La 2da de Schumann: Epítome del Romanticismo

Robert Schumann
SYMPHONIE NR.2, Op.61
Gewandhausorchester Leipzig
Dir: Franz Konwitschny.
(BERLIN CLASSICS)
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El período romántico ha sido el más rico y prolijo de toda la Historia de la Música en cuanto a producción sinfónica. A partir de Beethoven queda establecido el formato de la Gran Sinfonía, y más tarde Franz Liszt impone el género del Poema Sinfónico. Se puede considerar al período comprendido entre la Sinfonía "Eroica" de Beethoven y las últimas creaciones de Robert Schumann como el llamado "romanticismo puro", que luego sería continuado de inmediato con el "romanticismo tardío" a través de los compositores que desarrollaron su actividad artística en la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX, y que sin duda finaliza con una obra en particular: la 9na de Mahler.

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El romanticismo puro fue en resumen la era de la producción madura de Beethoven, continuando con la inmortal música de cámara de Schubert, el pictorismo musical de Mendelssohn, el idealismo germánico de Schumann, y finalmente los grandes despliegues innovadores que crearon el puente con el período siguiente, a través de Liszt y Berlioz.

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Si hay tres obras que se pueden considerar epítomes de esta gloriosa era del arte musical, quien escribe colocaría Los Preludios de Liszt, la Fantástica de Berlioz y la 2da Sinfonía de Schumann, motivo de esta entrega, para continuar con la conmemoración de su bicentenario.

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La 2da Sinfonía fue concebida en el año 1845, pero debido a quebrantos de salud y a las alteraciones de la esfera mental que intermitentemente aquejarían y atormentarían al compositor hasta su muerte, la misma no fue terminada hasta octubre de 1846. La misma fue publicada en 1847 como su segunda sinfonía, aunque realmente era el tercer esfuerzo del compositor en este género. La misma, según las intenciones de Schumann, debía concebirse como "la continuación del triunfo beethoveniano sobre el destino pesimista". La misma está estructurada en los tradicionales 4 movimientos, pero con la particularidad, que sería luego práctica corriente en el período romántico, de colocar el scherzo como segundo movimiento.

La misma mantiene una coherente tonalidad de do mayor durante todo su transcurso.

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La misma inicia con una introducción lenta y lírica, un hermoso coral de bronces en estilo bachiano que establece el primer tema, que más o menos a manera de leitmotiv se repetirá en el resto de los movimientos (figura musical muy romántica). El resto de este movimiento se desarrolla en forma sonata, con un desarrollo muy convincente entre el lirismo y la turbulencia, con un uso admirable del contrapunto, que nuevamente recuerda a los corales de Bach. Se puede resumir a este hermoso movimiento como un himno coral sinfónico. El scherzo es particularmente desconcertante pues se desarrolla a través de armonías inestables que le imprimen rasgos neuropáticos a quien escucha, causando según se ha descrito la sensación de "silbar en la oscuridad, en una carrera contra la muerte"... maravillosa descripción.

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El adagio espressivo, colocado en tercer lugar, vuelve a la estructura sonata, y su carácter es profundamente elegiaco y evocador. Hacia la llegada del final, aunque se respeta la forma sonata, el compositor se permite suficientes libertades para darle cierto desenvolvimiento rapsódico al movimiento, que después de un final en falsete (otra figura romántica) anuncia una coda coral muy elaborada y que recopila materiales expuestos en la primera introducción, finalizando de forma triunfal... finaliza así una joya del más puro romanticismo germánico.

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En cuanto a grabaciones, se trata de una obra felizmente afortunada en cuanto a interpretaciones y versiones. Memorable la grabación de un concierto de 1.984, transmitido por la radio holandesa, donde Hans Vonk dirige la orquesta del Concertgebouw, en un concierto inolvidable. En cuanto a grabaciones comerciales, la 2da encuentra dignos representantes a través de Bernard Haitink, Leonard Bernstein, Wolfgang Sawallisch, Sir Georg Solti y otros tantos. Entre grabaciones legendarias, Franz Konwitschny, titular de la igualmente legendaria orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, dejó un ciclo completo donde la 2da brilla como una de sus estrellas más refulgentes. Es una lectura poderosa, ígnea, sólida, intelectual, con gran poder de convicción. Se trata de un estilo apegado a la vieja escuela alemana, sin los ropajes post-románticos que se suelen ver en grabaciones posteriores ó en los abominables retoques que hizo Mahler a las sinfonías de Schumann, para nada aconsejables. La 2da es excelente muestra que echa por el suelo las dudas necias que se colocan acerca de la habilidad de Schumann como orquestador... Para muestra un click.

