Todo Rach: Danzas Sinfónicas.

Sergei Rachmaninov

DANZAS SINFÓNICAS, Op.45

Detroit Symphony Orchestra.

Dir: Leonard Slatkin.

(NAXOS)

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     Danzas Sinfónicas es la última obra compuesta por Sergei Rachmaninov, y aunque no está titulada como sinfonía, puede ser considerada como una.  La misma fué completada a finales de 1940 y fué dedicada a Eugene Ormandy y a la Orquesta de Filadelfia, a quienes correspondió el estreno el 3 de enero de 1941.

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     Aparentemente el estreno en Filadelfia no dejó del todo satisfecho al compositor y al no haber grabación de aquel concierto no puede formarse un juicio. La primera grabación correspondió a Dimitri Mitropoulos, al frente de la Filarmónica de New York, el 20 de diciembre de 1942, en ésta ocasión con ensayos monitorizados por el compositor. Grabación formidable que pude escuchar, rescatada y restaurada recientemente por MARSTON RECORDS, disponible pero seguramente a precios poco permisivos.

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     A diferencia de lo que se pueda pensar, Danzas Sinfónicas se erige como una obra revolucionaria en su estilo, por el manejo rapsódico de los temas, la magnífica inventiva en la orquestación, con aquel inédito y nostálgico pasaje del saxofón tenor en el primer movimiento, los fantasmagóricos vientos del Tempo di Valse y los ritmos frenéticos que intercalan danzas eslavas con elementos del jazz (ritmos sincopados) en el Finale. Las ideas originales de la obra datan de tan temprano como 1915, cuando Rachmaninov componía un proyecto de ballet llamado ¨Los Escitas¨. El proyecto no fructificó pero a principios de 1940 el compositor decide rescatar varios de sus temas para organizarlos en forma de ésta especie de suite orquestal. Como en otras de sus obras orquestales, Rachmaninov incluye en la composición de Danzas Sinfónicas elementos del canto ortodoxo ruso, cantos medievales de muertos en los que no puede faltar el sempiterno Dies Irae, una de las obsesiones del compositor.  La recepción al estreno de Ormandy resultó tibia, en parte por la interpretación, pero también por las reacciones mixtas entre el público y los críticos: mientras el público esperaba más exhuberancia, a la stravinsky, los críticos esperaban más conservadurismo tchaikovskiano, tal vez a la manera de la 2da sinfonía ó del concierto para piano Nr. 3. Con los años, la obra ha venido el justo espacio que le corresponde, siendo hoy un favorito para cualquier gran orquesta.     

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     Grabaciones de Danzas Sinfónicas existen en un número respetable, aunque son pocas las que logran adentrarse verdadera y convincentemente en éste caleidoscopio sonoro. Hay pasajes que requieren especial atención para garantizar una grabación de referencia, como por ejemplo el particular uso de la percusión en el último movimiento, con aquella siniestra pero liberadora intervención del tam-tam que cierra la obra y que no todas las grabaciones respetan como señala la partitura. Hay una trayectoria de buenas grabaciones a través de Kondrashin, Previn, Ashkenazy, y más recientemente Kirill Petrenko y espacialmente Leonard Slatkin, especialista indiscutible en éste repertorio y quien en su más reciente grabación con la Sinfónica de Detroit, explota como pocas todos los elementos expresivos de ésta gran obra que cierra con broche de oro la trayectoria artística de uno de los compositores más importantes del siglo XX.

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      Con ésta entrega queda cerrado el ciclo Todo Rach.

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M-S. 

  

 

VANGELIS (1943-2022). IN MEMORIAM.

 

Vaughan Williams: Sinfonía Nr. 4

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr. 4

Philharmonia Orchestra

Dir: Leonard Slatkin.

(RCA)

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     Continuando el ciclo homenaje a RVW con su Sinfonía Nr. 4.

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      La Cuarta fue concluida por RVW a principios de 1935. La misma, a diferencia de sus predecesoras, no lleva apellido, está entendida como música absoluta, sin inspiraciones incidentales ni referencias externas. La misma fue estrenada en Londres el 10 de abril de 1935, a cargo de la Sinfónica de la BBC bajo la batuta de Adrian Boult. Está dedicada a su colega compositor Arnold Bax. El éxito de la obra entre los círculos musicales británicos llevó a Vaughan Williams a ser reconocido como el sinfonista más importante de su país. La obra fue estrenada en los Estados Unidos el 19 de diciembre de 1935, con Artur Rodzinski dirigiendo la Orquesta de Cleveland.

