Recordando a Werner Andreas Albert (1935 - 2019)

     El pasado 10 de noviembre de 2019 falleció en Brisbane, Australia, el reconocido director alemán Werner Andreas Albert, noticia que de manera lamentable fué apenas reseñada por un par de medios digitales especializados en el tema musical. Quien escribe se enteró con sorpresa de ésta lamentable pérdida hace apenas un par de meses.

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     De orígen alemán pero nacionalizado australiano, Albert fué renombrado por su especialidad en repertorio centroeuropeo posromántico, dejando gran número de grabaciones de conciertos para la radio, así como de estudio, éstas principalmente para el sello CPO. Albert dirigió orquestas como la de Radio Colonia, Noroeste de Alemania, Radio Frankfurt, Sinfónicas de Bamberg y Nuremberg y la Orquesta Gulbenkian. Sus últimas responsabilidades fueron en Australia, dirigiendo la Sinfónica de Queensland. Con más de 600 grabaciones en su haber, cuenta con la honrosa marca de ser el director alemán más grabado. Gracias a su labor infatigable contamos con antologías completas de la música orquestal de compositores como Siegfried Wagner, Paul Hindemith, Erich Wolfgang Korngold, Ernst Pepping, Robert Volkmann, Benjamin Frankel y Hans Pfitzner.

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     Vaya desde ARPEGIO un sentido homenaje aunque sea un poco tarde a éste gran artista con una reseña de su legado discográfico.  IN MEMORIAM

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Oda a la Libertad.

 Ludwig van Beethoven

ODE AN DIE FREIHEIT

SYMPHONIE Nr. 9, Op. 125

BERNSTEIN IN BERLIN.

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     El 9 de noviembre de 1989, tras una serie de microfisuras que venían horadando el régimen de la Alemania comunista, caía el Muro de Berlín, el muro de la verguenza y la ignominia, el símbolo de la división entre el mundo libre y el de la opresión. Marcaría el inicio de reunificación de Alemania, pero también el de la caída del perverso sistema comunista encabezado por la Unión Soviética.

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     Ese mismo año, el Dia de Navidad, el recordado maestro Leonard Bernstein dirigiría la 9na sinfonía de Beethoven con un selecto elenco musical internacional en la Konzerthaus de Berlin, evento radiado y televisado a numerosas partes del planeta.  Significativa y estudiadamente las palabras de Schiller que aportan el texto coral del último movimiento de la obra, ¨An Die Freude¨ (a la alegría) fueron cambiadas por ¨An Die Freiheit¨ (a la libertad), como celebración final al bien más preciado de todos los hombres, LA LIBERTAD.  El significado histórico de aquel concierto prevalece aún hoy en día.

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     El comunismo y su yugo totalitario fueron derrotados finalmente en 1991 con la caída de la URSS, pero hoy viste nuevos ropajes y siempre se encuentra al acecho bajo seudónimos (socialismo, progresismo, etc) esperando su oportunidad para volver a asaltar poderes y apropiarse de las libertades individuales. Que el arte siempre sea vehículo para protegernos de los totalitarismos.

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     Celebrando a Alemania unida. Celebrando a la Libertad. Celebrando a Bernstein. Celebrando a Beethoven.

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M-S.

¨Estoy seguro de que en éste momento Beethoven nos bendice¨... Leonard Bernstein

Richard Strauss: Metamorphosen

Richard Strauss

METAMORPHOSEN, para 23 cuerdas solistas.

Staatskapelle Dresden

Dir:  Otmar Suitner.

(CCC)

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   Reponiendo en mejor sonido (mp3 a 320 kbps) la espléndida e increíble versión del gran director Otmar Suitner para la Metamorfosis para 23 cuerdas solistas de Richard Strauss. Probablemente aún hasta el momento la mejor en disco.

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M-S. 

Franck - Bernstein: Sinfonía en Re.

 

Cesar Franck

SYMPHONIE  D-moll.

Orchestre National de France

Dir: Leonard Bernstein.

(DG)

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 Continuando nuestro homenaje a Leonard Bernstein, con otra grabación emblemática de su discografía, su idiosincrática pero idiomática versión de la sinfonía en re menor de César Franck, compositor hasta hoy inédito para ARPEGIO.

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M-S

Bernstein-Beethoven: Missa Solemnis.

 

Ludwig van Beethoven

MISSA SOLEMNIS, Op. 123

Edda Moser, Hanna Schwarz, René Kollo, Kurt Moll (Solisten)

Rundfunkchor Hilversum

Koninklijk Concertgebouworkest Amsterdam.

