Carl Czerny, el compositor eclipsado.

Carl Czerny (1791-1857)
SYMPHONIE NR.1, Op.780
Brandenburgisches Staatsorchester Frankfurt
Dir: Nikos Athinaos.
(CHRISTOPHORUS)
*

La biografía musical de Carl Czerny (1791-1857) atraviesa el puente que lleva de la liquidación neoclásica a la eclosión romántica. Digamos, para graficar, el destino de un Rossini, un Cherubini, un Spohr. En ese puente hay un monumento al genio llamado Beethoven. Pero, según afirma el infalible perogrullo, genios son sólo los seres geniales. Entonces: dejémoslo de lado para no bloquear el tráfico.
*
Czerny vivió en la Viena ya convertida en el Vaticano de la música. Y la verdad es que no le fue mal. Se convirtió en uno de los virtuosos de esa novedad técnica llamada pianoforte y se lo enseñó a tocar a las familias de la crema mejor batida de la corte imperial. Cualquier estudiante de piano ha aprendido así mismo con él, no por razones de edad sino por las didascalias deliciosamente eficaces que nos dejó impresas.
*
Ser un virtuoso de aquellos tiempos tiene sus ventajas para quien goza de tal fama y sus inconvenientes para la posteridad. Los virtuosos vivían, sobre todo, de improvisaciones, temas con variaciones de temible dificultad que raramente llegaban a ser escritas o que lo eran en ínfima minoría de ejemplos. O sea que, fuera de sus comedidas invenciones para el teclado, el arte de Czerny se perdió en las engañosas páginas mudas de la leyenda.
*
Distinto es el destino de sus sinfonías. ¿Escribir sinfonías en la Viena de Beethoven? Sí, claro, sin perder los estribos se podía y Czerny es un ejemplo. Schubert también lo hizo, aunque sin grandes pretensiones. Obedeciendo al esquema clásico de los cuatro movimientos – los cuatro temperamentos, las cuatro estaciones del año, las cuatro edades de la vida: nada menos – Czerny evoluciona hacia una retórica del melodismo amplio y encadenado que, sin ser el descabello romántico, se va tiñendo de romántica sensibilidad. Y todo con un aparato orquestal sucinto, como para no salir del amable salón dieciochesco porque en la calle truena el la ira de los revolucionarios.
*
Compositor muy prolijo, Czerny compuso seis sinfonías, tal vez el género al que le prestó menos atención por las razones antes expuestas. La primera sinfonía, titulada "Gran Sinfonía", data de 1840, lo que indica que Czerny abordó esta disciplina hacia el final de su carrera artística. Para 1840 ya habían muerto Beethoven y Schubert, pero empezaban a conocer el apogeo Mendelssohn y Schumann. La "Gran Sinfonia" de Czerny se emparenta en muchos aspectos con la 1ra sinfonía de Mendelssohn, aunque por supuesto se perciben las influencias de Haydn y Beethoven. De Haydn mantiene la estructura típica, con amoldaduras eminentemente clásicas, pero a diferencia de Schubert, Czerny es capaz de imprimirle a su modo el pathos contrastante que caracteriza a las obras de su mentor, Beethoven. Se trata de una obra hermosa e importante, la interpretación de Athinaos, hoy presentada, es modélica.
*

M-S.

A 15 años de la partida de un Monarca...

Sergei Rachmaninov
Prelude, Op.23, Nr.2
Sviatoslav Richter
*

    Sviatoslav Richter es considerado por muchos el pianista más grande del siglo XX. Y esto parece justo si se toma en cuenta su inigualable técnica, el equilibrio que siempre lograba entre el respeto por el autor y los aportes de su interpretación, la mayor importancia que daba a las grabaciones en vivo por sobre las grabaciones de estudio, su capacidad para actuar como acompañante e integrar conjuntos de cámara, su dilatada trayectoria (de más de sesenta años), el reconocimiento unánime que consiguió del público y de sus colegas, y la amplitud de su repertorio, que no puede compararse con la de ningún otro.
*
     Su muerte, acaecida hace ya 15 años, constiyuye aún una irreparable pérdida en el mundo de la Música Académica y para toda una generación de grandes pianistas que el mundo conoció en el siglo XX. Ante una pérdida tan tremenda como ésta, sólo cabría citar aquella famosa sentencia de Shakespeare en su Julio César:  "Cuando mueren payasos y falsarios, sólo escucharéis el clamor estridente de las turbas... Cuando un verdadero Soberano muere, el firmamento mismo resplandece con señales".
*
      Qué mejor manera de recordar a Richter que con su memorable, única e inimitable ejecución del Preludio Nr.2 del Op.23 de Rachmaninov, una de las piezas con que solía concluir sus recitales, acá ahora en todo su esplendor.
*
M-S.

Todo Tchaikovsky: La Batalla de Poltava.

Piotr Ilich Tchaikovsky
LA BATALLA DE POLTAVA Y DANZA DE LOS COSACOS (MAZEPPA)
London Symphony Orchestra
Dir: Geoffrey Simon
(CHANDOS)
*

      Presentamos ahora la dupla "Poltava"-"Danza de los Cosacos", que constituyen los fragmentos orquestales más memorables de esta Opera Tchaikovskiana. En cuanto a éste par, la grabación de Simon al frente de la LSO es de absoluta referencia.
*
M-S.

WORKS FOR ORGAN & ORCHESTRA
Samuel Barber
TOCCATA FESTIVA
Camille Saint-Säens
SYMPHONIE NR.3 "ORGAN"
Frank Zabel
TOUCHING COLORS
Richard Strauss
FEIERLICHER EINZUG
Christian Schmitt, Organ
Rundfunk Sinfonieorchester Saarbrücken
Dir: Johannes Wildner.
(AUDITE)
*

      A continuación, una espectacular selección de obras para Organo y Orquesta, que pos supuesto incluye la emblemática 3ra Sinfonía de Saint-Säens. La Toccata Festiva de Barber ya ha ganado su puesto como obra importante en este género, y el resto de las obras (Zabel y Strauss) son novedades que hacen magnífico complemento a esta selección, con ejecuciones de primera.
*
M-S.

Todo Tchaikovsky: Danza de los Cosacos.

Piotr Ilich Tchaikovsky
DANZA DE LOS COSACOS (DE LA OPERA "MAZEPPA")
Cincinnati Pops Orchestra
Dir: Erich Kunzel.
(TELARC)
*

      Una obra que marca el inicio de la última etapa creativa de la vida del Gran Trágico Ruso es la fenomenal Opera "Mazeppa", basada en el legendario personaje homónimo, y en el que ya Liszt se había inspirado para su correspondiente Poema Sinfónico.
*
      Probablemente se trate de la tercera mejor Opera del compositor, sólo por debajo de "La Dama de Picas" y "Eugen Onegin". Sus momentos vocales son memorables, pero de igual modo lo son sus pasajes puramente orquestales, de los cuales los más populares y conocidos son la "Batalla de Poltava" y la "Danza de los Cosacos". El día de hoy presentamos ésta última, en fenomenal y única lectura de Erich Kunzel con sus Cincinnati Pops. Pirotecnia orquestal registrada en el más soberbio sonido del que Telarc siempre ha hecho gala. Pronto vendremos con la dupla Poltava-Cosacos.
*
M-S.

El Emperador de la Atlántida.

Viktor Ullmann (1898-1944)
DER KAISER VON ATLANTIS
Kaiser Überall (Emperador): Michael Kraus
Der Lautsprecher (Narrador): Franz Masura
Ein Soldat (Soldado): Martin Petzold
Bubikopf (La Doncella): Christiane Oelze
Der Tod (La Muerte): Walter Berry
Harlekin: Herbert Lippert
Der Trommler (Timbalera): Iris Vermillion
Gewandhausorchester Leipzig
Director: Lothar Zagrosek
(DECCA-ENTARTETE MUSIK)

Viktor Ullmann y la "Música Degenerada". 