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       A pesar de la relativa sencillez y economía musical de la obra, no goza de la popularidad de sus predecesoras y en épocas anteriores a nivel de disco sólo era fácil conseguirla a través de los dos grandes ciclos existentes: Boult y Previn. En ninguno de los dos destaca la Cuarta. En ciclos posteriores ya a nivel digital encontramos grabaciones más satisfactorias, por ejemplo ésta perteneciente al ciclo de Leonard Slatkin, uno de los más grandes representantes de la música de RVW y cuyo ciclo es de referencia. Esta 4ta destaca como entre lo mejor de éste ciclo, colocándose al lado de otras referencias como pudieran ser las grabaciones de Mitropoulos ó de Berglund. Una fácil recomendación.

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M-S.  

Alfvén: Sinfonía Nr. 2.

Hugo Alfvén

SYMPHONY Nr. 2, Op. 11

Stockholm Philharmonic Orchestra.

Dir: Neeme Järvi.

(BIS)

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   Continuando con nuestro ciclo homenaje al sesquicentenario del gran compositor sueco Hugo Alfvén, quien casualmente nació el 1ro de mayo de 1872 y murió un día como hoy, 8 de mayo de 1960.

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    La Sinfonía Nr. 2 es también una obra temprana de Alfvén. Fué concluida en 1899 y su amplio rango de claroscuros expresivos, de la luminosidad a lo tempestuoso, reflejan un período complicado en la vida del compositor. Sin embargo, a pesar de los nubarrones dramáticos que recorren la obra, el final es triunfante y reivindicativo, remarcando a ésta como la obra sinfónica más profunda musicalmente creada en Suecia. Aunque la sinfonía va formalmente en cuatro movimientos, el último movimiento, el más elaborado, va dispuesto en forma de un Preludio y Fuga. Es una gran obra que anuncia lo que vendrá en las siguientes sinfonías.

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   Como sucede con la sinfonía anterior, la grabación de referencia es la presente de Neeme Järvi para el sello BIS con la Filarmónica de Estocolmo.  Buena apreciación.

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M-S.

Messiaen: Cuarteto para el Fín de los Tiempos.

Olivier Messiaen (1908-1992)

QUATOUR POUR LA FIN DU TEMPS

Tashi Quartet

(RCA)

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    Conmemorando los 30 años de la partida física de uno de los compositores más notables del siglo XX, Olivier Messiaen.

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    Constituye para muchos todo un desafío descifrar los matices y significados en sus composiciones, sin embargo en todas se intuye una profunda conexión con su ferviente fé cristiana y la unión de los elementos de la naturaleza con un Dios creador.

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    Su ¨Cuarteto para el Fín de los Tiempos¨ me parece una de sus obras más accesibles, pero no por eso inferior ni menos inspirada. Sólo conocer las circunstancias de su composición invita a escuchar. La misma fué escrita por Messiaen durante su reclusión en el campo de prisioneros de Görlitz (Campo Stalag VIII-A) posterior a la caída de Francia en manos de los nazis. La misma fué estrenada en el mismo campo junto con otros reclusos músicos a los que les fué permitida la interpretación. La obra está inspirada en un texto del Libro del Apocalipsis bíblico y compendia en buena parte las mejores características del compositor: su profunda fé católica, su manejo organístico de la polifonía y su afición obsesiva por recoger los cantos de las aves como fuentes primordiales del material sonoro. Aunque se trata de una obra relativamente larga para tratarse de una composición de cámara, la continuidad sonora e inventiva melódica mantienen la atención del escucha durante todo el transcurso.

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   ¨Le Quatour¨ ha venido conquistando con los años su espacio merecido entre intérpretes y grabaciones. La grabación de la agrupación Tashi recoge como pocas las características especiales de la que es sin duda una de las obras más emblemáticas de la música del siglo XX.

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M-S.

Prokofiev: Piano Concerto Nr. 3.

Sergei Prokofiev

PIANO CONCERTO Nr. 3, Op. 26

Martha Argerich; Piano

Berliner Philharmoniker

Dir: Claudio Abbado.

