HASTA PRONTO.

 FELICIDADES A TODOS EN 2024

Bach: Cantatas de Adviento (Vol.4)

Johann Sebastian Bach

CANTATAS DE ADVIENTO Y NAVIDAD. Vol. 4

 - CANTATA BWV. 111

 - CANTATA BWV. 81

 - CANTATA BWV. 82

 Edith Mathis, Sheila Armstrong. Anna Reynolds, Peter Schreier, Dieter Fischer-Dieskau (Sols).

 Münchener Bach-Chor

 Münchener Bach-Orchester

 Dir: Karl Richter.

(ARCHIV)

Bach: Cantatas de Adviento (Vol.3)

 Johann Sebastian Bach

CANTATAS DE ADVIENTO Y NAVIDAD. Vol. 3

- CANTATA BWV. 58

 - CANTATA BWV. 65

 - CANTATA BWV. 124

-  CANTATA BWV. 13

Edith Mathis, Sheila Armstrong. Anna Reynolds, Peter Schreier, Dieter Fischer-Dieskau (Sols).

Münchener Bach-Chor

Münchener Bach-Orchester

Dir: Karl Richter.

 (ARCHIV)

Bach: Cantatas de Adviento (Vol.2)

Johann Sebastian Bach

CANTATAS DE ADVIENTO Y NAVIDAD. Vol. 2 

- CANTATA BWV. 121

- CANTATA BWV. 64

- CANTATA BWV. 28

- CANTATA BWV. 171

Edith Mathis, Sheila Armstrong. Anna Reynolds, Peter Schreier, Dieter Fischer-Dieskau (Sols).

Münchener Bach-Chor

 Münchener Bach-Orchester

 Dir: Karl Richter.

 (ARCHIV).

Bach: Cantatas de Adviento (Vol.1)

Johann Sebastian Bach

CANTATAS DE ADVIENTO Y NAVIDAD. Vol. 1

- CANTATA BWV. 61

- CANTATA BWV. 132

- CANTATA BWV. 63

Edith Mathis, Sheila Armstrong. Anna Reynolds, Peter Schreier, Dieter Fischer-Dieskau (Sols).

Münchener Bach-Chor

Münchener Bach-Orchester

Dir: Karl Richter.

(ARCHIV) 

Prokofiev: Séptima Sinfonía.

Sergei Prokofiev

SINFONIA Nr. 7, Op. 131

The Cleveland Orchestra

Dir: Vladimir Ashkenazy.

(DECCA)

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    Finalizamos el ciclo de las sinfonías de Prokofiev, en conmemoración de los 70 años de su muerte.

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    La Séptima es la última sinfonía del compositor. Fue compuesta en 1952, el año anterior a su muerte. En la misma Prokofiev pareciera regresar a las maneras relajadas y contenidas de la Sinfonía Clásica, sin embargo con un componente de amargura y tristeza lírica que recuerdan la resignación romántica de la Sinfonía Patética de Tchaikovsky. La obra fue estrenada en Moscú el 1ro de octubre de 1952, bajo la batuta de Samuil Samosud. Fue también la última aparición pública de Prokofiev, ya avanzadamente enfermo y sin voluntad de lucha contra la feroz censura estalinista que lo tuvo como blanco predilecto.

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   La obra consta de los cuatro movimientos tradicionales. Un Moderato inicial lacerante y premonitorio. Un Allegretto que hace las veces de Scherzo, algo más animado que el movimiento anterior. Un Andante en tonalidad cantabile que no deja de revelar un humor sardónico, como en los momentos más vitriólicos de la 9na de Shostakovich, más o menos contemporánea con ésta obra. Finalmente, un Vivace, que es la parte que nos recuerda más el humor chispeante de la Sinfonía Clásica, con momentos que nos hacen evocar alguna música para el cine. En ese ánimo de humor infantil concluye la obra.  La Séptima tuvo en general una buena recepción, le reportó al compositor un ingreso económico que tanto necesitaba y, finalmente, le valió el premio Lenin de 1957, cuatro años después de fallecido Prokofiev (y también Stalin).

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    La primera grabación data de 1953 y fue realizada por el mismo Samuil Samosud con la Orquesta de la Radio de Moscú. La primera grabación estéreo corresponde a Nikolai Malko con la Orquesta Philharmonia (EMI). La grabación de Vladimir Ashkenazy con la Orquesta de Cleveland resulta ideal en cuento a excelencia artística y calidad sonora, es mi versión recomendada.

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M-S.

Bert Kaempfert: A Swingin´ Safari

Bert Kaempfert and his Orchestra

- A Swingin Safari 

- That Happy Feeling

- Market Day

- Take Me

- Similau

- Zambesi

- Afrikaan Beat

- Happy Trumpeter

- Tootie Flutie

- Wimoweh

- Black Beauty

- Skokiaan

(POLYDOR)

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     Celebrando aún el arte de Bert Kaempfert, uno de mis artistas preferidos, en el centenario de su nacimiento.

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     ¨A Swingin´ Safari es una producción de 1962, uno de sus más grandes éxitos y uno de los álbumes más vendidos de aquel año. Mezcla genialmente en éstas piezas ritmos africanos con elementos del jazz, swing y embriones del Pop. Felizmente lo pude comprar cuando fue remasterizado en CD y hoy se los comparto. Disfruten éste momento de dionisíaca distensión.

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M-S. 

Música de un Régimen Totalitario.

Dimitri Shostakovich

LA CANCION DE LOS BOSQUES, Op. 81  (1-7)

Sergei Prokofiev

EN GUARDIA PARA LA PAZ,  Op. 124  (8-17)

St. Petersburg Philharmonic Orchestra

Dir:  Yuri Temirkanov.

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     Como homenaje al recién desaparecido maestro Yuri Temirkanov, dos Cantatas de trasfondo político, creadas por los dos más grandes talentos de la URSS, Shostakovich y Prokofiev, música creada bajo un régimen totalitario, apropiada para ésta época en que la democracia parece retroceder en todas las latitudes.