     El arribo de la barbarie nazi a Alemania, y luego al resto de Europa, trajo no sólo el sometimiento de los pueblos ocupados durante la guerra, sino el intento de barrer toda manifestación de cultura que no estuviera en consonancia con los principios del pangermanismo racista auspiciado por Adolfo Hitler y la banda de criminales que lo acompañaron en su larga carrera hacia el abismo. La música no escapó a este intento de “depuración” demente, y así se creó el aberrante término de «Música degenerada» (Entartete Musik) para designar a toda aquella creación musical contraria a los «valores» nazis, o dicho en otras palabras, todo lo que sonara a judío.
*
     De este modo, la música de verdaderos genios como Mendelssohn, Mahler y Berg dejó de ser interpretada en la Europa ocupada (la última interpretación mahleriana en los territorios ocupados fue la célebre Novena de Mahler, por Bruno Walter, en Viena, pocas semanas antes del Anschluss) , y talentos vivos como Korngold, Schreker, Krasa, Krenek, Zemlinsky, Ullmann, y tantos otros, se vieron obligados a escoger entre el ostracismo o un trágico destino en un campo de concentración.
*
     Viktor Ullmann (Cieszyn, entonces en la Silesia del Imperio Austrohúngaro y hoy en Polonia, 1 de enero de 1898 – Auschwitz, 18 de octubre de 1944) fue un notable pianista y compositor, cuya obra se desempeñó principalmente en Praga. Judío converso, Ullmann comenzó sus primeros estudios musicales en el Gymnasium de Viena, lo cual pronto le acercó a Schönberg y sus apóstoles. Con Schönberg inició el estudio del contrapunto y la orquestación. Posteriormente se traslada a Praga en 1.919, donde comienza a estudiar con Zemlinsky, con cuya corriente se queda definitivamente, y más tarde con Alois Haba. En 1936 ganó el Premio Hertzka por su ópera Der Sturz des Antichrist (op. 9).
*
     Hasta el momento de su deportación, su obra constaba de 41 opus e incluía tres sonatas para piano, dos ciclos de lieder (con textos de varios poetas), una ópera y el Concierto para piano op. 25, que terminó en diciembre de 1939, nueve meses antes de que entraran las tropas nazis en Praga. La mayor parte de estas obras ha desaparecido: los manuscritos se perdieron durante la ocupación alemana.
*
El 8 de septiembre de 1942 es encerrado en el campo de concentración de Theresienstadt. Theresienstadt era una especie de granja modelo o campo-fachada, una especie de Aldea Potemkin, donde se pretendía dar la imagen internacional de que los campos de concentración nazis eran más bien campos de reeducación y trabajo voluntario, donde se respetaba la dignidad de cualquier ser humano, y así ocultar el horror de los verdaderos campos de exterminio. En Theresienstadt (ó Terezín, en checo), Ullmann llevará a cabo una labor importante como animador cultural, director de orquesta, pedagogo, pianista, crítico y compositor. Su obra más conocida es la ópera Der Kaiser von Atlantis, compuesta y estrenada en 1944 en el mismo campo de Terezín. Esta obra se ha convertido en un símbolo del holocausto.
Finalmente Ullmann, el 16 de octubre de 1944 fue deportado y trasladado a Auschwitz, donde murió en la cámara de gas el 18 de octubre.
*

El Emperador de la Atlántida

*

     Der Kaiser von Atlantis es  entendida como una Opera. La misma está compuesta en cuatro escenas, y el libreto es relativamente sencillo, pero perfectamente adaptado. La misma nunca fue interpretada completamente y el hecho de que la partitura haya sobrevivido se considera un milagro. La prémière de la Opera se realizó el 16 de diciembre de 1975, en Amsterdam, bajo un arreglo del director Kerry Woodward, quien la dirigió con la Orquesta de la Opera Holandesa.
*
La obra está orquestada para una agrupación de cámara, pero incluye instrumentos inusuales como el banjo, la armónica, un saxofón contralto y un clavicordio. Igualmente contemplaba la inclusión de un discurso radial (la voz de Hitler, el parodiado de la obra). Ullmann utiliza el famoso himno coral luterano Ein feste Burg ist unser Gott como una especie de leitmotiv melódico, tal vez parodiando a Wagner, así como un tema de la Sinfonía Asrael de Josef Suk. Igualmente hay similitudes estructurales y en la trama histórica que inevitablemente hacen recordar a la Gran Opera de Rimsky-Korsakov El Gallo de Oro, igualmente satírica, como veremos más adelante.
*

La Historia. Sinopsis

*
Prólogo
El vocero del Emperador de Atlántida (barítono), saluda («Hallo, hallo!») y presenta la introducción de la ópera, a la manera del Astrólogo en El Gallo de Oro de Rimsky-Korsakov e indica que en lo sucesivo será el comentarista de la historia.
*
Escena1
El Arlequín (tenor), que simboliza a la vida, y la Muerte (segundo barítono) reflexionan y disertan sobre que cada uno de ellos ha perdido significado en este mundo moderno. Desde la ciudad de Atlantis, el Emperador de Todas Partes (Overall) ha girado órdenes para declarar la guerra perpetua. La joven timbalera imperial, lleva con su tambor un recado a la Muerte para unirse a la causa del Emperador y trabajar para él. La Muerte se indigna y, altamente ofendida, reclama esta conducta grotesca del Emperador, rechaza la oferta, desenvaina su sable y llena de ira lo quiebra en dos.
*
Escena 2
El Emperador de Todas Partes (primer barítono) imparte iracundo órdenes de batalla telefónicamente desde su palacio. En eso le informan de una extraña situación en las calles de Atlantis y en el frente de batalla, donde mucha gente y muchos soldados, gravemente heridos, a pesar de eso, empiezan a dejar de morir. La Muerte se ha declarado en huelga perpetua.
*
Escena 3
Un soldado de Atlantis (segundo tenor) se encuentra en plena batalla con la doncella Bubikopf (soprano), del bando contrario. Sin embargo, no se pueden matar el uno al otro, y en cambio, se enamoran. La timbalera hace presencia e intenta hacer volver al soldado a su frente y de dejar a Bubikopf, pero el soldado se rehusa y se declara en rebeldía.
*
Escena 4
El Emperador de Todas Partes se encuentra absorbido y separado de la realidad en sus cálculos militares. En ese instante se presenta la Muerte a visitarlo, y el Emperador le reclama que la gente ha dejado de morir. La Muerte le replica que ella no es la causa de las miserias humanas, sino el refugio final para ellas. El Emperador le pide que retome sus labores. La Muerte se rehúsa. Entonces desesperado, el Emperador le suplica. La Muerte finalmente acepta la súplica, pero sólo bajo una condición: si el Emperador acepta ser el primero en morir. El Emperador de entrada rechaza esto, entonces la muerte se cruza de brazos. Finalmente al ver que está acorralado, al Emperador no le queda otra que ceder, y canta su despedida. La Opera finaliza con un cuarteto, y una moraleja final, al igual que sucede en El Gallo de Oro:
*

«Du sollst den großen Namen Tod nicht eitel beschwören».
(«Nunca habéis de tomar el Gran nombre de la Muerte en vano»).

*

Similitudes con El Gallo de Oro

*

     Para quien conoce bien la Opera de Rimsky, es fácil identificar al introductor y comentarista de Atlantis con el Astrólogo de la primera. La vida y tragedia del Emperador es comparable a la del Zar Dodon, quien no solo pierde a sus hijos, sino que él mismo muere a manos de la espada del Gallo de Oro. En este caso el Gallo representa a la Muerte vengadora, quien al igual que la muerte ullmaniana, finaliza la obra con su inevitable golpe del destino preparado hasta para quien ostenta el mayor de los poderes. Finalmente ambas obras finalizan con una moraleja ejemplarizante. Desconozco si Ullmann llegó a escuchar El Gallo de Oro, de no ser así, las similitudes son escalofriantes.
*
     Der Kaiser von Atlantis es una obra impresionante y una de las grandes óperas del siglo XX, en la tradición expresionista del Wozzeck de Berg, con influencia del lenguaje de Zemlinsky. Sin duda merece ser considerada la obra insignia de todo el horror que significó el Holocausto y de los extremos que puede alcanzar la degeneración de toda una Sociedad y de una época. Imprescindible audición.

Edmund Rubbra orquesta una obra de Brahms basada en Händel.

Johannes Brahms
VARIACIONES Y FUGA SOBRE UN TEMA DE HÄNDEL, Op.24
(versión orquestada por Edmund Rubbra)
London Symphony Orchestra
Dir: Neeme Järvi.
(CHANDOS)
*

      Como vemos, en la Música existe una gama amplísima de posibilidades... : )
*
       La famosa obra de Brahms, basada en un tema handeliano, está originalmente escrita para el Piano. Vemos a un compositor alemán componiendo una obra basada en un tema de otro alemán pero nacionalizado británico. Finalmente llega otro británico, Rubbra y sin pretender enmendarle la plana a Brahms, se decide a orquestar la misma obra, con resultados al menos interesantes.
*
      Toda obra expresada en la forma de Tema y Variaciones se presta para orquestarla. Brahms era un
maestro en este arte, y aunque la versión de Rubbra no desplaza a la versión original para Piano, nos deja percibir un mundo de posibilidades muy estimulante.
*
      En excelente interpretación, el Maestro Neeme Järvi nos deja su lectura al frente de la Sinfónica de Londres.
*
M-S.