(DG)

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     Sin lugar a ningún tipo de dudas, el compositor más grande nacido en tierra ucraniana ha sido Sergei Prokofiev (n. Sontsivka, 24-04-1891).

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    Compositor entre muchas otras cosas de siete sinfonías y de cinco conciertos para piano, el concierto para piano Nr. 3 es una de sus obras más populares y conocidas, aclamada ampliamente por el público y la crítica desde sus primeras interpretaciones. El mismo fue creado en 1921 y estrenado en los Estados Unidos el 16 de diciembre de ese mismo año con el mismo compositor al piano, acompañado de la Sinfónica de Chicago, bajo la batuta de Frederick Stock. El importante soporte de la batuta de Sergei Koussevitzky llevó al concierto al justo lugar de popularidad que hoy tiene. El mismo no sería estrenado en la URSS hasta 1925.

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    Las grabaciones del Nr. 3 son numerosas, dada su popularidad, facilidad de acceso, vitalidad e inventiva sonora que sólo se puede comparar con el Nr. 1 de Tchaikovsky o el Nr. 3 de Rachmaninov. Existe un puñado de lecturas imprescindibles, entre ellas la presentada hoy a cargo de una de sus más conspícuas representantes, Martha Argerich, secundada por Claudio Abbado y la Filarmónica de Berlín, grabación de 1967 y que desde entonces siempre ha sido una clara referencia. Grabación que se propone en ésta entrega.

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M-S.

Franck: Redemption.

César Franck

REDEMPTION,  Poema Sinfónico en dos partes, para narrador, solistas, coro mixto y orquesta

Orfeón Donostiarra

Orchestre du Capitole de Toulouse

Dir:  Michel Plasson.

(EMI)

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    Para el cierre de la conmemoración de los días santos.

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     Redemption está titulado como Poema Sinfónico aunque su estructura se asemeja más a un Oratorio. En las formas corales se remite indudablemente a Berlioz aunque en las notables partes orquestales se dejan incluso entrever reminiscencias wagnerianas. El mismo data de 1872 y está basado en un texto religioso de Edouard Blau. A pesar de ser hoy considerado como una de las obras más profundas de Franck, prácticamente no volvió a ser interpretado hasta la segunda mitad del siglo XX y rescatado en disco gracias al trabajo de directores como Michel Plasson cuyo testimonio es el que hoy compartimos.

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     Una Feliz Pascua de Resurrección.

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M-S. 

Poulenc: Stabat Mater

Francis Poulenc

STABAT MATER, para soprano, coro y orquesta.

Michéle Lagrange, Soprano.

Choeurs et Orchestre National de Lyon.

Dir:  Serge Baudó.

(HARMONIA MUNDI)

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    Para conmemorar el inicio de los Días Santos con el magnífico, hermoso y meditativo Stabat Mater de Francis Poulenc. De igual modo en memoria de todas las víctimas, civiles inocentes que han caído asesinados en Ucrania a manos de las crueles y criminales tropas rusas de Vladimir Putín. ¡No más genocidio en Ucrania!

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M-S.

Que el manto de la Vírgen bendiga y proteja al pueblo ucraniano.

Vaughan Williams: A Pastoral Symphony

 

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr. 3 ¨A Pastoral Symphony¨

Yvonne Kenny, Soprano

London Symphony Orchestra.

Dir: Bryden Thomson.

(CHANDOS)

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    Continuando el ciclo homenaje a Ralph Vaughan Williams.

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     La ¨Sinfonía Pastoral¨ fué completada en 1922. Sus primeras ideas vienen de los años más duros de la Primera Guerra Mundial (el compositor sirvió en el frente) y a pesar de su engañoso apellido ¨Pastoral¨, la obra recoge realmente lamentos en memoria de los caídos en la ¨Gran Guerra¨, así como una meditación de sonidos evocadores de la paz. La obra supone un cambio de estilo con respecto a sus dos predecesoras, siendo el contenido definitivamente más atmosférico y evocador que programático, y aunque la estructura formal es en cuatro movimientos hay sutiles transiciones entre cada uno. El elemento más característico de la Pastoral es el canto evocador sin palabras de una soprano al inicio del último movimiento, melodía cantada que después del desarrollo principal instrumental retorna para cerrar el movimiento y la obra.

