Mahler y la 5ta Sinfonía

Gustav Mahler (1860-1911)
SYMPHONIE NR.5
Gewandhausorchester Leipzig
Dir: Vaclav Neumann.
(Berlin Classics).
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Continuando con la conmemoración del centenario de la muerte de Mahler.
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La 5ta Sinfonía, al igual que sucede con las 5tas de otros compositores de renombre, marca un hito en la trayectoria artística del compositor, quien para ese momento se encuentra en la cúspide de sus poderes creativos, logrando la que es con justicia la obra más erudita de su catálogo.

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En el ámbito de la filosofía intrínseca de las sinfonías mahlerianas, donde un héroe nace, muere, vence, es derrotado, resucita y se transfigura, a nivel de la 5ta se evidencia la última vez en que veremos al mismo triunfar. En la 6ta será aplastado por los martillazos del destino, en la 7ma será eclipsado por la noche y en la 9na morirá para siempre. La 5ta es por tanto el clímax de la trayectoria de este héroe y que no es más que la transposición a la música del mismo espíritu del compositor.

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Por décadas se ha tomado como grabación de referencia a la "famosa" versión de Barbirolli. Sin embargo, a juicio de quien escribe, es una grabación que no ha resultado indeleble a la prueba del tiempo, siendo lenta y progresivamente anquilosada y eclipsada por grabaciones más modernas, que a expensas de un sonido más homogeneo, brillante y de mejor calidad, así como de lecturas con más garra, han logrado superar a esta aún importante referencia histórica.

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Aún dentro de grabaciones más o menos contemporáneas con la de Barbirolli, existen otras mucho mejor preferibles. Ejemplo es la grabación hoy presentada, producto de un concierto conmemorativo muy especial. En 1966, la legendaria orquesta de la Gewandhaus de Leipzig celebraba el jubileo por sus 250 años de creada, y entre la serie de conciertos conmemorativos se incluyó esta legendaria 5ta de Mahler, bajo la batuta de un director de auténticas credenciales mahlerianas, aunque sin la publicidad de un Barbirolli, un Walter, un Kubelik ó un Klemperer: el checo Vaclav Neumann. El concierto para entonces registrado nos deja una versión de la 5ta, que a diferencia de la de Sir John, ha resistido la prueba del tiempo, y aún es un rasero por el cual deberían de ser medidas todas las versiones posteriores.

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Posteriormente Neumann volvería sobre la 5ta, pero esta vez con la Filarmónica checa, pero con resultados muy inferiores, por lo que su milagro alcanzado en Leipzig es el que debe de ser atesorado.

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M-S.

Aquel año de 1905.

Dmitri Shostakovich (1906-1975)
SYMPHONY NR.11, Op.103 "The Year 1905"
St. Petersburg Philharmonic Orchestra
Dir: Vladimir Ashkenazy.
(DECCA)
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La undécima sinfonía del más representativo de los compositores soviéticos es en apariencia una obra "oficialista" ó "propagandista" de los "valores" del socialismo soviético post-estalinista, al haber sido compuesta en homenaje a una fecha notable de las efemérides patrias, pero al examinarla en profundidad de nuevo nos encontramos con los asombrosos enigmas que sólo un genio como Shostakovich podía plantear en su música. Una obra conmemorativa en apariencia se torna en una hermosa y conmovedora página evocadora del cuasi-eterno ciclo de sufrimiento-reivindicación que ha vivido el gran pueblo de todas las Rusias a través de su accidentada Historia.

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La obra fue compuesta en 1957, cuatro años después de la extinción de la férula estalinista y del advenimiento de la apertura khruscheviana. El argumento de la música está basado en los históricos hechos del año 1905, cuando ocurrió lo que se conoce como la "primera revolución rusa", y que no fue más que el preludio a la gran revolución de 12 años más tarde. Aquel día, el fatídico "domingo sangriento", 22 de enero de 1905, las tropas zaristas abrieron fuego contra una multitud inerme congregada ante el Palacio de Invierno en San Petersburgo y que hacía pacíficamente peticiones reformistas y masacraron a miles. El compositor debería haberla concluido lógicamente para el año 1955, en conmemoración del cincuentenario, pero diversos disturbios familiares se lo impidieron, y no fué hasta el año siguiente, 1956, en que el mismo decidiría salir de su inercia. Qué lo sacó de ese marasmo?

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El 30 de noviembre de 1956, los tanques soviéticos invaden Hungría, y se aplasta sangrientamente la revolución nacionalista húngara. Se instala entonces el gobierno comunista pro-soviético de Janos Kádar y miles de personas son ejecutadas, encarceladas ó enviadas a los Gulag. Los eventos en Hungría despertaron la intermitente inspiración creativa de Shostakovich, y de este modo nació la 11ma sinfonía. La obra evoca pues en apariencia a las víctimas de la cruel autocracia zarista, pero en sentido más amplio (e inconfesable) hace memoria a todas las víctimas de todas las tiranías y todos los despotismos del antes y del ahora, incluyendo el soviético.

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La obra fue estrenada el 30 de octubre de 1957, en Leningrado, con la Orquesta de la Union Soviética, bajo la dirección de Natan Rakhlin. El éxito fue inmediato y colosal, el compositor no era aclamado a estos niveles desde la creación de la 7ma sinfonía, la "Leningrado", y le valió al año siguiente el Premio Lenin a las artes, así como su rehabilitación de la mocion de censura que se le había impuesto 10 años antes a consecuencia de la "doctrina Zhdanov"... Shostakovich volvía a ser héroe de la Unión Soviética.

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La sinfonía está estructurada a modo de obra programática, de tonalidades épicas, haciéndola aparentar una especie de "música de película, pero sin película". La misma es definitivamente tonal, en estilo romántico, pero curiosamente distribuida en los clásicos cuatro movimientos. La orquestación figura dentro de la más característica de lo mejor del compositor y el trato de los temas y el simbolismo sugieren mucho a Mussorgsky, quien siempre fue uno de los íconos de Shostakovich. Cada uno de los cuatro movimientos conllevan un título alegórico, lo cual soporta el análisis de la obra como programática:

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1) La Plaza del Palacio de Invierno (Adagio): en una música ominosamente atmosférica, el compositor representa el ambiente en la ciudad y seguramente en toda la nación en los días previos a la masacre. La música es distante, fría, subrepticia, amenazante, con melodías de vientos y sonidos de percusión que apenas se insinúan aquí y alla, sin disparar un verdadero desarrollo. Algunos recursos mahlerianos no dejan de apreciarse en esta introducción.