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M-S.

Prokofiev: Sexta Sinfonía.

Sergei Prokofiev

SINFONIA Nr. 6, Op. 111

Royal Scottish National Symphony Orchestra

Dir: Neeme Järvi.

(CHANDOS)

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     La Sinfonía Nr. 6 fue compuesta por Prokofiev entre 1945 y 1947.  La salud del compositor se encontraba resentida tras un infarto y un derrame cerebral, de allí tal vez el ánimo oscuro que tiñe a la obra. La misma fue estrenada en Leningrado, el 11 de octubre de 1947, en la Gran Sala del Conservatorio, con la Filarmónica dirigida por Yevgeny Mravinsky.  Algunas fallas interpretativas de ese concierto incidieron en la recepción tibia que tuviera el estreno, sin embargo la segunda representación enmendó esos infortunios, derivando en un gran éxito, con ovaciones prolongadas al compositor. Desafortunadamente, dicho triunfo no sería suficiente para que meses después Prokofiev cayera en la siniestra lista de Zhdanov, que acusaba a los más prominentes compositores soviéticos (Prokofiev, Khachaturian y Shostakovich, entre ellos) de formalismo y aburguesamiento estilístico, distantes de las ¨doctrinas¨ del realismo socialista de la URSS. 

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   La Sexta es la segunda de las sinfonías de la etapa soviética de Prokofiev. Según palabras del compositor, la obra es evocadora de los traumas de la guerra, ¨Ahora celebramos nuestra gran victoria, pero cada uno de nosotros tiene heridas que no se pueden curar... Uno ha perdido a sus seres queridos, otro ha perdido la salud. Esto no debe olvidarse.¨

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    Las tonalidades sombrías de la 6ta revelan de éste modo rasgos autobiográficos del compositor, sus frustraciones y dolencias físicas y espirituales (más o menos al modo de la 15ta de Shostakovich) y sin embargo, según Grigori Schneerson, musicólogo ruso ¨estamos ante una de las más bellas y más exaltadas de sus obras, imbuida del espíritu creativo del humanismo soviético¨.

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    La obra está desplegada en tres movimientos y muchos de sus temas derivan explícitamente de su maravillosa música para el ballet. Reminiscencias de Glinka y de Tchaikovsky se dejan entrever de tanto en tanto.

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   Existe un puñado de buenas grabaciones de la 6ta, sin embargo la recomendada en ésta ocasión es la de Neeme Järvi con la Orquesta Nacional Escocesa, que alcanza niveles máximos de expresividad asociados a la mejor toma sonora característica de Chandos.

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M-S.

Mahler - Macal: Resurrección.

Gustav Mahler

SYMPHONIE Nr. 2 "AUFERSTEHUNG¨

Danielle Halbwachs, Soprano

Renée Morloc, Alto

Czech Philharmonic Choir Brno

Czech Philharmonic Orchestra

Dir: Zdenek Mácal.

(EXTON)

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    Celebrando el arte del recién desaparecido maestro Zdenek Macal con uno de sus mejores discos, hecho durante su paso al frente de la Filarmónica Checa.  Una 2da de Mahler modélica, excelentemente ejecutada, con orquesta, coro y cantantes muy cercanos a lo óptimo y una batuta siempre atenta a cada uno de los detalles y desafíos que impone semejante partitura. Un portento.

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M-S.

Dos sensibles pérdidas.

       Yuri  Temirkanov  (1938 - 2023)

 

     Zdenek Macal   (1936 - 2023)

Todo Tchaikovsky: Patética.

 Tchaikovsky. SINFONIA Nr. 6, Op. 74 ¨PATÉTICA¨

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   Finalizando casi el largo ciclo ¨Todo Tchaikovsky¨ con un par de entregas dedicadas a la última obra publicada por el compositor, su testimonio final, su ¨Requiem Ruso¨, su última sinfonía, la ¨Patética¨. A propósito de los 130 años de su estreno y también de la casi inmediata muerte del compositor.

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    La Patética es la última sinfonía y última obra del catálogo de Tchaikovsky, aunque luego se hayan públicado obras póstumas no autorizadas por el compositor o publicadas posterior a su muerte. Es bien sabido el origen del apellido de la sinfonía, ¨Patética¨, originado de la palabra rusa ¨Pateticheskaya¨ que más que ¨patética¨ significa ¨apasionada¨ ó ¨emocional¨, nombre sugerido por Modest Tchaikovsky, hermano del compositor. De acuerdo al biógrafo oficial de Tchaikovsky, John Warrack, dicho término deja entrever la idea del sufrimiento humano, la del sufrimiento emocional, como de inmediato se deja percibir desde las primeras notas de la partitura.

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     La Patética fue compuesta por Tchaikovsky entre febrero y finales de agosto de 1893. La idea de una nueva sinfonía venía en la mente del compositor desde 1891. Atendiendo a su correspondencia: ¨Al momento de mi último viaje tuve la idea para otra sinfonía, ésta vez con un programa, pero un programa que permanezca como un enigma para todos, dejándoles intuirlo… Que la sinfonía sólo sea llamada “Sinfonía Programática, Nr. 6¨. Este programa está impregnado de sensaciones subjetivas y muy frecuentemente durante mi viaje la he tenido bosquejada en mi mente… Cuando llegué a casa organicé los bosquejos y el trabajo ha surgido con tal ardor y a tal velocidad que en cuatro días ya había terminado completamente el primer movimiento y delineado en mi cabeza lo que serán los otros tres… La mitad del tercer movimiento está hecha ya. Formalmente habrá mucho de novedad en ésta sinfonía, e incidentalmete el Finale no será un estruendoso Allegro, sino por el contrario, un Adagio muy lento.¨

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      La gestación de la obra agarra al compositor en la cúspide de su talento artístico y en sus máximas capacidades de técnica compositiva. Por otra parte, contrario a lo que se pudiera pensar, lo atrapa en buen estado de ánimo y disposición, aunque aún doliera la ruptura con Nadezhda von Meck, y a pesar del tenebroso giro que tomarían las cosas en aquel año de 1893. La obra fue estrenada en San Petersburgo, el 28 de octubre de 1893, con la Orquesta del Conservatorio, bajo la batuta del mismo compositor. Aunque la primera reacción fue tibia (tiene que haber causado desconcierto la estructura de la nueva sinfonía, con un lúgubre y pesante Adagio como movimiento final), el compositor se mantuvo optimista con su nueva creación. Nueve días después del estreno, sin embargo,  Tchaikovsky yacía muerto en su cama, en circunstancias aún al día de hoy opacas, pero muy seguramente por motivos personales y no artísticos.

