la Noche de San Juan (equivalente a la Noche de Walpurgis germánica). Siendo una obra de originalidad inusitada, no dejó de sufrir las consecuencias de una autoría errática, dubitativa e inconstante, que eran características del compositor. Mussorgsky encabezó la partitura con unas frases de su puño y letra, que desde un principio ayudaron a comprender mejor la atmósfera fantástica de la obra, siguiendo de alguna manera el patrón establecido por Saint-Säens en su fabulosa Danza Macabra: "Rumores subterráneos de voces sobrenaturales - Aparición de los espíritus de las tinieblas y de Chernabog (Satanás) - Glorificación de Chernabog y la Misa negra - Sábado de Aquelarre - A lo lejos suena la campana de la Iglesia del pueblo, dispersando a los espíritus de las tinieblas - Amanecer".

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La versión original de Mussorgsky revela buena parte de la genialidad impostada que poseía el compositor y su particular manera de orquestar, imprimiendo al escucha una atmósfera arcaica, primitiva y astringente, anunciando el lenguaje de Stravinsky unos años más tarde en La Consagración de La Primavera. Después de la muerte de Mussorgsky a edad prematura por razón de su alcoholismo, su colega y compañero en el grupo de los cinco, Nikolai Rimsky-Korsakov, brillante y logrado compositor y además uno de los más geniales orquestadores de todos los tiempos, orquestó y arregló esta extraordinaria obra, tan llena de intenso colorido y fuerza que la han hecho muy popular en los conciertos y en la discografía.

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La versión arreglada de Rimsky es particularmente la preferida de quien escribe, pues la orquestación está mucho mejor ajustada a la trama, el colorido orquestal es fantástico y los momentos de drama, fuerza, satanismo y hechicería están mucho mejor logrados, gracias a un talento musical más avanzado, más académico y menos rupestre. Pareciera ser que entre los intérpretes se piensa de igual modo, puesto que esta es la versión que se suele llevar a los conciertos y la que cuenta con mayor número de grabaciones. Si surge algún interés pudiera colocar la versión original de Mussorgsky a fín de que el escucha pueda comparar.

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Es de esperar que de la versión arreglada de Rimsky existan muchas grabaciones, y efectivamente así es. Traigo a colación la grabación de Mackerras, pues de todas las que conozco me parece la mejor interpretada y la más fastuosamente tocada, explotando todo lo que tiene para ofrecer esta partitura. Mackerras dirige en esta ocasión a la talentosa Filarmónica de Londres, que como otras orquestas inglesas, realmente se luce en el repertorio ruso. Desde siempre ha sido mi grabación predilecta, por lo que la comparto.

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M-S.

Sir Charles Mackerras (1.925-2.010)

Homenaje a Sir Charles Mackerras.

Ludwig van Beethoven

SYMPHONIE NR.IX, "CORAL"

Stuart Skelton, Detlef Roth, Catherine Wyn-Rogers, Janice Watson, Solistas

Edinburgh Festival Chorus

Philharmonia Orchestra

Members of The Scottish Chamber Orchestra

Dir: Sir Charles Mackerras.

Edinburgh Festival, Edinburgh, Scotland, 09/01/2006

(HYPERION)

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Cortesia del grupo hermano greatconductors.

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"En homenaje al Maestro desaparecido, una grabación muy especial. Mackerras logró completar su ciclo de Beethoven con la Orquesta de Cámara Escocesa para el sello Hyperion, y coronó el mismo con esta grabación que ponemos en su honor. Es tomada de un concierto en vivo del año 2.006, del Festival de Edinburgo, y el resultado fue muy emotivo y especial. Mackerras no utiliza la edición crítica de Del Mar en su totalidad, como parece ser la nueva tendencia, pero sí muchas de sus modificaciones, por lo que el resultado es un híbrido entre las interpretaciones del tipo convencional y las "históricamente informadas". Es una grabación que desde que la escuché me gustó mucho y en algún momento la iba a traer, pero lamentablemente la ocasión me la adelantaron, así que de este modo se las comparto. Se me olvidó resaltar también la importancia de Mackerras como gran Mozartiano que fue, habiendo dejado un ciclo completo grabado con Telarc, y que de hecho es uno de los mejores existentes".