Dir: Leonard Bernstein.

(DG)

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   Homenaje doble en ésta oportunidad, tanto a Leonard Bernstein a 30 años de su partida, como a Beethoven en el marco de sus 250 años.

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   La Missa Solemnis fue compuesta por Beethoven entre 1819 y 1823, más o menos en paralelo al desarrollo de la Novena Sinfonía. La misma está dedicada al Archiduque Rodolfo, con motivo de su elevación al arzobispado de Olmütz. Beethoven estrenó partes de la Missa Solemnis en Viena, el 7 de mayo de 1824, aunque una interpretación completa de la obra tuvo que esperar hasta 1830, ya fallecido el compositor. Para el momento de la creación de la Missa Solemnis, la sordera de Beethoven era ya completa, por lo que las enormes e inéditas complejidades que plantea la obra provienen de ese lenguaje musical proveniente de las profundidades de un alma atormentada, coincidente en los retos y dificultades con sus últimos cuartetos de cuerdas. En 1882, el ¨Musical Times¨ catalogaba a la obra como ¨Trabajo imposible...no hay pulmones humanos capaces de superar tan enormes exigencias vocales¨.  El surgimiento de cada vez mejores voces y orquestas ha roto todos esos diques, colocando a la Missa Solemnis a la par de la Misa en Sí menor de Bach. 

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    La primera grabación de la Missa Solemnis data de 1928. Toscanini logró colocarla en 1940 y a partir de entonces cada gran beethoveniano procuró dejar su testimonio, con la notable excepción de Furtwängler, quien nunca creyó poder alcanzar los estándares exigidos. La grabación de Klemperer para EMI es para muchos aún la gran referencia con la cual comparar a las demás. Leonard Bernstein grabó la Missa Solemnis durante sus años al frente de la Filarmónica de New York, pero sin duda su testimonio a tomar como referencia es su grabación de madurez en Amsterdam.

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    En palabras del propio Bernstein, la Missa Solemnis de Beethoven era una de sus obras más reverenciadas, asociando varias de sus partes con su propio concepto de la muerte, de la partida de éste plano. No en vano es una de las más altas cúspides de su ciclo Bernstein-Beethoven y una de sus grabaciones mejor planificadas. Considerándose dentro de sus límites como idiosincrática, Bernstein nos deja en Amsterdam un registro monumental que pone al escucha a apreciar las verdaderas magnitudes de un viaje dentro de la creación beethoveniana. A diferencia de otras ocasiones, Lenny a pesar de su idiosincrasia no cae nunca acá en la autoindulgencia ni en el sentimentalismo ramplón. La plantilla coral es casi la misma maravillosa cuarteta utilizada en la Novena con la Filarmónica de Viena, y la orquesta en ésta oportunidad es la del Concertgebouw de Haitink, tal vez en la cúspide de sus poderes y con su concertino Herman Krebbers particularmente virtuoso. En cierto modo ésta grabación se coloca como antítesis del estoicismo contemplativo de Klemperer, concepto (el de Bernstein) que a mi gusto prefiero. Grabación que hay que tener en toda colección beethoveniana.

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M-S.

Leonard Bernstein (In Memoriam 30 años): Once Grabaciones Esenciales.

 

 Celebrando a una de las más grandes batutas y figuras musicales del siglo XX, 

a 30 años de su partida física. Gracias por su arte.

El Alma Alemana.

Hans Pfitzner

VON DEUTSCHER SEELE (DEL ALMA ALEMANA), Cantata sobre textos de Eichendorff.

Agnes Giebel, Hertha Töpper, Fritz Wunderlich, Otto Wiener, (Solisten) 

Chor und Symphonieorchester des Bayesrischen Rundfunks.

Dir:  Joseph Keilberth.

(DG).

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     Homenaje a los 30 años de la reunificación alemana, en una nación única, libre y democrática, con una de las obras corales más ambiciosas del siglo XX y de su compositor, Hans Pfitzner.

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     Siguiendo la estética de Schiller y después de la Primera Guerra Mundial, el compositor se embarca en 1921 en una gran cantata basada en textos de Eichendorff, a la cual titula ¨Von deutscher Seele¨, en donde las partes corales y solistas vocales suenan en alternancia con interludios orquestales eminentemente posrománticos, expresando la complementaridad perfecta entre la música y la palabra típicamente germana pero con un tratamiento modernista de la orquestación y del material musical. Para justificar el título, el mismo Pfitzner recurre a las siguientes palabras: ¨No he podido encontrar una mejor definición para éstos poemas que expresan los elementos reflexivos, impetuosos, profundos, tiernos, fuertes y heroicos del alma alemana¨. 