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M-S.

A 20 años de su partida... IN MEMORIAM

Leonard Bernstein (1918 - 14 de octubre 1990)

Adiós a La Stupenda

El bel canto tiene un antes y un después de Joan Sutherland (1926-2010), quien falleció el dia de hoy, a los 83 años, después de una larga dolencia.

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Su inconfundible figura y presencia nos hará recordarla como una de las voces más emblemáticas de la historia del canto lírico y como la prototípica soprano de coloratura.

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Conocida con el nombre de "La Stupenda", Madame Sutherland deja un legado discográfico y videográfico que aseguran su paso a la inmortalidad... Desde hoy el firmamento es un sitio más alegre, pues Pavarotti y Sutherland volverán a cantar sus dúos para los Angeles... Paz a su alma.

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M-S.

Dame Joan Sutherland (1926-2010)

Todo Tchaikovsky: la 4ta en Salzburgo

Piotr Ilich Tchaikovsky

SINFONIA NR.4 , Op.36

Czech Philharmonic Orchestra

Dir: Karl Böhm

(Live, Salzburg Festspiele, 8 August 1.971)

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La 4ta de Tchaikovsky es una de las obras más populares y queridas de toda la literatura sinfónica universal. Seguramente no lo sea por ser la composición musicalmente perfecta, sino por el magnético poder que ejerce sobre el escucha, así como el espíritu profundamente democrático que se refleja en esta música de principio a fín.

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Antes de seguir adelante con el proyecto del ciclo Todo Tchaikovsky, con esta entrega se completan tres grandes y antológicas versiones de esta obra, de visiones y sonoridades diferentes, pero que engalanan el panteón de las grandes grabaciones disponibles. Si la grabación de Rozhdestvensky recoge lo mejor del alma rusa que delata el gentilicio de la partitura, Maazel se va por la perfección técnica y el balance sonoro creando la obra de arte perfecta. Karl Böhm, director alemán de la vieja escuela, y muy poco asociado al repertorio tchaikovskiano, grabó sin embargo y para sorpresa de muchos las tres últimas sinfonías del Gran Trágico Ruso. Su grabación en vivo de la 4ta la hizo de manera igualmente insospechada con una orquesta no alemana: la Filarmónica Checa. El memorable concierto tuvo lugar el 8 de Agosto de 1.971, durante el célebre Festival de Salzburgo de ese año. El resultado fue magnífico. Böhm y los checos desplegaron un universo sonoro como pocas veces se ha escuchado, dejando un registro para todos los tiempos, y del que se puede decir que recoge lo mejor de las concepciones de Rozhdestvensky y de Maazel, suponiéndolos como opuestos. El despliegue sonoro, la asertividad experta en el enfoque, la intensidad en los tour de force, el equilibrio perfecto en todos los departamentos de la orquesta, y la incandescencia alternante con el más hermoso lirismo son características de este registro histórico, espléndidamente reeditado por el sello Orfeo, con una grabación digna de atesorar. Bravo por Orfeo y las gemas musicales que nos ofrece!

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M-S.

El Manfredo de Schumann

Robert Schumann
MANFRED-OUVERTURE, Op.115
Los Angeles Philharmonic Orchestra
Dir: Carlo Maria Giulini.
(DG)
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En Arpegio continúa la conmemoración del bicentenario del natalicio de Schumann.

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El Manfredo inmortalizado por Lord Byron ha sido llevado a música mediante algunos compositores, siendo los más relevantes Tchaikovsky, a través de su sinfonía del mismo nombre, y antes que él Robert Schumann, quien compuso una música incidental basada en el texto de Byron, que aunque está dispuesta en quince números, lo que resalta es especialmente la Obertura, hoy presentada.