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Descanse en paz, venerado maestro. Nos preocupa que los grandes se están marchando y pareciera que no están siendo relevados a la misma velocidad. Ojalá la tendencia cambie...

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M-S.

Sir Charles Mackerras (1.925-2.010)... IN MEMORIAM

Muere Sir Charles Mackerras, reconocido director de orquesta
ÚLTIMA HORA
The Associated Press

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LONDRES — Sir Charles Mackerras, un director orquestal reconocido como el principal intérprete actual de las óperas de Leos Janacek, falleció de cáncer. Tenía 84 años. Mackerras murió el miércoles por la noche en Londres, según la agencia representante Askonas Holt.
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En Gran Bretaña, Mackerras estaba asociado con la Opera Nacional Inglesa y la Opera Real, fue director principal de la Opera Nacional Galesa y director principal de la Orquesta de Conciertos de BBC. También dirigió en Alemania, Australia, la República Checa, Estados Unidos, Austria y Francia, y realizó numerosas grabaciones, muy elogiadas por la crítica.

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"El impacto de Charlie Mackerras en el desarrollo de la práctica de la interpretación musical durante los últimos 60 años ha sido enorme", dijo el director musical de la Opera Real, Antonio Pappano.

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"Era una fuerza de la naturaleza, un verdadero hombre del teatro que se esforzaba por honrar las intenciones de un compositor con el mayor brillo rítmico, drama y entusiasmo".

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Mackerras hizo su última aparición con la Opera Real dirigiendo "La pequeña zorra astuta" de Janacek, que el teatro montó a solicitud suya.
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Fue un precursor en la interpretación de obras del barroco con instrumentos originales. Un resultado temprano fue su grabación de 1959 de "Música acuática" de Haendel, que descartó las versiones suntuosas de la época a favor de la instrumentación original con 24 oboes.
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"Conseguimos que todos los instrumentistas de alientos de Londres vinieran a una sesión en la mitad de la noche y lo intentaran", recordó Mackerras.
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"Todo se editó y se emitió muy rápidamente, en apenas unos pocos días, y debo decir que me dio un poco de miedo que sonara horrible, pero por supuesto ocurrió lo contrario. Sonó de maravilla".
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El movimiento por la conducción a la manera y con la instrumentación originales ilustró su manera de dirigir, sobre todo con la música de Mozart y la del período barroco. En 1966, agregó ornamentación a la partitura de "Las bodas de Fígaro" en Gales, de acuerdo con las prácticas interpretativas de la época de Mozart.
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"Estoy seguro de que fuimos demasiado lejos en esa producción de Fígaro, exageramos en un esfuerzo por llamar la atención del público, pero no hubo mucha oposición", dijo Mackerras.
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Nacido en Schenectady, Nueva York, de padres australianos, Mackerras creció en Australia y estudió oboe, piano y composición en el Nuevo Conservatorio de Música del Sur de Gales en Sydney.
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En 1947, ganó una beca del consejo británico para estudiar dirección con Vaclav Talich en Praga, donde nació el interés por Janacek que demostraría durante toda su vida.
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Mackerras aprendió a hablar checo con fluidez y preparó nuevas ediciones de las partituras de Janacek.
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Fue el principal director invitado de la Orquesta Filarmónica Checa de 1997 al 2003.
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Tras sus estudios en Praga, Mackerras se asoció a la Opera Galesa de Sadler — conocida después como la Opera Nacional Británica — donde dirigió la primera puesta británica de "Katia Kabanová" de Janacek y los estrenos mundiales de "Ruth" de Lennox Berkeley y "Noye's Fludde" de Benjamin Britten.
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Su debut con la Opera Metropolitana de Nueva York se produjo en 1972, dirigiendo "Orfeo et Euridice" de Gluck, y al año siguiente dirigió la función inaugural de la Opera de Sydney.
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Mackerras fue director de la Opera Estatal de Hamburgo desde 1966 hasta 1969, y director en jefe de la Orquesta Sinfónica de Sydney desde 1982 hasta 1985.
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Fue director musical de la Opera Nacional Galesa (1987-92), principal director invitado de la Orquesta de Cámara Escocesa (1992-95), director musical de la Orquesta St. Luke en Nueva York (1998-2001), principal director invitado de la Filarmonía (desde el 2004) y principal director invitado de la Filarmónica Checa.
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Mackerras recibió el título de Sir en 1979 y el de Compañero de Honor —reservado para 65 personas distinguidas— en el 2003.
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Mackerras deja a su esposa, Judith, y sus dos hijas.