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2) El 9 de Enero (22 de enero, calendario occidental): tras una tranquila transición, el 1er movimiento abre paso sin pausa a este inolvidable Allegro, que pasa a narrar los hechos propios del día en cuestión. El mismo se divide en dos partes, una primera que evoca a los manifestantes congregándose en un lado de la Plaza del Palacio, y a la guardia imperial en el otro lado aguardando órdenes. La música va adquiriendo fuerza y turbulencia y tras un pasaje intermedio calmado se abre paso un estridente y violento tambor militar que inicia la segunda parte, o sea la masacre. Se desencadena una implacable marcha militar que representa a la tropa arremetiendo y matando sin piedad a los manifestantes, con golpes de timbal y tam-tam que sugieren disparos, en un descriptivismo musical aterrador. Finaliza la masacre y en ese momento, al igual que en la inolvidable marcha de la Sinfonía Leningrado, la música se quiebra, creando en el escucha un golpe psicológico definitivo. La calma del 1er movimiento vuelve a cargo de unas cuerdas lejanas y nos hacen ver fácilmente a la gran Plaza del Palacio desolada, plena de cadáveres y nieve.

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3) Memorial eterno: a continuación y de nuevo sin pausa, adviene el tercer movimiento, un adagio en forma de marcha fúnebre, melancólica y torturada, y que constituye un lamento a la violencia. Luego de la ferocidad implacable del movimiento anterior, actúa a modo de analgésico, y como transición al movimiento final.

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4) Tocsin (La Campana): la obra finaliza con este formidable Allegro non troppo, que inicia a modo de marcha-scherzo cuasi-bruckneriano y que recopila diversos materiales que ya hemos conocido en los movimientos precedentes. El estilo y el simbolismo mussorgskianos adquieren relieve a medida que la orquesta va aumentando su intervención en el desarrollo y la aparición de una gran campana de alarma (Tocsin) establece un conflicto sonoro entre dos bandos (la Campana tañe en sol menor mientras la orquesta lo hace en sol mayor) que pretende comunicar una moraleja y el modo abrupto en que ambas finalizan de tocar al mismo tiempo sugieren que ninguno de los bandos obtendrá ganancia hasta que llegue la hora definitiva (1917).

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Es de entender la alta popularidad de que ha gozado la obra desde su estreno. Uno de los asistentes a ese evento del año 1957 fue un joven estudiante del piano llamado Vladimir Ashkenazy, quien se sorprendía entonces de que alguien con el genio de Shostakovich se pudiera prestar a componer "Música de propaganda". Años más tarde, Ashkenazy, pianista consumado y gran director, admite públicamente el error en que estaba y reconoce el verdadero valor de la 11ma, no sólo en declaraciones, sino agarrando él mismo la batuta y dirigiéndola, dejándonos la que quien escribe considera la mejor grabación de la obra. La lectura de Ashkenazy y el sonido de la Orquesta de San Petersburgo (antes Filarmónica de Leningrado) son desgarradores y el golpe en el alma es definitivo. Les invito a conocer esta inolvidable lectura de una de las grandes páginas sinfónicas del siglo XX.

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M-S.

El Mephisto de Liszt.

Franz Liszt

MEPHISTO-WALZER

Berliner Philharmoniker

Dir: Herbert von Karajan.

(DG)

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Continuando con el bicentenario de Liszt, en esta ocasión uno de sus más inspirados Poemas Sinfónicos, basado en la inmortal trama de Goethe. La lectura de Karajan al frente de sus "berliners" resulta la ideal.

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M-S.

Erich Wolfgang Korngold

Erich Wolfgang Korngold

SINFONIETTA, Op.5 (Für grosses orchester)

Runfunk Sinfonieorchester Berlin

Dir: Gerd Albrecht.

(Varese)

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Erich Wolfgang Korngold es hoy recordado principalmente por los fastuosos e inmortales soundtracks musicales que compuso para numerosas películas de la era de oro de Hollywood. Austríaco de orígen judío, fue un niño prodigio con una trayectoria comparable a la de Mozart y posteriormente fue uno de los tantos artistas que tuvo que emigrar a los Estados Unidos tras el ascenso en Europa del nazismo. Compuso, sin embargo, casi tanta cantidad de música académica como la que destinó al cine, y hoy día afortunadamente han sido en buena proporción rescatadas y dadas a conocer. Muy famoso su concierto para violín, que es con justicia uno de los mejores conciertos del siglo XX para ese instrumento.

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La Sinfonietta Op.5, es el primer trabajo en gran escala del compositor, y data de 1912. La misma se estrenó en Viena el 30 de noviembre de 1913, a cargo de nada menos que la Filarmónica de Viena, bajo la batuta de Felix Weingartner, a quien la obra está dedicada. Es una obra hermosa, muy romántica y con gran ingenio en la orquestación, aunque en su esencia pueda parecer anticuada en comparación con otras obras revolucionarias que para la época conmocionaban los auditorios.

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Afortunadamente los excesos de la musica contemporanea han permitido que sean resucitadas grandes obras como es esta Sinfonietta de Korngold.

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M-S

Desde Eslovaquia...

Vìteszlav Novak

-SLOVACKO SUITE

-MELANCHOLIC SONGS OF LOVE

-SERENADE IN F FOR SMALL ORCHESTRA.

Jana Tetourovà

The Prague Philharmonia

Dir: Jiri Belohlavek.

(SUPRAPHON)

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Cuando se habla de música de orígen checo (Bohemia, Moravia y Eslovaquia) se tiende a pensar sólo en Dvorak ó Smetana, y si se quiere ser más profundo, se incluye a Martinu. Afortunadamente se ha venido explotando el repertorio dejado por otros compositores hasta hace poco ignorados y por tanto desconocidos. Uno de ellos es Víteszlav Novak, espléndido compositor que tiene en su haber un amplio repertorio orquestal, con obras magníficas como las que hoy presentamos. Para introducir a Novak este disco es una excelente selección.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: la 1ra Suite Orquestal.

Piotr Ilich Tchaikovsky

SUITE NR.1, Op.43

USSR Symphony Orchestra

Dir: Evgeny Svetlanov.

(Melodiya).

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La Suite Orquestal Nr.1 de Tchaikovsky fue compuesta entre los años 1878 y 1879. Su estreno se llevó a cabo en Moscú, el 20 de diciembre de 1879, en un concierto de la Sociedad Musical Rusa, bajo la batuta de Nikolai Rubinstein. Tchaikovsky dedicó la obra a su benefactora y mecenas anónima, la Sra. Nadezhda von Meck.

