Schnittke: Suite Gogol.

Alfred Schnittke

GOGOL SUITE (arr. Gennady Rozhdestvensky)

Malmö Symphony Orchestra

Dir: Lev Markiz.

(BIS)

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    Alfred Schnittke murió el 3 de agosto de 1998 a la edad de 63 años, edad lamentablemente prematura para un artista de su estatura. Su poliestilismo musical es uno de sus sellos personales y aunque su música más académica y erudita es muy estimulante para el oído entrenado, puede parecer ininteligible e indigerible para el público en general.  Sin embargo hay un Schnittke más versátil, tonal, interesante e incluso divertido que podemos encontrar en sus composiciones incidentales y música para el cine, donde podemos encontrar auténticas maravillas que deberían de ser mucho más conocidas.

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      Un buen ejemplo de éste otro tipo de música de Schnittke es la Suite Gogol, la cual es una selección de números de la música para la película ¨The Census List¨ (1975) hecha por el también desaparecido director Gennadi Rozhdestvensky. La Suite está construida con las 8 partes que expresan mejor el concepto del guión original. La obra refleja no sólo el estilo poliestilístico del compositor sino una intención satírica mediante la sucesión de motivos aparentemente inconexos (Collage) que ridiculizan a los principales caracteres que aparecen en la película. No dejan de observarse otras técnicas típicas de Schnittke como el uso de citas a otros compositores (Beethoven, Tchaikovsky, Shostakovich). El resultado es muy divertido.

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     La magnífica serie discográfica hecha por el sello BIS compila toda la obra principal de Schnittke (sólo falta específicamente la música para el cine, que sí ha sido hecha por el sello Capriccio), y por supuesto está incluída la Suite Gogol.  Dada la dificultad en conseguir la grabación del mismo Rozhdestvensky, está la de Lev Markiz en BIS como buena alternativa.

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M-S.

Alfvén: Sinfonía Nr. 4

Hugo Alfvén

- EN SKARGARDSSAGEN ( A Legend of the Skerries), Poema Sinfónico, Op.20

- SINFONIA Nr. 4, Op. 39 ¨Fran Havsbandet¨ (From the Outermost Skerries)

Stockholm Philharmonic Orchestra

Dir:  Neeme Järvi.

(BIS)

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    El cuarto disco de la serie Alfvén-Järvi trae dos de las obras más emblemáticas del compositor. En primer lugar su Poema Sinfónico ¨Leyenda de los Arrecifes¨ que viene del mismo período artístico del ¨Midsommarvaka¨. La palabra ¨Skerries¨ se refiere a arrecifes o formaciones rocosas costeras (islotes o isletas) demasiado pequeñas para ser habitadas y que abundan en Escandinavia e Irlanda. El Poema de Alfvén, de intención descriptiva, se refiere a un paisaje estival en éstas zonas, con lenguaje coloridamente escandinavo, pero que deja adivinar influencias postmendelssohnianas, wagnerianas y straussianas. Merece ser más conocido.

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     La Sinfonía Nr. 4  fué concluída por Alfvén en 1919 y estrenada en un concierto privado para la Real Academia de Música de Estocolmo, a la que seguiría el estreno público el 23 de enero de 1920, con estruendoso éxito, tal vez el más grande alcanzado por el compositor en vida. Al revuelo del estreno de Estocolmo sucedieron estrenos de la obra en Frankfurt (1920); Viena (1921) y Berlín (1922). La popularidad de la obra llevó a que se estrenara en los Estados Unidos en 1938, siendo el propio compositor invitado a dirigirla con la Sinfónica de Chicago. 

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     Se trata de una obra para gran orquesta y voces solistas que intervienen vocalizando, no articulando palabras, a la manera de la Sinfonía Pastorale de Ralph Vaughan Williams. La misma va desplegada en los tradicionales cuatro movimientos pero se ejecutan sin interrupciones, con suaves transiciones internas entre los mismos. La obra se titula en sueco ¨Fran Havsbandet¨ (Desde los remotos arrecifes), por lo que su ánimo y estilo están claramente emparentados con el mundo del Op.20. El ánimo eminentemente romántico de la obra se despliega en una plácida atmósfera marina que no deja de tener sus amenazas tormentosas, revelando nuevamente las técnicas descriptivas que Alfvén admiraba tanto en Richard Strauss. 