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     La Cantata cuenta curiosamente hasta el día de hoy con muy pocas grabaciones, dados los complejos requerimientos interpretativos, aunque no lleguen a ser los de una 8va de Mahler. Tal vez por las posibles malas interpretaciones nacionalistas que desde el fín de las grandes guerras no tienen buena propaganda. La grabación de referencia sigue siendo al día de hoy la registrada por Joseph Keilberth con la Orquesta de la Radio Bávara, para el sello Deutsche Grammophon. Excelente plantel vocal, coral y con la orquesta ideal. Sin más, sirva como homenaje a esa gran nación alemana que aún hoy, 30 años después de la caída del muro, se reconstruye de las profundas heridas dejadas por los flagelos del nazismo y del comunismo.

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M-S

 

#Beethoven250: Sinfonía Nr. 8

Ludwig van Beethoven

Symphonie Nr. 8, Op.93

Berliner Philharmoniker

Dir:  Herbert von Karajan

(DG)

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   Y seguimos con nuestro jubileo beethoveniano.

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   La Sinfonía Nr. 8 fué comenzada por Beethoven a fines de 1811 y finalizada en octubre de 1812. El estreno se realizó bajo la dirección del compositor el 27 de febrero de 1814 en Viena. Su estructura, duración y argumentos en formato eminentemente clasicista hacen de la Octava la sinfonía más haydniana de cuantas compuso Beethoven. 

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    En cierto modo desconcierta una obra tan austera y con ánimo de divertimento colocada entre dos gigantes sinfónicos como la Séptima y la Novena. La época correspondiente a la creación de la Octava coincide con un período particularmente turbulento en la vida personal-afectiva de Beethoven y para entender la situación probablemente haya que recurrir a la historia de la 2da Sinfonía y los pensamientos plasmados por el compositor en el Testamento de Heiligenstadt. Se puede interpretar como la calma que precede al cataclismo que se avecina en la siguiente sinfonía, la Novena.

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    En cuanto a grabaciones, realmente no he escuchado alguna versión reprobable o poco solvente. Aunque el Beethoven de Herbert von Karajan es con frecuencia irregular, una de sus más altas cúspides a lo largo de todos los ciclos que grabó siempre fué la 8va, con la que se nota un particular afecto y apego. Su grabación de 1977 con la Filarmónica de Berlín es modélica, en cuanto a modelo interpretativo y calidad sonora y es la propuesta para representar a ésta particular obra.

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M-S.

#Beethoven250: Sinfonía Nr. 7.

Ludwig van Beethoven

SYMPHONIE Nr. 7, Op. 92

Wiener Philharmoniker

Dir: Leonard Bernstein.

(DG)

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    En el marco de nuestro jubileo beethoveniano, con la Sinfonía Nr. 7, obra fundamental de todo el repertorio sinfónico.

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    La Séptima fué compuesta entre 1811-12, dedicada al conde Fries y estrenada en Viena el 8 de diciembre de 1813, a cargo del compositor, durante un concierto a beneficio de los soldados heridos en la batalla de Hanau, con excelente recepción.

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    Intentar definir a la Séptima en palabras puede resultar un ejercicio difícil y de interpretaciones variadas. Mientras que con la Tercera apreciamos sus indudables tintes heroicos y libertarios y con la Quinta sus matices premonitorios y de conflicto del ente humano con el destino, con la séptima el mensaje es más velado, más volcado hacia la música absoluta que luego desplegará Brahms en sus partituras. Sin duda en la 7ma predominan elementos de la marcha y de la danza y su impulso rítmico, feroz a intervalos, le imprime matices reivindicativos y triunfales (el declive napoleónico?) que volveremos a apreciar en su última sinfonía, la Novena. Aunque esbozada en torno a sus cuatro movimientos clásicos tradicionales, la obra presenta una estructura cíclica intrínseca y donde el elemento rítmico más que el melódico enlaza todos los movimientos. Es probablemente la más personal de las sinfonías de nuestro gran sordo de Bonn.

