Petrouchka

Igor Stravinsky
PETROUCHKA (versión original de 1.911)
New York Philharmonic
Dir: Pierre Boulez.
(SONY)
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Petrouchka ó Petrushka (Francés: Pétrouchka; Ruso: Петрушка) es uno de los tres grandes ballets compuestos por Igor Stravinsky, en conjunto con La Consagración de la Primavera y El Pájaro de Fuego. Stravinsky compuso otros ballets, pero no en las proporciones de ésta gran trilogía.

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Petrouchka es la historia de una marioneta tradicional rusa, Petrouchka, hecha de trapos y rellena de aserrín (conozco gobernantes similares), que a la manera de Pinocho cobra vida y experimenta emociones. Es una obra única y de originalidad asombrosa que fusiona música, ballet, coreografía e historia en balance perfecto, en persecución de la obra de arte perfecta.

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Stravinsky compuso la música durante el invierno de 1.910-11 para la compañía de Sergei Diaghilev. La premiere tuvo lugar en Paris, en el Théâtre du Chatelet , el 13 de junio de 1.911, bajo la batuta de Pierre Monteux, con coreografía de Mikhail Fokine y escenografía de Alexandre Benois. El rol titular dancístico corrió a cargo del célebre bailarín compatriota del compositor, Vaslav Nijinsky. Siendo la producción del estreno en líneas generales muy exitosa, no dejó de provocar reacciones divididas entre el público, aunque no como el célebre zafarrancho que ocasionó La Consagración de la Primavera. La receptividad no fue la misma en otros centros musicales europeos. La Filarmónica de Viena, por ejemplo, se negó a tocar la obra, por considerarla "música sucia".
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Existen dos versiones de la obra: la original de 1.911 y la revisión del propio Stravinsky hecha en 1.947.

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Versión original de 1.911: Ha sido hasta el momento la preferida por los intérpretes y la que cuenta con más grabaciones, no sin razón, puesto que el despliegue orquestal es mayor y más colorido.
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Versión revisada de 1.947: está orquestada para una agrupación menor, requiriendo una flauta menos, dos oboes menos, pero con la adición de un corno inglés... un fagot menos, pero incluyendo un contrafagot. Stravinsky elimina las dos cornetas pero adiciona una trompeta. De igual manera elimina los instrumentos de percusión fuera de escena, así como el Glockenspiel, y deja sólo un arpa. En líneas generales es una versión de atmósfera más íntima, pero en general menos satisfactoria.
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Entre versiones en disco, hay varias dignas de mención. Vale la pena destacar la maravillosa versión en stereo de Pierre Monteux, el mismo director que estrenó la obra, pero muchos años después dirigiendo la Sinfónica de Boston, en una lectura de lujo. Entre grabaciones posteriores emerge por sobre todas la de otro gran stravinskiano, Pierre Boulez, en una lectura filosa, lujuriosa, con tiempos precisos y ritmos excitantemente abruptos, en una de las glorias interpretativas de la Filarmónica de New York. Sony ha tenido el excelente tino de incluirla junto a la también legendaria interpretación del mismo Boulez de La Consagración, con la Orquesta de Cleveland, del año 1.968. En esta entrega vuelvo a publicar La Consagración, ya tratada anteriormente en un artículo, pero con ripeo rabioso de 320 kbps para la mejor apreciación del sonido... Petrouchka, Boulez, New York...

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M-S.

Stravinsky y Nijinsky, el primer Petrouchka (1911)

Cuando la conciencia de un país pierde una de sus voces...

Frank Ferko
STABAT MATER
His Majestie`s Clerkes
Dir: Anne Heider.
(Cedille)
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Mediante una hermosa obra coral vaya un pequeño pero significativo homenaje musical por la dolorosa e insustituible pérdida de ese gran periodista, poeta, personaje de medios, y sobre todo humorista venezolano y referente latinoamericano que fue Manuel Graterol Santander, mejor conocido y a recordar eternamente como "Graterolacho". Fue su voz en siempre genial prosa y en ocurrentes e hilarantes versos la expresión de la conciencia nacional venezolana, a través de un humor que desde muy temprano hizo academia. Venezuela, ésta Venezuela actual que padece y que parece disolverse en manos de dirigentes indignos, no necesitaba éste duelo adicional y por eso llora tu pérdida, Graterolacho, ahora es allá arribota, cerca del Trono Celestial, donde están disfrutando de tus coplas. IN MEMORIAM.

Manuel Graterol Santander (1935-2010) "Graterolacho"

Paul Hindemith y su Metamorfosis Sinfónica.

Paul Hindemith (1895-1963)
METAMORFOSIS SINFONICA
(SYMPHONISCH METAMORPHOSEN ÜBER EIN THEMA VON CARL MARIA VON WEBER)
Staatskapelle Dresden
Dir: Otmar Suitner.
(Brilliant Classics)
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Con dedicatoria especial al amigo y reciente pero ferviente seguidor de ARPEGIO, Kenbei.
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Paul Hindemith no es sólo uno de los máximos exponentes de la música alemana y centroeuropea del siglo XX, sino de toda la música universal de ese siglo. Su relevancia radica en que fue uno de los más fervientes experimentadores del siglo, en contraposición al vanguardismo radical y atonal de Schönberg y de su escuela, demostrando que aún se podía innovar y crear música "seria" y de calidad dentro del sistema tonal imperante en toda la Historia anterior de la Música. Junto con Schönberg, Stravinsky y Bartók, se le considera uno de los cuatro grandes innovadores del modernismo musical. Fue Hindemith además uno de los pioneros en la creación y evolución de la llamada "música utilitaria" (Gebrauchsmusik), música para poder ser escuchada a cualquier hora del día y en cualquier situación. Hindemith sostenía que el compositor debía actuar como un artesano, al tiempo que debía mostrar en su música las necesidades sociales. En este sentido Hindemith a quien más se aproximaría en estilo sería al también alemán Karl Amadeus Hartmann. Como pedagogo, su influencia en las generaciones posteriores de compositores alemanes e internacionales ha sido muy destacada.

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Desde muy temprano en su carrera musical, la reputación de Hindemith fue en ascenso, inicialmente por el impacto de su música de cámara y de sus primeras Operas expresionistas. Manteniéndose en el expresionismo, Hindemith logra un lenguaje idiosincrático separado de las corrientes postmahlerianas de por ejemplo Zemlinsky y Schreker, y cada vez se vuelca más hacia las corrientes neoclásicas, aunque en una concepción diferente a lo que luego hizo Stravinsky. Las grandes obras del primer período creador de Hindemith contaron con grandes, cálidos y elogiosos estrenos, y representaciones en las principales salas de concierto y de Opera de la Europa de pre-guerra. Sin embargo, aun no siendo judío, su música fue considerada "degenerada" por los censores nazis, lo cual puso en dificultades cada vez mas serias al compositor frente al régimen, quien finalmente se vio obligado a huir de Alemania.
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Posterior a este primer período, Hindemith entra en una nueva etapa creadora de su vida artística, donde su visión creadora cambia radicalmente, dando paso a una etapa neoclásica en sus composiciones. En este sentido, trató de distanciarse lo más posible de Stravinsky y lo logró, ya que mientras Stravinsky trabajaba con variaciones sobre la música de Mozart, el germen fundamental de Hindemith era Bach. Buena muestra de ello fue su serie Kammermusik, que inició con Kammermusik no.1, el primero de una serie de siete trabajos escritos entre 1917 y 1924, en los que Hindemith trataba de imitar los conciertos barrocos, específicamente los Conciertos de Brandenburgo de Bach, aunque usando una armonía tonal mucho más amplia y añadiendo unos elementos jazzísticos y otras técnicas propias de su comtemporaneidad.

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El exilio le valió a Hindemith el auge y esplendor de su creación artística. Por sus muchas obras se labró enorme reputación entre la crítica internacional. Tras Mathias der Maler, la obra que le valió la gloria pero también el ostracismo, el contrapunto lineal de sus composiciones se hizo menos áspero, la tonalidad apareció con más claridad, lo que implicó una mayor belleza en sus piezas, frente a la austeridad característica de sus años anteriores. De esta manera aparecieron obras maestras como Plöner Musiktag; Trauermusik (1936), escrita en menos de veinticuatro horas; la Serie Coral de canciones para los franceses, compuesta sobre poemas de Rilke (1939); el ballet Nobilissima Visione (1938), basado en la vida de San Francisco; Sinfonía en Mi desafinado (1940); Sonata para dos pianos (1942); La Metamorfosis Sinfónica sobre temas de Carl Maria von Weber (1943); La Sinfonía Serena (1945); Los Cuatro Temperamentos (1940); Ludus Tonalis (1942); la Sonata para Arpa en Homenaje a Bach (1949); Sinfonía en Re para banda; o Doce Madrigales. Entre sus conciertos para diferentes instrumentos, destacan el concierto para violín (1939) y concierto para cello (1940), aunque también los hubo dedicados al clarinete, a la trompa y al piano. La última composición de Hindemith fue su snfonía "Die Harmonie der Welt" ('La armonía del mundo', 1957).