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     La Sinfonía Nr. 4 es una obra magnífica, con muchos momentos de genialidad creadora, para muchos dentro de Suecia es la mejor sinfonía creada en esas tierras.  De nuevo la grabación de Neeme Järvi para BIS es reveladora de sus mejores aspectos y resulta particularmente apropiado que en el CD original la obra venga precisamente acompañada por el Op.20 que en cierto modo sirvió de boceto para el desarrollo del Op.39. Una absoluta recomendación.

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M-S.

Raff: Cello Concertos

Joseph Joachim Raff

CELLO CONCERTOS

Daniel Müller-Schott, cello

Bamberger Symphoniker

Dir: Hans Stadlmair.

(TUDOR)

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    Volviendo a visitar a Raff en homenaje a su bicentenario, con sus dos conciertos para cello en grabaciones de referencia.

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M-S.

Vaughan Williams: Sinfonía Nr. 6

Ralph Vaughan Williams

SINFONIA Nr. 6

Philharmonia Orchestra

Dir: Leonard Slatkin

(RCA)

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    RVW compuso su Sinfonía Nr. 6 entre 1944-47, la cual fue estrenada en su versión original el 21 de abril de 1948, con Sir Adrian Boult al frente de la Orquesta Sinfónica de la BBC.  La misma sufrió revisiones en 1950 hasta llegar a la versión definitiva.  La primera grabación comercial es la famosa de Leopold Stokowski de 1949, con la Filarmónica de New York.

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    En la 6ta, el compositor abandona el mundo pastoral y bucólico de la Sinfonía Nr. 5 y vuelve a los modos agrestes, violentos y disonantes de la Cuarta, y aunque no hay contenido programático, su contemporaneidad con la temprana posguerra la hace adivinar de pasajes alegóricos al lanzamiento de las bombas atómicas sobre el Japón, no dejando de haber paralelismos con una obra contemporánea, la 8va de Shostakovich. La versión revisada de 1950 es la que se interpreta y graba a partir de la grabación Decca de Adrian Boult.

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    El ciclo sinfónico de Leonard Slatkin hecho para RCA es aún hoy uno de los mejores y más uniformes disponibles, destacando precisamente su 6ta sinfonía, grabación seleccionada para ésta entrega.

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M-S.

Balakirev y Liadov por Neeme Järvi.

- Anatoly Liadov: POLONAISE.

- Mily Balakirev:  SINFONIA Nr. 1.

City of Birminghan Symphony Orchestra.

Dir: Neeme Järvi

(EMI)

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     Al gran maestro estonio Neeme Järvi lo hemos conocido a través de la impresionantemente prolija discografía que ha hecho para los sellos BIS, Chandos y Deutsche Grammophon. Sin embargo hay rarezas suyas encontradas en otros sellos, como éste disco de EMI, que hasta donde sé, es su única grabación con el emblemático sello inglés del angelito. Disco por demás de colección.

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M-S.

Música de las Cuatro Tierras.

MUSIC OF THE FOUR COUNTRIES

-Ethel Smyth - THE WRECKERS: OVERTURE.

-Hamilton Harty:  WITH THE WILD GEESE.

-Hamish MacCunn: THE LAND OF THE MOUNTAIN AND THE FLOOD.

-Edward German:  WELSH RHAPSODY.

Royal Scottish National Symphony Orchestra

Dir: Alexander Gibson

(EMI).

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    Precioso disco con música de las cuatro tierras que conforman las Islas Británicas: Inglaterra, Irlanda, Escocia y Gales.

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M-S.

Cielo e Infierno.