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    Grabaciones que la hacen honor a ésta singular sinfonía hay numerosas, pero dada la particular secuencia rítmica de la música se corre el riesgo de abusar con la velocidad. Las grabaciones de Carlos Kleiber, idolatradas por algunos melómanos, se caracterizan por ese arrastre rítmico de gran vitalidad pero que no nos permiten enterarnos de todo lo que está pasando. A mi juicio, la riqueza e ingenio de orquestación de ésta obra se disfrutan mejor con velocidades más moderadas, por supuesto sin llegar a permitir que la música se desinfle y se caiga el conjunto argumental. Toscanini tiene una lectura legendaria (1937) que entiende ésto muy bien. Atendiendo a ésto, creo que grabaciones como aquella de Toscanini ó la genial de Leonard Bernstein con la Filarmónica de Viena, no caen en tentaciones efectistas y se decantan por explotar los elementos más declamativos y filosóficos que encierra ésta gran obra. La grabación que hoy comparto es de su maravilloso y legendario ciclo Bernstein-Beethoven para Deutsche Grammophon, y con mucho mi grabación preferida. Resulta además muy placentero ver el video correspondiente (disponible en YouTube) para apreciar la entrega y entusiasmo con que director y orquesta se encargan de semejante despliegue sinfónico. Para el Panteón.

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M-S.

Todo Rach: Rapsodia Paganini.

Sergei Rachmaninov

RAPSODIA SOBRE UN TEMA DE PAGANINI, Op. 43

Cyril Smith, Piano

Philharmonia Orchestra

Dir: Malcolm Sargent.

(GUILD)

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   Continuando nuestro ciclo Todo Rach con la antepenúltima obra del catálogo del compositor.

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    La Rapsodia Paganini es una obra concertante para piano y orquesta, creada como una sola pieza en forma de tema y variaciones. La misma fué compuesta en Suiza entre el 3 de julio y el 18 de agosto de 1934. El estreno correspondió al mismo compositor, acompañado de Leopold Stokowski y la Orquesta de Filadelfia, el 7 de noviembre del mismo año en la Lyric Opera House de Baltimore.

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    La obra es producto de un largo período de silencio en la trayectoria compositiva de Rachmaninov. Posterior a su Cuarto Concierto y sus ¨Tres Canciones Rusas¨ (1926-27), no hubo más música hasta 1931 cuando compone sus Variaciones Corelli para piano solista. La Rapsodia Paganini esperaría hasta 1934, después de la cual sólo vendrían la Sinfonía Nr. 3 (1936) y Danzas Sinfónicas (1940).

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     Como el título sugiere, la Rapsodia está basada en música de Paganini, el gran violinista iniciador del virtuosismo, pero no sólo en un tema paganiniano, sino en su enigmática personalidad, a la que se atribuía incluso rasgos demoníacos que explicarían su legendaria forma de tocar el violín, incluyendo en el desarrollo fragmentos del Dies Irae, antíguo himno funeral (canto de muerte) que también aparecerá en sus dos obras posteriores. La famosa variación XVIII es sin duda el momento más memorable de la obra, por su hermoso, arrollador e hiperromántico lirismo, sólo comparable a los momentos más inspirados de Tchaikovsky, a tal grado que tiene numerosos arreglos y adaptaciones para el cine.

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     Dada la naturaleza de la obra, por supuesto que se presta con mucha facilidad al virtuosismo hueco y superficial, muy típico de las lecturas de hoy en día, sin prestar atención a los aspectos más subrepticios, simbólicos y siniestros que encierra la partitura. Prácticamente cada pianista famoso ha dejado su testimonio en ésta obra, no tantos con el éxito esperado. Para apreciar la obra en todos sus aspectos es recomendable ir a grabaciones del pasado. La misma versión del compositor con Stokowski es reveladora, aunque tal vez algunos pianistas de tiempo completo llegaron más allá. Propongo la rara grabación de Cyril Smith, acompañado de Sir Malcolm Sargent al frente de la Orquesta Philharmonia, grabación de 1948, transferencia del LP original, y que expone en equilibrio las partes más luminosas pero también las más negras de ésta, una de las partituras más importantes y hermosas del repertorio.

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M-S

 

In Memoriam

 

Ross Edwards: Da Pacem Domine

 

Ross Edwards  (b. 1943)

Symphony Nr. 1 ¨Da pacem Domine¨

Sydney Symphony Orchestra

Dir:  David Porcelijn

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     Excelente introducción al sinfonismo australiano contemporáneo.

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M-S.

Vaughan Williams: Bagatelas.

Ralph Vaughan Williams

-FIVE VARIANTS OF ¨DIVES AND LAZARUS¨

-NORFOLK RHAPSODY Nr. 1

-IN THE FEN COUNTRY

-FANTASIA ON A THEME BY THOMAS TALLIS

The New Queen´s Hall Orchestra.