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    La obra fué estrenada el 16 de enero de 1922, bajo la batuta de Adrian Boult. Las reacciones al estreno fueron mixtas y aunque siempre había sido una de las obras menos interpretadas del compositor, la misma con las años ha venido a conquistar su espacio que le corresponde por derecho propio. Aunque las grabaciones referenciales del mismo Boult y de André Previn se pueden considerar las primeras elecciones en la Pastoral, la presente grabación de Bryden Thomson es una buena alternativa, tal vez medio peldaño por debajo de las anteriores, pero con la ejecución experta de la LSO, el sonido característico de Chandos y el especialmente bello y luminoso canto de Yvonne Kenny en el rol solista. Una excelente alternativa, dado que la grabación de Previn ya ha sido publicada en homenaje a Heather Harper.

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M-S.

Franck: El Cazador Maldito - Psyché.

César Franck

LE CHASSEUR MAUDIT,  Poema Sinfónico.

PSYCHÉ,  Poema Sinfónico en tres partes.

BBC Welsh Chorus

BBC National Orchestra of Wales.

Dir: Tadaaki Otaka.

(CHANDOS)

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     Continuando con nuestro ciclo homenaje a César Franck.

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    ¨El Cazador Maldito¨, es tal vez la obra más conocida de César Franck después de su Sinfonía en Re menor. Se trata de su Poema Sinfónico insignia, completado en 1883 y estrenado ese mismo año en París bajo la batuta de Edouard Colonne.  El mismo está basado en un poema de Gottfried August Bürger y trata de un Conde Palatino del Rín que se atreve a salir de caza un domingo en la mañana, violando el mandamiento del Sabbat cristiano. El conde toca desafiantemente su corno de caza a pesar de los llamados de advertencia que hacen las campanas de la iglesia y los cantos sacros de oración. En las inmediaciones del bosque el conde es alcanzado por una voz de ultratumba que lo maldice y condena a vivir perseguido por los demonios. La incidentalidad en la música evoca las innegables influencias de Liszt y de Berlioz. Es una obra típica del inicio del romanticismo tardío.

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     Psyché es otro Poema Sinfónico, posterior, que data de 1887 y no goza de la popularidad del anterior por sus mayores niveles de complejidad, duración y abstracción. Está basado en la Metamorfosis de Apuleyo y se divide en tres partes, con participación de coros, con alcances de sinfonía pero sin su estructura. Dada su complejidad no se interpreta ni se graba demasiado, sin embargo ésta grabación de Tadaaki Otaka hace un esfuerzo notable en el rescate de la obra, por lo que también vale la pena su audición. Espero sea del agrado del potencial escucha.

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M-S.
 

Michail Jurowski (1945 - 2022) IN MEMORIAM.

 

Alfvén: El Rey de la Montaña.

Hugo Alfvén (1872-1960)

BERGAKUNGEN (EL REY DE LA MONTAÑA), Ballet en 3 actos, Op.37.

Swedish Radio Symphony Orchestra

Dir: Evgeny Svetlanov.

(MUSICA SVECIAE)

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    Continuando con el ciclo homenaje a Hugo Alfvén y con una espléndida obra que se constituye como un evento mayor, por la obra misma y por la grabación que se pone a consideración.

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     Bergakungen está descrito como un ballet-pantomima, compuesto por Alfvén entre 1916 y 1923. El mismo fue estrenado en la Opera Real de Estocolmo, el 7 de febrero de 1923, con Adolf Wiklund al frente de la Orquesta de la Corte Real, con gran éxito. 

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     El ballet está basado en el texto de mismo nombre escrito por Jan Lennart y siempre fue considerado por el compositor como una de sus mejores creaciones. Varias danzas del ballet como la 2da Danza de la Doncella, tienen cierta popularidad al interpretarse de forma separada en una Suite de Ballet, extraída por el propio compositor. La estructura del ballet tiene las proporciones del ballet ruso, aunque la música es típicamente escandinava, aproximada en sus momentos más incidentales al Peer Gynt de Grieg. Durante toda su extensión la música del ballet es hermosa, estimulante y cautivadora. Una gran muestra de música escandinava, aunque aún hoy relativamente poco conocida. El disco de Svetlanov es una de las pocas grabaciones del ballet completo, por lo tanto un esencial en toda colección para éste tipo de repertorio.