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Con el tiempo, y sobre todo en el inicio de la postguerra, la influencia de Hindemith fue declinando en favor de las corrientes extremistas de Schoenberg y Webern. La causa principal fue la oposición frontal de Hindemith hacia la dodecafonía que se imponía en las composiciones musicales, lo que incluso le llevó a calificarse a sí mismo como un anti-Schoenberg. Esto hizo que compusiese numerosas piezas satíricas en las que utilizaba once o trece notas seguidas, con las que intentó, sin resultado, cambiar el pensamiento musical de la época. Su trabajo teórico para sustituir la dodecafonía lo resumió en la publicación Unterweisung im Tonsatz ('El arte de la composición musical', 1937-1939). No obstante, su producción musical no decayó en los últimos años de su vida; en estas composiciones tardías se puede encontrar una angustia antes no reflejada. Incluso en su última obra, Die Harmonie del Welt, quizá cansado de lo infructuoso de su empeño, se permitió coincidir en el sonido con las últimas composiciones de Schoenberg.
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Paul Hindemith falleció en Frankfurt en 1.963, y su música en la actualidad recupera el terreno que bien se merece en la esfera interpretativa y en el mundo de la música grabada.

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La Metamorfosis Sinfónica sobre temas de Weber, que motiva esta entrega, constituye una de sus obras más famosas, populares y conocidas y fue compuesta por Hindemith en 1.943. La idea de componer un trabajo basado en música de Weber fue inicialmente el encargo de un ballet por parte del coreógrafo Léonide Massine. Después de estudiar la música de Weber, la idea terminó sin convencer al compositor, y en su lugar compuso la Metamorfosis.

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La obra se divide en cuatro partes:

1-Allegro
2- Scherzo (Turandot): Moderato - Lively
3- Andantino
4- Marsch

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Los temas weberianos escogidos por Hindemith, parten de la música incidental que aquel compuso para el libreto de Carlo Gozzi, Turandot, el mismo que inspiró a la inmortal Opera de Puccini.
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La obra fue estrenada el 20 de enero de 1.944, a cargo del director Artur Rodzinsky, dirigiendo la Filarmónica de New York.

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La grabación presentada en esta entrega, a cargo del recientemente desaparecido gran maestro Otmar Suitner pone de relieve la grandeza de esta música. Interpretación impoluta, cargada en contrastes y atenta a los balances, equilibrio sonoro y fuerte acentuación en todos los departamentos de la orquesta, de particular relieve la exquisita percusión, uno de los fuertes en todas las obras orquestales de Hindemith. Una verdadera joya y otro aporte en forma de homenaje a ese gran maestro que aún no se valora en su justa medida, mientras que nombres de actualidad y Rockstars de calidad oscilante y por verse como Dudamel son los que se llevan el centimetraje de los críticos.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: El Concierto para Violín,

Piotr Ilich Tchaikovsky
VIOLIN CONCERTO, Op.35
Jascha Heifetz, Violín
Chicago Symphony Orchestra
Dir: Fritz Reiner
(RCA)
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¿Qué màs se puede decir sobre el concierto para violín más popular de todo el repertorio? ¿Qué melómano que se digne de tal nombre no lo conoce? Esperando que el abreboca introductorio ejecutado por Viktor Tretyakov haya sido del agrado de los escuchas entraremos en una grabación totémica que hasta el día de hoy es motivo de ritual sagrado.

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Tchaikovsky solía pasar dificultades a la hora de encarar obras concertantes, ya conocemos los intríngulis y desencuentros que rodearon al 1er concierto para piano, así como las circunstancias que permitieron a Fitzenhagen crear su propia versión de las Variaciones Rococó. El concierto para violín también tuvo una gestación y estreno fuera de Rusia. Tchaikovsky lo compuso entre el 17 de marzo y el 11 de abril de 1.878, en Suiza, en circunstancias personales desastrosas, y el estreno correspondió al violinista Adolf Brodsky, secundado por el gran director Hans Richter y la Filarmónica de Viena (vaya estreno!), el 4 de diciembre de 1.881.

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El concierto originalmente estaba destinado al gran violinista Leopold Auer, y de igual modo al affaire Rubinstein con el op.23, Auer declaró el concierto inejecutable, no sólo negándose a tocarlo, sino haciendo activa campaña publicitaria en contra de la obra. Finalmente Brodsky se aventuró a desafiar la censura impostada de Auer y decidió dar la premiere, pero no en Moscú, sino en Viena. El resultado de ese concierto fue un tumulto. El público vienés era de tradicion natural conservadora y sus críticos los más ponzoñosos de Europa. Mientras la mitad de la audiencia quedó eufórica ante las novedades audaces y ritmos gitanos del concierto, la otra mitad quedó espantada y le hizo la cruz a la obra. Estas reacciones, en conjunto con la crítica descarnada de Eduard Hanslick, al contrario de desalentar a Brodsky, lo envalentonaron a seguir tocando el concierto, obteniendo mayor éxito en Londres, y uno estruendoso y rotundo cuando por fín fue llevado a Moscú. Los críticos quedaron a la final en ridículo y el propio Auer años más tarde reconoció su error, enseñándolo luego a sus discípulos, entre los que se encontró nada menos que Jascha Heifetz, el motivo de este escrito.

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El concierto planteaba retos increibles y avances revolucionarios para el mundo musical europeo decimonónico de los 80`s, de allí el rechazo inicial a la obra (como suele suceder ante lo verdaderamente revolucionario), pero una vez que las dificultades pudieron ser afrontadas y resueltas por las diferentes generaciones de violinistas, el concierto fue alcanzando posiciones hasta alcanzar el lugar que hoy tiene y merece.

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Siendo que se trata del concierto más popular de todo el repertorio (lo cual no implica necesariamente que sea el mejor, pura y musicalmente hablando), todo violinista con algun lugar relevante en la historia del instrumento ha tenido que abordarlo, por lo que es de imaginar que grabaciones hay decenas y decenas. Es un concierto que se presta para conocer la personalidad de cada uno de los intérpretes, desde el sanguíneo virtuosismo del gran Jascha Heifetz, la calidez romántica de Milstein y Stern, pasando por el cerebral David Oistrakh, el estoicismo objetivista de Kogan y hasta la estandarización desromantizada que apreciamos en los violinistas del presente. Jascha Heifetz marca un hito importantísimo en este concierto, y en su célebre grabación secundado por otro grande, el director Fritz Reiner, se logró una cumbre olímpica, de la cual se puede decir que hasta ahora no se supera en altura. Dentro de las grabaciones que han pasado la prueba del tiempo y el consenso casi unánime de todos los melómanos, críticos, expertos y no tan expertos, esta es una de ellas, por lo cual no puede faltar en ninguna colección de música que se considere respetable, y menos en una discoteca básica tchaikovskiana. Esta es , pues, una joya esencial de la serie Todo Tchaikovsky.

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M-S

Jascha Heifetz

Completando a Sibelius

Jean Sibelius
EL CISNE DE TUONELA
SUITE KARELIA
EN SAGA
The Philadelphia Orchestra
Dir: Eugene Ormandy
(SONY)
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Con esta entrega finalizo este maravilloso disco que recoge las obras más populares de Sibelius. Mención especial al Poema Sinfónico En Saga, que en ejecución de Ormandy es algo realmente fuera de serie. Ya el amigo y colega Julio Salvador puede completarlo.

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M-S.

La Isla de los Muertos.

Sergei Rachmaninov (1873-1943)
TOTENINSEL, Op.29
Minneapolis Symphony Orchestra
Dir: Dimitri Mitropoulos.
(CBS-Masterworks Heritage)
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Sin intención hasta ahora he descuidado a uno de mis compositores preferidos, Sergei Rachmaninov. Compensaré en lo sucesivo esa omisión.

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Rachmaninov fue aparte de gran pianista, gran compositor y gran director de orquesta. Una de sus obras insignia, la 2da Sinfonía, fue completada en 1.907, seguida en 1.909 por su gran Poema Sinfónico "La Isla de los Muertos". La obra está inspirada en una pintura bien conocida del artista suizo Arnold Böcklin, del mismo nombre, la cual muestra a Caronte, el barquero del Hades, quien conduce a los muertos a través del río Styx en su viaje al inframundo, y en cuyo camino fluvial se encuentran los riscos y acantilados de la ominosa isla.

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Como es usual en su obra, Rachmaninov hace uso constante de fragmentos del Dies Irae, el himno tradicional de la Misa de Muertos católica, y a través de su trama espectral, se sugiere la atmósfera del viaje de los muertos en la siniestra barca acompañados de Caronte. La idea sugerida es atmosférica, pues para nada se trata de música descriptiva.

