Prokofiev: Sinfonía Nr. 2

Sergei Prokofiev

SINFONIA Nr. 2, Op.40

Moscow Radio Symphony Orchestra

Dir. Gennady Rozhdestvensky.

(MELODIYA)

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    Continuando el ciclo sinfónico de Prokofiev con su Sinfonía Nr. 2, la más vanguardista y complicada de las siete y comprensiblemente la menos popular.

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     Prokofiev compuso su Sinfonía Nr. 2 entre 1924-25 durante su estadía en París, a petición de Sergei Koussevitzky. Es una obra experimental que recoge elementos vanguardistas del momento que entonces efervescían en la Ciudad Luz. Su carácter violento y estructura constructivista la colocan en las antípodas de la Sinfonía Clásica. La misma está comprendida en dos movimientos. El primer movimiento sigue la forma sonata y se erige como una construcción densa, disonante y armónicamente implacable basada en la Sonata para Piano Op. 111 de Beethoven. El segundo movimiento, más extenso, ofrece un ambiente resolutivo más apaciguado, pero igual de inquietante, compuesto en forma de Tema e Variazioni. Prokofiev caracterizó a su pieza como una ¨obra de hierro y acero¨. Quien escribe, sin saber lo anterior, califiqué a ésta obra como ¨Sinfonía Siderúrgica¨ la primera vez que la escuché.

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     A pesar de la fuerte influencia de las corrientes contemporáneas que pululaban en el París de los años 20´s, la Segunda es una obra eminentemente soviética. La grabación de Gennady Rozhdestvensky recoge muy bien  la caracterización de ésta sinfonía, por lo que es la seleccionada para compartir con ustedes en ésta ocasión.

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M-S

VANGELIS: Apocalipsis de los Animales.

VANGELIS

L´APOCALYPSE DES ANIMAUX   (1973)

(POLYDOR).

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1)  L'Apocalypse des animaux - Générique

 

2)  La petite fille de la mer

 

3)  Le singe bleu

 

4)  L'ours musicien

 

5) La mort du loup

 

6) Création du monde

 

7) La mer recommencée

Grieg - Rozhdestvensky

Edvard Grieg

- SYMPHONIC DANCES, Op. 64

- SIX ORCHESTRAL SONGS

- SIGURD JORSALFAR: THREE ORCHESTRAL PIECES, Op. 56

Solveig Kringelborn, Soprano

Royal Stockholm Philharmonic Orchestra

Dir: Gennady Rozhdestvensky.

(CHANDOS)

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      Conmemorando a Grieg en los 180 años de su natalicio, con uno de mis discos preferidos que finalmente he recuperado y decidido compartir en su integridad con todos ustedes. Sirva también para conmemorar el arte del inmarcesible maestro Gennady Rozhdestvensky, a un año más de su partida física.

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M-S.

Prokofiev: Sinfonía Clásica.

Sergei Prokofiev

SINFONIA Nr. 1, Op.25 ¨CLÁSICA¨

Los Angeles Phiharmonic Orchestra

Dir: André Previn.

(PHILIPS)

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    Retomando un poco la actividad del Blog tras varios meses de ausencia. Veamos qué tal nos va.

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    Prokofiev ha sido negligentemente descuidado en éste espacio, así que he decidido hacerle honor publicando sus sinfonías durante lo que quede de año. Se cumplieron recientemente 70 años de su desaparición física, por lo que el año se presta. Comencemos por supuesto por la Primera, la tremendamente popular ¨Sinfonía Clásica¨.

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    La ¨Clásica¨ es una obra engañosa, pues su aparente sencillez y su ¨alegoría¨ a las formas clásicas de Haydn y Mozart pueden hacerla parecer una obra fácil, pero no es así. Así, si bien no conozco una grabación a evitar de ésta sinfonía, son menos las que logran penetrar esa mezcla de gracia y sorna que Prokofiev supo mezclar muy bien en su obra.