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Posterior al esfuerzo humano titánico que significó la 4ta Sinfonía, Tchaikovsky quiso tomar un descanso de las creaciones de grueso calibre y para el momento fue atraido hacia las formas simples que ofrecían las antíguas suites barrocas. El modelo más directo y obvio, Bach. De este modo, el compositor se embarcó en el experimento de crear nueva música bajo el molde de las formas antíguas, y así surgieron sus 4 suites orquestales, de las cuales la 1ra es la más larga y la más aproximada a un divertissement de ballet, a la usanza antígua. En un principio constaba de 5 movimientos, a los cuales luego el compositor agregó la conocida y popularísima "marche miniature", que pese a la brevedad de su duración es paradójicamente el movimiento más querido y apreciado de la obra.

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Evgeny Svetlanov, director insigne en todo el repertorio sinfónico ruso, aunque a veces algo errático y hasta rústico cuando afrontaba a Tchaikovsky, en las suites orquestales se mostró todo un maestro, y su lectura de la Suite Nr.1 es la ideal para comparar al resto de grabaciones rivales.

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M-S.

Dos años...

Sergei Rachmaninov
PIANO CONCERTO NR.3, Op.30
Arcadi Volodos, Piano
Berliner Philharmoniker
Dir: James Levine.
(RCA)
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A dos años de la partida a la Gloria de nuestro entrañable amigo Gabriel, El Cuervo López. Su amplia dedicación a la difusión musical y cultural que durante años generosamente nos brindó a tantos seguidores anónimos a través de su inigualable Blog, así como la interacción que nos permitía e incluso para muchos privilegiados como quien escribe, el poder colaborar eventualmente en la edición, nos hará tenerlo perennemente en nuestras memorias y corazones y siempre será el referente para el modesto y desinteresado trabajo que aca se hace, así como en otros Blogs hermanos.

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La pasión del Cuervo por Mahler será algo siempre proverbial, pero además nuestro Cuervo era apasionado de la música rusa del siglo XIX (odiaba a Shostakovich y Prokofiev, nadie es perfecto, jejeje), y uno de sus preferidos era (y cómo culparlo) el gran Sergei Rachmaninov. Quien escribe recuerda que poco tiempo antes de enfermar, el Cuervo me remitió la grabación que hoy presento para evaluarla, planificada para publicación. Estaba muy emocionado con este descubrimiento. A mí también me pareció y aun me parece estupenda grabación y así se lo hice saber, tras lo cual finalmente lo publicó.

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El Cuervo consideraba a James Levine (actualmente enfermo y a quien Dios tenga a bien recuperar) un excelente director, y realmente estaba en lo cierto. Su acompañamiento a Arcadi Volodos, nada menos que al frente de la Filarmónica de Berlín, es el que todo solista podría soñar. Para muestra basta escuchar.

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Te recordamos un montón, Cuervito, pues bastante nos dejaste.

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M-S.

Los Preludios.

Franz Liszt (1811-1886)

LES PRÉLUDES

RIAS Berlin

Dir: Ferenc Fricsay.

(DG).

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Aparte del centenario Mahler, el 2011 es el año bicentenario del natalicio del gran Ferenc (Franz) Liszt.

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Soberbio pianista y revolucionario compositor, Liszt introdujo como su invención la figura del Poema Sinfónico. El Poema Sinfónico es una composición orquestal, en la concepción romántica usualmente creado para gran orquesta, de duración más extensa que una Obertura, y cuyo argumento suele hacer alegoría o descripción musical basada en un texto literario ó idea filosófica. Los Poemas Sinfónicos de Liszt fueron todos alegóricos a textos de obras literarias contemporáneas. Su Poema Sinfónico mejor elaborado, más convincente, más popular y conocido es con justicia Los Preludios, la obra traida en esta oportunidad.

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Liszt concluyó la composición de Les Préludes en 1851 y la obra fue estrenada el 23 de febrero de 1854, con el propio compositor dirigiendo la Orquesta de la Corte de Weimar. El título del mismo debe su nombre a una obra homónima de 375 líneas publicada en 1832 por el poeta francés Alphonse de Lamartine, amigo del compositor. El "poema" literario describe cuatro secciones que tratan respectivamente del amor, del destino, de la guerra y de la naturaleza. Por lo tanto el Poema Sinfónico deja reconocer, aun dentro de su continuidad, cuatro secciones principales, cada una con un estado de ánimo distinto y separadas por ingeniosas transiciones, y que en conjunto delimitan la llegada de un nuevo tipo de género musical que sería insignia del romanticismo: la Música Programática.

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La "nota de programa" escrita por Liszt a su creación reza lo siguiente:

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"¿ Qué es nuestra vida sino una serie de preludios a una canción desconocida, de la cual la primera nota solemne es la que hace sonar la muerte? El amanecer encantado de toda existencia está anunciado por el amor, y sin embargo, ¿en el destino de quién no están interpretados los primeros latidos de la felicidad por tormentas cuyas violentas ráfagas disipan las más caras ilusiones del Ser, consumiendo su altar con un fuego fatal? ¿Y dónde debe hallarse el alma cruelmente golpeada, que habiéndose convertido en juguete de una de esas tempestades, no busca olvido en la dulce quietud de la vida rural? Sin embargo, el hombre pocas veces se entrega a la calma beneficiosa que al principio lo encadenó al regazo de la naturaleza. Tan pronto como la trompeta hace sonar la alarma, corre él al puesto del peligro, aunque sea la guerra la que lo convoque a sus filas, pues hallará nuevamente en la lucha completa autorrealización y plena posesión de sus fuerzas".

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Los Preludios es con justicia una de las obras más hermosas y populares de todo el repertorio sinfónico. Ampliamente honrada en cuanto a grabaciones, la mayoría la engalanan, aunque son pocas las que realmente han llegado a la cima que Liszt mismo hubiera soñado. Casi cualquier director famoso que ha incurrido en repertorio romántico lo ha grabado o al menos abordado. Y de todo lo existente, para quien escribe, hasta ahora nada supera a la mítica versión grabada por Ferenc Fricsay (compatriota de Liszt) en 1959, dirigiendo a su orquesta RIAS de la Radio berlinesa. El fraseo efusivo, el poder desplegado en las secciones dramáticas, el magistral cuidado en el balance y en el detalle, el vertiginoso énfasis que llevan metales y percusión, hacen de esta grabación algo cercano al milagro y a la experiencia cuasi-religiosa... A disfrutarla!

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M-S.

Mahler: SINFONIA NR.4

Gustav Mahler

SYMPHONIE NR.4

Judith Raskin, Soprano

The Cleveland Orchestra

Dir: George Szell

(CBS-Sony)

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Por problemas operativos el Blog estuvo inactivo unas semanas. Hubiera querido hacer su merecido homenaje a Gustav Mahler el día centenario de su muerte (18 de mayo), pero ya no se pudo. Esta iba a ser la grabación a publicar, uno de los más altos pináculos en toda la discografía mahleriana de antes y ahora.