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M-S.

Schnittke: Nagasaki.

Alfred Schnittke

SINFONIA Nr. 0

NAGASAKI,  Oratorio.

Hanneli Rupert, Soprano

Voice of the Nation Choir

Cape Philharmonic Orchestra

Dir: Owain Arwel Hughes.

(BIS)

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      Visitando en ésta oportunidad al compositor ruso Alfred Schnittke. Sí, ruso. En éste Blog no hay espacio para la estúpida cultura de la cancelación, que ha llegado al paroxismo absurdo de promover cancelaciones culturales de los valores más prominentes de un país como Rusia, cuyos habitantes son también víctimas de la sanguinaria dictadura de Vladimir Putín y de su demente invasión criminal de Ucrania. Los representantes más grandes de la literatura y música rusas no tienen culpa del momento histórico actual, habiendo sido la mayoría muchas veces también víctimas de los propios sistemas políticos que les correspondió vivir y padecer, ya fuera el zarista, luego el soviético y ahora el putinista. Cancelar el arte no aporta ninguna solución a nada.

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     Schnittke es en parte heredero de la tradición artística instaurada por Shostakovich, y aunque en menor grado, también tuvo que sufrir censura de parte de las autoridades soviéticas cuando consideraron a algunas de sus obras ¨formalistas¨,  ¨aburguesadas¨ ó ¨decadentes¨. Si bien ya no se jugaba uno la vida como en la era estalinista, siempre era caminar al filo de la navaja.

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     El primer esfuerzo sinfónico de Schnittke fué su sinfonía conocida como Nr. 0 (cero) y data de 1956-57, siendo aún un estudiante de 23 años en el Conservatorio de Moscú. Su decisión de numerarla como ¨Cero¨ es de muchos años después, y probablemente por las mismas razones de Bruckner para titular así a su sinfonía homónima. Sin embargo en ésta obra de Schnittke, a pesar de su apego a la tonalidad y a la estructura formal sinfónica, no hay nada más de Bruckner. La misma fue estrenada en 1957 en el Conservatorio de Moscú bajo la batuta de Algis Zhuraitis, con la presencia de Shostakovich y Kabalevsky, quienes dieron su aprobación a la obra. A pesar de las indudables reminiscencias que se aprecian de inmediato de Shostakovich, Miaskovsky y Prokofiev, sobre todo en el último movimiento, las miras formales hacia una música absoluta hacen voltear las miras hacia Hindemith. De manera incomprensible ésta fresca, plena de buenas ideas, originalmente orquestada e interesante sinfonía no volvió a ser interpretada hasta la presente grabación de Arwell Hughes, en la gigantesca empresa de BIS para grabar toda la música orquestal de Schnittke.

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    Del año siguiente, 1958, data el Oratorio ¨Nagasaki¨, compuesto en memoria de la víctimas del ataque nuclear contra la ciudad japonesa en 1945 y presentada por Schnittke como su obra de graduación del Conservatorio de Moscú. La misma fue estrenada en 1959, con el aval de Shostakovich, recibiendo sin embargo duras críticas de las autoridades soviéticas, señalando a la obra como  ¨formalista¨ al haber olvidado los principios del ¨realismo socialista¨ (cualquiera cosa que eso pueda significar). En apariencia el expresionismo del movimiento central emulando la caída de la bomba y luego los ecos de los lamentos de las víctimas fueron insoportables para los ignorantes censores soviéticos. La obra sufriría la misma suerte hasta su rescate por Owain Arwel Hughes, ya muerto el compositor.  

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     El Oratorio se divide en cinco partes, recordando la secuencia programática que utilizará luego Shostakovich en sus sinfonías 11 y 12 y cada parte está basada en un texto de algún autor ruso o japonés:

I.- "Nagasaki, ciudad de dolor" (Anatoly Sofronov)

II.- "La Mañana" (Shimazaki Toson)

III.- "En ese fatídico día" (A. Sofronov)

IV.- "Sobre las cenizas" (Eisaku Yoneda)

V.- "El Sol de la Paz" (A. Sofronov)

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      Para el escucha atento la obra remite de inmediato a Shostakovich, principalmente a la oscuridad devastadora de la Sinfonía Nr. 8, las astringencias de la 10ma, y la secuencia narrativa utilizada poco después en la 11ma, donde posiblemente el mismo Shostakovich tomara algunas ideas prestadas de Schnittke.  El disco de Arwell Hughes es un esencial para introducirse en la música de Schnittke a través de sus obras tempranas de juventud. 