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    La grabación de André Previn con la Sinfónica de Londres ya ha sido presentada por acá, pero en ocasión de homenajear al entonces recién fallecido Maestro. Previn la volvería a grabar para Philips con la Filarmónica de Los Angeles, un poco más apuntalada y con mejor sonido, aunque algo más expansiva que la primera. Dentro de las primeras recomendaciones para la ¨Clásica¨, siempre habrá que contar con Previn. Con las siguientes sinfonías trataremos cada una con un director diferente, con orquesta diferente y sello diferente.

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M-S. 

Rachmaninov 150. Discografia Recomendada.

 

                 Celebrando a Rach, en el 150 aniversario de su nacimiento.

Haciendo una Pausa...

    Mis mejores deseos en 2023 para quienes han sido fieles seguidores de ARPEGIO a través de todos éstos años.

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    Probablemente el Blog no continúe su actividad regular por algún tiempo. Compromisos laborales y comentarios hirientes de ¨gente¨ que critica que comparta mi música en archivos mp3 (música por la que no pagan ni un centavo) realmente no animan mucho a continuar ésta labor. Tal vez una pausa sea lo más conveniente.

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    De igual modo, muchas gracias a quienes de alguna manera han expresado su apoyo a ésta labor que no ha perseguido más que estimular el conocimiento, difusión y el disfrute de la música clàsica. Siempre es satisfactorio saber que ha sido del interés de alguien... Nos leemos en el camino.¨

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M-S.

 

Al Brillo de las Velas de Navidad.

IM GLANZ DER WEIHNACHTSKERZEN.

(POLYDOR)

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       Mi obsequio de Navidad a todos los fieles seguidores de ARPEGIO. ¡FELICES FIESTAS!

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M-S. 

Franck: Sinfonía en Re menor.

César Franck  (n. 10.12.1822)

SYMPHONIE d-moll.

Chicago Symphony Orchestra

Dir: Pierre Monteux.

(RCA)

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     Arribamos finalmente a la fecha bicentenario del nacimiento de César Franck, y lo celebramos con su obra más conocida y famosa, su Sinfonía en re menor. Constituye su única sinfonía y su único trabajo orquestal de madurez, y para el día de hoy sin duda es su obra más grabada.

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      La Sinfonía en re menor fue compuesta entre 1886-1888, terminada el 22 de agosto de 1888 y dedicada al discípulo de Franck, Henri Duparc. La misma fue estrenada en el Conservatorio de París, el 19 de febrero de 1889.  La reacción al estreno fue negativa, dada una supuesta ¨influencia¨ germánica en la partitura y el uso de recursos musicales poco franceses como la estructura cíclica remitente a Liszt e intentos de ¨leitmotiv¨ wagnerianos. El rechazo a la obra seguramente se debió más a razones políticas que artísticas y todo el proceso desde los primeros ensayos hasta el estreno y posteriores ejecuciones condenaron a la obra. Sin embargo con los años y ya entrado el siglo XX, la obra conquistó poco a poco espacio en las salas de concierto y sobre todo en los estudios de grabación, para la cual muchos de los grandes directores, y no sólo francófonos, se empeñaron en dejar su lectura de ésta obra que ha resultado ser tan atractiva.

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         La obra está compuesta para gran orquesta y está estructurada en tres movimientos:

I.- Lento. Allegro ma non troppo.

II.- Allegretto.

III.- Finale: Allegro non troppo.

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        El primer movimiento es el más extenso y sigue la típica forma sonata, con pasajes de drama y brío orquestal. El segundo expone una melodía pastoral a cargo del corno inglés que se alterna con dos tríos, haciendo las veces de un scherzo. El finale, en ánimo triunfal, expone un tema principal en forma sonata para luego recapitular materiales de los movimientos anteriores, retornando en la coda a los materiales y tonalidades del principio, utilizando la forma cíclica de componer. Es una gran sinfonía, equiparable a la Fantástica de Berlioz o la Sinfonía Nr. 3 de Saint-Saëns.