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Para un análisis exhaustivo de la 4ta de Mahler y selección de su discografía (amplísima), remito nuevamente al lector a la excelente serie publicada en el Blog hermano Oido Fino (http://oidofino.blogspot.com/2010/11/mahler-discografia-esencial-sinfonia-n.html), escrita por el dedicado mahleriano y amigo Fernando Toledo, que aunque en otras sinfonías no coincidimos, creo que aca en la 4ta no tenemos discrepancias... : )

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Para hacer un resumen de 4tas de primera referencia, propondría mi lista personal, cronológicamente:

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1) Willem Mengelberg/Jo Vincent/Concertgebouw (Philips-1939): inigualable, aún con sus imperfecciones, muy probablemente lo más cercano a como la hubiera dirigido el propio compositor.

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2) Bruno Walter/Hilde Güden/Wiener Philharmoniker (DG-1954): de lo mejor que ha hecho Bruno Walter en Mahler, ejecución equilibrada, impoluta, y excelentemente cantada por la Sra. Güden.

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3) George Szell/Judith Raskin/The Cleveland Orchestra (CBS-1967): la perfección llevada al sonido. Las cualidades técnicas y amplio conocimiento del director húngaro en la cúspide de sus poderes, aunado a una de las mejores voces para el "Das himmlische leben"... Parafraseando a Norman Lebrecht, "una obra de este mundo tocada como desde otro mundo".

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4) Stanislaw Skrowaczewski/Allison Hargan/The Hallé Orchestra (IMP): grabación de los 70´s, especialísima y comodín debajo de la manga para quien escribe, la misma ya publicada anteriormente en este Blog.

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5) Michael Tilson Thomas/Laura Claycomb/San Francisco Symphony Orchestra: de entre las grabaciones más recientes, probablemente ninguna mejora a MTT, sin duda lo mejor de su ciclo en San Francisco.

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Pronto vendremos con una 5ta extraordinaria.

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M-S.

Feliz cumpleaños, Don Igor!

Igor Stravinsky (1882-1970)

PIANO CONCERTO

Olli Mustonen, Piano

DSO Berlin

Dir: Vladimir Ashkenazy.

(DECCA).

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Hace 129 años nació Igor Stravinsky, genio musical del siglo XX y auténtico revolucionario de este arte. Con su idiosincrático Concierto para Piano deseamos hacerle un pequeño homenaje para conmemorar esta fecha.

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M-S.

Taneyev, el Bach ruso.

Sergei Taneyev

ORCHESTRAL WORKS

Novosibirsk Academy Symphony Orchestra

Dir: Thomas Sanderling.

(NAXOS).

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Reiniciando la actividad del Blog, les presento un maravilloso disco con obras poco conocidas pero muy representativas del estilo creador de Taneyev, a quien el mismo Tchaikovsky llegó a llamar el "Bach ruso", por su increible genio en el contrapunto.

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De las obras presentadas en el disco, sólo la Obertura para la Opera "La Oresteia" tiene su puesto en el repertorio y su bien ganada fama, el resto son obras poco conocidas. Recomiendo especialmente la magnífica Obertura sobre un Tema Ruso, excelente muestra del genio derivativo y contrapuntístico del compositor y sin duda una pieza que a pesar de su esencia academicista merece ser más conocida e interpretada.

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M-S.

Centenario Gustav Mahler: la 3ra Sinfonía

Gustav Mahler (1860-1911) SYMPHONIE NR.3 Christa Ludwig, Soprano New York Choral Artists, Brooklyn Boys Chorus New York Philharmonic Dir: Leonard Bernstein. (DG) *

Sin duda, la mejor 3ra que se ha grabado jamás...

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La 3ra de Mahler se puede considerar afortunada, pues se encuentra excelentemente servida en cuanto a discografía que le hace honor. A través de magistrales grabaciones hechas por Mitropoulos, Adler, Horenstein, Kubelik, Bernstein, Barbirolli y Haitink, entre otros, su inmortalidad está asegurada.

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Sin embargo, dentro de esta pléyade de registros antológicos, para quien escribe sólo una sobresale como una isla desierta en medio de ese océano. Se trata de la celestial lectura de Leonard Bernstein, del año 1987, con su orquesta madre, la Filarmónica de New York, en su ciclo mixto para DG y con el genial canto de Christa Ludwig. En esta grabación la partitura mahleriana es hecha cantar como ninguna, y el rango expresivo y emotivo llevado a límites inimaginables, dentro de la expansividad mejor pensada que he encontrado en lectura mahleriana alguna. Sin duda Lenny sigue siendo el dueño y monarca en la sinfonía más larga del repertorio.

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M-S.

Desde el Nuevo Mundo...

Antonín Dvoràk

SYMPHONY NR.9, Op.95 "Aus der neuen welt"

Chicago Symphony Orchestra.

Dir: Sir Georg Solti.

(DECCA)

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Aunque la 9na de Dvorak es la sinfonía más popular y conocida de este compositor, probablemente no es su mejor composición musicalmente hablando y ni siquiera la más hermosa y cautivadora, pudiendo colocar por delante a la 5ta y a la 8va.

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Sin embargo, la 9na conserva la mayor popularidad, lo cual probablemente se deba en especial a dos momentos inolvidables de la obra: el tema principal del 2do movimiento, que inicia el corno inglés, y la tumultuosa fanfarria que abre el Finale y lo desarrolla.

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Dada su gran popularidad, es de entender que sea una obra con decenas de grabaciones, desde la gran isla desierta implantada por Vaclav Talich, hasta los grandes despliegues sonoros con que se han lucido los más variados directores y orquestas en la era digital. De entre éstos últimos probablemente ninguno supere al milagro registrado en disco por el maestro Solti con la orquesta que regentó por una década, la sinfónica de Chicago... Ejecución perfecta, sin porosidades, sin amaneramientos (cosa en la que Solti no obtiene siempre las mejores calificaciones); además de la calidad de sonido a las que Decca nos ha tenido acostumbrados.

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Preparados a cantar esta 9na de Dvorak como la mejor en disco.

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M-S.

Yakov Kreizberg (1959-2011) IN MEMORIAM.

Descanse en paz, Maestro!

Homenaje al Japón

Takashi Yoshimatsu
PRELUDIO A LA CELEBRACION DE LOS PAJAROS.
BBC Philharmonic Orchestra
Dir: Sachio Fujioka
(CHANDOS)
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Una hermosa, serena y reflexiva obra en honor de las víctimas del terremoto y tsunami que han devastado parte de la admirable tierra del Japón...

La calma volverá...

Todo Tchaikovsky: Gala en Leningrado.