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      La ¨Patética¨ forma parte de una ¨Trilogía del Destino¨, con sus dos predecesoras, la 4ta y la 5ta, y aunque no haya acá un programa confeso, el destino está indudablemente involucrado, difiriendo en la forma como el compositor lo enfoca: mientras en la 4ta el destino es tratado si se quiere de una forma profana, trasladado al hombre común, en la 5ta es tratado de una forma metafísica (La Providencia) y en la 6ta el destino es llevado a un plano cuasi-religioso, a la reivindicación después de la muerte. Mientras en la 4ta hay triunfo del hombre sobre el destino y en la 5ta hay una especie de tregua con una Providencia que se muestra ambígua; en la 6ta adviene la clara derrota final frente al destino, con la consiguiente muerte del hombre-objeto.

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     La obra  está estructurada en los cuatro movimientos convencionales,  pero con la marcada diferencia de ser el último un Adagio lúgubre y adolorido: atrás han quedado los grandes finales gloriosos, reivindicativos y prosopopéyicos. Los movimientos son los siguientes a saber:

 

1.    Adagio. Allegro non troppo.

2.    Allegro con grazia.

3.    Allegro molto vivace.

4.    Finale: Adagio lamentoso.

 

      El primer movimiento es el más largo y el más elaborado. De las notas disgregadas de Tchaikovsky salen las palabras ¨Toda la pasión impulsiva, confianza, sed de actividad… Conclusión en muerte y colapso¨ para éste movimiento;  El mismo se inicia subrepticiamente en las profundidades de la orquesta, en modo Adagio, dando paso a un fagot que de manera lúgubre expone una primera idea, y al que se van sumando las cuerdas en un inestable primer tema que abre paso al Allegro non troppo. El segundo tema desarrollado en forma sonata es uno de los más recordados de la obra, por su marcada belleza y lirismo, pero también por su marcada transmisión de tristeza, incluso de reproche. El tema va apagándose para causar el efecto sorpresa que ocasiona un violento estallido orquestal que da paso al clímax del movimiento, con el tema principal llevado a su máximo nivel de expresividad, haciendo finalmente transición a una coda a cargo de los vientos, a la manera de un himno coral que lo cierra de manera apaciguada. En resumen, un compendio musical de todos los triunfos y derrotas transcurridos durante la vida del héroe (hombre-objeto).

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      El segundo movimiento no es lento, pero tampoco propiamente un Allegro. La palabra del compositor para el mismo es ¨Amor¨.  La instrucción ¨Allegro con grazia¨ se refiere a un Vals. Un Vals bastante extraño, por una particular métrica, que en vez del natural ¾ está compuesto en 5/4, necesitándose de dos pies y medio si se quisiera bailar, pero la genialidad del compositor hace que el mismo funcione. Básicamente acá las cuerdas son las protagonistas. Por otra parte, a pesar de la hermosa y movida melodía, nunca irradia alegría sino más bien nostalgia. Como resumen, pareciera una serie de confesiones de amor que terminan disipadas una vez más por las dudas y el reproche.

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     El tercer movimiento, Allegro molto vivace, hace las veces del Scherzo. La palabra del compositor para el mismo es ¨Decepciones¨. Realmente se trata de una marcha, nuevamente una música de rítmo irregular e inquietante, de tonalidades agridulces, que a pesar de la energía casi optimista que despliega, no deja de exhalar un ánimo esquizoide, iracundo, de resonancia afectiva inadecuada, como un último brote de protesta vital antes de la llegada de El Final.

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     Así llegamos al Finale (Adagio lamentoso), el movimiento que marca la diferencia principal con sus creaciones anteriores y que debe haber causado desconcierto en las primeras audiciones. A pesar de no tratarse de una obra cíclica, queda la idea de que los movimientos anteriores han sido una preparación para éste final. Las palabras del compositor para el mismo son ¨Agonía, Muerte¨. Las cuerdas son las principales protagonistas del mismo, con eventuales (y clave) intervenciones de los vientos y un único martillazo del Tam-Tam, que establece un punto de inflexión antes del desenlace. La primera parte del desarrollo (primer tema) transmite tormento y amargura en escalas descendentes con eventuales interjecciones de las maderas. Tras una breve pausa entra el segundo tema, más lírico y más típicamente tchaikovskiano si se quiere, transmitiendo pesadumbre, dolor y resignación. Tras dos clímax claramente delimitados retorna el tema inicial de un modo lacerante hasta que las escalas se rompen con el sonido único, lejano y ominosamente sereno de un Tam-tam que pareciera señalar el último latido de un corazón que se apaga. Ha llegado la muerte. Concluye la obra con un último tema, que prestando atención, resulta ser una variación del tema del trío del irregular Vals que dejamos atrás. La música a partir de entonces va bajando en decibeles y en velocidad, con acordes cada vez más amplios hasta que finalmente las cuerdas bajas, algunas en pizzicato y los fagotes hacen regresar a la música a las enigmáticas profundidades de las que vino.