Todo Tchaikovsky: Trío Patético

Piotr Ilich Tchaikovsky
TRIO, Op.50
Jascha Heifetz, Violin
Anton Rubinstein, Piano
Gregor Piatigorsky, Cello.
(RCA)
*

     Este disco es una de las auténticas joyas de toda la discografía del género. Tres Gigantes reunidos interpretando una de las obras más queridas y populares del repertorio de cámara, el Trío Patético del Gran Trágico Ruso.
*
     El Trío, Op.50, pertenece al final del segundo período creativo de la vida artística de Tchaikovsky. La obra fué escrita en Roma, entre diciembre de 1881 y enero de 1882. Es la única obra compuesta por Tchaikovsky para la combinación solista del piano, el violín y el cello. A pesar del título "Patético" con el cual se le conoce hoy comúnmente, el mismo originalmente fue subtitulado "A la Memoria de un Gran Artista", en referencia a su amigo, colega y mentor, Nikolai Rubinstein, fallecido ese año de 1881 .
*

      La primera versión de la obra estaba completa para finales de enero de 1882. Se hicieron ejecuciones privadas de la obra en marzo y abril. La obra fue llevada entonces a una revisión considerable antes de su Premiere oficial, la cual finalmente se llevó a cabo el 30 de octubre de 1882, en un concierto de la Sociedad Musical Rusa, en Moscú. Se sabe que el Piano solista fue ejecutado por Taneyev, aunque aún se desconocen quienes fueron los otros dos solistas.
*
      Para sorpresa de muchos, la obra, a pesar de su belleza y popularidad, no ha sido machacada y destruida en cuanto a grabaciones infinitas, más bien la cantidad de versiones es discreta, tal vez porque no se trate de una obra fácil, pues requiere de tres solistas de primera línea, tales como los que dispuso a finales de los 50´s la RCA para dejar plasmada su inolvidable grabación, que aún hoy en día es de referencia. Heifetz, Rubinstein y Piatigorsky dejaron una grabación de atesorar, incomparable, inobjetable e incontestable, referencia para cualquier otra aproximación que se ha hecho. Como complemento, su también excelente versión del Trío de Mendelssohn.
*
M-S.

Ofrenda Musical

Johann Sebastian Bach
MUSIKALISCHES OPFER, BWV.1079
Stuttgarter Kammerorchester
Dir: Karl Münchinger.
(DECCA)
*

     A continuación, una de las obras más determinantes, no sólo de la vastísima producción del Gran Johann Sebastian Bach, sino también de toda la Música Occidental, la Ofrenda Musical.
*

     El fenómeno Bach en la Historia de la Música no tiene comparación: ningún compositor ha tenido tanta influencia en la composición, interpretación, investigación y pensamiento musical de nuestros tiempos, como este gran artista. Un gran adelantado a su tiempo, del que sin duda se puede afirmar que en su música se encuentra el DNA de toda la Música Occidental.
*

     La “Ofrenda Musical”, pertenece al quinto período creativo de Bach, y abarca los últimos cinco años de su vida, desde 1745 hasta 1750, período al cual pertenecen otras grandes obras, como las Variaciones Canónica para Organo y El Arte de la Fuga (Kunst der Fugue), que junto con la Ofrenda, representan

la esencia del arte contrapuntístico de la música barroca,  penetrando hasta los últimos misterios de la polifonía.
*

     “La Ofrenda Musical”, compuesta en 1747, es descrita 50 años después de la muerte de Bach por su primer biógrafo, Johann Nicolás Forkel. En su libro titulado “Sobre la vida, arte y obras de Johann Sebastian Bach”, Forkel se refiere a los orígenes de la creación de La Ofrenda Musical, tomando como fuente, la narración del hijo mayor del compositor, Wilhelm Friedemann Bach:
*

     “El rumor sobre el arte insuperable de Bach–padre se extendió de tal forma en todas las tierras alemanas, que llegó hasta los oídos del Rey de Prusia, Federico el Grande, en cuya corte trabajaba, desde el año 1740, el segundo hijo de Bach, Carl Philipp Emanuel. Esta situación despertó el interés del monarca y le provocó el deseo de escuchar al famoso músico y, también, de conocerlo personalmente…

*
     De esta manera, Bach fue invitado a la corte prusiana de Berlín, en el año 1747.

*
     Cada noche, el rey organizaba conciertos de cámara, en los cuales él mismo tocaba la flauta. En uno de tantos, cuando el Rey estaba preparando el instrumento, y los músicos, ya listos, se hallaban esperándolo para dar el concierto, un oficial real le entregó un comunicado sobre la llegada de los invitados. El Rey, con la flauta en la mano, leyó rápidamente la carta, en el acto volteó hacia los músicos y con cierta emoción exclamó: “¡Señores, llegó el viejo Bach!”.
*

     Esa noche el Rey canceló su concierto y obligó al viejo Bach (así lo llamaban) a probar todos los pianofortes construidos por Silbermann que se encontraban en el palacio. Los músicos seguían al compositor y al monarca de un aposento al otro. Y en cada ocasión, el cantor de Santo Tomás desplegó su increíble maestría para la improvisación. Así, sometiendo a prueba todos los instrumentos, Johann Sebastian le pidió al Rey que le propusiera un tema, y sobre el mismo, sin ninguna preparación, improvisó una fuga a tres voces. El compositor quedó tan intrigado por las posibilidades que ofrecía el tema real que, de regreso a Leipzig, escribió un conjunto de composiciones polifónicas en el más estricto estilo, basándose en dicho tema y los hizo imprimir bajo el título “Ofrenda Musical” con una dedicatoria para el Rey, y el 7 de julio de 1747 los envió a Berlín.
*

     La Ofrenda Musical se puede dividir en tres grandes secciones según los estilos y géneros utilizados para componerla. Al interpretarla, los ejecutantes pueden variar el orden de las secciones. También es posible la ejecución parcial de la obra. La Primera parte está compuesta por dos fugas magistralmente escritas. La primera es a tres voces (posiblemente corresponde a la improvisación ejecutada por Bach en el palacio del Rey) y la segunda, a seis. Bach les dio el nombre de RICERCAR, título que en esta ocasión no representa el género de la obra, sino que procede de iciciales de la frase en latín: "Regis Iussu Cantio Et Reliqua Canonica Arte Resoluta" (Tema prescrito por el Rey y resuelto por medio del arte canónico).

*
     La segunda parte de “La Ofrenda Musical” es el trío-sonata para flauta (instrumento ejecutado por el Rey), violín y bajo continuo. Es la pieza central del ciclo. El trío- sonata se compone de 4 movimientos, lo cual lo vincula con la Sonata da Chiesa o de Iglesia, además de que posee el siguiente orden de movimientos: Lento, Rápido, Andando, Rápido. En el segundo movimiento, Bach introduce el tema del Rey en un tejido sonoro entre todos los instrumentos.

*

     Finalmente, la tercera parte de esta obra: diez cánones considerados como uno de los enigmas dejados por Bach para generaciones futuras. En la impresión, que fue realizada a toda la prisa por uno de los alumnos del maestro, Bach dejó detalles importantes sin explicar y, en algunos casos, omitió indicar en qué pasaje debían intervenir las voces. Los mismos cánones son prueba de la suprema maestría de la transformación temática y de la técnica contrapuntística heredada por el gran compositor alemán de los maestros de Renacimiento.
*

     Aún con la inmensa importancia de esta obra, y su influencia en compositores contemporáneos y posteriores, no es una obra muy ampliamente interpretada, por lo que no existen muy numerosas grabaciones, si comparamos con otras obras más difundidas, como los Conciertos de Brandenburgo ó las 4 Suites Orquestales. Como sucede en la actualidad, existen las ejecuciones históricamente informadas y las interpretadas por orquesta moderna. La versiones muy puristas tienen riesgos, pues muchas veces no logran exprimir la caleidoscópica sonoridad que una orquesta moderna sí puede hacer, por lo que la escogencia de una grabación de referencia se hace difícil, y dependerá de los gustos del escucha. Para quien escribe, nada mejor que lo dejado por el gran Maestro bachiano Karl Münchinger al frente de su legendaria Orquesta de Cámara de Stuttgart, grabación que presentamos el día de hoy.

*

M-S.