Vangelis

HEAVEN AND HELL (1975)

Vangelis, Solista

English Chamber Choir

(RCA)

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   ¨Cielo e Infierno¨ fué realizado en 1975 y es el quinto álbum de la producción de Vangelis como solista. Es una de sus creaciones más aproximadas a la música clásica, con la representación de dos ambientes contrastantes: el Cielo, representado en las melodías más lentas, serenas y espirituales que alternan con fragmentaciones corales y vocales; y el Infierno, representado en la música más rápida, estridente y disonante, conducente al caos. El álbum fué un éxito desde su lanzamiento en 1975, pero el mismo tuvo un impulso definitivo a la fama en 1981 al ser su música la seleccionada para los temas de la memorable serie televisiva ¨Cosmos¨ de Carl Sagan. ¨Heaven and Hell¨ constituye hoy uno de los álbumes esenciales de toda la espléndida discografía de Vangelis.

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M-S.

Vaughan Williams: Sinfonía Nr. 5.

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr. 5

London Symphony Orchestra

Dir: André Previn.

(RCA)

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     Arribamos a la 5ta de RVW en nuestro paseo-homenaje a su aniversario.

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     La Sinfonía Nr. 5 fue compuesta entre 1938 y 1943. Para algunos críticos actuales dicha obra representa un retroceso, pues el compositor parece girar desde las armonías telúricas y violentas disonancias de la Sinfonía Nr. 4 al mundo calmo y bucólico de la Sinfonía Pastoral, pero un grado aún por encima. Probablemente las controversias creadas en torno a la Cuarta lo persuadieron de éste aparente retroceso, y el exitoso estreno en Royal Albert Hall, el 24 de junio de 1943, con la London Philharmonic bajo la batuta del mismo compositor, parece haberle dado la razón. La obra está dedicada a Sibelius.

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     Aunque a nuestros oídos de hoy pueda parecer una obra de difícil digestión, la misma gozó en su momento de la mejor recepción por parte del público y de la crítica, y se podrían entender las razones. En 1943, la Gran Bretaña estaba imbuída en lo peor de la II Guerra Mundial, y tal vez el carácter sosegado, sereno y reflexivo de la Quinta era lo que necesitaba una sociedad sometida a un estado de sitio. La obra está libre de contenidos programáticos. 

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    Las características particulares de la Quinta la hacen delicada a la hora de interpretarla, pues una mala ejecución (mala dirección) la harán sucumbir con seguridad. La mayoría de grabaciones que conozco no superan a cabalidad el reto y no han ayudado a que la obra recupere el lugar que le correspondería (¨Escuchar la 5ta de RVW es como ver pastar a una vaca durante una hora entera¨, llegó a decir alguien por ahí) . Una de las pocas grabaciones que cumple la misión es la de André Previn, que en los momentos clave muestra la asertividad requerida. Una referencia redonda para ésta obra.

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M-S.

 

Alfvén: Sinfonía Nr. 3.

Hugo Alfvén

SYMPHONY Nr. 3, Op, 23

Stockholm Philharmonic Orchestra

Dir: Neeme Järvi.

(BIS).

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      Continuando el homenaje a Hugo Alfvén con el magnífico ciclo sinfónico de Neeme Järvi, pionero y de absoluta referencia.

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     La Sinfonía Nr. 3 fue comenzada por Alfvén en 1905 durante una estadía estival en Italia, y concluida en Dinamarca el año siguiente. Se trata de la sinfonía más alegre del compositor, con aromas mediterráneos, y tonalidades que oscilan entre pínceladas post-mendelssohnianas y frases evocadoras del Strauss temprano (ambos también compusieron obras de inspiración italiana). La misma fue estrenada el 3 de diciembre de 1906, en Göteborg, bajo la batuta del propio compositor.

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    La Tercera es una obra de transición, representa un avance en las técnicas que luego el compositor desarrollará plenamente en sus dos últimas sinfonías. La grabación de Järvi recoge magníficamente los aspectos más resaltantes y lúdicos de la partitura.

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M-S

Vangelis: Spiral

 Vangelis

SPIRAL  (1977)

1.- Spiral.