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LAS GRABACIONES PIONERAS

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      Probablemente la Patética es la sinfonía más afortunada en cuanto a grabaciones legendarias que le hacen absoluta justicia. Si bien es cierto que la obra está tan bien estructurada que es de esas que resiste cualquier cosa, incluso una mala lectura deliberada (tan sólida es que ni siquiera Theodor Currentzis pudo destruirla) no es menos verdad que la gran mayoría de los directores se esmeran en dejar una lectura memorable, y así vendremos en una próxima entrega con unas 20 grabaciones de absoluta referencia.

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      Por supuesto, como en el resto de las sinfonías, están las lecturas consideradas más ¨rusísticas¨, con tendencias a las acentuaciones dramáticas, rayantes en la histeria y a los tiempos rápidos. Y están las más ¨occidentales¨ con tendencia a respetar el tempo giusto y a acentuar el lirismo del lenguaje tchaikovskiano.

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     La primera grabación comercial que se hizo de la Patética corrió a cargo de Sir Landon Ronald con la Royal Albert Hall Orchestra, para el sello HMV. No sólo se trata de la primera grabación de la 6ta sinfonía, sino de la primera grabación hecha de una sinfonía de Tchaikovsky. A continuación una lista de grabaciones pioneras:

1923 – Landon Ronald, Royal Albert Hall Orchestra (HMV)

1923 – Willem Mengelberg, New York Philharmonic (Victor).

1926 – Albert Coates, LSO, (Grammophone It).

1930 – Sergei Koussevitzky, Boston Symphony Orchestra (RCA).

1930 – Oskar Fried, Royal Philharmonic Orchestra (LYS).

1937 – Willem Mengelberg, Concertgebouworkest Amsterdam (LYS)

1938 – Wilhelm Furtwängler, Berliner Philharmoniker  (Biddulph).

1940 – Arturo Toscanini, Philadelphia Orchestra (RCA).

1947 – Arturo Toscanini, NBC Symphony Orchestra (RCA).

1949 – Yevgeni Mravinsky, Leningrader Philharmonie (Melodiya).

1951 – Paul van Kempen, Concertgebouworkest Amsterdam (PHILIPS)

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        La grabación propuesta como referencia para la ¨Patética¨ es la de Paul Van Kempen con la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, grabación de estudio del año 1951.  Van Kempen era un director capaz de milagros sonoros cuando el temperamento se lo permitía, cuando se encontraba de ¨buenas¨ .  En éste milagro discográfico, que ningún crítico reputado menciona en sus revisiones de ésta obra, de relativo buen sonido mono y mejorado con las reediciones digitalizadas, presenta una Sexta inolvidable, magníficamente planificada y controlada, buscando lograr el máximo nivel de expresividad de la partitura, con hermoso lirismo donde corresponde que nunca cae en la blandura melíflua, pero también con los suficientes ingredientes de drama y tensión que nunca caen en la histeria ni en el desboque. Un Vals devastador. Un scherzo que es verdaderamente llevado en tiempo de marcha, una marcha más siniestra que liberadora. Un Adagio lamentoso opresivo, lacerante, amargo, aplastante. Las cuerdas en su máximo nivel de los tiempos de Mengelberg, los vientos impecables y el sonido del Tam-Tam con el tono, timbre e intensidad perfectos. Con los años han surgido grabaciones más estandarizadas, más homogenizadas en los tiempos, pero el portento dejado en registro por Van Kempen tienen pocos rivales en ésta óptica tan particular, y que sin duda hubiera conmovido al mismo compositor de haberla escuchado.  

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M-S.

 

Bernard Haitink: Dos Años.

Ludwig van Beethoven

MISSA SOLEMNIS, Op. 123

Genia Kühmeier, Soprano

Elisabeth Kulman, Mezzosoprano

Mark Padmore, Tenor

Hanno Müller-Bachmann, Bas

Antom Barachovsky, Violin solo.

Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks

Dir: Bernard Haitink.

(BRKlassik)

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     Recordando al venerado maestro holandés, a dos años de su partida.

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   A pesar de su experticia en diversos repertorios (Brahms, Bruckner, Mahler, Shostakovich...), demostrada desde sus primeros años como director de orquesta, el proceso de Haitink con Beethoven pareciera haber tomado un proceso de maduración mucho más lento, demostrado en el cambio de enfoque de sus dos ciclos sinfónicos (Amsterdam y Londres), así como en el hecho de que sólo en la última etapa de su vida artística decidiera abordar finalmente el tremendo reto que plantea una obra como la Missa Solemnis. Contaba ya Haitink con 85 años al momento de hacer ésta grabación, y los resultados hacen comprender el por qué de tan larga espera.

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     No se trata ésta de una lectura convencional a la que podríamos estar habituados, con inadecuado hiperdecibelismo mahleriano o con la rimbombancia equívoca del Requiem de Verdi. Se trata de una lectura magníficamente planificada y trazada, como he dicho, sin excesos, mirando más a Haydn, incluso a Bach, que a Mahler ó a Verdi... Y por supuesto, mirando más al mismo Beethoven. Resaltan el buen gusto, la humanidad, la majestuosidad estoica del conjunto sonoro y en resumen, la sabiduría que ha alcanzado el maestro en las postrimerías de su trayectoria artística. La plantilla vocal, los coros y la orquesta están en perfectas condiciones para el reto, dando una gran sensación de equilibrio, belleza y estabilidad. No es la Missa Solemnis más dramática, ni la más prosopopéyica, ni la más intimidante, pero el factor comunicativo excede las expectativas, tratándose de un director que en cuanto a Beethoven siempre se mostró desigual.  La grabación (ejecución, calidad artística y sonora) me resultan un triunfo, por lo que es mi selección para conmemorar al gran maestro holandés. In Memoriam.

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M-S.  