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A pesar de ser una obra atractivísima y con un rico colorido orquestal, no parece aún ser una de las obras más populares de Rachmaninov. Las grabaciones existentes no son demasiado abundantes, y sólo se puede considerar a unas pocas como totalmente asertivas.

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Dimitri Mitropoulos fue sin duda una de las grandes batutas del siglo XX, especialista en el gran repertorio romántico, pero también gran promotor de los contemporáneos de ese siglo. Dado que fue mas o menos contemporáneo con Rachmaninov, fue uno de los primeros intérpretes de "Toteninsel" y uno de los primeros en grabarla. Antes de ser titular de la Fil. de New York, Mitropoulos regentó la Sinfónica de Minneapolis, a la que llevó a un altísimo nivel artístico y de la cuya asociación quedan espléndidas grabaciones.

Una de esas grandes grabaciones inmortales es este registro de "La Isla de los Muertos" , que data de 1.941, y que para muchos es la más grande interpretación realizada hasta el presente. Efectivamente su increible contraste dramático, sus tiempos abruptos y la brillante ejecución orquestal hacen de esta grabación uno de los grandes tesoros de toda la música grabada. A pesar de la antiguedad de la grabación (casi 70 años!), la edicion remasterizada por Sony es extraordinaria y hacen al sonido bastante más que aceptable. Les invito a explorar esta auténtica joya.

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M-S.

La Isla de los Muertos, por Arnold Böcklin (1883)

Prokofiev: Piano Concerto Nr.2

Sergei Prokofiev

PIANO CONCERTO NR.2, Op.16

Yundi Li, Piano

Berliner Philharmoniker

Dir: Seiji Ozawa.

(DG)

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A continuación un disco salido relativamente reciente y que incluye los conciertos Nr.2 de Prokofiev y el concierto en sol menor de Ravel. Probablemente ha pasado con todos ustedes que particularmente una obra no les haya dicho nada por mucho tiempo, hasta que por fin escuchan una interpretación que les hace elevar las cejas y decir WOW!! Había sido hasta este disco mi caso con el Nr.2 de Prokofiev, que no me decía mucho, sin embargo tras la audición mi valoración y opinión han cambiado. Había leido varias criticas alabando a este joven pianista que es Yundi Li, pero hasta este disco aun no escuchaba nada de él. Debo decir que al menos en Prokofiev, la maestria ejecutoria de Li iguala a cualquiera de los que ha rozado el cielo tocando estos conciertos. La ejecutoria de Li es perfecta, asertiva, mercurial y transparente y el acompañamiento magistral de Ozawa, hacen de esta la grabación perfecta del Nr.2 de Prokofiev, igualando al menos a cualquiera que se quiera presentar como referencia. La toma del sonido es muy buena y proviene de un concierto en vivo, y el aplauso estruendoso al final lo dice todo. Acompaña a esta obra el concierto de Ravel. Aca las cosas cambian. Conociendo interpretaciones verdaderamente ravelianas, incluso Bernstein tocando él mismo el concierto con la ONF de una forma posesa, la lectura de Li luce fría y con pocas texturas, resultando una ejecución solo justa, mas nada. El valor del disco viene dado definitivamente por el Nr.2 de Prokofiev y por eso solo este concierto traigo a consideración.

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M-S.

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"Yundi Li turns in a scorching performance of Prokofiev's most exciting piano concerto. In the first movement not even monster banger Alexander Toradze throws off more fireworks in the cadenza that comprises nearly 50 percent of the first movement, and yet Li also shapes the music with purpose and a very keen sense of climax. The second-movement toccata flies by at a breathtaking pace so quickly in fact that articulation threatens to become blurred; but somehow both Li and the Berliners under Ozawa manage to hang together. From there on it's smoothsailing, with perfectly paced and transcendently virtuosic accounts of the two final movements (this concerto has no real slow movement at all). The Berlin Philharmonic plays with notably more weight and conviction than it does in Ozawa's dullest-ever Prokofiev symphony cycle...".David Hurwitz.

Sibelius: Valse Triste.

Jean Sibelius

VALSE TRISTE

The Philadelphia Orchestra

Dir: Eugene Ormandy

(CBS-SONY)

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El Valse Triste formaba parte originalmente de la música incidental que Sibelius compuso para su título "Kuolema". Más tarde, en 1.904, el compositor decidió arreglarlo y publicarlo como obra separada, quedando como hoy lo conocemos.

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De nuevo, Eugene Ormandy, sibeliano de los mejores, con su orquesta de Philadelphia, nos traen en este disco una interpretación modélica. Para el amigo Julio Salvador...

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M-S.

Todo Tchaikovsky: Feliz Cumpleaños Piotr Ilich!

Piotr Ilich Tchaikovsky

VIOLIN CONCERTO, Op.35

Viktor Tretyakov, Violin

USSR RTV Large Symphony Orchestra

Dir: Vladimir Fedoseyev

(Melodiya)

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En el 170 aniversario del nacimiento del Gran Trágico Ruso...

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Iniciando la primera de varias entregas concernientes a las mejores grabaciones del fabuloso concierto para violín. En lo particular, me parece que ninguna de las grabaciones hechas por artistas de nuevas generaciones y vigentes se acerca a los grandes intérpretes del pasado(Heifetz, Stern, Oistrakh, Kogan, Milstein...). La siguiente entra en ese selecto grupo y se trata de una transcripción en mp3 de un LP que me ha resultado extraordinaria. Aunque se trata de la versión original que incluye un final más largo, con reexposiciones si se quiere innecesarias del tema virtuoso, la grabación a considerar es una joya digna de esta celebración.

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M-S.

La Hija de Pohjola.

Jean Sibelius

POHJOLAS TOCHTER, Op.49

New York Philharmonic

Dir: Leonard Bernstein.

(CBS-Sony)

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Complaciendo peticiones, particularmente en dedicatoria al amigo y colega Julio Salvador.

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Leonard Bernstein fue otro de los grandes directores sibelianos, y su registro de este hermosísimo poema sinfónico da testimonio de su maestría. Viene en este disco acompañando al Finlandia ya presentado y a otras piezas famosas que se completarán en una última entrega.

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Sibelius compuso su Op.49 en 1.906. Originalmente Sibelius proyectó el título de Väinämöinen para esta obra, en relación a uno de los personajes del Kalevala. El publicista Robert Lienau insistió entonces en el título Pohjolas Tochter (La hija de Pohjola), que fue aceptado luego por el compositor. La hija de Pohjola fue el primer trabajo que Sibelius publicó bajo una editorial alemana. Para sorpresa, la premiere de esta obra se llevó a cabo en Sankt Petersburg, en Rusia, en diciembre de 1.906 con el compositor mismo dirigiendo la Orquesta del Teatro Mariinsky.

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Este pasaje del Kalevala proviene de la 8va Runa, que narra la historia de "Väinämöinen y la doncella de la granja del norte". El viejo Väinämöinen conoce y se enamora de la "Hija del lejano Norte (Pohjola)", quien se presenta sentada en un arcoiris, vestida de oro mientras de desplaza en un trineo (muy finlandés eso). Väinämöinen pide su mano, pero ella responde que sólo se unirá al hombre que cumpla determinadas tareas casi imposibles, como atar un huevo con nudos invisibles ó construir un barco con los restos de su rueca de hilar. Dadas sus habilidades de mago, Väinämöinen acepta los retos, pero en el ínterim se enfrenta a unos demonios malignos y resulta herido con la aguja de la rueca, y ante la burla sarcástica de Pohjola, renuncia a sus pretensiones y sigue su viaje solo.

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Este poema sinfónico se constituye en una de las mejores obras de Sibelius, volcado en estructura hacia las formas de Richard Strauss, pero con un lenguaje finés indudable. La versión aca presentada hasta el momento tiene pocos competidores.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: Variaciones Rococo (original)

Piotr Ilich Tchaikovsky

ROCOCO VARIATIONS, Op.33

Raphael Wallfisch, Cello

English Chamber Orchestra

Dir: Geoffrey Simon.

(Chandos)

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Complaciendo peticiones, las Variaciones Rococo, en su versión original, tal como las compuso Tchaikovsky, sin ninguna de las intervenciones de Fitzenhagen.

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Corresponderá al escucha evaluar y comparar para encontrar las diferencias y cual versión les complace más.

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M-S.

Finlandia.

Jean Sibelius
FINLANDIA, Op.26
The Philadelphia Orchestra
Dir: Eugene Ormandy.
(CBS-SONY)
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Finlandia es una de las obras orquestales más queridas, conocidas y populares de todo el repertorio y probablemente la mejor obra orquestal de corte nacionalista creada alguna vez.