2.- Ballad

3.- Dervish D

4.- To the unknown man (I)

5.- 3 + 3

6.- To the unknown man (II)

(RCA)

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    Homenajeando a Vangelis con uno de sus álbumes más emblemáticos. Spiral fué lanzado en 1977 y se ubica entre Albedo 0.39 (1976) y Beaubourg (1978).  Los avances técnicos de Spiral encaminan de una forma definitiva las tendencias del entonces naciente New Age. Un esencial de la discografía de Vangelis.

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M-S. 

Bicentenario Joachim Raff.

Joseph Joachim Raff (n. 27.05.1822  -  1882)

- ODE  AU PRINTEMPS (ODA A LA PRIMAVERA), para piano y orquesta, Op.76 

- PIANO CONCERTO, Op. 185

Peter Aronsky, Piano 

Radio-Sinfonieorchester Basel.

Dir: Jost Meier (Op.76)

Dir: Matthias Bamert (Op.185).

(TUDOR)

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     Conmemorando el bicentenario de un compositor injustamente olvidado, aún en nuestros días, el suizo Joseph Joachim Raff.  Aunque buena parte de su música comienza a ser rescatada por las discográficas, con un puñado de excelentes grabaciones a disposición, Raff se conoce aún hoy muy poco y rara vez es programado en conciertos, lo cual es una pena adicional. Nacido en Suiza, Raff es probablemente el compositor romántico de ese orígen más importante del siglo XIX.  Aunque las raíces de Raff son alemanas y buena parte del desempeño profesional de Raff transcurrió en Alemania, siempre hay en su música elementos evocadores autóctonos de su tierra natal pero con un estilo general típicamente alemán posromántico, tributario de Mendelssohn, aunque en sus obras orquestales también se adivinan influencias de Liszt y Berlioz. En su extenso catálogo de obras figuran conciertos para diversos instrumentos, obras corales, música de cámara, seis óperas y una amplia diversidad de obras orquestales entre las que sobresalen once sinfonías, la última de ellas inconclusa, por la muerte del compositor en 1882.

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     Como homenaje al bicentenario de Raff presento un magnífico disco con sus dos principales obras para piano y orquesta, de típica influencia post-mendelssohniana. Seguiremos visitando a Raff en el futuro.

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M-S.

Todo Rach: Danzas Sinfónicas.

Sergei Rachmaninov

DANZAS SINFÓNICAS, Op.45

Detroit Symphony Orchestra.

Dir: Leonard Slatkin.

(NAXOS)

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     Danzas Sinfónicas es la última obra compuesta por Sergei Rachmaninov, y aunque no está titulada como sinfonía, puede ser considerada como una.  La misma fué completada a finales de 1940 y fué dedicada a Eugene Ormandy y a la Orquesta de Filadelfia, a quienes correspondió el estreno el 3 de enero de 1941.

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     Aparentemente el estreno en Filadelfia no dejó del todo satisfecho al compositor y al no haber grabación de aquel concierto no puede formarse un juicio. La primera grabación correspondió a Dimitri Mitropoulos, al frente de la Filarmónica de New York, el 20 de diciembre de 1942, en ésta ocasión con ensayos monitorizados por el compositor. Grabación formidable que pude escuchar, rescatada y restaurada recientemente por MARSTON RECORDS, disponible pero seguramente a precios poco permisivos.