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        La Sinfonía en re menor tiene una cantidad importante de grabaciones en el catálogo, iniciando por insospechadas grabaciones como la de Furtwängler, pasando por las más previsibles batutas francesas y llegando hasta Japón con Kobayashi. De ésta pléyade de grabaciones se sigue destacando claramente la inmortal grabación de Pierre Monteux en Chicago, grabación para RCA en un sonido stereo que aún hoy se mantiene muy vigente. Monteux explota el caleidoscopio orquestal que encierra ésta partitura como pocos, imprimiéndole esa fragancia francesa que reafirma a la obra como una obra eminentemente gala y no germánica como la etiquetaron los necios de la época. Es la grabación de referencia para ésta obra.  ¡FELIZ CUMPLEAÑOS MAESTRO FRANCK!

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M-S.

Pfitzner: Sinfonia Grande.

Hans Pfitzner

SYMPHONIE, cis-moll, Op. 36a

Münchner Philharmoniker

Dir: Christian Thielemann.

(MP)

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      La Sinfonía en do sostenido menor, Op.36a de Hans Pfitzner (1932) constituye su mayor y más asertivo esfuerzo sinfónico, en su línea de mantenerse fiel a la tonalidad y al nacionalismo germánico moderado, en contracorriente a las tendencias musicales de la primera mitad del siglo XX, las de la Segunda Escuela de Viena, las operas de Richard Strauss, los impresionistas franceses y el minimalismo transicional y rupturista de Stravinsky.  Me refiero a la ¨Sinfonía Grande¨, Op. 36a de Pfitzner para diferenciarla de sus otros dos esfuerzos sinfónicos: la ¨Pequeña Sinfonía¨ (Kleine Sinfonie) Op. 44 de 1939 y su Sinfonía en do mayor, Op. 46 ¨An die Freunde¨ (1940), que en realidad se puede considerar como un Poema Sinfónico.

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       La Sinfonía en do sostenido menor es realmente la versión orquestada de su cuarteto de cuerdas Nr.2, Op.36.  El compositor deseaba expandir el conocimiento de sus obras y sentía que con música de cámara no sería suficiente. La obra fue estrenada en Munich, el 23 de marzo de 1933. La obra nos muestra una orquestación ocurrente, siempre interesante, de economía clásica y de buen gusto, sin dejar de mostrar reminiscencias postmahlerianas que recuerdan a Zemlinsky y al Schönberg tonal, como al mismo tiempo no deja de coquetear con el impresionismo francés y con la sorna de Prokofiev. Es una gran sinfonía de la primera mitad del siglo XX que merece ser más conocida.

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     La música de Pfitzner ha venido a ser conocida a partir de los años 90´s del siglo pasado, cuando comienza a ser atractiva para las disqueras, comenzando a grabarse las principales obras de su catálogo, siendo de especial relevancia la magnífica serie grabada para CPO por Werner Andreas Albert, que incluye una estupenda grabación de la Sinfonía Op.36a.  Más recientemente se agrega ésta versión grabada por Christian Thielemann con la Filarmónica de Munich, grabación portentosa y asertiva que incluso va más allá que la de Albert. Thielemann explota muy bien las texturas orquestales, demostrando una vez más su afinidad por éste tipo de repertorio, y aunque son pocos los discos de Thielemann que recomendaría, éste sí es uno que vale mucho la pena.

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M-S.

 

RVW: Sinfonía Nr. 9

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr. 9

London Symphony Orchestra

Dir: Bryden Thomson.

(CHANDOS)

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     Arribamos a la última sinfonía de RVW, como última entrega de su ciclo homenaje.