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La obra fue escrita originalmente en 1899 y posteriormente revisada en 1900. La pieza dura aproximadamente siete minutos, se desarrolla en tres diversos escenarios anímicos, una primera parte turbulenta y oscura, que representa la opresión del pueblo finés durante mucho tiempo bajo el yugo ruso, una segunda parte con gran y brillante despliegue orquestal en modo maestoso que representa la lucha contra el intruso opresor, y finalmente una conclusión que se manifiesta como un himno de reivindicación y esperanza. La obra desde su estreno fue un éxito rotundo, logrando burlar la censura zarista y convirtiéndose en consigna patriótica y canto a la libertad.

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Dada la popularidad de esta bellísima pieza sinfónica, no es de extrañar que existan muchas grabaciones hechas por los más diversos directores y orquestas, tanto en su versión pura orquestal, como en la versión que incluye coros. De las versiones orquestales, hasta el momento no hay ninguna que se iguale a la legendaria grabación de Eugene Ormandy con su Orquesta de Filadelfia. Ormandy no sólo fue un gran sibeliano, sino que fue amigo cercano del compositor, y la calidad de esta interpretación revela mucho más que un compromiso.

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M-S.

Sibelius y Ormandy

En el Bicentenario de Schumann (II)

Robert Schumann

Cello Concerto, Op.129

Mstislav Rostropovich, Cello

Leningrader Philharmonie

Dir: Gennadi Rozhdestvensky.

(DG)

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En el marco de nuestro primer aniversario, celebrando las primeras 100.000 visitas al Blog y en el año centenario del gran Robert Schumann, una de las mejores obras de su creación.

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Crear un buen concierto para cello es un gran reto y que sólo algunos de los grandes lograron superar. Mozart no lo hizo. Beethoven no se atrevió y resolvió su carencia con el Triple Concierto que atenuaba los problemas técnicos que plantea el cello solista frente a una orquesta. Quitando las libertades de forma de compositores contemporáneos (Shostakovich, Elgar, Walton), no hay en períodos anteriores muchos conciertos verdaderamente buenos para cello. Poniendo como la más alta cumbre de la expresión al milagro que es el concierto de Dvorak, probablemente el de Schumann pueda ocupar el segundo lugar. Es una obra maravillosa, idiomáticamente expresiva a pesar de la gran economía en su composición, significando el más puro estilo romántico embrionario germánico de la primera mitad del siglo XIX.

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De entre la pléyade de interpretaciones que existen de este concierto, probablemente no hay ninguna que haya capturado mejor todos los elementos resaltantes de esta obra que la que hicieron Rostropovich y Rozhdestvensky, más o menos para la época en que hicieron su igualmente fabulosa versión de las Variaciones Rococó de Tchaikovsky, recientemente presentada por aca.

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Siguiendo pues con este homenaje al bicentenario del natalicio de Schumann que durará el resto del año, disfruten de su concierto para cello.

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M-S.

1er Aniversario de ARPEGIO.

Sir Michael Tippett

A CHILD OF OUR TIME, Oratorio (El Niño de nuestro tiempo)

Jessye Norman, Janet Baker, Richard Cassilly, John Shirley-Quirk, Solistas.

BBC Symphony Orchestra

Dir: Sir Colin Davis.

(PHILIPS)

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ARPEGIO celebra su primer aniversario como Blog de Música Académica, y desea hacerlo mediante esta entrega especial, una obra única y de gran relevancia.

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"A Child of Our Time" (El Niño de nuestro tiempo ó El Niño de nuestra era) es la obra coral más importante compuesta por Sir Michael Tippett y uno de los mas grandes Oratorios de toda la música británica. Compositor bastante irregular, Tippett compuso bastantes fruslerías, pero entre sus obras rescatables resalta por sobre todo este Oratorio, escrito entre 1939 and 1941.
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El Oratorio está inspirado en eventos ocurridos en 1.938, como prolegómenos a la II Guerra Mundial: Herschel Grynszpan, un joven judío refugiado en París, asesinó al diplomático alemán Ernst von Rath. Este incidente sirvió de perfecta excusa a la dirigencia nazi para desencadenar la primera gran ola de violencia contra todos los judíos de Alemania en lo que se conoció como la Kristallnacht.

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La fuerte impresión de estos acontecimientos estimuló a Tippett a componer el libreto para el Oratorio, mostrando sus fuertes creencias pacifistas y su convicción del ser humano como una mezcla de "luz y sombra". El título de la obra proviene de la novela escrita en 1.938 por Ödön von Horváth, Ein Kind unserer Zeit (A Child of Our Time). Tippett comenzó la composición el 5 de Septiembre de 1.939, dos días después de la declaración de guerra de la Gran Bretaña a Alemania. El Oratorio está decididamente marcado por el estilo formal inglés impuesto desde Händel, pero también claramente volcado hacia el lenguaje del siglo XX, con elementos provenientes del Jazz y de los Spirituals afroamericanos. El resultado es una obra única en su estilo.
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Estructure
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First part:
Chorus: The world turns on its dark side
The Argument & Interludium: Man has measured the heavens
Scena: Is evil then good?
The Narrator: Now in each nation there were some cast out
Chorus of the Oppressed: When shall the usurer's city cease?
Tenor Solo: I have no money for my bread
Soprano Solo: How can I cherish my man?
A Spiritual: "Steal away to Jesus"
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Second part:
Chorus: A star rises in midwinter
The Narrator: And a time came
Double Chorus of Persecutors and Persecuted: Away with them!
The Narrator: Where they could, they fled
Chorus of the Self-righteous: We cannot have them in our Empire
The Narrator: And the boy's mother wrote
Scena: The Mother, the Uncle and Aunt, and the Boy: O my son!
A Spiritual: "Nobody knows the trouble I see"
Scena: Duet: The boy becomes desperate
The Narrator: They took a terrible vengeance
Chorus: The Terror: Burn down their houses!
The Narrator: Men were ashamed
Spiritual of Anger: "Go down, Moses"
The Boy Sings in his Prison: My dreams are all shattered
The Mother: What have I done to you, my son?
Alto Solo: The dark forces rise
A Spiritual: "By and by"
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Third part:
Chorus: The cold deepens
Alto Solo: The soul of man
Scena: The words of wisdom
General Ensemble: I would know my shadow and my light
A Spiritual: "Deep river"
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La première tuvo lugar en el Adelphi Theatre de Londres, el 19 de Marzo de 1.944, con Walter Goehr dirigiendo la Filarmónica de Londres, obteniendo un estruendoso éxito. La premiére fuera de Inglaterra tuvo lugar en 1952, en Haifa, Israel, concierto en el que estuvo presente el padre de Herschel Grynszpan. Herschel Grynszpan fue deportado a Alemania en 1.94o después de la caida de Francia y estuvo en cárceles y campos de concentración hasta finales de 1.943, momento a partir del cual no se supo más nada de su destino.

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Sirva además esta entrega como Homenaje a las víctimas de Katyn, cruelmente masacradas hace 70 años por la brutalidad criminal estalinista, cuya conmemoración que se iba a celebrar ayer fue empañada por el trágico accidente aéreo que segó las vidas de parte de la actual élite polaca, incluyendo al presidente, en una de esas macabras ironías históricas. Paz a las almas de todos.

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M-S.

Ferenc Fricsay y El Moldava.

Bedrich Smetana

DIE MOLDAU (EL MOLDAVA)

Berliner Philharmoniker

Dir: Ferenc Fricsay

(DG)

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Como preludio al 1er aniversario de ARPEGIO.

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El Moldava es la obra por la que Smetana ha pasado a la inmortalidad, y no sin razón, pues se trata de una de las obras orquestales más hermosas y magistralmente inspiradas que alguna vez se haya creado.

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Como bien se sabe, este poema sinfónico es una de las partes que conforma el ciclo llamado "Mi Patria" (Ma Vlast), pero resalta sobre el resto por la magia que irradia desde el mismo comienzo dionisíaco de la flauta dialogando con las cuerdas.

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Ferenc Fricsay, gran batuta y talento truncado por una muerte precoz, fue un experto en la interpretación de esta obra, llegando en su tiempo a considerarse el auténtico dueño de la misma. Su famoso video ensayando la obra con su orquesta de la RIAS berlinesa es revelador por el maníaco empeño de Fricsay en afinar hasta el menor detalle e impoluta sincronización de la orquesta hasta dar con el sonido perfecto y puro.

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Sin embargo, de las grabaciones dejadas por el maestro húngaro, la presente hecha con la Filarmónica de Berlín (la orquesta de su potencial rival, Karajan) es la más imponente y expresiva de todas. Provoca brincar en bravos cuando la misma finaliza. Digna pieza de celebración de aniversario.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: Valse-Scherzo.

Piotr Ilich Tchaikovsky

VALSE-SCHERZO, Para Violín y Orquesta, Op.34

Itzhak Perlman, Violin

Leningrader Philharmonie

Dir: Yuri Temirkanov.