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ARPEGIO celebra el día de hoy el arribo a las 200.000 visitas. Gracias a todos.

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La ocasión se presta para publicar y presentar a evaluación un disco que se me había pedido hace algún tiempo. Ya algunas obras separadas habían sido publicadas, pero un visitante solicitó el disco completo. Espero no haber llegado muy tarde.

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Este fabuloso disco recoge la toma de un concierto de gala llevado a cabo en Leningrado (ahora San Petersburgo) el año 1990, con motivo del 150 aniversario del nacimiento del Gran Trágico Ruso, Piotr Ilich Tchaikovsky, y que incluyó varias de sus obras más populares, como las Variaciones Rococó, el Valse-Scherzo, y la infaltable Obertura 1812. El mismo incluyó artistas de alta factura como Yo-Yo-Ma e Itzhak Perlman, y la Filarmónica de Leningrado, todos bajo la batuta del maestro ruso Yuri Temirkanov. Fue un momento mágico.
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Sin más, y saldando una vieja deuda, que lo disfruten...

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M-S.

Centenario Gustav Mahler: La Resurrección.

Gustav Mahler

SINFONIA NR.2 "RESURRECCION"

Sylvia McNair, Soprano

Jard van Nes, Contralto

Ernst Seff Chor

Berliner Philharmoniker

Dir: Bernard Haitink

(Philips)

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Para el análisis y contexto completo de esta obra recomiendo la entrega respectiva en el Blog hermano Oido Fino, formidablemente escrito por nuestro amigo Ernesto Nosthas.

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La 2da sinfonía de Mahler fue compuesta en su mayor parte en el año 1894. Los primeros tres movimientos fueron interpretados el 4 de marzo de 1895, bajo la batuta de Richard Strauss. La premiere de la obra completa fue el 13 de diciembre de ese mismo año, bajo la batuta de Mahler.

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La obra no era ni es en sí revolucionaria, pues no era la primera sinfonía coral que se componía, pero sí marca un hito al alcanzar semejantes proporciones en cuanto a duración y despliegue orquestal. Entre la 9na de Beethoven, de más de 70 años antes, y la 2da de Mahler, sólo existe una sinfonía coral digna de mención, que es la "Lobgesang", es decir, la 2da de Mendelssohn.

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Al ser una obra tan distinguida y una de las más populares y conocidas del compositor, es de entender que cuente con una numerosa y respetable discografía. A continuación algunas grabaciones que han marcado época:

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1.- Hermann Scherchen/Orquesta de la Opera de Viena (1958): grabación de culto entre los mahleritas, de ritmos y tiempos incisivos y abruptos, rubatos y cambios emotivos extremos, considerada como la lectura "mas peligrosa" jamás realizada, y como la manera más aproximada a como el mismo Mahler la debe haber interpretado. Una joya, de difícil adquisición.

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2.- Otto Klemperer/Philharmonia (1961) y SOBR (1963): probablemente el director más asociado a esta obra, Otto Klemperer siempre le dió a través de sus numerosas grabaciones una sonoridad especial a la misma, con un estilo monolítico y sensación de unidad sin fisuras, en un sentido diametralmente opuesto al estilo iconoclasta de Scherchen. De sus grabaciones las más famosas son estas dos, con mi particular preferencia por la grabación de 1963 en Munich.

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3.- Sir John Barbirolli/Orquesta de la Radio de Stuttgart (1970): otra gran lectura que concilia lo mejor de los enfoques de Scherchen, Klemperer y Bruno Walter para lograr un mundo sonoro ideal.

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4.- Leopold Stokowski/London Symphony Orchestra (1974): la unica grabación comercial mahleriana de Stokie, hecha a sus 92 años, paradójicamente marca una revolución no solo en calidad interpretativa sino en formidables avances en el sonido, haciendo palidecer a sus antecesoras. Lectura de gran poder e impacto que merece sin duda su puesto en el Panteon de las inmortales.

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5.- Zubin Mehta/Filarmónica de Viena (1975): una lectura dramática pero a la vez hermosamente poética, con una Fil. de Viena en estado de gracia y solistas modélicas.

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6.- Rafael Kubelik/SOBR (1982): se trata nuevamente de su grabación en vivo, registrada para el sello audite, muy preferible a su versión DG. Es una lectura objetiva y que concilia definitivamente las diferencias entre Klemperer y Walter, bastante en la vía de Barbirolli.

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7.- Leonard Bernstein/New York Philharmonic (DG, 1987): imposible dejar de mencionar a Lenny, con una grabación muy a su estilo, con realce especial en el dramatismo, pero con un sonido también excelente.

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8.- Bernard Haitink/Berliner Philharmoniker (Philips, 1994): lectura modélica, impoluta, dramática, impactante, con solistas de entre las de más hermosa voz y coros celestiales... para quien escribe sigue siendo la ideal y es la que hoy se presenta.

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9.- Seiji Ozawa/Saito Kinen Orchestra (Sony, 2000): impactante lectura tomada de un concierto en vivo, muy recomendable.

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Como muestra de audición, Haitink en Berlin, a quien la orquesta designó en su momento como director destinado a grabar con ellos el primer ciclo completo de las sinfonías de Mahler, proyecto que muy penosamente nunca se completó, llegando sólo hasta la 7ma. Qué pena por Philips.

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M-S.

Todo Tchaikovsky: cerrando la 4ta.

Piotr Ilich Tchaikovsky

SINFONIA NR.4, Op.36

London Symphony Orchestra

Dir: Antal Dorati

(MERCURY)

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Finaliza con esta espectacular grabación la serie de entregas dedicada a la espléndida 4ta del Gran Trágico Ruso. La Sinfónica de Londres tiene fama legendaria en tocar soberbiamente la música rusa, muy especialmente la del compositor que nos ocupa. El sonido y ejecución bajo la batuta de Dorati son motivos de celebración, dejando una 4ta limítrofe con la perfección, y que sin duda merece estar colocada en el Panteón de las inmortales junto con las que se han presentado en entregas anteriores: Maazel, Rozhdestvensky, Böhm...

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A disfrutar de una grabación de cinco estrellas.

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M-S.

Pompa y Circunstancia.

Edward Elgar
POMP AND CIRCUMSTANCE MARCHES 1-5
London Philharmonic Orchestra
Dir: Vernon Handley
(EMI)
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Sir Edward Elgar ha sido uno de los compositores británicos más importantes. De amplio catálogo de producciones, su música incidental, de ballet y en general la menos formal resulta en opinión de quien escribe más interesante que sus obras más intelectuales, que suelen ser muy densas, extensas y sonar demasiado prosopopéyicas.