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     Vaughan Williams compuso su Sinfonía Nr. 9 ya de 83 años, entre 1956-57. Se trata de una obra de vanguardia, con muchos avances armónicos y de orquestación de los que es capaz un compositor en la cúspide de sus poderes creativos, sin embargo la atmósfera ambígua y enigmática que impregna la obra, oscilante entre pasajes pacíficos y pastorales y bruscos momentos de violencia primitiva, le impidieron una fácil digestión por parte del público pero sobre todo de la crítica desde el momento de su estreno, el 2 de abril de 1958, con Malcolm Sargent al frente de la Real Orquesta Filarmónica. Según se relata, la obra fué más recibida con respeto y veneración que con entusiasmo.

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     Con los años la obra ha conquistado el espacio que se merece como obra maestra que es. La primera grabación de la 9na es la de Adrian Boult, y es bien conocido que durante éstas sesiones de grabación el compositor muriera el 25 de agosto de 1958, sin finalizar algunas revisiones que había emprendido. La Novena gozó de mejor suerte en los Estados Unidos, tras su estreno en Carnegie Hall a finales de ese mismo año a cargo de Leopold Stokowski, cuya grabación es también de referencia. Aunque la obra no tiene un programa confeso literal y subyacente, sí parece reflejar un programa tácito que expone los claroscuros de la naturaleza humana, con vistas retrospectivas a un pasado oscuro (las dos grandes guerras mundiales) y luego una vista de vuelta hacia un futuro esperanzador. La obra ha ganado su puesto a medida que se entiende mejor éste contenido programático.

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     En cuanto a grabaciones modernas, la presente grabación del relevante ciclo de Bryden Thomson es otra excelente referencia, para quien busque nivel artístico acompañado de los mejores estándares de sonido. Una buena muestra muestra para finalizar éste paseo que hemos hecho por las nueve sinfonías de RVW.

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M-S.

 

Khachaturian: Piano Concerto.

Aram Khachaturian

PIANO CONCERTO, Op.38

Peter Katin, Piano

London Symphony Orchestra.

Dir: Hugo Rignold.

(EVEREST)

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    El Concierto Op. 38 de Khachaturian es sin duda uno de los grandes conciertos para piano del siglo XX.  Su originalidad, complejidad sin pretensiones, colorido y estilo tan propios lo han hecho desde su estreno uno de los más desafiantes del repertorio, tanto para solistas como para las orquestas. A pesar de su rango como obra maestra no tiene la popularidad del Nr.1 de Tchaikovsky ó del Nr.2 de Rachmaninov.

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    Khachaturian compuso la obra en 1936, por lo que es una obra más o menos contemporánea con la Sinfonía Nr.5 de Shostakovich. La misma fue escrita para el pianista Lev Oborin, quien la estrenó en Moscú, el 12 de julio de 1937, con Lev Steinberg al frente de la Filarmónica de Moscú. El éxito del concierto le abrió las puertas al compositor para el reconocimiento internacional. Pronto el concierto se hizo caballito de batalla en occidente para pianistas como Moura Lympany, pero sobre todo para el tristemente malogrado William Kapell, quien tiene entre varias una inmortal grabación hecha con Koussevitzky en Boston.

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     La obra está estructurada en tres movimientos. El primer movimiento es el más tradicional, siguiendo la forma sonata y el que más permite las salidas virtuosas del solista. El segundo movimiento, a la manera de intermezzo, se despliega en un ambiente elegiaco y fantasmagórico, ambiente al que contribuye el uso absolutamente novedoso de una ¨sierra musical¨ (musical saw) que crea un sonido oscilante característico que indica bruma y misterio espectrales. Es un momento musical inolvidable. El Finale implanta un cambio anímico oscilante entre lo brillante y festivo y lo más reflexivo e introspectivo, introduciendo embriones de melodías de presunto orígen armenio, llegando a una coda que cierra el concierto de modo triunfal al mejor modo brahmsiano. 