(RCA)

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Las obras cortas del Gran Trágico Ruso se pueden considerar auténticas piezas de bombonería musical. Pequeñas pero con mucho sabor.

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La obra musical de Tchaikovsky para violín y orquesta comprende su temprana Serenata Melancólica, ya presentada; el Valse-Scherzo, originalmente compuesto para violín y piano y luego arreglado con acompañamiento orquestal; y finalmente el Concierto para Violín, que viene en entrega próxima. De cualquier modo, los pasajes para solo de violín son abundantes en toda la obra del compositor, a los cuales era muy afecto.

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En 1.990 el sello RCA editó este interesante disco como tributo a los 150 años del nacimiento del compositor. Lo seleccionado está acertado y en general es un disquito simpático, y dentro de los mejor que tiene está esta interpretación del Valse-Scherzo.

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M-S.

Requiem de Mozart.

Wolfgang Amadeus Mozart
REQUIEM, K.626 (Versión Süssmayr)
Karl Ridderbusch, Hans Haselböck, Edith Mathis, Wieslaw Ochman
Wiener Philharmoniker
Dir: Karl Böhm
(Deutsche Grammophon)
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Para culminar la conmemoración de la Pascua, otra gran obra coral, de trascendencia universal, en probablemente la lectura más reverencial, implacable y apocalíptica de cuantas se han hecho.

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M-S.

Franz Xaver Süssmayr: Requiem

Franz Xaver Süssmayr

REQUIEM

St. Olaf Choir

St. Paul Chamber Orchestra

Dir: Andreas Delfs.

(Saint Olaf Records)

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En la conmemoración del Viernes Santo...

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Franz Xaver Süssmayr es recordado y acaso conocido hoy día por haber completado el universalísimo Requiem de su mentor, Wolfgang Amadeus Mozart. Sin embargo, el asistente del gran genio de Salzburgo tuvo también su producción propia, en la que se cuenta este interesante, hermoso, pre-romántico y de breves alcances Requiem.

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-classicstoday.com Review:

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"Any recording by the St. Olaf Choir is worth attention, and although the catalog is hardly desperate for another Mozart Requiem, this program offers an intriguing coupling--what purports to be the modern "premiere" of Franz Süssmayr's own Requiem, likely written sometime after his celebrated (and sometimes maligned) effort to complete Mozart's beloved yet unfinished setting. There's absolutely nothing wrong with the singing here--you can count on this choir to be fully prepared for whatever it undertakes, and Anton Armstrong is America's pre-eminent choral conductor. If you've had the good fortune to hear one of the choir's concerts, you know how good choral singing can be, and you know the glory of inspired, focused ensemble performance. Ironically, it's the quality of the live concert recording, and the strikingly contrasting ambience from two different venues, that compromises the otherwise superb work by the performers, including a very fine group of vocal soloists and a solid, reponsive orchestra.
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For the Mozart, the sound is acceptable in that you can make out most of the detail in the choral parts, and the solos and quartets are well-balanced; but the orchestra often sounds as if it's mixed in with the singers, so in the tuttis you have trouble separating choir from instruments, either spatially or texturally--undoubtedly a function of concert conditions, but nevertheless a definite concern for CD listeners. Interpretively, there's no lack of energy or attention to the text, and, some idiosyncratic Latin pronunciation aside ("ekselsees", for example), this is as satisfying and reliable a performance as the best in the catalog.
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The Süssmayr Requiem is one of those works whose obscurity is pretty much deserved--there's absolutely nothing special or original or compelling about it, and yet it retains significant value for its clues to the composer's own style and, most importantly, to his methods and compositional solutions to matters of text setting, orchestration, harmonization, and fundamental aspects of choral/orchestral structure. The one thing that looms large after listening for a few minutes: how could this composer be the same one who completed Mozart's work? There are a few moments of cleverness and even high competence--but you have to conclude that in finishing Mozart's Requiem he must have had some serious help, most likely in the form of sketches that he either destroyed or were accidentally lost. The sonic cast for this part of the CD is more resonant than for the Mozart, and the performers are closer, yielding a somewhat strained quality to the strings--and worse, making them seem out of tune at times (directly attributable to faulty miking, not the playing). Again, the singing is superb, giving Süssmayr's Requiem as committed and highly polished a performance as we could ask for--and perhaps better than it has a right to expect!
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The uncredited writer of the liner notes shares my view that while we may wish for--and modern scholarship urges--some "improvement" on Süssmayr's flawed completion of the unfinished work of a genius, nevertheless, it's really the best we have, and it bears an authenticity--after all, Süssmayr was at Mozart's side during his last days--that no modern author, no matter how well-intentioned or how musicologically well-armed can claim. I have to mention, however, that this recording suffers from several bad production decisions: the basic track listings appear only on the back of the jewel-box--nothing in the liner booklet (an irritating and unnecessary inconvenience); intrusive audience noise is inexplicably left in at several points in between tracks--and similarly, loud audience applause and shouts are included at the end of the CD. No one really wants to hear this and why anyone thinks so is beyond me. And for those really paying attention, there's a rough electronic glitch about 45 seconds into the "Confutatis" movement. Finally, for some reason Mozart's work is listed only as "Requiem", without the usual key and catalog designation, Requiem in D minor K. 626--not a big deal, but another curious and unnecessary omission. This will be a definite acquisition for St. Olaf fans, but if you have a favorite Mozart Requiem, you need not worry about this one, well sung as it is. However, if you're curious about Süssmayr, this is one of the few opportunities to indulge your interest."
--David Vernier
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M-S.

El arte de Otmar Suitner: Robert Volkmann y su Serenata Nr.2

Robert Volkmann

Streicherserenade Nr.2

Staatskapelle Dresden

Dir: Otmar Suitner.

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Una entrega especial, dedicada para el amigo y asiduo lector, Bubo.

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Las obras grabadas para orquesta de cuerda por este insigne director, recientemente desaparecido, al frente de la que puede ser considerada la agrupación orquestal profesional más antígua del mundo, la Staatskapelle Dresden, son motivo de admiración y amplios elogios por la altísima calidad ejecutoria que evidencian. A quienes gustó la Metamorfosis de Strauss, de seguro se deleitarán con esta pieza breve, pero no desprovista de gran encanto.

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Sobre Volkmann dice la wikipedia:

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"Nació en Lommatzsch, Sajonia, Alemania. Su padre fue un director musical de una iglesia. Con él aprendió a tocar el órgano y el piano, así como el violín y el chelo. A los 12 años de edad ya tocaba los cuartetos de cuerda de Haydn, Mozart y Beethoven. En 1832, Robert Volkmann ingresó en el instituto de secundaria de Freiberg y estudió música con Anacker, y posteriormente en Leipzig con C.F. Becker en 1836. Justamente fue en Leipzig donde conoció a Robert Schumann, que lo alentó a proseguir su carrera musical.

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Cuando culminó sus estudios, comenzó a trabajar como docente de canto en la Escuela de Música de Praga. No permaneció mucho tiempo, y en 1841 se mudó a Budapest, empleado como profesor de piano y crítico de la Gaceta alemana de música vienesa. En 1852 su Trío para piano en Si bemol menor cautiva a personalidades como Franz Liszt y [Hans von Bülow], que lo toman como parte de su repertorio en sus giras europeas. En 1854 se trasladó nuevamente a Viena, para retornar cuatro años después a Budapest.
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En 1857, Gustav Heckenast compró los derechos para publicar toda la obra de Volkmann, por lo que puede dedicarse enteramente a la composición. Cuando visitó Viena en 1864 se acercó al círculo de Johannes Brahms. Después de que la editorial Heckenast se fusionara en la década de 1870, Volkmann dejó casi de componer.
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Desde 1875 hasta su muerte, Volkmann fue profesor de armonía y contrapunto en la Academia Nacional de Música en Budapest que dirigió Franz Liszt. Volkmann falleció el 30 de octubre de 1883."

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N del E: Volkmann compuso tres serenatas para orquesta de cuerdas, sin embargo quien escribe sólo conoce hasta ahora la segunda, pero se apresta a buscar el resto, si es que se han grabado... se aceptan donaciones...

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Sin más, una segunda entrega para ir completando la música para orquesta de cuerdas por Otmar Suitner.

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M-S.

Requiem de Artyomov.