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Un ejemplo de su música más "digerible" son las exquisitas 5 marchas "Pompa y Circunstancia", que aunque pomposas, son festivas, alegres y de fácil audición.
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Sir Vernon Handley, estupendo director británico recientemente desaparecido, fue siempre un campeón en la música de Elgar, y su lectura de estas marchas no desentona de esta afirmación. Particularmente su ejecución de la Nr.1, la más famosa, es de leyenda.

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M-S.

En el Bicentenario de Franz Liszt

Ferenc Liszt (1811-1886)

TASSO, LAMENTO E TRIONFO

Philharmonia Orchestra

Dir: Constantin Silvestri.

(EMI)

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Franz (Ferenc) Liszt no sólo fue uno de los pianistas más soberbios de todos los tiempos, sino un gran e innovador compositor, cuyo protagonismo ha dejado huella en la historia de la música por ser el padre de un género prototípico del romanticismo como fue el Poema Sinfónico.

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Compositor de al menos doce grandes obras de este género, uno de sus Poemas Sinfónicos más representativos es Tasso, compuesto en 1849 en conmemoración al centenario de Goethe.

Se trata de una obra poderosa, imaginativa y menos divagante que otros Poemas posteriores.

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El director rumano Constantin Silvestri fue un gran lisztiano, y una de sus grandes especialidades fue este Poema Sinfónico, teniendo en su haber al menos dos grandes grabaciones del mismo, no habiendo acuerdo total en cual sea la verdadera referencia, pero sin duda el dueño de esta obra es este director.

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Con Tasso comienza la entrega periódica de las principales obras orquestales de Liszt en este año 2011, su bicentenario natalicio.

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M-S.

Centenario Gustav Mahler: la 1ra Sinfonía

Gustav Mahler (1860-1911)

SYMPHONIE NR.1 "DER TITAN"

Symphonie-Orchester des Bayerischen Rundfunks

Dir: Rafael Kubelik.

(AUDITE)

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Para profundizar sobre el contexto histórico, análisis y discografía selecta de cada una de las Sinfonías y Obras de Gustav Mahler, recomiendo visitar las excelentes entregas mensuales que se vienen publicando en el Blog hermano Oido Fino. http://oidofino.blogspot.com/

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La discografía existente de esta Primera Sinfonía es muy extensa, probablemente es la obra mahleriana más grabada hasta los momentos, contando dentro de la misma con la más amplia variedad de enfoques imaginables. Existen sin embargo grabaciones que han marcado hitos históricos:

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- Dimitri Mitropoulos/Minneapolis Symphony Orchestra (CBS-04-11-1940), la más importante de la era pre-stereo, probablemente la más aproximada a la forma como el mismo compositor la dirigía.

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- Sir John Barbirolli/The Hallé Orchestra (Dutton), pionera en grabaciones stereo, aún una absoluta referencia.

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- Jascha Horenstein/LSO (UK), aún es motivo de culto, sobre todo entre los fans del director.

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- Rafael Kubelik/SOBR (DG y AUDITE), durante mucho tiempo la famosa grabación de DG (Deutsche Grammophon) fue considerada la referencia absoluta, hasta que apareció su versión posterior del año 1979, tomada de un concierto en vivo, y editada por el sello AUDITE, que es la grabación hoy presentada. La grabación AUDITE goza de un mejor sonido y de un sentido único de la ocasión que le brinda la toma de un concierto en vivo, aspecto del cual se beneficia grandemente esta sinfonía. Sin duda hasta el momento Kubelik en AUDITE luce como la referencia absoluta en esta obra.

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M-S.

Discoteca Mahleriana

En homenaje al centenario de la muerte de Gustav Mahler, se trae a consideración mi lista de grabaciones ideales para quien quiera empezar una colección de las principales obras del gran compositor...

GUSTAV MAHLER - DAS KLAGENDE LIED

RSO Berlin - Riccardo Chailly

MAHLER - DES KNABEN WUNDERHORN

Forrester - Rehfuss - Wiener Symphoniker - Felix Prohaska

MAHLER - SYMPHONIE NR.1 "DER TITAN"

The Hallé Orchestra - Sir John Barbirolli

MAHLER - SYMPHONIE NR.1

SOBR - Rafael Kubelik

MAHLER - SYMPHONIE NR.2 "AUFERSTEHUNG" (RESURRECCION)
SOBR - Otto Klemperer



MAHLER - SYMPHONIE NR.2
Berliner Philharmoniker - Bernard Haitink





MAHLER - SYMPHONIE NR.3
New York Philharmonic/Leonard Bernstein





MAHLER - SYMPHONIE NR.4
Judith Raskin - The Cleveland Orchestra - George Szell

MAHLER - SYMPHONIE NR.5
Gewandhausorchester Leipzig - Vaclav Neumann

MAHLER - SYMPHONIE NR.6

New York Philharmonic - Dimitri Mitropoulos (Live, 10-04-1955)

MAHLER - SYMPHONIE NR.6

Wiener Philharmoniker - Leonard Bernstein

MAHLER - SINFONIA NR.7

Wiener Staatsopernorchester - Hermann Scherchen

MAHLER - SINFONIA NR.7

London Philharmonic Orchestra - Klaus Tennstedt (Live, 1993)

MAHLER - SINFONIA NR.8 "DE LOS MIL"

Berliner Philharmoniker - Claudio Abbado

MAHLER - SINFONIA NR.9

Berliner Philharmoniker - Herbert von Karajan

MAHLER - DAS LIED VON DER ERDE

Janet Baker - Waldemar Kmentt - SOBR - Rafael Kubelik

MAHLER - SINFONIA NR.10 - VERSION ARREGLADA POR DERYCK COOKE

Berliner Sinfonie-Orchester - Kurt Sanderling

MAHLER - SINFONIA NR.10 - VERSION ARREGLADA POR RUDOLF BARSHAI

Junge Deutsche Philharmonie - Rudolf Barshai

Recibiendo jubilosamente el 2011

FAVORITE OVERTURES

-Hèrold - Zampa

-Thomas - Mignon

-Thomas - Raymond

-Suppé - Poet and Peasant

-Rossini - William Tell

New York Philharmonic

Dir: Leonard Bernstein

(CBS-Sony)

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El año nuevo suele recibirse tradicionalmente en muchas partes del orbe con eventos musicales, y usualmente con música que refleja ánimo, entusiasmo, júbilo y alegría de vivir.

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Muchas Operas que han pasado al olvido se recuerdan en la actualidad sólo por sus grandes oberturas, piezas de pirotecnia orquestal maravillosamente construidas. El presente disco incluye cinco de las mejores de ellas, en antológicas lecturas del recordado maestro Leonard Bernstein, quien la grabó durante sus años como cabeza de la Filarmónica de New York. Todas las piezas de este disco están formidablemente ejecutadas, y en cuanto al Poeta y el Campesino de Suppé y el Guillaume Tell de Rossini, cuentan aca con la quinta esencia de sus interpretaciónes.