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      En cuanto al uso de la ¨sierra musical¨ en el segundo movimiento como indica el compositor, al no ser un instrumento nada común (y hasta peligroso), en ocasiones se utiliza en su lugar un flexatone ó un vibráfono para lograr un sonido parecido, aunque en algunas grabaciones simplemente se ha omitido cualquiera de éstos instrumentos.

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     No existen demasiadas grabaciones del Concierto de Khachaturian. De entre las referencias históricas tenemos a la grabación pionera de Moura Lympany con Anatole Fistoulari (LSO) y a las grabaciones de William Kapell, sobresaliendo la ya mencionada grabación de 1946 con Sergei Koussevitzky. Oborin lo grabó ese mismo año con Mravinsky al frente de la Filarmónica Checa. Entre las grabaciones modernas probablemente la referencia siga siendo la magnífica grabación de Alicia de Larrocha acompañada de Frühbeck de Burgos. De la era del stereo temprano sobresale la grabación hecha por Peter Katin y Hugo Rignold al frente de nuevo de la Sinfónica de Londres (1959). Grabación portentosa, ajena a exhibicionismos y con una magnífica sonoridad del movimiento central, aunque no tengo la información precisa, parecieran usar en ésta ocasión el flexatone, con una tonalidad más aguda que la sierra musical. Grabación de colección y con excelente sonido reprocesado por EVEREST. 

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M-S.

Fantasía Tallis.

Edward Elgar

IN THE SOUTH

Ralph Vaughan Williams

FANTASY ON A THEME BY THOMAS TALLIS

THE WASPS, OVERTURE.

Bournemouth Symphony Orchestra

Dir: Constantin Silvestri.

(EMI)

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      Grabación modélica de la célebre Fantasía Tallis de RVW.

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M-S.

Alfvén: Sinfonía Póstuma.

Hugo Alfvén

SINFONÍA Nr. 5  (versión completa revisada)

Royal Stockholm Philharmonic Orchestra

Dir:  Neeme Järvi.

(BIS)

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      Finaliza con ésta entrega el ciclo homenaje al natalicio 150 de Hugo Alfvén.

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       La Sinfonía Nr. 5 es el último esfuerzo sinfónico de Alfvén y la obra que le llevó mayor tiempo de gestación y mayores dificultades para lograr una versión a su juicio satisfactoria. La primera versión fue concluida en 1953. La misma fue estrenada el 14 de abril de ese año, con la Sinfónica de Gotemburgo, bajo la batuta del director húngaro Carl Garaguly.  Alfvén se mantuvo revisando la obra hasta su muerte en 1960, sin haber podido escuchar una ejecución de la versión revisada. La presente grabación del magistral ciclo de Neeme Järvi es la pionera, con apenas una o dos competidoras que han salido desde entonces.

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      La Quinta en la versión que ha llegado hasta nosotros representa sin duda un avance en la técnica y estilo de composición de Alfvén. La misma está desplegada en los tradicionales cuatro movimientos y recoge temas presentados en el magnífico ballet ¨Bergakungen¨ ya presentado en éste espacio. Se trata de una obra que refleja distintos y contrastantes estados de ánimo, con momentos de alta intensidad dramática. Un primer movimiento muy elaborado y de gran fuerza, sucedido por un Andante de hermoso lirismo; un siniestro Scherzo de gran originalidad y sonoridad con especial trato de la percusión. Finalmente, una prolongada conclusión que se despliega en modo triunfal, en el típico lenguaje posromántico escandinavo, con reminiscencias nielsenianas. Se necesita de una orquesta comprometida con ésta música para lograr una interpretación que no naufrague, y por supuesto Neeme Järvi no decepciona en ésta empresa. Sin haber escuchado aún la más reciente grabación de Niklas Willen en Naxos, la de Järvi suena aún magnífica, teniendo en sus manos a la orquesta ideal, por lo que  puede ser tomada aún como la referencia para ésta magnífica obra.

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M-S.

   

Raff: Violin Concertos.