Vyacheslav Artyomov
REQUIEM
Oleg Yanchenko, Organo
Sveshnikov Boys Chorus
Kaunas State Chorus
Moscow Philharmonic Symphony Orchestra
Dir: Dmitri Kitaenko.
(Moscow Studio Archives)
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"No está muerto, solo se fue por un millón de años, quizá un poco menos"...
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Una obra especial para la audiencia en ocasión del inicio de la Pascua...
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Artyomov-Requiem.
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"Vyacheslav Artyomov has dedicated his Requiem to "Martyrs of Long Suffering Russia" and, on a scale commensurate to the immensity of the tragedy, hascreated a gigantic sound epic, a majestic monument with meticulously elaborate details, fine treatment of each feature and all- immense. A grandiose painting, it provides a subject for a long, close "contemplation" - going into and taken by semantic meaning, then it amazes one with its majesty, the might of its artistic impression. The composer's choice of the Requiem was symbolic to him for the complicity of the Russian tragedy with tragedies of the world history and for its joining with eternal spiritual values, the eventual cognition of which takes place only onthe borderline between life and death. With all this the composer interprets traditional text of the requiem in a different way, projecting it at the events of national history, comprehending it as an onlooker, an eyewitness. Canonical text becomes an impulse, a source of pictures, images - appearing in the creative mind of a composer. We perceive the continuity of Artyomov's "Requiem" with the best works of this genre in the world music, a deep, basic connection with the music of Bach. An illusion of a boundless sound space, of the cosmic scale of "action". It has a zone of associative analogies with Scriabin's Cosmos. The radiant light of the "Sanctus" addresses the listener's memory topages of "The Tale of the Invisible City of Kitezh" by Rimsky-Korsakov. And the very conception of the composition – the redemption, quiet forgiveness and rise of the spirit in the face of the eternity. It the healing conception of allgreat Russian art. One more thing should be mentioned – the integrity of the artistic language ofthe composition, the beauty as an original, ethical provision of all means, all devices of expression. No extreme devices are used to affect the audience, no pressure, no excesses - strictly classical conception of the art".

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Boosey & Hawkes.
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M-S.

Todo Tchaikovsky: Variaciones Rococó.

Piotr Ilich Tchaikovsky
VARIACIONES SOBRE UN TEMA ROCOCO, Op.33
Mstislav Rostropovich, Cello
Leningrader Philharmonie
Dir: Gennady Rozhdestvensky.
(DG)
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Las Variaciones Rococo de Tchaikovsky constituyen uno de los trabajos más populares, exquisitos y encantadores de cuantos se han creado para cello y orquesta. Es sabido que no es nada fácil componer para cello y orquesta, y ya partiendo de que no demasiados compositores se han atrevido a hacerlo, de los que lo han hecho, no han sido todos exitosos en lo que han dejado. No es el caso de Piotr Ilich por cierto, y estas maravillosas variaciones demuestran una vez más su talento y genio imaginativo, derivativo y orquestador. De hecho, aunque su estructura no lo indique, se puede considerar a esta obra como el concierto para cello de Tchaikovsky.

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La versión más popular y que siempre se ha interpretado y conocido más no es la original del compositor, sino la arreglada por el cellista a quien fue dedicada la obra, Wilhelm Fitzenhagen. A finales de 1.876, Fitzenhagen agregó enmiendas a la parte solista de la partitura y fue finalmente estrenada la obra en noviembre de 1.877, ante la Sociedad Musical Rusa, concierto en el que el compositor no estuvo presente, pues había dejado Rusia para recuperarse de su desastroso matrimonio que lo había llevado al borde de la autodestrucción. Luego de la premiere, Fitzenhagen hizo algunas correcciones adicionales, alterando variaciones y fusionando otras, presentando la obra modificada luego al publicista Jurgenson, en una versión "corregida y autorizada por el autor". Según escribe el cellista a Tchaikovsky, cuando Fitzenhagen tocó la obra en Alemania, en el Festival de Wiesbaden, Franz Liszt se le acercó y le dijo: "al fín escuchamos de nuevo verdadera música". Probablemente esto persuadió al compositor de adoptar la versión alterada por Fitzenhagen.

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Aun en nuestros días la versión original de Tchaikovsky, quizás más sincera y por qué no, preferible, es apenas conocida y explorada de manera de anecdótica por unos pocos aventureros.

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De cualquier modo, la popularidad de la edición corrupta de Fitzenhagen se basa en el virtuosismo que destina por supuesto al instrumento solista, dándole más carácter romántico y quitándole ese espíritu mozartiano que quiso imprimirle en su intención original el compositor.

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La versión original también podrá ser publicada, dependiendo de las reacciones de los asiduos lectores.

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En cuanto a grabaciones de la versión apócrifa de Fitzenhagen, probablemente la referencia más obvia y automática sea la archifamosa versión de Rostropovich con Karajan, y siendo ciertamente excelente como es, casi todos los melómanos deben conocerla y tenerla en sus colecciones. Me iré por una alternativa que está al mismo nivel, y por qué no, va inclusive un poco más alla: el mismo Rostropovich interpreta, pero acompañado del maestro Rozhdestvensky y la Fil. de Leningrado, la orquesta de Mravinsky. Una joya para atesorar.

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M-S

Portada del LP original

Richard Strauss y su Metamorfosis.

Richard Strauss
METAMORPHOSEN
Staatskapelle Dresden
Dir: Otmar Suitner.
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Richard Strauss ha sido uno de los compositores verdaderamente grandes del siglo XX. Su vida creativa se divide en tres etapas: la primera etapa, la de los grandes Poemas Tonales, de 1.888 a 1.904; la segunda, la de las grandes Operas, entre 1.905 y 1.914, y finalmente la etapa de los últimos años, donde el compositor, abatido por los avatares de la guerra y ante la inminencia de la ruina de Alemania, comienza a componer música auténticamente personal y emotiva. A este último período pertenecen la Metamorfosis y las Cuatro Ultimas Canciones, que expresan de manera nostálgica los últimos años de una gran cultura.

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Hacia el final de la guerra, Strauss, anciano y abatido escribía: "El incendio del Teatro de la Corte de Munich, donde se estrenaron Tristan e Isolda y Los Maestros Cantores, donde escuché por primera vez Der Freischutz, hace 73 años, donde mi padre fue el primer corno de la orquesta durante 49 años, ha sido la peor catástrofe de mi vida y no hay consuelo posible". Para este momento se encontraba componiendo unos esbozos originalmente llamados "Dolor por Munich", que finalmente se convirtieron en la Metamorfosis para 23 cuerdas solistas.

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Strauss le escribió entonces a un amigo: " La flor de la música alemana, que había florecido durante 200 años, se ha secado, su espíritu atrapado en la maquinaria, y la gloria de su corona, la Opera alemana, arrancada de cuajo para siempre; la mayor parte de sus hogares ha quedado reducida a escombros y cenizas y la mayoria de los que no han sido destruidos han terminado degradados como salas de cine... En la pobre Munich la casa en que nací, junto a la hermosa Michaelskirche, ya ha sido bombardeada... La casa de Goethe, el lugar mas sagrado de la Tierra, destruida!... Mis encantadoras Dresden, Weimar, todas desaparecidas!...Mi vida ha llegado a su fín..."

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En este cuadro de desesperación Strauss compuso su Metamorfosis. Aunque jamás divulgó su contenido programático, cuando se escucha no es difícil comprender el mensaje. La música obra entonces a la manera de un adolorido y torturado requiem al fín de lo que fue una gran civilización. El dia antes de que Strauss concluyera la Metamorfosis, las tropas rusas entraban en Viena. Tres dias después comenzaba la batalla de Berlín y dos semanas después Hitler se suicidaba en su Bunker. Strauss sobreviviría aun 4 años a la debacle dejando concluida una de sus obras más significativas.

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La obra fue concluida el 2 de abril de 1.945. Strauss supervisó en ensayo final, y al no quedar en Alemania orquestas estructuradas, el estreno se llevó a cabo en Suiza, donde el director Paul Sacher dirigió el Collegium Musicum de Zurich, el 25 de enero de 1.946.

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La grabación dejada por el maestro Otmar Suitner, de reciente desaparición, resulta muy especial por el detalle conmovedor, balance e intensidad tchaikovskiana que resultan del conjunto de cuerdas de la Staatskapelle Dresden, que han dejado una de las mejores grabaciones realizadas hasta el momento.

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M-S.

Ernst Krenek y su postmahleriana Elegía Sinfónica

Ernst Krenek

ELEGIA SINFONICA PARA ORQUESTA DE CUERDAS

(EN MEMORIA DE ANTON VON WEBERN)

New York Philharmonic

Dir: Dimitri Mitropoulos

(CBS)

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Ernst Krenek fue uno de los más relevantes representantes del expresionismo alemán postmahleriano del siglo XX. Discípulo de Franz Schreker, y casado y luego divorciado de Anna Mahler, hija del gran Gustav, llevó de algún modo el legado tonal mahleriano a las expresiones modernas del nuevo siglo sin entrar a comprometerse de lleno ni radicalmente con la vanguardia atonal que representaban Schönberg y su segunda escuela vienesa, pero con quienes sin embargo mantuvo contacto y relación, principalmente con Anton von Webern, tras cuya muerte Krenek compuso esta hermosa Elegía para orquesta de cuerdas, en la que de algún modo se puede rastrear influencia de la Metamorfosis straussiana. Aun siendo una pieza breve, tiene una profundidad y relevancia dignos de admiración. El gran director Dimitri Mitropoulos fue gran propulsor de las obras de Krenek, y no fue la excepción con esta obra, que estrenó en los Estados Unidos y que con frecuencia interpretó con la Filarmónica de New York. La grabación ordinariamente se consigue emparejada con su inmortal y única grabación del Wozzeck de Alban Berg. Una joya para todo coleccionista que sea digno de llevar ese nombre.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: Francesca da Rímini.