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La obra pertenece al último y tardío período creativo del compositor, quien padecía una severa afección mental oscilante, y cuya gravedad se refleja en la tensión, conflicto y angustia que transmiten las notas de la obertura. El mismo compositor admitió que Manfredo fue gestada bajo el "hostigamiento permanente de voces interiores". La música fue compuesta entre

1.848-49, y Schumann dirigió el estreno de la Obertura en Leipzig, el 14 de marzo de 1.852.

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Al igual que en el caso de Tchaikovsky años más tarde con su sinfonía del mismo nombre, el personaje de Manfredo era fascinante para Schumann, pues sus dilemas le servían para reconciliar en cierto modo sus propios conflictos de personalidad colindantes con períodos de auténtica locura. El reto de componer esta obra significaba su lucha personal para imponer sus remanentes de cordura mediante el arte, y como él mismo declaraba "Con la posibilidad de ponerlo en escena, no puedo negar que me sobrecoge un verdadero espanto frente a la magnitud de la empresa".

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La Obertura refleja este estado de conflicto, pues no se trata de una Obertura convencional. Impregnada de cambios dinámicos y violentos contrastes, le falta la continuidad necesaria para establecer una línea convincente. Finalmente la carencia de una resolución en la pieza resulta acorde al mismo drama byroniano, donde el héroe se disuelve vanamente en su destino sin ninguna resolución.

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De la música incidental lo que se interpreta es la Obertura en conciertos y en grabaciones, que aun con todas sus inconsistencias no deja de tener atractivo orquestal y dramático.

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Hay varios enfoques de esta pieza, desde el extremadamente dramático de Furtwängler, hasta las concepciones más melódicas y conciliadoras. Se puede considerar a esta grabación de Carlo Maria Giulini dentro de las últimas, que aunque la lleva en tiempo más lento, sabe sacar la expresión de cada nota, de cada acento y de cada pausa. Es una lectura notabilísima. La colaboración de Giulini con la Filarmónica de Los Angeles ha sido una de las más afortunadas que se puedan recordar, y existen varias grabaciones que dan testimonio, siendo este Manfredo sólo una pequeña muestra.

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M-S.

Shostakovich y la enigmática Doce

Dimitri Shostakovich
SYMPHONY NR.12, Op.112, "The Year 1917"
Gewandhausorchester Leipzig
Dir: Ogan Durjan
(Philips)
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En esta oportunidad un disco de auténtica colección.
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Dimitri Shostakovich es considerado como el último gran sinfonista, al menos en la gran tradición iniciada por Haydn y elevada por Beethoven. Fue de este grupo uno de los pocos en romper la célebre "maldición de la novena", pues pudo completar más de 9 sinfonías (quince). Shostakovich compuso su sinfonía Nr.12, subtitulada "El año de 1917", en 1961, dedicándola a la memoria Vladimir Lenin, líder de la revolución bolchevique. La premiére de la obra tuvo lugar en octubre de ese mismo año, con la Filarmónica de Leningrado, dirigida por

Yevgeny Mravinsky. Esta fue la última obra estrenada por este director, pues su posterior rechazo a estrenar la siguiente sinfonía, la Nr.13, causó una ruptura definitiva en su relación artística (ver artículos anteriores relacionados con Shostakovich y su trilogía sinfónica final).

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La obra está compuesta para orquesta de tamaño medio, tiene aproximadamente 40 minutos de duración y está estructurada en los cuatro movimientos convencionales de una sinfonía, con una concatenación inmediata entre los mismos y sin pausas, a la manera de una sinfonía programática, como ocurre con su antecesora, la sinfonía Nr.11. El motivo del programa en la 12 es la persona de Lenin, y aunque hoy se considera a Shostakovich como uno de los más notables y originales opositores al régimen soviético, parecía sentir particular veneración por el fundador de la esencia original del Estado soviético. Los movimientos están subtitulados de la siguiente manera:
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1) Petrogrado revolucionario: Moderato — Allegro — Più mosso — Allegro
2) Razliv: Allegro (L'istesso tempo) — Adagio : el movimiento es alegórico al cuartel general de Lenin, en las afueras de Petrogrado.
3) Aurora: Adagio (L'istesso tempo) — Allegro: Aurora fue el buque que disparó contra el Palacio de Invierno zarista, iniciando la revolución rusa.
4) The Dawn of Humanity (despertar de la Humanidad): Allegro (L'istesso tempo) — Allegretto — Moderato : El movimiento final representa la vida soviética bajo la guía de Lenin, con aparentemente pretendido clima de júbilo y triunfalismo.
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Como se ha explicado, la Doce sigue el modelo programático de la Nr.11. Al haber más programa que música en esta obra, se le ha atribuido desde siempre puro valor propagandístico al comunismo y sus "valores", lo que la ha condenado a ser menospreciada musicalmente, como es el caso de sus sinfonías 2 y 3. Pero a diferencia de la 11, donde se hace uso de la narrativa descriptiva musical en forma de drama histórico, en la 12 Shostakovich se plantea en elementos más abstractos una serie de reflexiones concatenadas pero independientes una de otra, en forma de cuadros épicos.