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M-S.

Sinfonía Londres

Ralph Vaughan Williams

A LONDON SYMPHONY

Royal Philharmonic Orchestra

Dir: André Previn.

(TELARC)

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     La ¨Sinfonía de Londres¨ fue compuesta entre 1912-1913. Es conocida como su Sinfonía Nr. 2 y su primera obra a gran escala orquestal pura. La misma fue estrenada en Londres, en Queen´s Hall, el 27 de marzo de 1914, bajo la batuta de Geoffrey Toye. La misma está dedicada al colega de RVW, George Butterworth. La partitura fue enviada a Fritz Busch para su estreno en Alemania, pero entre los avatares del estallido de la I Guerra Mundial, la partitura se extravió en el camino, sin entenderse muy bien por qué el compositor no conservó una copia. Dicha desgracia llevó al compositor, ayudado por Geoffrey Toye, Butterworth y Edward Dent a reconstruir la partitura de entre los borradores, llevando a un nuevo estreno en Bournemouth, el 11 de febrero de 1915 bajo la batuta de Dan Godfrey. RVW hizo revisiones en 1918 y luego entre 1919-20, tras lo cual surgió una primera versión para publicar, grabada por primera vez en 1925, con la Sinfónica de Londres bajo la batuta de Godfrey.  Nuevas revisiones entre 1933-36 llevaron a la versión definitiva tal como la conocemos hoy, estrenada en 1936 por Sir Henry Wood con la Queen´s Hall Orchestra.

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     Aunque el nombre con el se conoce a la sinfonía puede sugerir una intención programática, el compositor aclara que la obra está concebida como música absoluta, aunque haga citas de tonadas populares londinenses y en una nota de programa de 1920, el compositor señala que ajustaría mejor el título ¨Una sinfonía por un londinense¨.

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     La versión final es por supuesto la más interpretada y grabada, la forma en la que el compositor quería que la obra pasase a la posteridad, aunque la reconstrucción de 1914 fue autorizada para ejecución por la viuda del compositor llevando a la famosa grabación de Hickox para Chandos. La versión estándar tiene varias grabaciones de referencia, siendo su sinfonía más conocida y popular. Las dos grabaciones hechas por André Previn (RCA y Telarc) siempre han estado en la primera línea, y siendo las dos realmente extraordinarias, tal vez la hecha con la Real Orquesta Filarmónica para Telarc cuente con todo lo requerido para ser considerada como perfecta. Esta es la propuesta para su audición.

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M-S.

¡VIVA UCRANIA LIBRE!

 

Alfvén: Sinfonía Nr. 1.

Hugo Alfvén

SINFONIA Nr. 1, Op. 7

Stockholm Philharmonic Orchestra

Dir:  Neeme Järvi.

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    ¨Mi primera sinfonía es la primera escrita en lenguaje sueco... Mis predecesores sinfónicos en éste país han estado  fuertemente influenciados por la música alemana y danesa¨, escribía Hugo Alfvén en 1953, a sus 81 años, convertido ya en el gran maestro del sinfonismo sueco. Mientras escribía su Opus 7 - fué completada en 1897 - era un joven músico de 24 años y desde la muerte de Berwald en 1868 no se escribía una sinfonía de proporciones en Suecia.

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   La gestación de la Sinfonía Nr. 1 llevó un largo período de tiempo y en su composición Alfvén emplea colores paisajísticos nórdicos oscuros y melancólicos, pero aún sin las tonalidades patrióticas de sus últimas tres sinfonías. Se trata de una obra juvenil, de rasgos académicos y ponderados y aún con la muy optimista opinión del compositor, es posible que la obra no tuviera la recepción esperada, pues el mismo se vió en la necesidad de revisarla. El estreno de la primera versión se llevó a cabo con la Orquesta de la Corte, dirigida por Conrad Nordquist, el 14 de Febrero de 1897. Revisiones importantes fueron hechas entre 1903-04 y nuevamente en la orquestación 1951, a sugerencia de Kurt Atterberg justo antes de la publicación definitiva. A pesar de su proceso de maduración no ha sido una sinfonía que haya conquistado un puesto definitivo en el repertorio sinfónico regular.