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Descanse en Paz, Maestro... Lo hizo muy bien.

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M-S

Todo Tchaikovsky: La Cuarta Sinfonía.

Piotr Ilich Tchaikovsky
SINFONIA NR.4, Op.36
Leningrader Philharmonie
Dir: Gennadi Rozhdestvensky
(BBC Legends)
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Una auténtica joya de la historia del disco...
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Tchaikovsky comenzó su Sinfonía Nr.4, la Op. 36, en marzo de 1877. Dos meses antes había acabado su desastroso y efímero matrimonio que casi lo lleva al suicidio. Al momento de esta restauradora y curativa separación, aparece al mismo tiempo otra mujer que entraría en su vida, aunque de un modo absolutamente diferente, incluso asombroso, incluso bizarro, pues ningún lazo romántico les unió de alguna manera y ni siquiera el contacto físico. La rica viuda terrateniente Nadezhda Filaretovna von Meck comenzó una larga y fecunda relación epistolar con el compositor y le legó un sueldo anual que lo liberó de preocupaciones financieras. Fué a ella a quien Tchaikovsky le dedicó la Sinfonía Nr.4 y a quien el compositor confió su programa. El primer movimiento, después del leitmotiv "del destino", está en forma sonata con un melancólico influjo en el primer tema presentado por las cuerdas. Su carácter algo parecido a un vals es un dueto en el segundo movimiento con los acordes que atormentan al autor (frecuenta), representados por el clarinete y secundado en ecos tristes por el resto de las maderas. Pero, como Tchaikovsky escribió, "el destino despiadado nos despierta ... nos hundimos en su nada ", y luego de un scherzo aparentemente juguetón e inocente a cargo de las cuerdas en pizzicato, la tensión del leitmotiv del principio regresa en la conclusión, imbuida en el ropaje de una fanfarria triunfal y llega a un punto culminantemente aterrador hacia el final del movimiento, justo antes de la coda final que cierra triunfalmente la obra... El hombre se impone a su destino.

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Tchaikovsky finalizó la Cuarta en diciembre de 1.877 y su gran Premiere se llevó a cabo en Moscú, el 22 Febrero de 1878, bajo la dirección de Nikolai Rubinstein.
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El 23 de abril de 1878 Tchaikovsky volvió a Kamenka, donde permaneció cuatro meses. En octubre, a su vuelta a Moscú, dejó definitivamente su puesto en el Conservatorio, gracias al mecenazgo de la señora von Meck. La condición era que no debían verse jamás, y de esta manera mantuvieron una relación por carta que duró catorce años. Éstas cartas se conservan, y son de vital importancia para conocer las opiniones, impresiones y esperanzas del compositor. Se puede decir que los años de este mecenazgo y de esta singularísima relación vieron la etapa más productiva de la vida del compositor y de la creación de sus más grandes y memorables obras.

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La Cuarta es una sinfonía programática, y esto se explica ampliamente en las extensas notas enviadas por el compositor a la Sra. von Meck. Al igual y en conjunto con los casos de las dos sinfonías numeradas que aun quedaban por componer, la 5ta y la 6ta, conforman una trilogía del destino, donde se exponen en terrenos y escenarios diferentes la permanente y vana lucha del hombre (el compositor) contra su destino. En la 4ta el triunfo es rotundo, en la 5ta hay un triunfo resignado y finalmente en la 6ta es derrotado y muere.

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Con toda razón, la 4ta de Tchaikovsky es una de las sinfonías más populares y queridas de todo el repertorio universal. Su impacto y su poder adhesivo son inmediatos en el escucha, lo cual no nos hace extrañar de que existan muchísimas grabaciones en disco, por pràcticamente todos los directores y orquestas importantes. Una grabación emblemática y que recoge de la manera más integral todos los aspectos importantes de esta obra es esta joya registrada de un concierto en vivo del año 1.970, cuando la entonces Filarmónica de Leningrado, orquesta insignia de la URSS, se presentó en Londres, causando furor colindante en la demencia en aquella audiencia conformada principalmente por jóvenes. Muy diferente del enfoque histérico de Mravinsky, Rozhdestvensky se maneja magistralmente en su concepción de esta gran página tchaikovskiana, sin abandonar el fuego y pasión de la misma y deja un documento que tiene pocos competidores en este terreno.