Sir Alexander Gibson, el Gran Sibeliano

Jean Sibelius
Scenes Historiques (Suites Nrs.1 & 2), Op.66
Rakastava, Op.14
Valse Lyrique, Op.96a
Royal Scottish National Orchestra
Dir: Sir Alexander Gibson
(Chandos)
*

     Sibelius es sin duda el Gran Compositor Nórdico por antonomasia. El principal rasgo que hace inconfundible a su Música es el inmenso poder evocativo de atmósferas e inmensos paisajes musicales que inmediatamente nos trasladan a la Historia, Mitología y Geografía de la muy particular tierra escandinava, específicamente la finlandesa. Su genio orquestador lo hace diferente a cualquier otro compositor de entre sus contemporáneos y de entre sus obras orquestales se evidencia siempre una particular inclinación a componer extensa Música Incidental, en ocasiones á-la-Mendelssohn u otras veces en forma de Suites. Las "Scénes Historiques" son prototipo del segundo grupo.
*
     Rakastava, aunque compuesto en forma de Suite en tres partes, al estar interconectadas se comporta mejor como un Poema Sinfónico, el otro género en que sin duda Sibelius fue un gigante, tal vez sólo por debajo de Richard Strauss.
*
     Sir Alexander Gibson, músico y director escocés, fundador de la Real Orquesta Nacional Escocesa, aunque hoy relegado a un segundo plano, ha sido uno de los directores sibelianos más venerables de cuantos pueda haber. Su producción de la obra sibeliana (el ciclo completo de las Sinfonías, Suites y casi todos los Poemas Sinfónicos) para el sello Chandos es hoy en día un esencial para cualquier amante de esta música y para cualquier coleccionista serio. El presente disco es una excelente introducción al arte de Sir Alexander en el repertorio sibeliano, y que dependiendo de la acogida (comentarios) permitirá más publicaciones de esta serie.
*
M-S.

Bach y el Violín Barroco

Johann Sebastian Bach
LOS DOS CONCIERTOS PARA VIOLIN, BWV.1041, 1042
Arthur Grumiaux, Violin
English Chamber Orchestra
Dir: Raymond Leppard.
(PHILIPS)
*

     Bach es sin duda el Padre de la Música Occidental, y ésta afirmación es mucho más que un cliché, no sólo porque la ejecución de la Gran Música Orquestal tenga un antes y un después de Johann Sebastian Bach, sino que la preponderancia de algunos instrumentos solistas a partir de Bach llega finalmente para instalarse y más nunca desaparecer. Tal es el caso del violín, que a partir de Bach cobra una importancia definitiva y desplaza a instrumentos que fueran antes más apreciados, como el Laúd y la Viola da Gamba.
*
     Los dos conciertos para violín, correspondientes en el catálogo de Bach a los números 1041 y 1042, a pesar de su relativa corta duración, son obras gigantescas, magistralmente elaboradas, que le dan al instrumento una nueva sonoridad, que hasta el momento nunca se hubiera sospechado. El nuevo rango de registros y la belleza de sonidos que emanan de esta partitura tienen la misma importancia que las obras compuestas por Bach para el Organo ó para el Clavecín.
*
      Aunque el 1041 es más popular y conocido, por ser más fácil e interpretado, la verdadera gema reside en el 1042, cuya rica variedad de armonías y contrapunto lo colocan como un gigante de los todos los conciertos para el instrumento. Su insólitamente extenso primer movimiento, de unos 8 minutos de duración, inusitado para un concierto barroco, constituye magia pura emanada del violín y de la orquesta acompañante. Tras un breve y lento interludio sobreviene como conclusión un alegre pero erudito rondó que cierra la obra de manera inolvidable.
*
      Las grabaciones hoy presentadas son la referencia absoluta para quien escribe. Aunque se tocan en la forma moderna, sin utilizar instrumentos de época ni arreglos históricamente informados, cuenta con la gigantesca presencia de Arthur Grumiaux al violín, el gran violín bachiano, si es que alguno hay, y el más que ideal acompañamiento de Raymond Leppard al frente de la Orquesta de Cámara Inglesa. Disco descatalogado lamentablemente y muy difícil de conseguir, por lo que se recomienda bajar estas maravillosas muestras.
*
M-S.

Viaje de Invierno.

Franz Schubert
WINTERREISE
Dietrich Fischer-Dieskau, Bariton
Jörg Demus, Piano.
(DG)
*
        Dietrich Fischer-Dieskau, a quien seguimos homenajeando por su lamentable partida, fue entre otras cosas el Rey del Lied schubertiano. Su tono, timbre y melodía en los Lieder de Franz Schubert no tienen comparación. La hermosa colección de Lieder "Winterreise" (viaje de invierno), siempre estuvo dentro de su repertorio principal, grabándola varias veces. Probablemente esta grabación de antología para DG sea de todas la más inspirada e instrospectiva.
*
        Continúa de esta manera nuestra serie de entregas a la memoria del Gran Barítono del Siglo XX.
 *
M-S.

La Faceta Mahleriana de Fischer-Dieskau.

Gustav Mahler
DAS LIED VON DER ERDE
Fritz Wunderlich, tenor
Dietrich Fischer-Dieskau, bariton
Wiener Symphoniker
Dir: Josef Krips
(DG)
*

    En homenaje al arte del gran barítono del siglo XX, Dietrich Fischer-Dieskau, recientemente desaparecido.
*
     Aunque en general poco relacionado con Mahler, Fischer-Dieskau tuvo siempre atracción particular por el especial mundo plasmado por Mahler en DAS LIED VON DER ERDE, dejando en registro una memorable grabación oficial al lado de James King, y dirigidos nada menos que por Leonard Bernstein, al frente de la Filarmónica de Viena, para el sello DECCA.
*
     Reciente y felizmente, el sello DG ha logrado rescatar y restaurar de los archivos del director Josef Krips la grabación hoy presentada, grabación monoaural tomada de un concierto en vivo, del 14 de junio de 1964, con Josef Krips dirigiendo en el Wiener Musikverein, no la Filarmónica, sino la Sinfónica de Viena (Wiener Symphoniker), y con la especialísima combinación de voces de unos jóvenes Fischer-Dieskau y Fritz Wunderlich, ya para ese momento artillería pesada.
*
     El trabajo de rescate y digitalización de la cinta magnetofónica ha sido formidable, logrando en el CD una  transferencia con sonido más que decente, quedando una extraordinaria evidencia de la versatilidad de la voz de Dietrich Fischer-Dieskau, el homenajeado de estos próximos días.
*
     Finalmente, tenemos a la mano una evidencia adicional de la maestría de la batuta del gran Josef Krips, verdadero Kapellmeister vienés, que aunque para la época no gozaba de la fama de un Klemperer ó un Karajan, sin duda podemos catalogarlo como "The Third K".
*
      Esperando sea del agrado de los visitantes.
*
M-S

Dietrich Fischer-Dieskau (1925-2012)... IN MEMORIAM.

  Adiós al Gran Barítono del siglo XX.

Berlín.- El barítono y musicólogo alemán Dietrich Fischer-Dieskau, considerado el mejor intérprete de "Lieder" del siglo XX, murió hoy poco antes de cumplir los 87 años en Baviera, informó su familia.

"Tuvo una muerte tranquila", contó a la agencia dpa su mujer, la soprano Julia Varady, que lo acompañó hasta el final en su casa en las montañas cerca de la localidad de Starnberg.

Nacido en Berlín el 28 de mayo de 1925, Fischer-Dieskau estaba considerado una de las figuras artísticas más importantes de la posguerra alemana por su trabajo como cantante, musicólogo y escritor, reseñó DPA.

En 1948 grabó por primera vez el ciclo de "Lieder" "Winterreise" (Viajes de invierno") de Franz Schubert. Con ésa y otras versiones de "Lieder" de Gustav Mahler o Carl Löwe se convirtió en uno de los grandes responsables de la difusión del género en todo el mundo.

Con una voz diáfana y una imponente presencia escénica quedó también inmortalizado por interpretaciones operísticas como el Wolfram von Eschenbach de "Tannhäuser", el Papageno de "La flauta mágica" o el conde de "Las bodas de Fígaro".

Hasta su retiro en 1992 dejó más de 400 discos y un repertorio de más de 3.000 "Lieder".

Se trataba de un "artista excepcional", sostuvo hoy el primer ministro de Baviera, Horst Seehofer. El alcalde de Berlín, Klaus Wowereit, lo calificó como "uno de los principales cantantes" de nuestro tiempo.

El cantante será enterrado en Berlín en un acto con su entorno familiar más cercano.