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Para todos un excelente año 2011.

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M-S.

Finaliza el año Schumann: La 4ta Sinfonía.

Robert Schumann
Symphonie Nr.4, Op.120
Berliner Philharmoniker
Dir: Wilhelm Furtwängler
(DG)
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Despedimos el 2010 con una grabación de lujo, por su trascendencia histórica.

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Finaliza la conmemoración del bicentenario del natalicio de Robert Schumann, lo cual no significa que no se seguirán colocando obras del mismo, pero hemos querido darle un relieve especial durante el transcurso de este año 2010, con las principales obras de su creación.

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Schumann completó por primera vez su Op.120, que pasaría a ser la 4ta sinfonía, en 1841.

El compositor no quedó satisfecho con el resultado, revisándola extensamente en 1851 para finalmente ser publicada. Como se explicó en la entrega anterior, realmente el último trabajo sinfónico de Schumann viene a ser la Op.97, la "Renana". La viuda de Schumann, Clara Wieck, también compositora, siempre oficializó la versión de que el primer trabajo de 1841 no eran más que esbozos a medio orquestar, lo cual no era cierto. Johannes Brahms, gran amigo de los Schumann, siempre fue partidario de esta temprana versión, por lo cual la publicó en 1891, a pesar de la oposición de Clara.

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Existen testimonios de que Schumann quedó complacido con su revisión de 1851, pues la obra quedaba en muchos aspectos más satisfactoria: la orquestación de la versión revisada es superior y está mejor juzgada; las interconexiones entre cada movimiento están colocadas muy convincentemente a fín de lograr el efecto de una única pieza integral, sin pausas verdaderas entre sus movimientos; En carta de Schumann a Johannes Verhulst, fechada el 3 de mayo de 1853, el compositor se refiere a la sinfonía como "mejor y más efectiva"...

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Atendiendo a las indicaciones del propio compositor, a través de los tiempos por supuesto que la versión interpretada y grabada es con mucho la oficial publicada con el Op.120. Existe como curiosidad un par de grabaciones de la versión original de 1841, entre las que recomendaría a la versión de John Elliot Gardiner, quien tuvo el buen tino de grabar en su ciclo las dos versiones, dando la oportunidad al escucha de felizmente comparar. Regresando a grabaciones de la versión oficial, existen muchas que le hacen un alto honor por su excelencia, a través de grandes batutas como Sawallisch, Haitink, Vonk, Konwitschny, Bernstein y otros tantos... Sin embargo, esta es una obra que en particular cuenta con una grabación considerada como "isla desierta" por recoger el "momentum" que hace LA DIFERENCIA. Se trata de la legendaria versión de Wilhelm Furtwängler, editada luego por el sello DG, grabación de post-guerra que marca un antes y un después en la historia de las grabaciones schumannianas. Con una grabación de este calibre considero justo y feliz el cierre del 2010 para ARPEGIO y como conclusión misma a la serie de entregas que se hicieron para conmemorar a este gran compositor.

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Sin más, mis mejores deseos por un feliz 2011 a todos los visitantes y seguidores de este modesto espacio.

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M-S.

Bicentenario de Schumann: La Renana

Robert Schumann

SYMPHONIE NR.3, Op.97 "Rheinische" (Renana)

Koninklijk Concertgebouworkest, Amsterdam

Dir: Bernard Haitink.

(Philips)

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Finalizando el año bicentenario del nacimiento del gran Robert Schumann, cerraremos el año con sus dos últimas sinfonías, la 3ra y la 4ta.

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A pesar de llevar el Nr.3, la Sinfonía Renana es la última sinfonía compuesta por Robert Schumann. La misma fue creada entre el 2 de noviembre y el 9 de diciembre de 1850. El estreno se llevó a cabo en Düsseldorf, el 6 de febrero de 1851, con el mismo compositor dirigiendo la obra. La 3ra constituye una respuesta definitiva a quienes han dudado y aún dudan de las habilidades del compositor como orquestador. Su seguridad de orquestación en esta oportunidad revela contundencia y demuestra la posibilidad de unir el lirismo romántico con la forma sinfónica plena, en contraposición a la reglas impuestas por Beethoven, y que señalarían en lo sucesivo las rutas a seguir en las grandes sinfonías de compositores del romanticismo tardío.

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Aunque Schumann era enemigo de la música explícitamente programática, en la Renana se aprecian elementos programáticos no confesados y que se manifiestan sólo en forma de insinuaciones. El nombre de la obra está basado en un paseo de verano que el compositor hizo con su esposa Clara por la región alemana de Renania, siendo para entonces director de Música en Düsseldorf, y de cuya experiencia fue esbozando la música, basado en sus visiones de la campiña, del escuchar de su música folklórica, y de la liturgia germánica. La Renana, en conjunto con el maravilloso concierto para cello, forma parte del último período de explosión creativa del compositor, antes de sufrir el último y definitivo menoscabo de sus facultades mentales que finalmente lo llevarían a la muerte.

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Sin entrar en detalles profundos en el análisis de la obra, que por su complejidad e importancia en el repertorio sin duda los merecería, la Renana es el prototipo de obra sinfónica del más puro romanticismo centroeuropeo y constituye base y modelo para el estilo que se siguió para componer en este género en el resto del siglo XIX. Su riqueza melódica, su brillante orquestación, su deliberada forma rapsódica, las alegorías programáticas, la estructura cíclica, la necesidad de llevar el discurso en un esquema diferente a los clásicos cuatro movimientos y el uso de leitmotiv son características que hacen de la Renana el gran prototipo señalado. Es una de las verdaderas grandes sinfonías de todo el repertorio universal.

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Por supuesto a una obra tan importante le sobran grabaciones que la engalanen. Existen muchas, y para todos los gustos, la mayoría de las existentes en disco al menos le hacen justicia.

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Podría recomendar al menos 10 grandes grabaciones. En esta ocasión he escogido la del maestro Bernard Haitink por ser una de las más brillantemente ejecutadas y con un sonido de excepción. Aca se aprecia a un director y a una orquesta realmente en sintonía con la obra y demuestran dar lo mejor de cada uno para exponer todas las virtudes que posee esta gran obra del celebrado compositor.

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M-S.

Algo más que Schelomo...

Ernest Bloch

POEMES D`AUTOMNE

PSAUMES

HIVER-PRINTEMPS

IN THE NIGHTS

Mireille Delunsch, Brigitte Balleys, Vincent Le Texier, solistas.