Joseph Joachim Raff

VIOLIN CONCERTOS

Michaela Paetsch-Neftel, Violin

Bamberger Symphoniker

Dir: Hans Stadlmair.

(TUDOR)

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      Con éste hermoso disco que contiene los dos conciertos para violín de Raff, finaliza nuestro ciclo homenaje al bicentenario del compositor.

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M-S.

Bernard Haitink: A un año.

Maurice Ravel

DAPHNIS ET CHLOÉ  (Complete)

Tanglewood Festival Chorus

Boston Symphony Orchestra

Dir: Bernard Haitink.

(PHILIPS)

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     Conmemorando y celebrando a Bernard Haitink, a un año de su partida de éste plano.

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      Aunque muy asociado al repertorio tradicional germánico romántico y posrromántico (Beethoven, Mahler, Bruckner...) existe un grupo de grabaciones de repertorio menos frecuente y con el cual el recordado maestro holandés nos dejó grabaciones de auténtica referencia.

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    Uno de éstos discos imprescindibles es su primera grabación del Dafne y Cloé de Ravel, ballet en versión completa  hecho con la Sinfónica de Boston. Por alguna razón Haitink tuvo siempre una gran afinidad con ésta obra en particular, con al menos tres grabaciones en su haber (la bostoniana es la primera y la indiscutiblemente de elección). Se trata de un portento de grabación, con el mejor sonido Philips, tal vez sin el toque final de sensualidad hedonista que conseguiríamos en un Munch, pero sin duda una grabación inspirada y del más alto nivel artístico. Una gran adición para toda colección esencial dedicada al maestro desaparecido.

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     Sin más y nuevamente, gracias por su arte, MAESTRO.

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M-S.

#RVW150

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr. 8

Bournemouth Symphony Orchestra

Dir: Kees Bakels.

(NAXOS)

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    Un día como hoy, 12 de octubre de 1872, hace 150 años, nace Ralph Vaughan Williams, considerado el más grande de los sinfonistas británicos.

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   Como todo gran sinfonista, llegó a componer nueve sinfonías. La 8va entra ya en el período tardío de la vida creativa del compositor. La misma fue compuesta entre 1953-55 y está dedicada a Sir John Barbirolli y a su Orquesta Hallé. La Octava fue estrenada en Manchester por sus dedicatarios, el 2 de mayo de 1956, con éxito contundente. El ¨Manchester Guardian¨ reportaba después de ésta premiére que era ¨raro ver una ovación de pie tan estruendosa y tan unánime, tratándose de una obra inédita¨.  Es la sinfonía más corta, más neoclásica, más económica y de mayor colorido y luminosidad del total de las nueve. La obra no está asociada a programas ni a ideas obvias extramusicales, por lo que se considera un buen exponente de música absoluta.

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    La especial musicalidad de la 8va y la forma en que se estructura (Variazioni senza thema, alla Marcia, Cavatina, Toccata) remiten claramente a períodos anteriores al romanticismo, pero con recursos orquestales modernos que le imprimen una estimulante sensación de descubrimiento. El caleidoscopio sonoro de la Toccata (Finale) es un espectáculo.

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     Dada la relativa economía de la 8va, es posible que casi cualquier grabación le haga buena justicia. Están las clásicas de Boult, Barbirolli, Previn, Slatkin, Thomson... La grabación de Kees Bakels para NAXOS recoge maravillosamente los detalles sonoros de la orquestación y en una de las mejores calidades sonoras. Una verdadera gozada y la mejor manera de conmemorar el genio de RVW.

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M-S.

La Leyenda de Kullervo.

Jean Sibelius  

KULLERVO, Suite Sinfónica, Op. 7

Soile Isokoski, Tommi Hakala (Solistas)

YL Male Voice Choir

Helsinki Philharmonic Orchestra.

Dir: Leif Segerstam.