El Universal

Un grande pero olvidado violinista: Roman Totenberg (1911-2012)

Ernest Bloch
VIOLIN CONCERTO
Roman Totenberg, Violin
Wiener Staatsopernorchester
Dir: Vladimir Golschmann
(VANGUARD).
*

     El día de ayer falleció a la prodigiosa edad de 101 años el violinista de orígen polaco Roman Totenberg. Sin haber gozado de la fama ni las candilejas que sí disfrutaron un Oistrakh, un Heifetz, un Francescatti ó un Stern, fue un artista de primera categoría, comprometido con su arte. Deseamos dejar una muestra discográfica de su repertorio, en homenaje a su desaparición física... IN MEMORIAM.
*
     The Telegraph (08-05-2012)
*

"He gave important premieres of works by Hindemith, Copland and Milhaud, while in Britain he was a popular soloist in the 1950s, displaying dynamic energy at the Wigmore Hall and virtuosity at the Festival Hall.
*

Roman Totenberg was born in Lódz on New Year’s Day 1911 (“Easy to remember, 1-1-11”), the son of an architect. He moved with his parents and elder sister to Warsaw and then Moscow where, one day, his dinner consisted of the head of a horse that had died of starvation. A neighbour was concertmaster at the Bolshoi and gave young Roman his first violin lessons. During the Russian Revolution, “Comrade Totenberg” was soon giving recitals to communist chiefs in exchange for crumbs of food (“White bread!”).

*
Returning to Warsaw in 1921, Totenberg studied with Mieczyslaw Michalowicz and was soon appearing with the Warsaw Philharmonic. He met Karol Szymanowski, visited the pianist Rudolf Firkusny in Prague and moved to Berlin. By the age of 11 he was teaching his first pupil.

*
Many years later he recalled Menuhin’s Berlin debut (of which Einstein famously remarked: “Now I know there is a God in Heaven”). “Terribly impressive, really a kind of playing that came from nowhere,” was Totenberg’s verdict. Twice a week he had lessons with Carl Flesch, and in 1932 he won the Mendelssohn Prize. On a visit to Warsaw he spent a month teaching the young Ida Haendel.
*

After a cousin was beaten by the SS in Berlin, Totenberg moved to Paris, where he worked under George Enesco. At his official debut there in 1935 he gave the premiere of Hindemith’s Sonata. Milhaud was in the audience and would eventually write a concerto for him.

*
Later that year Totenberg was heard in London and America . In Washington he gave the National Symphony Orchestra’s premiere of Beethoven’s Violin Concerto, while at the White House Eleanor Roosevelt served him dinner sitting on the floor and Vice-President Garner didn’t wear shoes.
*
He toured South America with Arthur Rubinstein in 1937, turned pages for Fritz Kreisler in Paris, and was ordered to walk backwards offstage after performing for King Victor Emmanuel III of Italy.
Soon Paris also felt unsafe and, in 1938, Totenberg settled in New York, forming the Alma Trio with the pianist Adolph Baller and the cellist Gabor Rejto. He also played for Broadway shows and gave numerous recitals, including the premiere of a Sonata that Copland had written for him.
*
His London concert in November 1952, with the clarinettist Gervase de Peyer and the pianist Theo van der Pas, was billed as the “reappearance of the celebrated violinist”. And in 1957 his Brahms and Beethoven programme with Claude Frank “really caused the listener to sit up and listen to each work as if with new ears”. After his last British recital, at the Queen Elizabeth Hall in 1971, he was affectionately described as an “Old Master”.
*
Totenberg joined Boston University, Massachusetts, in 1961. “You learn a lot more than the students do,” he quipped. He returned to Moscow in 1998 as a juror in the Tchaikovsky Violin Competition, visiting the house by the Kremlin where his mother had once fed him horse meat.
*
Modest to a fault, Totenberg refused to say that his playing had improved over the years. “You simply play differently at different times of your life,” he said on his 95th birthday. And still he carried on teaching; hours before he died he was coaching a student in the Brahms Violin Concerto. “Slow down,” he told her.
Roman Totenberg married, in 1941, Melanie Shroder, who died in 1996. He is survived by their three daughters, with whom he enjoyed at least one seaside holiday with the Stravinskys."
*
M-S

Zoltán Kodály

Zoltán Kodály
-SYMPHONY
-SUMMER EVENING
-HUNGARIAN RONDO
The Philharmonia Orchestra
Dir: Yondani Butt.
(ASV)
*

     Por primera vez abordamos en ARPEGIO a Zoltán Kodály, el compositor húngaro más importante del siglo XX, tal vez sólo un poco por debajo de Béla Bartók.
*
     Al igual que Bartók, Kodály exploró en sus composiciones las verdaderas raíces de la música húngara, a menudo parodiada y mal parafraseada por otros compositores no húngaros. Kodály va a la esencia sintáctica e incluso antropológica del acervo musical húngaro, y así lo plasma en sus obras más conocidas, como las Danzas de Galanta, las Danzas de Marószek e incluso en obras más despreocupadas como Háry János.
*
     El presente disco incluye obras poco conocidas de Kodály, pero que bien vale la pena conocer, pues sin duda delatan el estilo de su autor. La Philharmonia bajo la batuta de Yondani Butt hacen un excelente trabajo abordando por primera vez para el disco este trío de trabajos orquestales de primera.
*
 M-S.

Todo Rachmaninov.

Sergei Rachmaninov
PIANO CONCERTO NR.1, Op.1 (Original version)
PIANO CONCERTO NR.4, Op.40 (Original version)
Alexander Ghindin, Piano
Helsinki Philharmonic Orchestra
Dir: Vladimir Ashkenazy.
(ONDINE)
*

     ARPEGIO se complace en iniciar el ciclo Todo Rachmaninov, dedicado a la Música del gran compositor y pianista ruso.
*
     El presente disco es una curiosidad, pues nos trae de forma inédita las versiones originales del primero y el último concierto para piano compuesto por Rachmaninov. Mientras en el 4to concierto, la versión revisada y definitiva constituye una mejora indiscutible, el Nr.1 muestra en su versión original momentos muy interesantes que incluso lo hacen sonar como un concierto completamente diferente al que luego quedó como versión oficial para publicación.
*
     Una vez más, resulta interesante comprobar como fueron las primeras concepciones de muchos compositores con respecto a muchas de sus obras maestras.
*
M-S.

Dutilleux y Lutoslawski por Rostropovich.

-Henri Dutilleux
CELLO CONCERTO
Dir: Serge Baudo
-Witold Lutoslawski
CELLO CONCERTO
Dir: Witold Lutoslawski
Mstislav Rostropovich, Cello
Orchestre de Paris
(EMI)
*

      A continuación, dos de los grandes conciertos para cello del siglo XX, en interpretaciones modélicas
a cargo del Cellista del Siglo, Mstislav Rostropovich. Una joya de la serie "Great Recordings of the Century", editada por EMI.
*
M-S.

La Resurrección y Elevación de Jesús.

Carl Philip Emanuel Bach
DIE AUFERSTEHUNG UND HIMMELFAHRT JESU
Uta Schwabe, Christoph Genz, Stephan Genz.
Ex Tempore
La Petite Bande
Dir: Sigisbald Kuijken.
(HYPERION)
*

     Una hermosa obra coral del más grande de los hijos de Bach, para conmemorar el milagro de la Resurrección y Ascenso a los Cielos de nuestro Señor Jesucristo.
*
M-S.

Schubert: Stabat Mater

Franz Schubert
STABAT MATER
MAGNIFICAT
OFFERTORIUM
Sheila Armstrong, Hanna Schaer, Alejandro Ramírez, Philippe Huttenlocher
Ensemble Vocal de Lausanne
Orchestre de Chambre de Lausanne.
Dir: Michel Corboz.
(ERATO)
*

     Tres extraordinarias obras litúrgicas de Schubert, con motivo de la Semana Santa, que nos demuestran el genio de Schubert, no sólo para las Sinfonías y los Lieder, sino para la Música Sacra y Coral.
*
M-S.

Danzas Húngaras.

Johannes Brahms

Ungarische Tänze

Stuttgart Rundfunk Sinfonieorchester

Dir: Georges Pretre.

(Diamond Classics)

*

A continuación una lectura extraordinaria de las Danzas Húngaras de Brahms.

*

El maestro francés Georges Pretre, espléndido en el repertorio francés, se muestra con el mismo brillo, magia e inventiva cuando aborda música de otros compositores. Los resultados cuando ha dirigido repertorio extranjero y como invitado al frente de orquestas fuera de

Francia se pueden calificar simplemente de prodigiosos. Sus apariciones en años recientes como invitado para dirigir el famoso Concierto de Año Nuevo con la Filarmónica de Viena viene a apuntalar el creciente aprecio mundial que ya en sus años maduros ha venido a lograr el Maestro Pretre como justo homenaje y reconocimiento.

*

Aca tenemos una lectura personalísima pero no menos estimulante y fascinante de una obra de un compositor considerado como formal y rígido al extremo: las Danzas Húngaras de Brahms.

*

M-S.

Todo Tchaikovsky: 1812

Piotr Ilich Tchaikovsky

OBERTURA SOLEMNE "1812"

Minneapolis Symphony Orchestra

Dir: Antal Dorati.