  

Centenario Bert Kaempfert (1923-1980)

Bert Kaempfert and his Orchestra

AFRIKAAN BEAT and other Favorites

(DECCA)

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  Conmemorando el Centenario del nacimiento del gran músico alemán Bert Kaempfert (n. 17.10.1923), pionero del jazz-swing alemán, compositor, multiinstrumentista y director de orquesta. Aunque su nombre es desconocido para las nuevas generaciones, fue uno de los músicos más populares de las décadas 60-70´s y su orquesta comparable a grandes bandas de la época como las de Ray Conniff ó James Last. La accesibilidad melodiosa de sus composiciones (Wonderland by Night, Dancing in the Dark, Strangers in the Night, Blue Midnight, The Happy Trumpeter, Afrikaan Beat, Swinging Safari) lo hicieron pionero también del estilo musical easy-listening y todavia actualmente muchos de sus temas son reinterpretados o arreglados por otros artistas. Murió a los 57 años, un talento truncado a destiempo. Les comparto una selección de sus mejores composiciones. edición del sello DECCA.

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M-S

LA CANCIÓN DE TEREZÍN.

Franz Waxman

DAS LIED VON TEREZIN (1-8)

Eric Zeisl

REQUIEM EBRAICO  (9-13)

Deborah Riedel, Della Jones, Michael Kraus (Solistas)

Rundfunkchor und Kinderchor Berlin

Rundfunk Sinfonieorchester Berlin

Dir: Lawrence Foster.

(DECCA)

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    Un par de obras en homenaje a las víctimas de la salvaje y bárbara masacre perpetrada contra Israel por el abominable fundamentalismo islámico, crímenes de los cuales se avergonzarían hasta las bestias más primitivas.

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    Preocupa el brote de antisemitismo que se ha desatado en diversos círculos, desde la izquierda latinoamericana hasta ciertas ¨élites¨ de universidades de los Estados Unidos, desde justificadores del crimen hasta negadores del holocausto nazi. Este par de obras es de compositores judíos, en memoria de las víctimas del holocausto, y que hubieran terminado en los crematorios nazis de no haber podido huir de Europa. Los fantasmas de todo aquel horror parecieran querer ser despertados por algunos.

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    Vaya de éste modo nuestro In Memoriam a todas las víctimas inocentes del pasado 7 de octubre, otra fecha que vivirá en la infamia.

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M-S.

 

Rautavaara: Piano Concerto.

Einojuhani Rautavaara

PIANO CONCERTO Nr. 1, Op.45

Laura Mikkola, Piano

Royal Scottish National Orchestra.

Dir: Hannu Lintu.

(NAXOS)

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     Magnífica muestra minimalista de tonalidad moderna escandinava.

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M-S.

Centenario Stanislaw Skrowaczewski.

Hector Berlioz

SYMPHONIE FANTASTIQUE

London Symphony Orchestra

Dir:  Stanislaw Skrowaczewski.

(CHANDOS)

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       Celebrando el centenario del natalicio del gran director polaco-ucraniano, con uno de sus mejores discos, su extraordinaria lectura de la Fantástica de Berlioz, digna de competir con Sir Colin Davis. Gracias por su arte, Maestro!

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M-S.

Las trece cuerdas de Lutoslawski.

Witold Lutoslawski

PRELUDIO Y FUGA PARA 13 CUERDAS.

Warsaw Philharmonic Chamber Orchestra.

Dir:  Witold Lutoslawski.

(AURORA)

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     Magnífica obra para ensemble de cuerdas que mereceria aparecer en dupla con la Metamorfosis de

Richard Strauss.

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M-S.

Conciertos para Oboe.

Lajos Lencsés, Oboe

OBOE CONCERTOS

-Christian Friedrich Schwencke - OBOEKONZERT,  C-Dur

-Carl Maria von Weber -  Concertino C-Dur

-Nikolai Rimsky-Korsakov - Variationen für Oboe und bläserorchester.

-Vincent D´Indy -  Fantasie über französische Volksthemen, Op. 31

RSO Berlin.

Dir: Hans E. Zimmer.

(CAPRICCIO)

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M-S

La Quinta de Prokofiev.

Sergei Prokofiev

SINFONIA Nr.5, Op.100

Israel Philharmonic Orchestra

Dir:  Leonard Bernstein.

(CBS)

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    Continuando nuestro ciclo Prokofiev con la Sinfonía Nr. 5.

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     La Sinfonía Nr. 5 fue compuesta por Prokofiev en Rusia durante el año 1944. Sus temas épicos y el contexto histórico la colocan como una ¨Sinfonía de Guerra¨. Es la sinfonía más popular y conocida de Prokofiev después de la Sinfonía Clásica.

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     Después de su período itinerante, Prokofiev decide regresar a la URSS en 1936 tras aceptar propuestas tentativas del régimen soviético para integrarse en los círculos artísticos oficiales. El compositor dió la espalda al género sinfónico por 14 años tras el fracaso de la Sinfonía Nr.4. Sin embargo, el estallido y transcurso de la II Guerra Mundial y la necesidad de una obra alegórica al momento histórico, a la manera de la Sinfonía Leningrado de Shostakovich, empujaron a Prokofiev a abrazar de nuevo el género. Surge así la que tal vez sea su mejor sinfonía, ¨una sinfonía de la grandeza del espíritu humano... un himno a un hombre libre y feliz, a sus maravillosos poderes y a su puro y noble espítitu¨.  La Quinta fue estrenada en la Gran Sala del Conservatorio de Moscú, el 13 de enero de 1945, con la Orquesta Sinfónica Estatal de la URSS, bajo la batuta del mismo compositor. El estreno resultó un triunfo arrollador, colocando al compositor en la cúspide de su prestigio artístico. La misma sería estrenada fuera de la URSS en noviembre del mismo año (ya finalizada la guerra) con la Sinfónica de Boston, bajo la batuta de Koussevitzky, realizando la primera grabación comercial para RCA.

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     La Quinta está llena de momentos de intenso drama, desolación insoportable como la que se aprecia  en el Adagio y momentos de sorna, parodia y humor negro, remarcados en los movimientos terminales (I y IV). Grabaciones de referencia hay varias (Ormandy, Kondrashin, Karajan, Järvi).  He elegido la grabación de Leonard Bernstein por su alto nivel de expresividad y magnífico despliegue de la paleta orquestal (percusión maravillosa), resaltando los mejores aspectos de la partitura en un excelente sonido.  