Piotr Ilich Tchaikovsky

FRANCESCA DA RIMINI, Op.32

Chicago Symphony Orchestra

Dir: Daniel Barenboim

(DG)

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Francesca da Rímini fue compuesta por Tchaikovsky entre el 7 de octubre y el 17 de noviembre de 1.876. Fué estrenada el 9 de marzo de 1.877, en Moscú, donde Nikolai Rubinstein tuvo a su cargo la dirección de la Orquesta de la Sociedad Musical Rusa.

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Probablemente después del Romeo y Julieta, la primera Obertura-Fantasía tchaikovskiana, ya presentada por este medio, Francesca da Rímini no tiene parangón como descripción de la pasión ardiente en la plenitud de sus extremos. La intensidad que transmite esta música, sus impulsos y sus hermosas melodías de amor son tan inmediatas e inconfundibles que, o nos dejamos arrastrar por el impulso pasional, o nos escondemos avergonzados o escandalizados por ella. No hay duda en que se trata de música programática en su forma más explícita.

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La inspiración de la obra revela muchísimos aspectos autobiográficos del compositor y en este sentido quedan plasmadas en la partitura los deseos, anhelos y frustraciones del mismo, describiendo el orígen, auge y caída de un amor maldito. Basada en el Quinto canto del Infierno de la Divina Comedia de Dante, la Obertura describe los amores prohibidos de la princesa Francesca con Paolo, el hermano de su prometido, el Ogro Malatesta. Malatesta descubre a los amantes abrazados y les da muerte. El alma de Francesca va entonces al infierno a unirse a las almas de aquellos otros quienes en vida se abandonaron a los placeres de la sensualidad. Francesca en su canto explica por qué está en el Infierno.

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La Divina Comedia de Dante en su Quinto canto:

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"Luego se empezaron a oir voces plañideras y llegué a un sitio donde me estremecieron grandes gemidos. Penetrábamos en un lugar que no tenía luz y rugía como el mar tempestuoso cuando está combatido por vientos contrarios. La tromba infernal que no se detiene nunca envuelve en su torbellino a los espíritus, los hace dar vueltas continuamente, los hiere y los molesta; cuando se encuentran ante su soplo se producen los gritos, los llantos, los lamentos y las blasfemias contra la virtud divina"."Supe que estaban condenados a semejante tormento los pecadores carnales que sometieron su razón a sus lascivos apetitos; de la misma forma que los estorninos vuelan en grandes y compactas bandadas en la estación de los fríos, así aquel torbellino arrastra a los espíritus malvados acá, allá, arriba, abajo, sin que éston tengan nunca la esperanza de gozar de un momento de reposo ni de que su pena se aminore. Y del mismo modo que las grullas lanzando sus tristes acentos forman todas una prolongada hilera en el aire, así también ví venir exhalando gemidos, a las sombras arrastradas por aquella tromba". Cuando oí a mi sabio nombrar a las antiguas damas y caballeros me sentí lleno de piedad y quedé como aturdido. Empecé a decir: -Poeta, quisiera hablar a aquellas dos almas que van juntas y que parecen tan ligeras porque van impelidas por el viento. Y él (Virgilio) me contestó: -Espera que estén más cerca de nosotros y entonces pídeles que por el amor que las conduce que se dirijan hacia tí. Tan pronto como el viento las impulsó hacia nosotros alcé la voz diciendo:-Oh, almas atormentadas, venid a hablarnos si otro no se opone a ello."Como dos palomas excitadas por sus deseos, se dirigen con las alas abiertas y firmes hacia el dulce nido, llevadas en el aire por una misma voluntad, de esta manera salieron aquellas dos almas de entre la multitud, dirigiéndos hacia nosotros a través del aire malsano atraídas por mi fuerte y afectuoso llamamiento". Francesca:"¡Oh, ser gracioso y benigno que vienes a visitarnos en medio de este aire negruzco, a nosotros que teñimos el mundo de sangre, si fuéramos amados por el rey del universo le rogaríamos por tu tranquilidad, ya que te compadeces de nuestro acerbo dolor! Todo cuanto te plazca oir y decir te lo diremos y escucharemos con gusto, mientras continúe el viento tan tranquilo como ahora. La tierra donde nací está situada en la costa donde desemboca el Po con todos sus afluentes para descansar en el mar. Amor, que se apodera pronto de un corazón gentil, unió éste a aquel hermoso cuerpo que me fue arrebatado y siento aún el dolor que me causó tan inesperado golpe. Amor, que no dispensa de amar al que es amado, hizo que me entregara tan vivamente al placer de que se embriagaba éste, que, como ves, no me abandona nunca. Amor nos condujo a la muerte. Caín espera al que nos arrancó la vida".

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"Tales fueron las palabras de las dos sombras. Al oir a aquellas almas heridas bajé la cabeza y la tuve inclinada tanto tiempo, que el poeta me preguntó:-¿En qué piensas?-¡Ah! -exclamé al contestarle-, cuántos dulces pensamientos, cuántos deseos los han conducido a este doloroso lugar. Después me dirigí hacia ellos diciendo: -Francesca, tus desgracias me hacen derramar tristes y compasivas lágrimas. Pero dime: cuando lanzabais los dulces suspiros, ¿como os permitió Amor conocer vuestros inciertos deseos? Ella me contestó:"No hay mayor dolor que acordarse del tiempo feliz en la desgracia; y eso lo sabe bien tu Maestro. Pero si tienes tanto deseo de conocer cual fue el principal orígen de nuestro amor, haré como el que habla y llora a la vez. Leíamos un día por pasatiempo las aventuras de Lancelot y el modo como cayó en las redes del amor, estábamos solos y sin abrigar sospecha alguna. Aquella lectura hizo que nuestros ojos se buscaran muchas veces y que palideciera nuestro semblante, mas un solo pasaje fue el que decidió nuestra suerte. Cuando leímos que la deseada sonrisa de la amada fue interrumpida por el beso del amante, éste, que jamás se separará de mí, me besó tembloroso en la boca; el libro y quien lo escribió fue para nosotros otro Galehaut: aquel día ya no leímos más"."Mientras un alma decía esto, la otra lloraba de tal modo que, lleno de compasión, yo desfallecía como si muriera y caía como cae un cuerpo sin vida".

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La Obra.

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De acuerdo con el compositor, la obra está dividida en tres partes: 1) Introducción: la Puerta del Infierno (abandonad toda esperanza, vosotros que entráis); 2) Francesca relata su amor por Paolo; y 3) El Tumulto del Hades y conclusión.

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Las secciones exteriores exponen el tema del Infierno y preparan en ambos sentidos el humor del movimiento central que expone el tema lírico. Durante los extremos se desencadenan admirables armonías cromáticas disonantes que constantemente anhelan una resolución, en un claro prolegómeno sigloveintero. La música oscila y se mueve sobre notas bajas sostenidas que se mantienen en ciclos, negando la deseada resolución que tarda mucho en llegar y aumenta los niveles de angustia y desasosiego. Finalmente después del tormentoso despliegue orquestal se establece la transición hacia la segunda parte, donde se expone en toda su plenitud y belleza el tema de amor, donde ya para ese momento el escucha queda liquidado y no le queda otra que dejarse arrastrar. El final retorna a la misma atmósfera densa y exasperante de la primera parte, llevando finalmente a una coda que no es ni optimista ni pesimista, sino que obra a manera de moraleja.

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De todo el repertorio sinfónico existente en este género que perfectamente puede entrar dentro de lo que conocemos como Poema Sinfónico, Francesca da Rímini es una de las más imponentes páginas musicales alguna vez plasmada en partitura. Grabaciones hay varias, no demasiadas como ocurre en Romeo y Julieta, tal vez suceda aca lo mismo que veremos en Manfredo, pero dentro del puñado de buenas grabaciones, Daniel Barenboim ha dejado una grabación de antología, por la perfección alcanzada, el desgarrador discurso, el lacerante cuidado en los detalles y el implacable sonido, cosa que lamentablemente no se han encontrado en grabaciones tchaikovskianas posteriores de este director para otros sellos. Esta grabación es con mucho la preferida de quien escribe, y la traigo en magnífico despliegue sonoro de 320 kbps para que pueda ser apreciada en la mejor plenitud posible. Abandonad toda esperanza, vosotros que escucháis.

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M-S.