(MERCURY)

*

La Obertura Solemne 1812, Op. 49 es una obra orquestal que prácticamente corona el final del período intermedio de la vida artística de Piotr Ilich Tchaikovsky. La pieza fue comenzada a componer en 1880 para conmemorar los 70 años de la victoria rusa en 1812 frente al avance de la Grande Armée de Napoleón Bonaparte. La obertura fue una obra de encargo, creada a sugerencia de Nikolai Rubinstein, amigo del compositor. La obra llevó una seis semanas para ser concluida, sin embargo fue estrenada en Moscú el 20 de agosto de 1882. La obra constituye una narración musical descriptiva de todo lo que fué la campaña napoleónica en Rusia, con su avance inicial indetenible, el temor y las plegarias del pueblo ruso a Dios como único salvador, la entrada de Napoleón en una Moscú desolada y en llamas, con su trágica retirada a la llegada del "general invierno" y su derrota final con su ejército diezmado y reducido a cenizas. La misma es reconocida por su final triunfal, que incluye salvas de disparos de cañón y repique de campanas. La 1812 ha conservado una inmensa e intacta popularidad desde su estreno, más que por su calidad musical, por el tremendo efecto de espectáculo que posee la ejecución de la misma, a cargo de una inmensa orquesta que incluye campanas, salvas de cañón y en ocasiones hasta coros de voces. El mismo compositor no era demasiado optimista sobre esta pieza, considerándola por ejemplo inferior a su Obertura Danesa, la Op.15.

*
En su visita a los Estados Unidos en 1891, Tchaikovsky dirigió como invitado la obra con motivo de la inauguración del Carnegie Hall de Nueva York. Pese a que esta obertura no tiene relación con la Historia Americana, su ejecución suele ser una parte clásica de los festejos por la independencia de los Estados Unidos, así como de otros eventos que a nivel mundial requieren de una obra musical que refleje júbilo nacional.
*

Argumento:

*
"Los tempi del único movimiento de esta obra son Lento - Andante - Allegro giusto - Largo y Allegro vivace. Dieciséis disparos de cañón están escritos en la partitura. La obra comienza con una melodía religiosa de la Iglesia Ortodoxa Rusa, "Dios proteja a su Pueblo", ejecutada por ocho violoncellos y cuatro violas, que recuerda cómo la declaración de guerra contra Francia fue notificada al pueblo en los servicios religiosos de toda Rusia. En ocasiones esta parte de la Obertura es cantada a capella por un coro. Continúa con una mezcla de melodías tradicionales (incluida la danza "A la puerta, a mi puerta") y militares, que representan la angustia creciente del pueblo ruso al saberse invadidos por el ejército francés. La pieza continúa con una marcha presentada por los metales, donde se oye cargar a los ejércitos para enfrentarse en la Batalla de Borodino. Un fragmento repetitivo y triunfal del himno nacional francés, La Marsellesa, sirve para representar al ejército invasor y la victoria de Napoleón sobre los rusos. A continuación, un diminuendo en la música representa la retirada rusa, evitando la confrontación directa con las tropas francesas al tiempo que dejan tierra arrasada. Vuelve a sonar la marcha de los metales y el fragmento de La marsellesa, para indicar la entrada de los franceses en una Moscú incendiada. El fragmento de La marsellesa sigue sonando, ahora en diminuendo, indicando la retirada de las tropas francesas, al tiempo que un crescendo indica el asedio ruso. Cinco disparos de cañón acompañan el avance de los rusos expresado en los instrumentos de cuerda y los metales, que preparan el campo para el cierre triunfal con el contrapunto entre el leitmotiv que representa al ejército ruso y el himno imperial ruso Dios salve al Zar, apoyado por once disparos de cañón y un repique de campanas. Este final muestra un anacronismo curioso, ya que Dios salve al Zar no era en 1812 el himno ruso, sino que lo era en la época en la que Tchaikovsky compuso la obra"(Wikipedia).
*
Aunque como se ha mencionado, el compositor no sentía gran estima sobre esta obra,

paradójica, y si se quiere, irónicamente, se ha tornado en una de sus piezas más conocidas y

más universalmente intrepretadas, por motivos ya señalados. Las grabaciones disponibles son numerosísimas y de la más amplia variedad interpretativa. La concepción original que debe incluir cañones y campanas de verdad, con inclusión de coros vocales, raramente se puede hacer por el gran costo logístico y material que supone. Sin embargo han habido aproximaciones honorables.
*
El maestro húngaro Antal Doráti fue el primero en lograr una interpretación en vivo con

una fidelidad exacta de los disparos tal cual están escritos en la partitura. Dirigiendo a la Orquesta Sinfónica de Minneapolis en versión monoaural de 1954 emplea el Yale Memorial Carillon y fue parcialmente grabada en la Academia Militar de West Point. Posteriormente Dorati realizó su grabación oficial en Stereo para el sello MERCURY, con la misma orquesta,

el 5 de abril de 1958, empleando la grabación anterior del disparo de cañón, las campanas del Laura Spelman Rockefeller Memorial Carillon y la banda de metales de la Universidad de Minnesota. La grabación no incluye coros. Se trata de la grabación de absoluta referencia para

la Obertura 1812, de acuerdo a todos los consensos.
*
Entre otras grabaciones dignas de mención están las de Erich Kunzel, con su orquesta Cincinnati Pops, con un despliegue similar al de Dorati (sin cañones reales en vivo) y en espectacular sonido del sello TELARC; la del sello RCA, donde Temirkanov la dirigió con despliegue completo en 1990, al frente de la Filarmónica de San Petersburgo, con motivo de los 150 años del nacimiento del Gran Trágico Ruso; y finalmente la del sello DECCA, donde Vladimir Ashkenazy dirigió en 1998 la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo con los cañones y campanas de la fortaleza de Pedro y Pablo de San Petersburgo, con el Coro de Cámara y Banda Militar de San Petersburgo... Hasta el momento la más cercana a la fastuosa concepción original.

*

M-S.

Reinhold Gliére: El Caballero de Bronce.

Reinhold Gliere (1875-1956)
EL CABALLERO DE BRONCE, Ballet en 4 actos.
BBC Philharmonic Orchestra
Dir: Sir Edward Downes.
(CHANDOS)
*

Reinhold Gliere fue un compositor ucraniano postromántico, contemporáneo de Rachmaninov, aunque la totalidad de su vida artística transcurrió en la Rusia Zarista y luego en la Unión Soviética. Aunque la mayoría de sus trabajos importantes corresponden a la primera mitad del siglo XX, su estilo y espíritu se compaginan absolutamente con el final del siglo XIX. Gliére fue discípulo del gran Rimsky-Korsakov, con quien aprendió Teoría. También tuvo entre sus maestros a Arensky, Taneyev e Ippolitov-Ivanov, con quienes aprendió composición. En el estilo de Gliére se evidencian influencias de todos estos maestros, aunque tal vez sea mayor la vena de Glazunov en sus composiciones. Gliere constituye una generación intermedia entre sus maestros y los discípulos que luego tuvo a cargo en el Conservatorio de Moscú al lograr la titularidad docente, entre los que se cuentan Prokofiev, Khachaturian, y Alexander Mosolov. Emblema del llamado "Realismo Socialista", Gliere se hizo también figura política durante el estalinismo, sirviendo como Presidente de la "Unión de Compositores Soviéticos". Su calidad artística fue luego atacada y desvirtuada por estos motivos, pero en la actualidad lo podemos apreciar de nuevo a plenitud por su arte, dejando de lado agravantes políticos.

*

La reputación de Gliere reside en su música para ballet (principalmente su gran ballet, "The Red Poppy") y su monumental 3ra Sinfonía "Ilya Muromets", ganadora en su momento de varios importantes galardones. "El Caballero de Bronce" (1949), es un ballet atípico, perteneciente a la última etapa de vida creativa del compositor, y basado en el más famoso Poema Narrativo de Alexander Pushkin. La obra compendia varias corrientes de estilo, pero su esencia nos recuerda a Glazunov y Borodin. Sir Edward Downes, director eslavófilo como pocos, dirige de manera ideal la versión completa del ballet y la Filarmónica de la BBC toca gloriosamente cada uno de los números. El enfoque, en ocasiones operístico de Downes, resulta magistral, contribuyendo a añadir momento musical a la partitura. La obra finaliza con un monumental himno-fanfarria (Himno a una Gran Ciudad) que concluye el ballet de forma gloriosa.

*

Un esencial en la discografía de música académica eslava.-

*

M-S.

Sibelius: Poemas Sinfónicos

Jean Sibelius

TONE POEMS

- VALSE TRISTE

- THE SWAN OF TUONELA

- THE OCEANIDES

- TAPIOLA

- LEMMINKÄINEN´S RETURN

- FINLANDIA

The Philharmonia Orchestra

Dir: Paavo Berglund.