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M-S.

Ligeti: Requiem. #InMemoriam11S

György Ligeti      

REQUIEM

Barbra Ericson, Mezzosoprano

Liliana Poli, Soprano

Chor des Bayerischen Rundfunks

Sinfonieorchester des Hessischen Rundfunks, Frankfurt

Dir:  Michael Gielen.

(WERGO)

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        NUNCA OLVIDAR

 

Respighi Orquestal.

Ottorino Respighi

VITRALES DE IGLESIA 

IMPRESIONES DEL BRASIL

Philharmonia Orchestra

Dir: Geoffrey Simon.

(CHANDOS)

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     Mucho tiempo sin visitar a Respighi. Lo hago en ésta oportunidad con uno de los discos más queridos de toda mi colección. ¨Vitrales de Iglesia¨  e ¨Impresiones Brasileñas¨ son dos suites orquestales que muestran de igual modo que la ¨Trilogía Romana¨ el genio de Respighi para la orquestación. Existen dos o tres contendientes en disco para ésta dupla (Ormandy, Tortelier...) pero creo que no superan a la Philharmonia bajo la batuta de Simon ni el portentoso sonido de Chandos.  Un esencial de la discografía repighiana

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M-S.

Dyson: Sinfonía en Sol.

George Dyson

SYMPHONY IN G

City of London Sinfonia

Dir: Richard Hickox

(CHANDOS)

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      Otro magnífico disco de la estupenda serie Chandos para la música de George Dyson, a quien ya habíamos introducido a través de su hermoso concierto para violín. La Sinfonia en Sol es la única obra de éste género compuesta por Dyson. La misma fue creada en 1937, obtuvo una recepción templada al momento del estreno y ya en los años 40´s había sido olvidada. A partir de los 90´s en que se emprende el rescate de la música de Dyson, Chandos graba toda su obra orquestal, incluyendo la primera grabación de la Sinfonia en Sol, bajo la batuta de Richard Hickox. Se trata de una obra vigorosa, agradable que no peca de originalidad ni de exceso de ¨britanismo¨ (punto positivo) pero que refleja muy bien las tendencias de la música inglesa de la primera mitad del siglo XX.  La grabación de Hickox refleja muy bien las bondades de la partitura. Vale la pena su audición.

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M-S.

Prokofiev: Sinfonía Nr. 4.

Sergei Prokofiev

SINFONIA Nr. 4, Op. 47.

Orchestre National de France

Dir: Mstislav Rostropovich.

(ERATO)

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     Como preámbulo, vale aclarar que la Sinfonía Nr. 4 de Prokofiev tiene dos versiones, la original (Op.47) que data de 1930 y una versión revisada 17 años más tarde (Op.112, de 1947), más larga, más elaborada, y que en conjunto obliga a ser considerada como una sinfonía diferente. 

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     La versión original de la Cuarta corresponde aún al período itinerante de Prokofiev como pianista de concierto entre París, los Estados Unidos y su propia URSS. Para 1929 se encontraba trabajando en el Ballet ¨El Hijo Pródigo¨, encargo de Diaghilev y pronto se dio cuenta de que algunas de sus partes orquestales se podían expandir y desarrollar mejor en un contexto sinfónico. De éste modo nace la Sinfonía Nr. 4. La misma fue estrenada el 14 de noviembre de 1930, por la Orquesta Sinfónica de Boston bajo la batuta de Koussevitzky. La recepción fue tibia y lo mismo ocurrió al mes siguiente en su estreno europeo en Bruselas, bajo la batuta de Pierre Monteux. El estreno moscovita esperaría hasta 1933 y la obra no corrió con mejor suerte. Aunque Prokofiev siempre mantuvo fé en su trabajo (no destruyó la partitura original), se decidió a revisarla posteriormente, dando paso a la versión revisada.

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     La Cuarta es una obra de proporciones clásicas y de temas más conservadores que sus dos predecesoras, la 2da y la 3ra, sin embargo la ambiguedad del último movimiento sea probablemente lo que genere la dificultad en digerirla. Sin duda lo mejor es el primer movimiento, el que está mejor basado en los temas de ¨El Hijo Pródigo¨.  La presente grabación de Mstislav Rostropovich, de su ciclo con la Orquesta Nacional de Francia, es una de las que mejor despliega los elementos positivos de ésta obra.  La versión revisada será considerada en una próxima entrega.

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 M-S.

Homenaje a Carl Davis (1936 - 2023)

IN MEMORIAM CARL DAVIS

MUSICA PARA EL CINE Y LA TV.

Royal Philharmonic Orchestra

Dir: Carl Davis.

(INTERSOUND)

In Memoriam Alfred Schnittke

    

Alfred Schnittke

CONCERTO GROSSO Nr. 1

Gidon Kremer, Tatiana Grindenko, violins

Yuri Smirnov, hapsichord & prepared piano

Chamber Orchestra of Europe

Dir: Heinrich Schiff.

(DG)

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    Conmemorando los 25 años de la desaparición física de Alfred Schnittke, probablemente el último gran compositor del siglo XX.

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     El Concerto Grosso Nr. 1 es una de las obras más conocidas y populares de Schnittke y excelente exponente de su característico poliestilismo. Es el primero de seis obras de ese género, compuesto para dos violines, teclados y orquesta de cuerdas y aunque el nombre sugiere un concierto barroco, la obra es descrita como un ¨comentario sobre la idea de un concerto grosso barroco¨. Así conseguimos maravillosamente concatenados paráfrasis de danzas barrocas con embriones atonales y piezas populares como el tango. La estructura resultante es asombrosamente coherente.