Bicentenario del Natalicio de Chopin.

Frederic Chopin
LOS DOS CONCIERTOS PARA PIANO
Rafal Blechacz
Koninklijk Concertgebouworkest, Amsterdam
Dir: Jerzy Semkow.
(DG)
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Débil y melancólico, enfermizo, un tanto solitario y frustrado, Federico Chopin no debió ser consciente en su corta vida -39 años- de su paso decisivo y revolucionario por la música. Ahora, cuando el primero de marzo se cumplen 200 años de su nacimiento en Zelazowa Wola (Polonia), su estela crece. No dedicó apenas inspiración para otra cosa que no fuera el piano. Pero su búsqueda de nuevas formas, su arrebato romántico y visionario para ensanchar todos los lenguajes del instrumento más completo que existe fue increíblemente fructífera. Hoy es el rey del piano y su mayor profeta. La vigencia de Chopin en este segundo centenario es unánime y absoluta.
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"Inició una nueva forma de tocar y abordar el piano", afirma Torres-Pardo

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Lang Lang: "El público multiplicaba sus emociones con sus piezas"
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No llamaba la atención por su encanto o el sex appeal que tenían otros coetáneos como Franz Liszt, provocador del delirio en escena y precursor del auténtico fenómeno fan contemporáneo. Era peor intérprete que él, pero fue mejor compositor, más ambicioso. El físico le influía en ciertos complejos y refrenaba su timidez. Un permanente aspecto pálido y sus apenas 50 kilos no le proporcionaban el atractivo de su más famoso oponente, con quien se enfrentaba a veces en duelos extenuantes.

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Pero aun así, logró conquistar los favores de la escritora George Sand en París. Esta mujer de rompe y rasga con quien acabó una temporada en Mallorca fumaba puros y animaba los salones franceses en los que Chopin estrenaba sus piezas. Sand le encontraba, según cuenta el pianista Alfred Cortot en el maravilloso libro Aspectos de Chopin (Alianza), "bello de rostro como una mujer triste".

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Triste y un tanto desesperado, pero también tozudo y genial, Chopin dedicó su vida a indagar en la grandeza de un instrumento para el que casi todo estaba por escribir. Pero su paso por este mundo marcó definitivamente el desarrollo posterior del arte del piano. Él bebió de las referencias anteriores que abrieron caminos fundamentales: de Scartlatti y Bach -aunque éste no escribió para piano y llegó a despreciarlo como nuevo instrumento en vida- en el barroco; a Mozart, Beethoven y Schubert después, el teclado llega a Chopin como un artefacto estimulante en el que se abren mil maneras de indagar. "Después de su huella ya no puedes esquivarlo", comenta Javier Perianes, pianista que se encuentra estos días preparando el Concierto número uno junto a su maestro Daniel Barenboim. "Algunos critican la orquestación de sus conciertos, pueden verse como una alfombra de terciopelo. Bien, pero está hecha para que caminemos sobre ella con elegancia o para que nos estrompemos. Es la desnudez, completamente transparente".
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Perianes es uno de los intérpretes que se dedicará este año a fondo a Chopin. También los mayores lo están haciendo. Barenboim, aparentemente alejado del mundo chopiniano, le va a dedicar varios recitales. Lo mismo que Krystian Zimerman, que ha ideado este año programas exclusivos dedicados a su compatriota de los que ya ha dado una muestra espectacular en una gira por ocho ciudades españolas.
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Y es que, según Rosa Torres-Pardo, "Chopin se impone". En todas las edades de un pianista, en los jóvenes y los maduros. "En los jóvenes porque se presta a la pasión, la emoción y el descontrol y en los maduros porque, justo para evitar lo otro, se busca el equilibrio como un reto".
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Quien dictó cátedra para los pianistas en cómo debía interpretarse a Chopin fue Arturo Rubinstein, comenta Torres-Pardo. "Es la referencia todavía hoy". Porque exprimió al máximo -como también lo hiciera Alfred Cortot o más recientemente Maria Joao Pires, Zimerman o Maurizio Pollini, cuyas interpretaciones se aprecian en la obra completa que edita este año Deutsche Grammophon- la riqueza que Chopin quiso dar al instrumento. "Él inició una nueva forma de tocar y abordar el piano, con piezas que se prestaban al virtuosismo, a la libertad creativa en las dinámicas, los pianismos, la técnica, las sonoridades, los colores...", comenta la intérprete española.
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Todo puede explorarse en sus Sonatas, sus Estudios, sus Mazurcas, las Barcarolas, las Baladas, los Valses, los Nocturnos, los Preludios... Estos últimos, escritos con un afán visionario que iba 50 años por delante de lo que después seguirían haciendo Debussy, Rachmaninov y los representantes vanguardistas de la Escuela de Viena.
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El influjo en los jóvenes es constante. El pianista chino Lang Lang lo reconoce a sus 28 años. "Cuando era adolescente quise incorporar todo su repertorio. No llegué a hacerlo, pero aprendí mucho con él", comenta desde Viena el intérprete que este año ha participado en la película Chopin project. "Ese romanticismo, la melodía, el estado de ánimo, te ayuda a crecer". Para Lang Lang, la gran huella de Chopin se notó en la espectacularidad. "Tocar el piano pasó a ser como ir a la ópera. El público multiplicaba sus emociones con sus piezas. Pasaba de la melancolía a la rabia, aunque sin llegar a ser violento en algunos Estudios o en varios Preludios. Fue un auténtico revolucionario del piano".
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Un rompedor de esquemas que aprovechaba, precisamente por saberse imperfecto, las habilidades de su cuerpo. No estuvo dotado de buena salud para la vida. Le persiguió constantemente la tuberculosis. La contrajo de niño y le mató sin haber cumplido 40. Pero supo que poseía un tesoro en las manos. Si no las hubiera tenido así, no se habría atrevido a ciertas cosas, como cuenta Cortot. "Esos dedos claramente separados de su base y dotados de una manifiesta independencia individual", comenta el pianista, "mostraron una agilidad milagrosa y un virtuosismo cautivador, muy profuso".
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Eran dedos de terciopelo, decía George Sand. Sin ser consciente de que en su piropo encerraba una verdad física que le facultó para encontrar nuevos caminos. "Le proporcionaban una agilidad infinita de las articulaciones, susceptible de todas las delicadezas, y la firmeza de una osamenta en esa parte de su cuerpo que curiosamente era como la de un soldado", dice Cortot.
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La sabiduría de quien debe sobrevivir y hacer del defecto virtud adornó a Chopin. Su voluntad de superación, su sensibilidad y unas manos capaces de llegar con la fantasía de su mente a las nuevas formas musicales que ideaba en la cabeza y debía desarrollar sobre el teclado le convirtieron en un Mesías del piano. Dice Lang Lang: "Con él, el teclado se convirtió en algo menos asociado a la percusión y más cercano a la cuerda y al viento de una orquesta". Él lo convirtió en el instrumento total. (Jesús Ruiz Mantilla - El Pais, Madrid)
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N.del E: La recomendación a propósito de esta importante efeméride tiene varios méritos, pero en primer lugar el tratarse de intérpretes polacos, pianista y director. El joven pianista Rafal Blechacz, ganador del 1er lugar en el concurso Chopin Nr.15 del año 2.005, se empieza a dibujar en la pléyade de la nueva generación de grandes pianistas, y su exquisita afinidad con Chopin lo demuestra. Aparece secundado por el renombrado maestro polaco Jerzy Semkow, al mando de la célebre y legendaria orquesta holandesa del Concertgebouw. El resultado es un disco de primera que hace honor a la fecha que se conmemora esta semana.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: La Marcha Eslava.

Piotr Ilich Tchaikovsky
MARCHE SLAVE, Op.31
New York Philharmonic
Dir: Leonard Bernstein.
(CBS-Sony)
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En 1.876 Tchaikovsky fue encargado de componer una obra conmemorativa de la reciente victoria de los serbios contra los ocupantes turcos, y en homenaje a los voluntarios rusos que ayudaron en la guerra. En sólo 5 días el compositor había terminado su "marcha serbo-rusa", siendo estrenada en Moscú el 17 de noviembre de ese año, recibiendo una entusiasta acogida.

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La obra es una pieza nacionalista y patriotera, y hoy en dia una excelente pieza de lucimiento orquestal, por todo el despliegue que requiere, aunque en menor magnitud que su obra postrera, la obertura solemne 1.812. La pieza combina tonadas populares serbias con extractos del himno nacional zarista y el resultado es esta rimbombante marcha, que aun hoy conserva la misma popularidad.

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En cuanto a grabaciones, hay varias que hacen lucir soberbiamente todo el despliegue orquestal que se requiere, una de ellas, probablemente aun la preferida de quien escribe, es la versión de Leonard Bernstein, durante su reinado en la Fil. de New York. Toda una joya.

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M-S.