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    Por lo anterior se entiende que no existan muchas grabaciones de ésta obra, salvo cuando se ha grabado dentro de los pocos ciclos sinfónicos que se han hecho. El pionero y el de referencia sigue siendo el de Neeme Järvi para BIS, por lo cual es su grabación la que se elije para compartir.

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M-S.

Goldmark: Sinfonía Nr. 2.

Karl Goldmark

SINFONÍA Nr. 2, Op. 35

Philharmonia Orchestra

Dir:  Yondani Butt.

(ASV)
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     Las obras sinfónicas de Goldmark (el compositor formal húngaro más importante de su generación) se caracterizan por sus estructuras sencillas, volcadas hacia el romanticismo temprano de Schubert, Mendelssohn, Schumann, e incluso los Poemas Sinfónicos de Liszt y serenatas de Brahms, con riqueza melódica y colorido en su orquestación. Realmente al igual que sucede en Liszt,  no hay un componente importante de tonalidad nacionalista húngara en su música, más cercana a Viena que a Budapest.

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     Su Sinfonía Nr. 2 fue compuesta en 1887, en su período intermedio de vida artística, aunque no sería publicada de inmediato. Aunque no he encontrado información de su estreno, lo cierto es que nunca ha tenido la popularidad ni difusión de la mucho más conocida Sinfonía Nr. 1 ¨La Boda Rústica¨. Siendo desde el punto de vista formal más aproximada a la sinfonía tradicional, sus ánimos miran hacia las serenatas de Brahms. La cantidad de grabaciones disponibles es del mismo modo muy limitada, por lo que entre las pocas opciones una apuesta segura es ésta satisfactoria grabación de Yondani Butt al frente de la Philharmonia. Una fácil recomendación.

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M-S.

 

Franck: Variaciones Sinfónicas.

Cesar Franck  (1822-1890)

- PRELUDIO, CORAL Y FUGA, para piano.

- PRELUDIO, ARIA Y FINAL, para piano.

- VARIACIONES SINFONICAS, para piano y orquesta.

Jorge Bolet, Piano.

Koninklijk Concertgebouworkest Amsterdam

Dir:  Riccardo Chailly.

(DECCA)

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   Otro compositor importante a conmemorar éste año es César Franck, en el bicentenario de su nacimiento.

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    Universalmente conocido por su Sinfonía en Re Mayor, ya presentada en éste Blog, tiene sin embargo en su haber un catálogo importante de obras de otros géneros, obras corales, obras para órgano, poemas sinfónicos y obras para piano solista y con orquesta, las principales inteligentemente compiladas en el disco presentado hoy, con magníficos intérpretes. Un disco fundamental para una discografía básica de éste compositor.

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     Continuaremos visitando a César Franck en el transcurso del 2022.

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M-S.

Alfvén: Rapsodias Suecas.

Hugo Alfvén (1872-1960)

- RAPSODIA SUECA Nr. 1 ¨MIDSOMMARVAKA¨

- RAPSODIA SUECA Nr. 2 ¨UPPSALARAPSODI¨

- RAPSODIA SUECA Nr. 3 ¨DALARAPSODI¨.

Royal Stockholm Philharmonic Orchestra.

Dir: Neeme Järvi.

(BIS)

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   Un compositor nuevo para ARPEGIO es Hugo Alfvén. Se trata de un compositor importante sin duda, uno de los referentes del nacionalismo romántico sueco y lo estaremos visitando éste año en virtud de su sesquicentenario.

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    Se puede considerar a Alfvén el equivalente en Suecia de Grieg en Noruega, de Sibelius en Finlandia ó de Nielsen en Dinamarca. Su lugar en la historia de la música sueca se coloca en paralelo a las figuras de Berwald y de Stenhammar, con el agregado de ser considerado el principal sinfonista sueco, con cinco sinfonías en su haber y otra cantidad importante de obras orquestales. Su música, de indudable colorido escandinavo, tiene sin embargo importantes influencias germánicas, sobre todo de Richard Strauss.  