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Aunque no sin razón por parte de los analistas se considera a esta obra musicalmente inferior a sus sinfonías verdaderamente grandes, no deja de tener el sello propio del compositor ni carece de elementos musicales interesantes y de valor. De ninguna manera se puede atribuir esto a una degeneración en la capacidad musical del compositor, pues la obra es contemporánea de maravillas como el 1er concierto para cello ó el 8vo cuarteto de cuerdas, por lo que esa hipótesis queda descartada. Es probable que el compositor creara esta obra "políticamente correcta" para congraciarse temporalmente con el régimen de Khrushchev y preparar el terreno para el cataclismo que luego causaría su siguiente sinfonía, la 13 "Babi Yar" (ver la trilogía sinfónica final, en artículo anterior).
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La recepción del público a la obra no tuvo el mismo nivel de calidez desde el mismo momento de su estreno. La gente se preguntaría donde estaba el Shostakovich grande e irreverente creador de la 5ta, la 8va y la inolvidable 10ma en la que hizo un retrato descarnado de Stalin. Aunque bien recibida en la URSS, en Occidente el efecto fue diametralmente opuesto, y sin necesariamente ser un experto en música, el escucha percibía inmediatamente el tufillo oficialista y propagandístico de la obra, con su natural rechazo impostado.

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Al ser aun una obra que está rodeada de un velo de misterio y de interrogantes, no es interpretada casi, y cuenta con pocas grabaciones. Incluso directores de talla verdaderamente shostakoviana se han negado a grabarla, al igual que las Nrs. 2 y 3.

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La grabación presentada en esta entrega es una rareza que forma parte del legado y conocimiento de coleccionistas y expertos avanzados, pero que constituye tal vez la mejor grabación disponible de esta obra, al nivel de la grabación oficial de Mravinsky (descatalogada) y superior definitivamente al de otras más occidentalizadas como la de Neeme Järvi ó la de Bernard Haitink. Ogan Durjan fue un destacado director soviético e hizo esta grabación con la Gewandhaus de Leipzig, en la era de la Alemania comunista, época donde por razones obvias se apreciaba la música de Shostakovich y de otros compositores soviéticos. Es una joya difícil de conseguir que se recomienda evaluar y atesorar y que clama por una reedición.

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Entrega especial dedicada a ese gran Shostakoviano que es Don Fernando De León.

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M-S.

SCHEREZADE.

Nikolai Rimsky-Korsakov

SCHEREZADE, Op.35

Glenn Dicterow, Violin

New York Philharmonic

Dir: Yuri Temirkanov

(RCA)

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Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) es sin duda uno de los grandes compositores de la Historia de la Música. Su genio y talento como pictorista musical y orquestador tienen pocos parangones no sólo en la música rusa sino en todo el repertorio universal.

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Iniciado en la música por Balakirev, Rimsky-Korsakov se hizo pronto de nombre propio e ingresó en la esfera del luego conocido "Grupo de los Cinco" (Rimsky, Balakirev, Borodin, Musorgsky, Cui). De toda su obra orquestal, seguramente con toda justicia su inmortal Suite

"Scherezade", basada en las Mil y una Noches, es la obra más famosa, conocida e interpretada del compositor.

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Al tratarse de una obra popularísima y atractivísima, es de entender que tenga numerosa producción en disco, habiendo excelentes referencias a través de registros de antología dejados por directores como Nikolai Golovanov, Sir Thomas Beecham, Fritz Reiner, Igor Markevitch, Herbert von Karajan y Kirill Kondrashin, por mencionar de entre los más reconocidos.