(SERAPHIM)

*

Un homenaje un poco retardado al arte del recién desaparecido maestro finés, Paavo Berglund.

*

Una de las especialidades absolutas de Berglund era, como es de suponerse, Sibelius. En su haber existen fenomenales interpretaciones de sus obras orquestales dirigiendo las orquestas Fil. de Helsinki, La Sinfónica Bournemouth y la Philharmonia. De los Poemas Sinfónicos hoy presentados y grabados por Berglund con todas estas orquestas, su mejor logro a juicio de quien escribe, es esta antología grabada con la Philharmonia. Se trata de registros inspirados, comprometidos, atmosféricos como la partitura sibeliana exige, y con un sonido de la orquesta incomparable, preciso, prístino y depurado. Una joya sibeliana como homenaje a una de las más grandes batutas de Finlandia.

*

M-S.

Prometeo y sus Criaturas.

Ludwig van Beethoven
DIE GESCHÖPFE DES PROMETHEUS
Scottish Chamber Orchestra
Dir: Sir Charles Mackerras.
(HELIOS)
*
Sir Charles Mackerras, gran director recientemente desaparecido, dejó un gran legado discográfico. Su acervo más memorable lo dejó en sus apariciones con la Orquesta Filarmónica Checa y luego con la Orquesta de Cámara Escocesa, con la cual grabó un excelente ciclo de las
sinfonías de Mozart y luego de Beethoven. Defensor del rescate de obras olvidadas, una de las piezas de este género que pudo grabar fue la muy interesante música incidental que Beethoven compuso para el libreto de "Las Criaturas de Prometeo". Grabación espectacular que compite con la conocida y mucho más anterior de George Szell. Mackerras demuestra igual nivel de compromiso con esta música, gozando del beneficio adicional de una mejor calidad de sonido...
Un excelente disco muy recomendable.
*
M-S.

La Trompeta de Oro de Maurice André.

En homenaje al gran trompetista desaparecido, mostrando lo mejor de su arte interpretando las piezas clásicas más conocidas para este instrumento.

*

M-S

Maurice André (1933-2012)... In Memoriam

La Gran Trompeta del Siglo XX.

Sinfonía Fantástica

Hector Berlioz
SYMPHONIE FANTASTIQUE
Boston Symphony Orchestra
Dir: Charles Munch.
(RCA)
*

Para esta ocasión, una grabación que alcanza el rango de legendaria.
*
La Fantástica de Berlioz es una de las grandes obras del repertorio universal, bien conocida y ampliamente interpretada. Sería de esperar que sus mejores interpretaciones vengan de directores franceses ó al menos de escuela francesa. Sin embargo, acaso la mejor interpretación provenga de un británico, Sir Colin Davis, la semi-legendaria lectura del alsaciano Charles Munch sigue siendo el rasero por el cual se miden todas, incluyendo las de Davis. Con un sabor tradicionalmente francés, Munch destaca por su asertividad y por el colorido que logra con su orquesta bostoniana, la más "francesa" de las orquestas americanas.
*
Sin más, la Fantástica por Charles Munch...
*
M-S-

Todo Tchaikovsky: la Serenata para Cuerdas.

Piotr Ilich Tchaikovsky

STREICHERSERENADE, Op.48

Staatskapelle Dresden

Dir: Otmar Suitner.

(Brilliant Classics)

*

Continuando con nuestra serie de entregas cronológicas de las obras del Gran Trágico Ruso, nos corresponde a continuación su magnífica Serenata para Cuerdas, Op.48, que califica dentro de sus más grandes obras maestras.

*

Hacia mediados de 1880, después de un período de descanso, el compositor manifestaba deseos de emprender una nueva obra. Sus ímpetus creativos se orientaban hacia una nueva sinfonía o un cuarteto de cuerdas. Finalmente sus ideas se fueron orientando hacia lo que llamó una "Suite para Orquesta de Cuerdas". La estructura de los tres primeros movimientos (la obra fué concebida en los clásicos cuatro movimientos) fué emanando de manera bastante espontánea y fluida, mientras que para el Finale, Tchaikovsky incluyó melodías provenientes de dos canciones populares rusas. Para el 14 de octubre del mismo año, la finalmente "Serenata para Cuerdas" estaba concluida, arreglada luego para piano a 4 manos, y de inmediato enviadas las versiones a Petr Jurgenson para ser publicadas. Taneyev asistió a Tchaikovsky en las correcciones previas a la publicación definitiva.

*
La Serenata fué estrenada el 21 de Noviembre de 1880 en un concierto privado en el Conservatorio de Moscú, constituido especialmente para la ocasión por una fuerza de Profesores y estudiantes, para dar una sorpresa y agasajar al compositor, después de una larga ausencia del Conservatorio. La recepción de la obra fué bastante cálida. En junio del año siguiente, Tchaikovsky escribió a Eduard Nápravník, preguntando si la obra podría ser programada para conciertos futuros, obteniendo una respuesta positiva.

*
La primera ejecución pública del Op.48 tuvo lugar en San Petersburgo, el 18 de Octubre de 1881, en el tercer concierto de la Sociedad Musical Rusa, dirigida por el mismo Eduard Nápravník. La primera ejecución moscovita se llevó a lugar el 16 de Enero de 1882, en el 7mo concierto de la Sociedad Musical Rusa, dirigida por Max Erdmannsdörfer.
*

La Serenata es una obra de intensa expresividad de las cuerdas, una obra muy emotiva y de gran sabor y cualidad autóctonos rusos. Desde el sonido de las primeras cuerdas hasta el acorde final se aprecia ese olor, ese sabor y ese ánimo inconfundible en el que se mezclan sentimientos de calma, nostalgia, resignación y tristeza impostados. La nostalgia y poder oníricamente evocador de estas páginas son algo difícil de describir con palabras. No se trata de una partitura alegre, pero aún sin alegría se puede expresar una belleza casi insoportable. Tchaikovsky siempre lo hizo.

*

La obra cuenta con muchas grabaciones que le hacen justicia, sin embargo son menos las que penetran ese característico ánimo tchaikovskiano que muchos banalizan y edulcoran. La versión de Yuri Bashmet al frente de los Solistas de Moscú es un prototipo de ejecución ideal, muy rusa y muy ardiente. La versión hoy presentada, a cargo de Otmar Suitner, dirigiendo la Staatskapelle Dresden, pudiera considerarse antítesis de la primera, pero convergiendo a la final en resultados similares. Suitner opta por la aproximación más germánica, reposada, lírica, pero que permite a las cuerdas de la orquesta llegar al umbral de lo imposible en detalle, depuración y brillo del sonido. Es una grabación increible que invito a conocer a plenitud. Celebrando con esta joya el arribo a las 300.000 visitas al Blog.

*

M-S.

La ejecución ideal del concierto para violín de Brahms.

Johannes Brahms
VIOLIN CONCERTO, Op.77
Viktoria Mullova, Violin
Berliner Philharmoniker
Dir: Claudio Abbado.
(Philips)
*
Si hay una lectura moderna que se acerca a la perfección brahmsiana en el Op.77, es ésta maravilla producto de un concierto en vivo que se llevó a cabo en Tokyo en el año 1992.
*
Abbado es un director de excelentes credenciales brahmsianas, por lo que ha grabado esta obra varias veces (Vengerov, Mintz, Mullova) siendo esta última la grabación de absoluta preferencia. Quedan invitados a apreciarla.
*
M-S.

Las Múltiples caras de la 9na de Beethoven.

Ludwig van Beethoven

SYMPHONIE NR.IX, Op.125

Irmgard Seefried (soprano); Sieglinde Wagner (alto); Anton Dermota (tenor); Josef Greindl (bass)

Wiener Philharmoniker

Dir: Wilhelm Furtwängler.

(August, 31th, 1951)

(ORFEO)

*

Si entre sus intérpretes, la inmortal 9na de Beethoven ha tenido un único dueño, ese ha sido el no menos célebre director alemán Wilhelm Furtwängler, quien durante su vida la dirigió decenas de veces. En la actualidad existen unas 10 grabaciones más o menos bien personalizadas de las diferentes visiones que durante su vida éste artista le imprimió a la partitura, paseándonos por las más variadas atmósferas, desde las trágicas y ominosas, pasando por las épicas y llegando finalmente a las visiones más humanísticas y universalistas de la obra. Al primer renglón pertenecen la mayoría de sus grabaciones y lecturas de los años de guerra, siendo titular de la Filarmónica de Berlin, siendo su más reconocida insignia su archifamosa grabación de 1942, dramáticamente premonitoria. Al segundo grupo pertenecen las lecturas que son tenidas como su mejor Beethoven, donde cuentan sus modélicas grabaciones de posguerra hechas en los festivales de Bayreuth y de Lucerna. Finalmente, a la última categoría pertenece la grabación hoy presentada, que data del 31 de Agosto de 1951, posterior a la grabación de Bayreuth. Lo curioso del caso, es que no hay un período cronológico preciso para estos cambios de ánimo, Furtwängler era un personaje muy variable y en este sentido polifacético, si en alguna obra lo demuestra, es en la 9na de Beethoven.