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    Entre sus obras orquestales más conocidas y populares está su Rapsodia Sueca Nr.1, conocida con el título de ¨Midsommarvaka¨ (Vigilia en Mitad del Verano). En el catálogo de Alfvén figuran dos obras orquestales adicionales, la ¨Rapsodia de Uppsala¨, conocida como la Rapsodia Sueca Nr. 2 y finalmente la ¨Dalarapsodi¨ (Rapsodia Dalecarliana), conocida como Rapsodia Sueca Nr. 3, y que tiene más rasgos y proporciones de Poema Sinfónico straussiano. Las tres rapsodias están inteligentemente compiladas en éste disco pionero del sello BIS, dirigido maravillosamente por (¿quién si no?) Neeme Järvi. Hasta donde sé, sólo existe otro disco del sello Chandos que recoge las tres rapsodias suecas.

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    A pesar de la gran calidad artística de la música de Hugo Alfvén, su obra no tiene una discografía amplia. El espléndido ciclo de Neeme Järvi sigue siendo el pionero y la referencia para conocer su música, por lo que será el que estaré compartiendo éste año en su homenaje.

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M-S.

Una Sinfonía Marina.

Ralph Vaughan Williams (1872-1958)

A SEA SYMPHONY

Sarah Fox, Mark Stone, solistas.

James Ehnes, violín.

Royal Liverpool Philharmonic Orchestra and Choir.

Dir:  Andrew Manze.

(ONYX)

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    Uno de los compositores que será revisado éste año 2022 es Ralph Vaughan Williams (RVW), en el sesquicentenario de su nacimiento.

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     La ¨Sinfonía Marina¨ es una obra para coros, solistas y orquesta, compuesta por RVW entre 1903 y 1909, y es considerara su Primera Sinfonía. Es también la sinfonía más larga del compositor. La misma fue estrenada por el mismo compositor en el Festival de Leeds, el 12 de octubre de 1910, en celebración de su cumpleaños 38.

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    La Sinfonía Marina es el resultado de la recopilación de varias canciones para voz y orquesta en las que venía trabajando el compositor, basadas en la serie de poemas de Walt Whitman ¨Hojas de Hierba¨. Fué entonces una obra resultado de un largo proceso de gestación. Aunque la obra abandona la forma sinfónica tradicional de plantilla germánica, la misma sigue una línea intrínseca que la hace reconocer como una sinfonía, con cuatro partes diferenciables. La obra no es la más popular ni interpretada de RVW por su complejidad y su longitud de proporciones mahlerianas (en promedio 70 minutos).  La misma, de característica sonoridad británica con influencias reconocibles de Stanford y Parry, deja entresonar también  revoloteos de Debussy (La Mer). A diferencia de otras ¨Sinfonías Corales¨, la Sinfonía Marina utiliza el canto de los coros a lo largo de toda la partitura, actuando como elemento integrador y armonizador de toda la estructura musical. A su modo, la Sinfonía Marina establece una nueva era en la tradición sinfónica y coral británica para toda la primera mitad del siglo XX.

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   Dada su complejidad, la Sinfonía Marina no cuenta con demasiadas grabaciones, la mayoría de ellas hechas para conformar un ciclo completo de las sinfonías de RVW. La primera grabación comercial fué hecha en 1954 por Sir Adrian Boult con la Filarmónica de Londres para el sello DECCA.  Desde entonces han salido versiones importantes como las de los ciclos de  Previn, Handley, Thomson, Rozhdestvensky, Haitink, Slatkin  y el mismo Boult en stereo para el sello EMI.  Aunque Boult es considerado referencia incontestable a través de cualquiera de sus dos grabaciones comerciales, existen contendoras importantes, una de ellas es la de Andrew Manze, cuyo ciclo fue recién completado en 2017 y se perfila como uno de los más importantes. Particularmente los logros de Manze en la Sinfonía Marina son especiales, dándole a la partitura un encanto juvenil y una frescura de brisa marina muy apropiados para ésta obra, con más poesía y menos pompa y que nos hacen reconciliar con una obra que puede resultar complicada de digerir.  Lectura brillantemente juzgada y con calidad del sonido extraordinaria. Un buen comienzo para comenzar a explorar las sinfonías de RVW.

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 M-S.