Orchestre Philharmonique du Luxembourg

Dir: David Shallon

(Timpani)

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Quienes han oido acerca del compositor hebreo-suizo Ernest Bloch, usualmente lo han hecho debido a su obra más famosa, su Rapsodia Schelomo, ya tratada en este sitio. Sin embargo, hay más trabajos de Bloch, muy importantes, que vale la pena conocer como son estas canciones orquestales, de exquisita elaboración.

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Vaya esta entrega como homenaje al recién desaparecido profesor Walter Aníbal Ravanelli, académico de vasta cultura y melómano que siempre tuvo a Bloch como una de sus grandes pasiones e íconos, y sobre quien disertaba de manera experta... mis disculpas por el retardo en este reconocimiento, profesor, que su alma vuele siempre libre.

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M-S.

Henryk Gorecki (1933-2010)... In Memoriam

Todo Tchaikovsky: El 2do concierto para piano.

Piotr Ilich Tchaikovsky
PIANO CONCERTO NR.2, Op.44
Peter Donohoe, Piano
Bournemouth Symphony Orchestra
Dir: Rudolf Barshai.
(EMI)
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En homenaje al recién desaparecido maestro, Rudolf Barshai.
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Tchaikovsky compuso su 2do concierto para piano entre 1879-80. Fue dedicado a Nikolai Rubinstein, viejo amigo del compositor y protagonista del famoso impasse ocasionado años atrás en torno al estreno del 1er concierto, el Op.23, más conocido y mucho más popular. Aunque Rubinstein era el designado para estrenar el Op.44, su imprevista muerte en marzo de 1881 lo impidió. Así entonces la premiére fue destinada a la ciudad de New York, donde la solista Madeline Schiller lo ejecutó al lado de la Filarmónica de New York, dirigida por Theodore Thomas, el 12 de noviembre de 1881. La premiére rusa del concierto se llevó a cabo en Moscú, en marzo de 1882, con Sergei Taneyev al piano, secundado por la batuta de Anton Rubinstein, compositor y director reputado, así como hermano del fallecido Nikolai.

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El 2do concierto es una obra atípica, aun dentro de las libertades y desapego al formalismo estricto que siempre se tomó Tchaikovsky al componer. El concierto, aunque estructurado en los clásicos 3 movimientos, posee un extenso y lírico movimiento central con prominentes solos de violín y cello, imprimiéndole al mismo efectos de sinfonia concertante ó de triple concierto. En un arreglo póstumo, Alexander Siloti mutiló salvajemente la obra removiendo estos pasajes solistas, pretendiendo hacerla más pianística, sin embargo a juicio de quien escribe, este arreglo es insolente y arruina la increible hermosura de este movimiento, por lo que resulta absolutamente desaconsejable.

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Es también de hacer notar en las características atípicas de este concierto, el insólito grado de independencia entre el piano solista y la orquesta, siendo escasos los momentos en que ambos coinciden. Tchaikovsky no soportaba el sonido de un piano contraponiendose al de la orquesta de forma simultanea, por lo que en esta obra las apariciones del piano solista dan la impresión al escucha de ser episódicas dentro del contexto de una sinfonía concertante. Tchaikovsky idolatraba a Mozart y no es de extrañar que en parte fuera modelo a seguir a la hora de estructurar esta singularísima obra, no tan famosa como su antecesor, el Nr.1, pero más ruso, más complejo, más original y más auténtico en el sentido de que el compositor se expresó de una forma más libre y menos comprometida con el "que dirán".

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Al no gozar de la inmensa popularidad del Op.23, el Op.44 cuenta con muchas menos interpretaciones y grabaciones en disco. Mientras cualquier pianista que quiera ganar renombre y relieve en el medio artístico debe adoptar el Nr.1 como caballito de batalla, no son muchos los que se atreven a embarcarse en el especial mundo del Nr.2. Aun dentro de los que sí lo han hecho, no todos han resultado exitosos. Unos por su idiosincrasia y otros por haber cometido el error de embarcarse a tocar la versión mutilada de Siloti. Las versiones a considerar son las de la partitura original, y entre las disponibles, salvo el milagro logrado por Igor Zhukov secundado por Gennady Rozhdestvensky, una de las pocas que se le equipara es la versión hoy presentada. Peter Donohoe toca su parte de manera impoluta y el magistral acompañamiento de Barshai es el ideal, como experto en música rusa que siempre fue. El sonido es excelente y en este punto le lleva ventaja a Zhukov. Los grandes músicos son los que se embarcan en cualquier obra y no sólo en las que se prestan al efectismo trivial y que garantizan el aplauso fácil.

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M-S.

Maestro Rudolf Barshai (1924-2010)... IN MEMORIAM

Rudolf Barshai

George Dyson: extraordinario y eclipsado compositor británico.

George Dyson (1883-1964)

VIOLIN CONCERTO

Lydia Mordkovitch, Violin

City of London Sinfonia

Dir: Richard Hickox

(CHANDOS)

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"Por qué se ha tenido que esperar tanto por una grabación de este gran concierto?"

Musicweb

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A continuación un extraordinario compositor relativa e injustificadamente desconocido.

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La música británica es definitivamente mucho más que Elgar, Vaughan Williams y Britten. Sin intención alguna de demeritarlos, sus hiperbólicas glorificaciones han eclipsado injustificablemente la obra de talentos equiparables como han sido George Villiers Stanford, Gerald Finzi, John Foulds, Frank Bridge y nuestro compositor en cuestión, George Dyson.

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Discípulo de Stanford, otro indudable gran compositor, Dyson fue contemporáneo de Finzi y de Vaughan Williams. Su obra orquestal es abundante, y después de haber quedado prendado con su gran Oratorio "Quo Vadis", mi siguiente exploración fue su concierto para violín, la obra aca presentada, y la impresión fue jubilosamente indeleble.

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El concierto para violín es una obra hermosa, grande, evocadora, lírica, con gran riqueza melódica, y aunque extensa, carece de la pretenciosa e interminablemente somnífera retórica

del concierto de Elgar, colocándose como uno de los verdaderamente grandes conciertos alguna vez salidos de las islas británicas, a mi juicio por encima de Elgar y de Britten.

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La siguiente se trata de la primera grabación comercial realizada de este concierto. La plantilla de intérpretes no ha podido ser mejor seleccionada: la gran violinista Lydia Mordkovitch es secundada por ese gigante de la música británica que fue Richard Hickox, genio de la batuta, dolorosamente desaparecido a una edad en que apenas se comienza a conocer la grandeza en ese honorable oficio.

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Sin más, aprecien una obra de lujo en grabación también de lujo.

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M-S.