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     A diferencia de lo que se pueda pensar, Danzas Sinfónicas se erige como una obra revolucionaria en su estilo, por el manejo rapsódico de los temas, la magnífica inventiva en la orquestación, con aquel inédito y nostálgico pasaje del saxofón tenor en el primer movimiento, los fantasmagóricos vientos del Tempo di Valse y los ritmos frenéticos que intercalan danzas eslavas con elementos del jazz (ritmos sincopados) en el Finale. Las ideas originales de la obra datan de tan temprano como 1915, cuando Rachmaninov componía un proyecto de ballet llamado ¨Los Escitas¨. El proyecto no fructificó pero a principios de 1940 el compositor decide rescatar varios de sus temas para organizarlos en forma de ésta especie de suite orquestal. Como en otras de sus obras orquestales, Rachmaninov incluye en la composición de Danzas Sinfónicas elementos del canto ortodoxo ruso, cantos medievales de muertos en los que no puede faltar el sempiterno Dies Irae, una de las obsesiones del compositor.  La recepción al estreno de Ormandy resultó tibia, en parte por la interpretación, pero también por las reacciones mixtas entre el público y los críticos: mientras el público esperaba más exhuberancia, a la stravinsky, los críticos esperaban más conservadurismo tchaikovskiano, tal vez a la manera de la 2da sinfonía ó del concierto para piano Nr. 3. Con los años, la obra ha venido el justo espacio que le corresponde, siendo hoy un favorito para cualquier gran orquesta.     

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     Grabaciones de Danzas Sinfónicas existen en un número respetable, aunque son pocas las que logran adentrarse verdadera y convincentemente en éste caleidoscopio sonoro. Hay pasajes que requieren especial atención para garantizar una grabación de referencia, como por ejemplo el particular uso de la percusión en el último movimiento, con aquella siniestra pero liberadora intervención del tam-tam que cierra la obra y que no todas las grabaciones respetan como señala la partitura. Hay una trayectoria de buenas grabaciones a través de Kondrashin, Previn, Ashkenazy, y más recientemente Kirill Petrenko y espacialmente Leonard Slatkin, especialista indiscutible en éste repertorio y quien en su más reciente grabación con la Sinfónica de Detroit, explota como pocas todos los elementos expresivos de ésta gran obra que cierra con broche de oro la trayectoria artística de uno de los compositores más importantes del siglo XX.

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      Con ésta entrega queda cerrado el ciclo Todo Rach.

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M-S. 

  

 

VANGELIS (1943-2022). IN MEMORIAM.

 

Vaughan Williams: Sinfonía Nr. 4

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr. 4

Philharmonia Orchestra

Dir: Leonard Slatkin.

(RCA)

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     Continuando el ciclo homenaje a RVW con su Sinfonía Nr. 4.

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      La Cuarta fue concluida por RVW a principios de 1935. La misma, a diferencia de sus predecesoras, no lleva apellido, está entendida como música absoluta, sin inspiraciones incidentales ni referencias externas. La misma fue estrenada en Londres el 10 de abril de 1935, a cargo de la Sinfónica de la BBC bajo la batuta de Adrian Boult. Está dedicada a su colega compositor Arnold Bax. El éxito de la obra entre los círculos musicales británicos llevó a Vaughan Williams a ser reconocido como el sinfonista más importante de su país. La obra fue estrenada en los Estados Unidos el 19 de diciembre de 1935, con Artur Rodzinski dirigiendo la Orquesta de Cleveland.

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       A pesar de la relativa sencillez y economía musical de la obra, no goza de la popularidad de sus predecesoras y en épocas anteriores a nivel de disco sólo era fácil conseguirla a través de los dos grandes ciclos existentes: Boult y Previn. En ninguno de los dos destaca la Cuarta. En ciclos posteriores ya a nivel digital encontramos grabaciones más satisfactorias, por ejemplo ésta perteneciente al ciclo de Leonard Slatkin, uno de los más grandes representantes de la música de RVW y cuyo ciclo es de referencia. Esta 4ta destaca como entre lo mejor de éste ciclo, colocándose al lado de otras referencias como pudieran ser las grabaciones de Mitropoulos ó de Berglund. Una fácil recomendación.

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M-S.  

Alfvén: Sinfonía Nr. 2.

Hugo Alfvén

SYMPHONY Nr. 2, Op. 11

Stockholm Philharmonic Orchestra.

Dir: Neeme Järvi.

(BIS)

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   Continuando con nuestro ciclo homenaje al sesquicentenario del gran compositor sueco Hugo Alfvén, quien casualmente nació el 1ro de mayo de 1872 y murió un día como hoy, 8 de mayo de 1960.