Dir: Barry Wordsworth

(ARGO)

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     Complaciendo peticiones con un magnífico disco que incluye algunas de las obras más populares y conocidas de RVW, incluyendo ¨Dives and Lazarus¨, publicada anteriormente y disponible también en el álbum doble de Decca.

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M-S.

#Beethoven250: El Emperador.

 

Ludwig van Beethoven

PIANO CONCERTO Nr. 5, Op. 73, ¨EMPERADOR¨

Maurizio Pollini, Piano.

Wiener Philharmoniker

Dir: Karl Böhm.

(DG)

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   El Concierto Emperador fue compuesto entre febrero y octubre de 1809. Las vicisitudes de las guerras napoleónicas hicieron sin embargo que el estreno tuviera que esperar hasta 1811 cuando el pianista Friedrich Schneider lo estrenara en Leipzig. Es la última obra para piano y orquesta del compositor.

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   No se tiene certeza de cómo llegó el nombre de ¨Emperador¨ al concierto, pues Beethoven no se lo puso. El año 1809 fue el año de la ocupación napoleónica de Viena y desde el estreno de la ¨Eroica¨ el compositor había cambiado sus conceptos referentes a Bonaparte. Los aspectos grandilocuentes y pasajes marciales del concierto sin embargo parecen hacer referencia a éstos hechos históricos.

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   El Concierto Nr. 5 establece un punto de inflexión en la trayectoria creativa de Beethoven, pues a partir de ésta época su estilo cambia, abandonando la convencional forma concertante de oposición de dos fuerzas por otras más abstractas que evolucionarían hasta el vanguardista lenguaje de sus últimos cuartetos de cuerdas. La forma concertante dejó de ser adecuada para su lenguaje y estilo.

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   Como sucede en el resto de los conciertos ya presentados, al Nr. 5 le hacen honor varias grabaciones de leyenda. La preferida de quien escribe es la incontestable lectura de Maurizio Pollini, hecha con el acompañamiento de la Filarmónica de Viena, bajo la batuta de Karl Böhm. Grabación que roza la perfeccción en cuento a ideales interpretativos, filosóficos y sonoros: Beethoven en su más pura y cristalina expresión.

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M-S.

Leon Fleisher (1928-2020) IN MEMORIAM.

#Beethoven250: Sinfonía Pastoral.

Ludwig van Beethoven
SYMPHONIE Nr. 6, Op.68, ¨PASTORALE¨
Wiener Philharmoniker.
Dir:  Karl Böhm.
(DG)

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    La Sinfonía Pastoral es una de las obras más hermosas no sólo de toda la creación beethoveniana, sino de todo el repertorio sinfónico. Su concepción está definitivamente volcada al romanticismo, con alcances programáticos que anuncian al Poema Sinfónico inaugurado por Liszt. La Pastoral fué compuesta en 1808 y estrenada por el compositor el 22 de diciembre de ese año, en el mismo concierto que incluía el estreno de su inmediata predecesora, la Quinta. 

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    La Pastoral comprende ideas musicales asociadas a elementos de la naturaleza y del campo, sin pretender ser un pictórico al estilo de Mendelssohn, ni un narrador descriptivo a la manera de la posterior Sinfonía Alpina de Richard Strauss. Según palabras del propio Beethoven ¨se debe permitir que el oyente descubra las situaciones por sí mismo... la gente no necesitará de títulos para reconocer que la intención general es más una cuestión de sentimientos que de pintura sonora¨.

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    En cuanto a grabaciones, por supuesto es de esperar que todo gran intérprete beethoveniano haya dejado su registro de ésta singular partitura. Entre las más notables se pueden mencionar la inmortal grabación de Bruno Walter con la Sinfónica de Columbia, la primera hecha por Kurt Masur con la Orquesta Gewandhaus y la mundialmente aclamada por la crítica a cargo del maestro alemán Karl Böhm al frente de la Filarmónica de Viena, seleccionada para la presente publicación.

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M-S.

Todo Rach: Piano Concerto Nr. 4

Sergei Rachmaninov
Piano Concerto Nr. 4, Op. 40
Arturo Benedetti-Michelangeli, Piano
Philharmonia Orchestra.
Dir: Ettore Gracis.
(EMI)
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    Entrega del último concierto para piano de Rachmaninov.