(ONDINE)

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    Parto del principio de que Sibelius compuso nueve sinfonías, siete sinfonías numeradas, la Suite Sinfónica ¨Kullervo¨ y las Cuatro Leyendas del Lemminkäinen que en conjunto se puede considerar una sinfonía.

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    Kullervo fue creada por Sibelius en 1892. Es el primer gran proyecto del compositor, basado en Kullervo el desdichado, personaje trágico narrado en los Cantos (Runos) 31 al 36 del Poema Epico ¨Kalevala¨. La obra está dispuesta para coros, solistas vocales y orquesta. Fué estrenada por el compositor, el 28 de abril de 1893, dirigiendo la Orquesta de la Sociedad Musical de Helsinki, con un éxito contundente.

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    A pesar del éxito de la obra, la misma nunca fué publicada en vida del compositor y sólo fue interpretada cuatro veces más en ese año 1893. Probablemente diversas controversias en torno a sus tintes nacionalistas,  la complejidad y aceptación del lenguaje finés en un territorio bajo tutela rusa pero donde las élites culturales eran sueco-parlantes, limitaron su difusión. La obra no volvió a ser interpretada en su totalidad hasta 1958, al año siguiente de la muerte de Sibelius, y a cargo de su yerno Jussi Jalas, en el marco del primer Festival Sibelius de Helsinki.

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      Kullervo fue finalmente publicada en 1966 (Breikopf & Härtel) y la primera grabación comercial se llevó a cabo en 1971, con el director finlandés Paavo Berglund dirigiendo la Sinfónica de Bournemouth, para el sello EMI, constituyéndose en una auténtica revelación para los medios musicales. La enorme grabación de Berglund, hoy bastante difícil de conseguir, es tenida no sólo como pionera sino como absoluta referencia para ésta importantísima obra del repertorio finlandés. Sin embargo desde la misma ha surgido un puñado pequeño de grabaciones que se le pueden poner a la par. Una de ellas es la maravillosa lectura de Leif Segerstam, que forma parte de su ciclo Sibelius para el sello ONDINE con la Filarmónica de Helsinki, grabación que tiene todas las bondades de la referencial de Berglund, con los agregados de una mejor calidad sonora y el canto inolvidable de Soile Isokoski en el rol de la soprano. Alternativa Nr.1 para quien no tenga la grabación de Paavo Berglund.

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M-S.

Sinfonía Antartica.

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr.7, ¨SINFONIA ANTARTICA¨.

Ralph Richardson, Narrator.

London Symphony Orchestra

Dir: André Previn.

(RCA)

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    Continuando nuestro ciclo homenaje a RVW.

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    ¨Sinfonia Antartica¨ es el título en lengua italiana recibido por la Sinfonía Nr. 7 de Vaughan Williams. La misma fue compuesta entre 1949-1952 y su antecedente inmediato es la música incidental compuesta en 1947 para la película ¨Scott of the Antarctic¨, basada en la expedición de Robert Falcon Scott a la Antártida. Se trata de una obra ambiciosa para gran orquesta, con inclusión de pasajes para voz femenina sin palabras (a la manera de la Sinfonía Pastoral), pasajes para textos con narrador, órgano y eolifón, instrumento que emula el soplido del viento. El uso del narrador es opcional, y así encontramos interpretaciones que lo usan ó no. La presente grabación de André Previn lo incluye.

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      La Sinfonia Antartica fué estrenada en Manchester, el 14 de enero de 1953, con Sir John Barbirolli al frente de la Orquesta Hallé. Dicha interpretación no incluyó narrador. A pesar de su originalidad y valor artístico, es una de las obras menos interpretadas de RVW, dada la complejidad y la gran infraestructura instrumental que requiere para ejecutarla. La grabación del espléndido ciclo de André Previn recoge como pocas el espíritu integral de la obra, acercándose a la perfección sonora cinemática que la misma involucra.  Un disco esencial para empezar una colección de nuestro compositor homenajeado.

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M-S.

   

Vangelis: Carros de Fuego.