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M-S.

Un día como hoy...150 años del natalicio de Gustav Mahler.

Gustav Mahler
SINFONIA NR.4
Allison Hargan, Soprano
The Hallé Orchestra
Dir: Stanislaw Skrowaczewski
(IMP)
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Tal día como hoy, hace 150 años, nació Gustav Mahler, uno de los más grandes sinfonistas de toda la Historia de la Música. En su conmemoración una entrega especial.

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La 4ta Sinfonía es una obra con lugar especial dentro de toda la producción mahleriana. Se le suele considerar la menos turbulenta de todas, y por lo tanto la más accesible al escucha, y según algunos, "la más fácil" de interpretar. También se trata de una de las más cortas en longitud. Aún dentro de esta aparente sencillez de la obra, el segundo movimiento que es el pivote de la misma, es de extrema complejidad, y de su ejecución depende el poder separar las verdaderas grandes grabaciones del resto "del montón".

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Otro aspecto clave es la actuación de la voz femenina en el movimiento final. Son pocas las voces que realmente han logrado imprimir esa atmósfera visionariamente infantil que del Paraíso quería transmitir el compositor. La grabación a presentar en esta oportunidad es una joya que cumple cabalmente con ambos aspectos cumbre y merece entrar en el Panteón de las grandes 4tas. Se trata de una orquesta mahleriana, al tratarse de una agrupación a quien le dió su forma un mahleriano, Sir John Barbirolli. El director, Skrowaczewski, con mejor reputación bruckneriana que mahleriana, imprime sin embargo un enfoque en todo momento asertivo. Y finalmente la soprano, Allison Hargan, que no es tan conocida como una Judith Raskin, una Janet Baker ó una Elizabeth Schwarzkopf, pero que definitivamente se desempeña como cualquiera de ellas.

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Toda una joya mahleriana digna de esta celebración.

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M-S.

Retrato de Lincoln

Aaron Copland
LINCOLN PORTRAIT (RETRATO DE LINCOLN)
James Earl Jones, Speaker
Seattle Symphony Orchestra
Dir: Gerard Schwarz.
(Delos)
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Un saludo americano. En conmemoración de un nuevo aniversario de la independencia de los Estados Unidos, ese gran país.

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Las obras musicales de carácter nacionalista suelen estar impregnadas de atmósferas y cánticos de libertad y exaltación de los valores y derechos del ser humano. Suelen por lo tanto muchas tener valor universal en cuanto a estos mensajes se refieren, pues lo mismo aplica a todas las nacionalidades, géneros, razas, lenguas ó religiones.

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Aaron Copland ha sido uno de los compositores más representativos de la idiosincrasia autóctona de los Estados Unidos. Su música es norteamericana desde la primera hasta la última nota. Su célebre obra orquestal, "Lincoln Portrait" (Retrato de Lincoln), es uno de los trabajos mejor logrados compuestos para gran orquesta y uso de un narrador (speaker). Las secciones narrativas se basan en lecturas de los más célebres discursos del malogrado presidente Abraham Lincoln, salvador de la Union americana tras la Guerra de Secesión, incluido su inmortal Discurso de Gettysburg. La obra fue compuesta por Copland en 1.942, para dar aliento a los esfuerzos de las tropas norteamericanas que se encontraban combatiendo en la II Guerra Mundial.

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Copland recibió la encomienda para componer la obra del director André Kostelanetz. Originalmente Copland quería retratar a Walt Whitman, pero a la final decidió que era necesaria una figura política para mayor impacto. "Desde este momento, la elección de Lincoln parecía inevitable", relata el compositor. Copland usó extractos de discursos y cartas del presidente, así como utilizó citas de canciones populares de la época. La premiere correspondió a la Sinfónica de Cincinnati, el 14 de mayo de 1.942, con William Adams como narrador.
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"Retrato de Lincoln" es un hermoso canto de Libertad, que realza sus valores y los de la democracia en general. Parte del impacto de la obra se debe a la fuerza declamativa que se requiere del narrador, habiendo quedado varios registros inmortales a través de narradores que han hecho historia con esta obra. Una joya de la música americana pero también universal, emotiva como la que más, hasta las lágrimas, y sin necesidad de ser norteamericano.
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Narradores y versiones famosas del "Retrato de Lincoln":