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    Rachmaninov completó su cuarto concierto para piano en 1926. Han pasado más de quince años desde el estruendoso e incontestable éxito de su olímpico Concierto Nr. 3 y ya era bastante difícil superar semejante cota. Rachmaninov se decantó por un concierto más personal, el más abstracto y modernista de los cuatro, con usos inéditos y vanguardistas de los recursos de la tonalidad (es sin embargo la década del Wozzeck de Alban Berg, Les Noces de Stravinsky, el primer concierto de Bartók ó las Variaciones para Orquesta de Schönberg) lo cual puede explicar el escaso éxito de sus primeras presentaciones, llevando al compositor a revisarlo en tres ocasiones.  Para los conservadores el concierto debe haber parecido demasiado audaz y abstracto, pero para la vanguardia la obra seguía siendo ¨muy siglo XIX¨. La obra comparte características tonales y anímicas con el resto de partituras del último período de vida artística del compositor, la Rapsodia Paganini, la Sinfonía Nr.3 y las Danzas Sinfónicas. La versión final del Op. 40 quedó lista en 1941 y fué la ejecutada por el compositor el 20 de diciembre de 1941, secundado por la Orquesta de Filadelfia y bajo la batuta de Eugene Ormandy.

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    La grabación del compositor es modélica en cuanto a la forma de abordar los retos de ésta genial partitura, sin embargo dentro de las grabaciones posteriores, de estudio y en mejor sonido, la realizada para EMI por Arturo Benedetti-Michelangeli y la Orquesta Philharmonia bajo la batuta de Ettore Gracis, cuenta por lo general con la aprobación casi unánime de la crítica especializada como grabación de referencia.

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M-S.

#Beethoven250: Coriolanus, dos versiones.

Ludwig van Beethoven
CORIOLANUS, Ouvertüre, Op.62
Wiener Philharmoniker.
Dir: Leonard Bernstein.
(DG)
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CORIOLANUS, Op.62
Berliner Philharmoniker
Dir: Herbert von Karajan.
(DG)
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   Como bien es sabido, Beethoven no fué un compositor operístico, y aunque tiene un solo título en éste género, FIDELIO, bien valorado y establecido en el repertorio actual, su único esfuerzo culminado no logra los alcances de una opera mozartiana, de una opera de Rossini ó de Weber.

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   Así entonces, la mayoría de oberturas creadas por el sordo de Bonn fueron destinadas a secuencias incidentales de textos literarios (música incidental). Probablemente Coriolanus, basada en el drama de von Collin, sea musicalmente la más lograda desde el punto de vista dramático y de técnica de composición. Sus alcances son veladamente programáticos y de clara tendencia romántica, anunciando las oberturas de Schumann y los Poemas Sinfónicos de Liszt.

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   La obertura fué compuesta en 1807, destinada a ser compaginada con la entonces bien conocida tragedia ¨Coriolanus¨ del dramaturgo Heinrich Joseph von Collin. Fué estrenada ese mismo año en la residencia del Príncipe Lobkowitz, y aunque el drama de Collin está olvidado, la obertura sí se ha hecho inmortal.

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   Grabaciones de la obra existen en sinnúmero, todo director considerado beethoveniano ha dejado su testimonio en ésta partitura, sin embargo de entre varias de las grabaciones famosas que existen, algunas adolecen de no seguir las indicaciones rítmicas y métricas señaladas por Beethoven (Furtwängler, Reiner, Klemperer). Las grabaciones más recientes han tenido la tendencia a ralentizar los tiempos, dando margen a que los momentos de tensión y drama afloren, así como las pausas calculadas.

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   Les presento dos grabaciones famosas y relevantes y que bien valen la pena ser comparadas. En primer lugar Leonard Bernstein con la Filarmónica de Viena. Grabación expansiva, cautivante y atenta a la persecución del drama incidental, con un sonido orquestal adecuadamente empastado, rubatos moderados y menos atento al detalle fatuo, elementos típicos del Bernstein maduro, mucho más interesante que el impetuoso joven de sus años al frente de la Filarmónica de New York.  En seguida y en contrapropuesta, la grabación de Herbert von Karajan del año 1966 al frente de su Filarmónica de Berlín. Grabación modélíca, con una orquesta de brillo diamantino, ejecución precisa, detallada, y aunque la duración de la ejecución es prácticamente similar a la de Bernstein, los momentos de drama y tensión parecieran ir a expensas de una agilidad superior de los berlineses. Sin duda la mejor de cuantas grabó Karajan y quien luce menos interesante en sus grabaciones posteriores de la obertura. Comparación por demás cautivadora, considerándose dos directores en cierto modo antítesis y rivales.  En archivo anexo las dos grabaciones en cuestión.