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    La Sinfonía Nr. 2 es también una obra temprana de Alfvén. Fué concluida en 1899 y su amplio rango de claroscuros expresivos, de la luminosidad a lo tempestuoso, reflejan un período complicado en la vida del compositor. Sin embargo, a pesar de los nubarrones dramáticos que recorren la obra, el final es triunfante y reivindicativo, remarcando a ésta como la obra sinfónica más profunda musicalmente creada en Suecia. Aunque la sinfonía va formalmente en cuatro movimientos, el último movimiento, el más elaborado, va dispuesto en forma de un Preludio y Fuga. Es una gran obra que anuncia lo que vendrá en las siguientes sinfonías.

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   Como sucede con la sinfonía anterior, la grabación de referencia es la presente de Neeme Järvi para el sello BIS con la Filarmónica de Estocolmo.  Buena apreciación.

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M-S.

Messiaen: Cuarteto para el Fín de los Tiempos.

Olivier Messiaen (1908-1992)

QUATOUR POUR LA FIN DU TEMPS

Tashi Quartet

(RCA)

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    Conmemorando los 30 años de la partida física de uno de los compositores más notables del siglo XX, Olivier Messiaen.

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    Constituye para muchos todo un desafío descifrar los matices y significados en sus composiciones, sin embargo en todas se intuye una profunda conexión con su ferviente fé cristiana y la unión de los elementos de la naturaleza con un Dios creador.

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    Su ¨Cuarteto para el Fín de los Tiempos¨ me parece una de sus obras más accesibles, pero no por eso inferior ni menos inspirada. Sólo conocer las circunstancias de su composición invita a escuchar. La misma fué escrita por Messiaen durante su reclusión en el campo de prisioneros de Görlitz (Campo Stalag VIII-A) posterior a la caída de Francia en manos de los nazis. La misma fué estrenada en el mismo campo junto con otros reclusos músicos a los que les fué permitida la interpretación. La obra está inspirada en un texto del Libro del Apocalipsis bíblico y compendia en buena parte las mejores características del compositor: su profunda fé católica, su manejo organístico de la polifonía y su afición obsesiva por recoger los cantos de las aves como fuentes primordiales del material sonoro. Aunque se trata de una obra relativamente larga para tratarse de una composición de cámara, la continuidad sonora e inventiva melódica mantienen la atención del escucha durante todo el transcurso.

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   ¨Le Quatour¨ ha venido conquistando con los años su espacio merecido entre intérpretes y grabaciones. La grabación de la agrupación Tashi recoge como pocas las características especiales de la que es sin duda una de las obras más emblemáticas de la música del siglo XX.

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M-S.

Prokofiev: Piano Concerto Nr. 3.

Sergei Prokofiev

PIANO CONCERTO Nr. 3, Op. 26

Martha Argerich; Piano

Berliner Philharmoniker

Dir: Claudio Abbado.

(DG)

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     Sin lugar a ningún tipo de dudas, el compositor más grande nacido en tierra ucraniana ha sido Sergei Prokofiev (n. Sontsivka, 24-04-1891).

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    Compositor entre muchas otras cosas de siete sinfonías y de cinco conciertos para piano, el concierto para piano Nr. 3 es una de sus obras más populares y conocidas, aclamada ampliamente por el público y la crítica desde sus primeras interpretaciones. El mismo fue creado en 1921 y estrenado en los Estados Unidos el 16 de diciembre de ese mismo año con el mismo compositor al piano, acompañado de la Sinfónica de Chicago, bajo la batuta de Frederick Stock. El importante soporte de la batuta de Sergei Koussevitzky llevó al concierto al justo lugar de popularidad que hoy tiene. El mismo no sería estrenado en la URSS hasta 1925.