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-Marian Anderson, Philadelphia Orchestra, dirigida por Aaaron Copland, 1.966

-Marian Anderson, Philadelphia Orchestra, dirigida por Seiji Ozawa, 1.977

-Alec Baldwin, Philadelphia Orchestra, 2009
-Walter Cronkite, U.S. Air Force Symphony Orchestra
-Henry Fonda, London Symphony Orchestra, dirigida por Aaron Copland, 1.968
-Al Gore, New York Philharmonic
-Tom Hanks, U.S. Armed Forces Symphony, We Are One celebration, 18 January 2009
-Katherine Hepburn, Cincinnati Pops Orchestra, dirigida por Erich Kunzel
-Charlton Heston, Utah Symphony Orchestra
-Samuel L. Jackson, Orchestra of St. Luke's, dirigida por James Levine
-James Earl Jones , uno de sus mejores intérpretes, la ha llevado a cabo varias veces, tal vez su mejor aparición fue con la Seattle Symphony Orchestra, dirigida por Gerard Schwarz

-Sen. Edward M. Kennedy, Symphony by the Sea, Newburyport Yankee Homecoming, 29 July 2006
-Walter Mondale, Minnesota Orchestra
-Paul Newman, St. Louis Symphony Orchestra
-Barack Obama (actual presidente de E.E.U.U), Chicago Symphony Orchestra, 2.006
-Gregory Peck, Los Angeles Philharmonic Orchestra
-Vincent Price, Yale Symphony Orchestra
-Carl Sandburg, New York Philharmonic, conducted by Andre Kostelanetz
-Norman Schwarzkopf, St. Louis Symphony Orchestra
-Adlai Stevenson, Philadelphia Orchestra, dirigida por Eugene Ormandy
-Margaret Thatcher, London Symphony Orchestra
-Gore Vidal, Los Angeles Philharmonic Orchestra, dirigida por Michael Tilson Thomas, 2.007
-William Warfield, New York Philharmonic, dirigida por Leonard Bernstein, en el Royal Albert Hall de Londres, una de las más emotivas, disponible en video.

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Libreto del "Retrato de Lincoln".

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Fellow citizens, we cannot escape history."
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That is what he said. That is what Abraham Lincoln said.
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"Fellow citizens, we cannot escape history. We of this congress and this administration will be remembered in spite of ourselves. No personal significance or insignificance can spare one or another of us. The fiery trial through which we pass will light us down in honor or dishonor to the latest generation. We, even we here, hold the power and bear the responsibility." [Annual Message to Congress, December 1, 1862]
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He was born in Kentucky, raised in Indiana, and lived in Illinois. And this is what he said. This is what Abe Lincoln said.
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"The dogmas of the quiet past are inadequate to the stormy present. The occasion is piled high with difficulty and we must rise with the occasion. As our case is new, so we must think anew and act anew. We must disenthrall ourselves and then we will save our country." [Annual Message to Congress, December 1, 1862]
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When standing erect he was six feet four inches tall, and this is what he said.
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He said: "It is the eternal struggle between two principles, right and wrong, throughout the world. It is the same spirit that says 'you toil and work and earn bread, and I'll eat it.' No matter in what shape it comes, whether from the mouth of a king who seeks to bestride the people of his own nation, and live by the fruit of their labor, or from one race of men as an apology for enslaving another race, it is the same tyrannical principle." [Lincoln-Douglas debates, 15 October 1858]

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Lincoln was a quiet man. Abe Lincoln was a quiet and a melancholy man. But when he spoke of democracy, this is what he said.

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He said: "As I would not be a slave, so I would not be a master. This expresses my idea of democracy. Whatever differs from this, to the extent of the difference, is no democracy."
Abraham Lincoln, sixteenth president of these United States, is everlasting in the memory of his countrymen. For on the battleground at Gettysburg, this is what he said:
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He said: "That from these honored dead we take increased devotion to that cause for which they gave the last full measure of devotion. That we here highly resolve that these dead shall not have died in vain. That this nation under God shall have a new birth of freedom and that government of the people, by the people, and for the people shall not perish from the earth."

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M-S.

"In this temple, as in the hearts of the people, for whom he saved the Union, the memory of Abraham Lincoln is enshrined forever."