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M-S

Ennio Morricone (1928-2020) IN MEMORIAM.

#Beethoven250: Piano Concerto Nr. 4.

Ludwig van Beethoven
PIANO CONCERTO Nr. 4, Op. 58
Leon Fleisher, Piano
The Cleveland Orchestra
Dir: George Szell.
(CBS)
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   Siguiendo con nuestro jubileo beethoveniano, con el maravilloso Concierto Nr. 4, probablemente el mejor, el más íntimo, lírico, personal y enigmático de los cinco que compuso el genio de Bonn.

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   A pesar de sus ribetes mozartianos, es un concierto absolutamente beethoveniano, en línea continuadora con la Sinfonía Eroica, mostrario del asombroso poder creativo del compositor, con giros y cadenzas que lo colocan definitivamente en el ámbito del concierto romántico. Los más de 15 minutos de duración del primer movimiento son algo absolutamente inusual para la época.

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   El Op.58 fué compuesto entre 1805-06 y no existen copias autógrafas de la partitura. El mismo fue estrenado en concierto privado en la residencia del Príncipe Lobkowitz. Sin llegar a tener la popularidad de conciertos con el Nr.1 ó el Nr.5, es una que con los años ha venido conquistando el lugar que le corresponde, calificando como uno de los mejores conciertos para piano de todo el repertorio. La asombrosa poesía que es desplegada a su vez con ese nivel de economía espartana (un diálogo de Orfeo y las Furias, de acuerdo a palabras de Franz Liszt) se puede calificar como uno de esos momentos más sublimes de toda la literatura musical occidental.

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   Grabaciones hay suficientes como para recomendar con un A1. Siendo difícil quedarse con sólo una, me decanto en ésta oportunidad por una de las más redondas, la registrada por la dupla León Fleisher/George Szell con la célebre Orquesta de Cleveland.  En ésta oportunidad la emotiva inspiración de Fleisher logra doblegar la usual frialdad técnica del director húngaro para lograr una ejecución hermosamente equilibrada, comprometida, sin rutina pero también sin manierismos. Un alto pico para todo ese espléndido ciclo grabado en Cleveland.

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M-S.

 

Böcklin en la Música.

Felix Woyrsch  (1860-1944)

3 BÖCKLIN PHANTASIEN, Op. 53

Oldenburgisches Staatsorchester

Dir: Thomas Dorsch

(CPO)

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   La Isla de los Muertos (Die Toteninsel, 1880), es una pintura del genial artista suizo Arnold Böcklin. Obra que ha causado fascinación en diversas personalidades, desde políticos pasando por poetas y llegando por supuesto hasta los músicos. El propio Böcklin hizo cinco versiones del cuadro, de las que sobreviven cuatro (uno fué destruido durante los bombardeos a Rotterdam en la II Guerra Mundial). Probablemente la versión mejor lograda es la que se encuentra en la Galería Nacional de Berlin.  En cuanto a inspiración musical, no sólo Rachmaninov expresó su fascinación por ésta pintura a través de su Poema Sinfónico del mismo nombre (ya presentado en nuestra serie Todo Rach), sino existen otros compositores que han hecho su homenaje respectivo a Böcklin. Así contamos con el compositor sueco Andreas Hallén (el primero en parafrasear en música a ésta obra en 1888) con su Poema Sinfónico ¨Die Toteninsel¨ y que probablemente luego aportó ideas a Rachmaninov... Luego  el austríaco Karl Weigl compone su Fantasía para Piano ¨Die Toteninsel¨ (1903).  En 1908, Rachmaninov, a través de una réplica del cuadro compone su respectivo Poema Sinfónico, la obra más famosa al día de hoy alegórica al cuadro de Böcklin. Ese mismo año el compositor alemán Felix Woyrsch concluye sus ¨Fantasías Böcklin¨ con una de sus partes dedicada a la Isla de los Muertos. En 1909, el compositor Heinrich Schulz-Beuthen compone su Poema ¨Die Toteninsel¨ para gran orquesta. Y finalmente, en 1913, el gran Max Reger compone su serie de cuatro poemas ¨Böcklin-Suite¨ con uno de ellos  llamado ¨Die Toteninsel¨, en referencia al cuadro.  

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    Aparte de las versiones compuestas por Rachmaninov y por Reger, las demás son prácticamente desconocidas, pero afortunadamente cuentan ya con grabaciones disponibles en YT para su conocimiento. Publicaré la versión en tríptico de Felix Woyrsch, musicalmente más importante a mi juicio después del Poema de Rachmaninov y de la Suite de Reger.