*

La presente grabación nos muestra a un director en ánimo inusualmente holgado, sosegado, reconciliado consigo mismo, capaz de ofrecernos una visión de la 9na profunda e incluso enternecedoramente humana, universalista y como pocas veces con un mensaje de optimismo y de verdadera esperanza (intenciones explícitas del compositor). Para quien está acostumbrado a las grabaciones dramáticas, intensísimas y esquizoides este cambio de concepción puede resultar chocante, pero precisamente en esto radica la fascinación por un artista único como fué Furtwängler.

*

Sin más, una 9na controversial y poco difundida en comparación con las más famosas de Furt, pero que bien vale la pena agregar a toda colección.

*

M-S.

Paavo Berglund (1929-2012)... IN MEMORIAM.

Descanse en paz, Maestro...

Gustav Leonhardt (1928-2012)... IN MEMORIAM

Hermann Abendroth dirige la 1ra de Brahms.

Johannes Brahms.

SYMPHONIE NR.1, Op.68

Rundfunk Sinfonie-orchester Leipzig

Dir: Hermann Abendroth.

*

Hermann Abendroth (1883-1956) fué una de las auténticas grandes batutas del siglo XX. Su grandeza es aún desconocida por muchos melómanos al no haber contado con el más que ventajoso padrinazgo discográfico con que sí lo hicieron contemporáneos como Furtwängler ó Klemperer.

*

La mayoría del legado discográfico de Abendroth pertenece al período de posguerra, durante el cual le tocó vivir bajo la penosa transición de una Alemania arruinada hacia una nación dividida y, obligado ó no, finalmente destinado a permanecer en el lado comunista.

*

Como hemos dicho, un director desafortunadamente para muchos oídos poco conocido, pues aparte de haber sufrido las consecuencias por haber pertenecido al partido nazi, luego fue execrado por haber decidido quedarse en la Alemania comunista y haber sido el primer director alemán en aceptar invitaciones a dirigir en la URSS. Después de la caida del nazismo, el nuevo villano, la nueva encarnación del Mal era el comunismo soviético y esto le valió un veto automático al director por razones políticas, lo que le impidió poder grabar con los grandes sellos disqueros, mientras por el contrario Furtwängler, Knappertsbusch, Böhm Schuricht y Karajan, entre otros, con igual pasado político no del todo impolutos, sí pudieron reivindicarse. Es por esto que Abendroth solo pudo grabar para sellos de segunda, que nunca serían competencia para gigantes como EMI ó Decca. No todo fue malo, pues esta decisión del director permitió el renacimiento de grandes orquestas como la Gewandhaus de Leipzig, ó la RSO Berlin las cuales vivieron una de las eras más brillantes de toda su historia. Luego de la caída del nazismo se crearon orquestas nuevas, entre ellas la famosa Sinfónica de la Radio de Leipzig, que fue estrenada por Hermann Abendroth, su primer titular.

*

La especialidad de Abendroth era el repertorio romántico alemán: Beethoven, Brahms, Bruckner, Schumann, de los cuales dejó formidables grabaciones, usualmente de conciertos en vivo. De Brahms, con quien el director tuvo siempre una muy particular y extraordinaria afinidad, es de lo que más hay disponible en discografía de Abendroth. Se puede apreciar a través de la misma en sus diferentes eras, circunstancias y orquestas, la uniformidad y la misma visión básica que siempre mantuvo a través de lecturas de intensa pasión, pulcra sonoridad, ataques incisivos y extremidad en los tiempos, que compartiendo similitudes con Furtwängler, sin embargo sus derroteros finales eran harto diferentes. Hacia el final de su carrera artística Abendroth dispuso de un ciclo completo que incluye sus conciertos y las cuatro sinfonías, de entre las cuales destaca una mercurial, erudita y heterodoxa interpretación de la Primera, grabación que nos enorgullece compartirles. Probablemente no sea del gusto o aprobación de todos, pero lo que escuchareis a continuacion es una forma de interpretar a Brahms que ya ha muerto y que probablemente no volverá. Desde la primera explosión volcánica y ominosa que abre el primer movimiento nos damos cuenta de que se nos viene encima algo fuera de serie, y esta tensión se mantiene durante toda la ejecución, con un movimiento final controversial pero para nada rutinario y en todo momento excitante. Como detalle adicional, se trata de grabaciones que cuentan con un magnífico e incluso increíble sonido, tomando en cuenta que son monoaurales de entre los años 1953-56 (ninguna de las Primeras por Furtwängler suena así). Todo un tesoro a tener en sus colecciones y del que se recomienda no escuchar luego por mucho tiempo otras versiones «para no descontaminarse».

*

M-S.

Carlos Kleiber y la 7ma de Beethoven

Ludwig van Beethoven

SYMPHONIE NR.7, Op. 92

Bayerisches Staatsorchester

Dir: Carlos Kleiber.

(ORFEO)

*

La mejor 7ma de cuantas grabó Carlos Kleiber.

*

"Carlos Kleiber's best Beethoven Seventh remains his Concertgebouw video. His Vienna recording for DG has discipline going for it, and lively tempos, but the same somewhat mechanical approach to the opening two movements afflicts this newcomer, which features thrilling accounts of the scherzo and finale. In the first movement, Kleiber's refusal to inflect the music robs it of character. The transition from the introduction to the main allegro has no charm whatsoever, and the general impression once the music gets going is one of breathlessness. And why can't the orchestra play the opening chords together? They sound squeezed rather than attacked with the necessary precision.
*

The swift allegretto features a marvelously phrased opening tune, and a totally expressionless view of the counter-theme in violas and cellos, with grace notes minimized in a most unstylish manner. As his father did before him, Kleiber keeps the pizzicato strings right up to the end, which is wrong and sounds more so absent any attempt to phrase the movement's conclusion with even the slightest hint of a ritard. But as I said, the scherzo trips along enchantingly, and the finale is volcanic, with brilliant horn playing and a real tornado of a coda.
*

The orchestra plays very well throughout, with oboes particularly outstanding, and the audience is present but well-behaved, offering surprisingly underwhelmed applause at the end. I listened in stereo only; why or how this 1982 production can possibly offer real multi-channel sound I don't want to know, but the two-channel mastering is very present and impactful. Whether you want or need a 35-minute CD containing only Beethoven's Seventh, shorn of repeats in its outer movements, obviously is a personal choice. If you have the Concertgebouw video, then you have Kleiber at his best in this music, and you don't need this new release. But I certainly wouldn't want to be without the scherzo and finale. They are remarkable".
*

--David Hurwitz

Todo Tchaikovsky: Capriccio Italien

Piotr Ilich Tchaikovsky
CAPRICCIO ITALIEN, Op.45
Berliner Philharmoniker
Dir: Herbert von Karajan.
(DG)
*
Comenzando el año 2012, y haciéndolo de manera festiva, y qué mejor manera que con una obra como el fantástico Capriccio Italien.
*
Tchaikovsky compuso su Op.45 en Roma, a principios de 1880. El compositor quiso componer una "Suite Italiana" a la manera de la Fantasía Española de Glinka, y en base a melodías autóctonas recogidas por su mismo oído durante su periplo italiano. Sin embargo, la obra no sería estrenada hasta el 6 de diciembre de ese año, ya en Moscú, bajo la batuta de Nikolai Rubinstein.
*
La obra es un maravilloso caleidoscopio de melodías, de indiscutible aroma italiano, desplegado en un fastuoso despliegue orquestal, colocándola como un verdadero mostrario de exhibicionismo, en el buen sentido.
*
Por todo esto es una obra que se presta para exhibir todas las dotes de una orquesta. Grabaciones hay muchísimas, aunque su partitura no ha sido tan destrozada como Romeo u Julieta. Desde Arthur Fiedler y Erich Kunzel, hasta los directores más intelectuales, han grabado al menos una vez su propia versión del Capriccio.
*
De entre toda la pléyade de grabaciones existentes, quien escribe considera hasta el momento irrebatible la milagrosa versión de Herbert von Karajan, de 1967, en la que fue sin duda la década de oro de la Filarmónica de Berlin. El masivo pero deslumbrante despliegue sonoro logrado en esa oportunidad aún luce incontestable a los oídos de hoy.
*
M-S.