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     La obra fue compuesta por Schnittke en su etapa creativa intermedia, en el año 1977, contando el compositor con 44 años, a solicitud de los violinistas Gidon Kremer y Tatiana Grindenko. La misma fue estrenada por los solicitantes, acompañados de Yuri Smirnov en los teclados y la Orquesta de Cámara de Leningrado, dirigida por Eri Klas. La primera grabación la hicieron los mismos solistas con la Sinfónica de Londres bajo la batuta de Rozhdestvensky. La grabación presentada hoy, en sonido digital, corresponde a los mismos solistas dedicatarios, con la Orquesta de Cámara de Europa, dirigidos por Heinrich Schiff, con la ventaja del mejor sonido.

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     De éste modo hago un pequeño homenaje al gran compositor, considerado heredero espiritual de Shostakovich.  Su lápida en el cementerio Novodevichi de Moscú es una de las más hermosas que se le pueden haber hecho a un músico. Gracias por su arte.

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M-S.

         Silencio estruendoso y eterno

Bartók: El Príncipe de Madera.

Béla Bartók

THE WOODEN PRINCE, Op. 13, Ballet-Pantomima en un acto (Sz.60) 

The Philharmonia

Dir: Neeme Järvi

(CHANDOS)

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     Quien escribe reconoce no ser gran fan de Béla Bartók, sin embargo tiene en cuenta la grandeza de obras como ¨El Mandarín Maravilloso¨, ¨Música para Cuerdas, Percusión y Celesta¨, su ¨Concierto para Orquesta¨ y su Violín Concerto Nr.2.  ¨El Príncipe de Madera¨ lo conocía a través de la astringente e impersonal grabación de Boulez, pero ha sido a través de ésta magnífica lectura del gran Neeme Järvi que me ha despertado la admiración por ésta pieza, por su originalidad y colorido orquestal; disco que les comparto hoy con el mayor entusiasmo.

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    ¨El Príncipe de Madera¨, fue comenzado por Bartók a principios de 1914 y finalizado casi dos años más tarde. La obra está basada en una historia de Béla Balász. El ballet fue estrenado en Budapest, el 12 de mayo de 1917, por la orquesta de la Opera Estatal de Hungría, bajo la batuta de Egisto Tango. Fue el primer éxito público de Béla Bartók.

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     El Ballet está estructurado en un prólogo y siete danzas, conectadas entre sí por breves transiciones. Aunque el libreto está basado en una especie de cuento infantil bizarro, la representación balletística no deja de representar elementos simbólicos de surrealismo expresionista, tan característicos de la época. El éxito de la obra desde su estreno debe mucho al Maestro Tango quien exigió los ensayos musicales y coreográficos suficientes para llevar la obra a la representación perfecta. La originalidad de la música y su gran colorido orquestal son elementos que deben resaltar en una buena grabación.

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    No hay demasiadas grabaciones del Ballet completo (el compositor hizo dos suites a partir del mismo, más frecuentemente interpretadas). Boulez tiene dos grabaciones del Ballet, pero me parece que Neeme Järvi va más allá potenciando toda la expresividad de ésta música. Espero disfruten de ésta grabación tanto como lo he hecho yo.

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M-S. 

Anton Rubinstein.

Anton Rubinstein

DON QUIXOTE,  Cuadro Musical basado en Cervantes, Op. 87

IVAN IV,  Cuadro Musical basado en Mey, Op. 79

Russian State Symphony Orchestra

Dir: Igor Golovschin.

(RUSSIAN DISC)

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     Un raro pero buen disco para comenzar a explorar la interesante música de Anton Rubinstein.

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    Conocido en su tiempo como un formidable pianista, sólo comparable con Liszt, Anton Rubinstein también fue un compositor prolífico. Si bien sus obras nunca alcanzaron el nivel de colegas rusos como Tchaikovsky o Rimsky-Korsakov, tiene en su haber muchas obras dignas de conocer, entre ellas varias óperas hoy injustamente caídas en el olvido. Sus obras orquestales siguen claras influencias de Liszt y de Schumann. Las dos obras incluídas en éste disco siguen claramente el patrón del Poema Sinfónico lisztiano, las cuales se prestan para una buena audición.

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M-S.

     

Prokofiev: Sinfonía Nr. 3.

Sergei Prokofiev

SINFONÍA Nr. 3, Op. 44

Junge Deutsche Philharmonie

Dir:  Riccardo Chailly.

(DG)

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    La Sinfonía Nr. 3 de Prokofiev fue compuesta en 1928 y estrenada en París el 17 de mayo de 1929 con Pierre Monteux al frente de la Orquesta de París.  La misma está dedicada a Nikolai Miaskovsky.

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    La Tercera se deriva de temas de la ópera ¨El Angel de Fuego¨, obra que había sufrido rechazo y dificultades para ser representada. A diferencia de la Sinfonía Nr. 2, la 3ra sigue la estructura de una  sinfonía convencional. A pesar de los contenidos programáticos que se pueden adivinar en la sinfonía, el compositor siempre negó intencionalidad programática en su composición. Es una obra mucho más accesible que su antecesora, aunque los rasgos modernistas y experimentales de la etapa parisina del compositor se siguen reflejando.

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    Presento para su audición una grabación extraordinaria, la de un joven Riccardo Chailly al frente de la Jugend Deutsche Philharmonie, aquella misma orquesta que hizo una relevante 5ta de Mahler con Barshai. Una grabación que sabe resaltar la especial sonoridad de ésta obra.

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M-S. 

Barber - Shostakovich: Violin Concertos.

Samuel Barber

VIOLIN CONCERTO, Op. 14

Dimitri Shostakovich

VIOLIN CONCERTO Nr. 1, Op. 99

Nadja Salerno-Sonnenberg, Violin

London Symphony Orchestra

Dir: Maxim Shostakovich

(EMI)

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       Otro magnífico disco de EMI.

Mozart: Concierto para Clarinete.