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M-S.

    La Isla de los Muertos (versión Böcklin de Berlín)

#Beethoven250: La Quinta.

Ludwig van Beethoven

SYMPHONIE Nr. 5, Op. 67

Wiener Philharmoniker

Dir: Carlos Kleiber.

(DG)

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    Continuando con nuestro año del jubileo beethoveniano con una de sus obras cumbre.

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  Como había señalado en la entrega anterior referente a la Quinta de Tchaikovsky, es desde Beethoven que se establece ese número ordinal de la Quinta como el número cabalístico, esa sinfonía que establece el punto de inflexión y que no puede sino ser un gran testimonio en todo gran sinfonista que se precie de serlo. La Quinta beethoveniana marca la inflexión en toda la trayectoria artística del compositor, quedando hasta nuestros días como la sinfonía más popular, más interpretada y grabada de todo el repertorio, prácticamente no quedando ningún gran director que no haya dejado su testimonio interpretativo de ésta obra.

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   La Quinta fue empezada a bosquejar por Beethoven desde 1804, comenzando formalmente a componerla en 1806 y finalizándola en noviembre de 1808. La misma fué estrenada en el Theater an der Wien (Viena) el 22 de diciembre de 1808, bajo la dirección del compositor. La obra se decanta definitivamente por las características de la sinfonía romántica, escrita en forma cíclica, con una orientación programática de contenido filosófico (Sinfonía del Destino) y el uso de un tema, el del destino, el que da apertura a la sinfonía, que sin ser un leitmotiv formal (como en la 5ta de Tchaikovsky) el compositor logra introducirlo subrepticiamente en todos los movimientos de la obra. La gigantesca popularidad de la obra aún hoy es motivo de debate, pero tal vez el fuerte impacto emocional, rítmico, sonoro y emancipador que induce en el escucha sea una de las razones del fenómeno. Las adaptaciones del inolvidable tema de apertura a otros géneros musicales como el Pop y el Rock, así como su uso en el cine, han contribuido a perpetuar la épica.

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    No es de extrañar que la discografía de la Quinta tienda a infinito. No es la primera vez que en éste Blog se han publicado grabaciones del Op. 67. Entre grandes hitos discográficos se pueden mencionar las grabaciones de Furtwängler, Bruno Walter (Columbia), Fritz Reiner en Chicago, Otto Klemperer (Philharmonia, 1955), Franz Konwitschny (Gewandhaus), George Szell (Cleveland), la maravillosamente idiosincrática de Stanislaw Skrowaczewski y la muy especial de Igor Markevitch, ya publicada con anterioridad. Sin embargo de entre ésta inmensa pléyade, resalta una que por unanimidad entre la crítica logra todos los estándares de ideal interpretativo, en cuanto a calidad artística y calidad sonora. Esa grabación es el legendario registro del igualmente legendario Carlos Kleiber, al frente de la Filarmónica de Viena, hecha en 1975 para el sello Deutsche Grammophon, grabación que habla por sí sola y que no necesita de argumentos para defenderla. La misma ha estado siempre editándose, primero en LP, luego al CD, luego al SACD e incluso actualmente disponible en formato BluRay Audio, privilegio que comparte con pocas grabaciones. Sin más, una excelente introducción para quien no conozca la obra y la elección para quien quiera disponer de sólo una en su discoteca.

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M-S

           

               Portada del LP original (1975)

Kalinnikov: Dos Intermezzos.

Vassily Kalinnikov
TWO INTERMEZZI FOR ORCHESTRA
London Symphony Orchestra
Dir: Neeme Järvi.
(CHANDOS)
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  Retomando la actividad del Blog con dos maravillosas miniaturas orquestales compuestas por el compositor ruso Vassily Kalinnikov, uno de esos genios tristemente truncados por una corta vida, como Pergolesi, como Mozart, como Schubert, como Bizet.

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    A pesar de su corta vida, arrebatada a los 34 años por la tuberculosis, Kalinnikov dejó una lista de obras nada despreciable, que incluye dos sinfonías y otras obras orquestales, una opera inconclusa, numerosas canciones y obras de piano y cámara. Sus dos Intermezzi corresponden al último período de su vida y son un excelente mostrario de su arte e ingenio para la orquestación, mostrando importantes influencias de Glinka y de Borodin. 

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    Al maestro estonio Neeme Järvi debemos una de las pocas grabaciones disponibles de éste par de maravillas que hoy presentamos de un compositor que sin duda merece ser más conocido.

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M-S.