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    Las grabaciones del Nr. 3 son numerosas, dada su popularidad, facilidad de acceso, vitalidad e inventiva sonora que sólo se puede comparar con el Nr. 1 de Tchaikovsky o el Nr. 3 de Rachmaninov. Existe un puñado de lecturas imprescindibles, entre ellas la presentada hoy a cargo de una de sus más conspícuas representantes, Martha Argerich, secundada por Claudio Abbado y la Filarmónica de Berlín, grabación de 1967 y que desde entonces siempre ha sido una clara referencia. Grabación que se propone en ésta entrega.

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M-S.

Franck: Redemption.

César Franck

REDEMPTION,  Poema Sinfónico en dos partes, para narrador, solistas, coro mixto y orquesta

Orfeón Donostiarra

Orchestre du Capitole de Toulouse

Dir:  Michel Plasson.

(EMI)

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    Para el cierre de la conmemoración de los días santos.

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     Redemption está titulado como Poema Sinfónico aunque su estructura se asemeja más a un Oratorio. En las formas corales se remite indudablemente a Berlioz aunque en las notables partes orquestales se dejan incluso entrever reminiscencias wagnerianas. El mismo data de 1872 y está basado en un texto religioso de Edouard Blau. A pesar de ser hoy considerado como una de las obras más profundas de Franck, prácticamente no volvió a ser interpretado hasta la segunda mitad del siglo XX y rescatado en disco gracias al trabajo de directores como Michel Plasson cuyo testimonio es el que hoy compartimos.

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     Una Feliz Pascua de Resurrección.

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M-S. 

Poulenc: Stabat Mater

Francis Poulenc

STABAT MATER, para soprano, coro y orquesta.

Michéle Lagrange, Soprano.

Choeurs et Orchestre National de Lyon.

Dir:  Serge Baudó.

(HARMONIA MUNDI)

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    Para conmemorar el inicio de los Días Santos con el magnífico, hermoso y meditativo Stabat Mater de Francis Poulenc. De igual modo en memoria de todas las víctimas, civiles inocentes que han caído asesinados en Ucrania a manos de las crueles y criminales tropas rusas de Vladimir Putín. ¡No más genocidio en Ucrania!

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M-S.

Que el manto de la Vírgen bendiga y proteja al pueblo ucraniano.

Vaughan Williams: A Pastoral Symphony

 

Ralph Vaughan Williams

SYMPHONY Nr. 3 ¨A Pastoral Symphony¨

Yvonne Kenny, Soprano

London Symphony Orchestra.

Dir: Bryden Thomson.

(CHANDOS)

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    Continuando el ciclo homenaje a Ralph Vaughan Williams.

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     La ¨Sinfonía Pastoral¨ fué completada en 1922. Sus primeras ideas vienen de los años más duros de la Primera Guerra Mundial (el compositor sirvió en el frente) y a pesar de su engañoso apellido ¨Pastoral¨, la obra recoge realmente lamentos en memoria de los caídos en la ¨Gran Guerra¨, así como una meditación de sonidos evocadores de la paz. La obra supone un cambio de estilo con respecto a sus dos predecesoras, siendo el contenido definitivamente más atmosférico y evocador que programático, y aunque la estructura formal es en cuatro movimientos hay sutiles transiciones entre cada uno. El elemento más característico de la Pastoral es el canto evocador sin palabras de una soprano al inicio del último movimiento, melodía cantada que después del desarrollo principal instrumental retorna para cerrar el movimiento y la obra.

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    La obra fué estrenada el 16 de enero de 1922, bajo la batuta de Adrian Boult. Las reacciones al estreno fueron mixtas y aunque siempre había sido una de las obras menos interpretadas del compositor, la misma con las años ha venido a conquistar su espacio que le corresponde por derecho propio. Aunque las grabaciones referenciales del mismo Boult y de André Previn se pueden considerar las primeras elecciones en la Pastoral, la presente grabación de Bryden Thomson es una buena alternativa, tal vez medio peldaño por debajo de las anteriores, pero con la ejecución experta de la LSO, el sonido característico de Chandos y el especialmente bello y luminoso canto de Yvonne Kenny en el rol solista. Una excelente alternativa, dado que la grabación de Previn ya ha sido publicada en homenaje a Heather Harper.

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M-S.