Wolfgang Amadeus Mozart

Klarinettkozert, K.622

Sabine Meyer, Clarinete

Staatskapelle Dresden

Dir: Hans Vonk.

(EMI)

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        Tiempo sin pasearme por obras del gran Wolfgang.

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      El concierto para clarinete es la última obra concertante de Mozart y una de las últimas de su catálogo. Probablemente a la fecha se trate del mejor concierto compuesto para éste instrumento; sino el mejor, sí el más popular. El mismo fue compuesto en 1791, especialmente para su amigo y cofrade masón, el clarinetista (cornista di bassetto) Anton Paul Stadler (1753-1812). La partitura que sobrevive hasta nuestros días es la transcripción hecha por el propio Stadler, muy probablemente con arreglos de cosecha propia. La obra es un gran concierto pleno de los rasgos más característicos del idioma mozartiano: fluidez de una increíble comunicatividad , melodiosidad de la más sublime ternura que se intercala con pasajes de enigma y misterio logrando una pieza de gran balance y en general transmisora de optimismo.

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       Grabaciones hay muchas y es difícil decantarse por una sola. La de Karl Leister con Karajan es una de las imprescindibles. Mi selección para ésta entrega es la de Sabine Meyer, quien secundada por la Staatskapelle Dresden y la batuta de Hans Vonk, logran una lectura enfocada, prístina y si se quiere modernista del concierto. Es una de las grandes grabaciones de EMI.

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M-S.

Prokofiev: Sinfonía Nr. 2

Sergei Prokofiev

SINFONIA Nr. 2, Op.40

Moscow Radio Symphony Orchestra

Dir. Gennady Rozhdestvensky.

(MELODIYA)

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    Continuando el ciclo sinfónico de Prokofiev con su Sinfonía Nr. 2, la más vanguardista y complicada de las siete y comprensiblemente la menos popular.

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     Prokofiev compuso su Sinfonía Nr. 2 entre 1924-25 durante su estadía en París, a petición de Sergei Koussevitzky. Es una obra experimental que recoge elementos vanguardistas del momento que entonces efervescían en la Ciudad Luz. Su carácter violento y estructura constructivista la colocan en las antípodas de la Sinfonía Clásica. La misma está comprendida en dos movimientos. El primer movimiento sigue la forma sonata y se erige como una construcción densa, disonante y armónicamente implacable basada en la Sonata para Piano Op. 111 de Beethoven. El segundo movimiento, más extenso, ofrece un ambiente resolutivo más apaciguado, pero igual de inquietante, compuesto en forma de Tema e Variazioni. Prokofiev caracterizó a su pieza como una ¨obra de hierro y acero¨. Quien escribe, sin saber lo anterior, califiqué a ésta obra como ¨Sinfonía Siderúrgica¨ la primera vez que la escuché.

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     A pesar de la fuerte influencia de las corrientes contemporáneas que pululaban en el París de los años 20´s, la Segunda es una obra eminentemente soviética. La grabación de Gennady Rozhdestvensky recoge muy bien  la caracterización de ésta sinfonía, por lo que es la seleccionada para compartir con ustedes en ésta ocasión.

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M-S

VANGELIS: Apocalipsis de los Animales.

VANGELIS

L´APOCALYPSE DES ANIMAUX   (1973)

(POLYDOR).

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1)  L'Apocalypse des animaux - Générique

 

2)  La petite fille de la mer

 

3)  Le singe bleu

 

4)  L'ours musicien

 

5) La mort du loup

 

6) Création du monde

 

7) La mer recommencée

Grieg - Rozhdestvensky

Edvard Grieg

- SYMPHONIC DANCES, Op. 64

- SIX ORCHESTRAL SONGS

- SIGURD JORSALFAR: THREE ORCHESTRAL PIECES, Op. 56

Solveig Kringelborn, Soprano

Royal Stockholm Philharmonic Orchestra

Dir: Gennady Rozhdestvensky.

(CHANDOS)

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      Conmemorando a Grieg en los 180 años de su natalicio, con uno de mis discos preferidos que finalmente he recuperado y decidido compartir en su integridad con todos ustedes. Sirva también para conmemorar el arte del inmarcesible maestro Gennady Rozhdestvensky, a un año más de su partida física.

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M-S.

Prokofiev: Sinfonía Clásica.

Sergei Prokofiev

SINFONIA Nr. 1, Op.25 ¨CLÁSICA¨

Los Angeles Phiharmonic Orchestra

Dir: André Previn.

(PHILIPS)

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    Retomando un poco la actividad del Blog tras varios meses de ausencia. Veamos qué tal nos va.

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    Prokofiev ha sido negligentemente descuidado en éste espacio, así que he decidido hacerle honor publicando sus sinfonías durante lo que quede de año. Se cumplieron recientemente 70 años de su desaparición física, por lo que el año se presta. Comencemos por supuesto por la Primera, la tremendamente popular ¨Sinfonía Clásica¨.

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    La ¨Clásica¨ es una obra engañosa, pues su aparente sencillez y su ¨alegoría¨ a las formas clásicas de Haydn y Mozart pueden hacerla parecer una obra fácil, pero no es así. Así, si bien no conozco una grabación a evitar de ésta sinfonía, son menos las que logran penetrar esa mezcla de gracia y sorna que Prokofiev supo mezclar muy bien en su obra.

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    La grabación de André Previn con la Sinfónica de Londres ya ha sido presentada por acá, pero en ocasión de homenajear al entonces recién fallecido Maestro. Previn la volvería a grabar para Philips con la Filarmónica de Los Angeles, un poco más apuntalada y con mejor sonido, aunque algo más expansiva que la primera. Dentro de las primeras recomendaciones para la ¨Clásica¨, siempre habrá que contar con Previn. Con las siguientes sinfonías trataremos cada una con un director diferente, con orquesta diferente y sello diferente.

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M-S. 

Rachmaninov 150. Discografia Recomendada.

 

                 Celebrando a Rach, en el 150 aniversario de su nacimiento.