VANGELIS

CHARIOTS OF FIRE (1981)

Polydor.

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    ¨Chariots of Fire¨ es la banda sonora compuesta por Vangelis para la película del mismo nombre realizada por el director Hugh Hudson, y ganadora de cuatro Oscar de la Academia, incluyendo a éste disco como mejor banda sonora.

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     El disco se ubica entre sus creaciones ¨See You Later¨ de 1980 y ¨Antarctica¨ de 1983. Todos los temas del disco son de Vangelis, a excepción de ¨Jerusalem¨, que es un poema de William Blake musicalizado por Hubert Parry. En el mismo podemos escuchar la intervención coral de los Cantores Ambrosianos. De entre las bandas sonoras compuestas para el cine por Vangelis, probablemente ¨Chariots¨ sea la más lograda en conjunto con ¨Bladerunner¨ de 1994.

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M-S.

Haydn: Concierto para Trompeta.

Franz Joseph Haydn

TRUMPET CONCERTO, In E Flat Major, Hob. Vlle 

Adolf Scherbaum, Trumpet

Sinfonie Orchester Des NDR Hamburg

Dir: Christoph Stepp.

(DG)

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     A pesar de haber sido publicadas en éste blog numerosas obras de Haydn a través de los años, recién hoy caigo en cuenta que su Concierto para Trompeta, una de sus obras más memorables, ha dormido el sueño de los justos. Es momento de reivindicarlo.

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     Aunque los conciertos para trompeta son obras características del barroco (Torelli, Telemann, Hertel, Molter, Fasch...), es con Franz Joseph Haydn que el género llega a la cúspide, no sólo por el genio del compositor en el arte del concierto para instrumentos solistas, sino por un hecho particularmente relevante en la historia de la música: la invención de la trompeta de llaves por Anton Weidinger, trompetista de la corte imperial austríaca, en 1796.  Las investigaciones de Weidinger estimularon a Haydn a componer su concierto para trompeta, un concierto clásico inédito, de longitud inusual en comparación con los conciertos del barroco, y definitivamente innovador en cuanto al rango expresivo, pues la nueva trompeta de llaves permitía realizar escalas cromáticas que eran imposibles con la trompeta natural. Sólo Johann Nepomuk Hummel fué capaz posteriormente de llegar a un logro similar. A pesar de éste gran avance, la trompeta decaería como instrumento solista virtuoso en el período romántico, recobrando protagonismo a través de grandes conciertos contemporáneos del siglo XX.

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    Haydn compuso entonces su concierto para Weidinger, quien sin embargo no lo estrenó en la premiére del 22 de marzo de 1800 en el Burgtheater de Viena. El mismo lo tocaría a la semana siguiente, en un concierto público del 28 de marzo, con excelente acogida del público y de la prensa vienesa. La partitura del concierto se perdió después de la muerte de Haydn, siendo recuperada a finales del siglo, logrando establecerse definitivamente como pieza regular y obligada del repertorio.

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     Uno de los más grandes representantes de éste concierto ha sido el recordado trompetista Maurice André, quien tiene numerosas grabaciones que permiten reconocer su genio. Sin embargo existen otras versiones que merecen mucho la pena escuchar. La grabación de Adolf Scherbaum, uno de los más grandes solistas del instrumento antes del reinado de André, es una gran favorita que permite recoger la esencia de lo que debe haber sido el concierto interpretado por la trompeta de llaves. Las escalas recogidas por Scherbaum en el desarrollo son memorables, y las cadenzas, con mucho componente improvisador, son las más endemoniadamente difíciles que he escuchado, con unos agudos inigualables. Una de esas cosas inexplicables del mundo de la discografía, particularmente de Deutsche Grammophon, es por qué éstas joyas nunca han sido rescatadas en CD. La presente grabación es transcripción a mp3 desde el LP original, por lo que se espera la comprensión del oyente. 

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M-S.