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Yuri Temirkanov no es particularmente un director que haya ocasionado a quien escribe verdadera impresión alguna vez. La mayoria de lo que le he escuchado ha sido bastante"promedio", sin mayor pena ni gloria. Sus interpretaciones del repertorio ruso, en especial de Shostakovich, me parecen aderezadas de sacarina, aun con las orquestas más rusas imaginables. Sin embargo, y atendiendo al decir de que hasta un reloj parado tiene razón dos veces al dia, me topé con esta grabación, y la gran sorpresa ha resultado en una de las mas grandes, inspiradas y poderosas grabaciones alguna vez registradas de esta maravilla sinfónica. Parece otro Temirkanov: su lectura es brillante, poderosa, asertiva y ocurrente en todo momento, con una Filarmónica de New York robusta y en plena forma, cuyo conjunto toca como una secta de posesos, con el aval de ser una orquesta que desde la era Bernstein se ha dado excelentemente bien con esta obra. La presencia de Glenn Dicterow, el legendario concertino de la orquesta, en el rol del violín solista, es un gran plus, y aunado a una toma de sonido brutalmente espléndida, dan en conjunto como resultado un gran registro discográfico que merece estar a la par del nivel de las grandes referencias ya mencionadas.

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Absoluta recomendación para los fervientes melómanos.

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M-S

Schumann: Sinfonía Primavera.

Robert Schumann
SINFONIA NR.1, en Si bemol mayor, Op.38, "Primavera"
Wiener Philharmoniker
Dir: Dimitri Mitropoulos.
(ORFEO)
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En la continuación del bicentenario del natalicio de Robert Schumann.

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Schumann compuso su Primera Sinfonía entre 1.840-1.841, y fue su primer trabajo sinfónico concluido. La premiére de la obra estuvo a cargo de nada menos que Félix Mendelssohn, quien la dirigió el 31 de marzo de 1.841, al frente de la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. La obra fue cálidamente recibida por la audiencia. El título de la Sinfonía, "Primavera", de acuerdo al diario de Clara Schumann, es por inspiración de los "Poemas de Primavera" de Adolph Boettger.

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La obra, de clara inspiración beethoveniana, es sin embargo por su orquestación una sinfonía revolucionaria del más puro romanticismo, con uso virtuoso de los bronces y recurrencia expansiva de los timbales. El ambiente de la obra es en todo momento pastoril, alegre y despreocupado, revelando tal vez conflicto y amenaza en el scherzo. El final concluye la obra de manera festiva y triunfal, y así sería más o menos el patrón compositivo de la mayoría de las sinfonías del período.

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Se trata de una obra muy afortunada en discografía, disponiendo de un gran puñado de excelentes interpretaciones. El gran maestro, Dimitri Mitropoulos, tiene un registro de antología con la Fil. de New York, pero lo hecho en 1.957, en el Festival de Salzburgo, dirigiendo la célebre Filarmónica de Viena es algo que va mucho más allá y se cuenta en el Panteón de las Inmortales.

Qué gran músico fue Mitropoulos!

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M-S.

Un Rossini inusual

Gioacchino Rossini

Introducción, Tema & Variaciones para Clarinete y orquesta en si bemol mayor.

Sabine Meyer, Clarinete

Zurich Opera Orchestra (Zürcher Opernorchester)

Dir: Franz Welser-Most.

(EMI)

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Rossini es y ha sido siempre recordado por las grandes Operas que compuso, sin embargo, en su producción musical se incluyen obras de otros géneros, como música de cámara y música concertante.

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Sus Variaciones para Clarinete que hoy presentamos constituyen una de las obras más famosas y caballito de batalla para este instrumento, añadido a que se trata realmente de una obra maestra, con una deliciosa orquestación y un genial, inaudito, y si se quiere inesperado manejo magistral del arte de la variación, que sería más utilizado por compositores más sinfónicos y de típica usanza romántica, posteriores al período creativo del gran italiano.

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Sabine Meyer es una de las más insignes representantes actuales en la ejecución del clarinete, y por mucho tiempo se esperaba que grabara esta obra clave. Finalmente lo ha hecho, y su desempeño resulta fantásticamente apegado a las expectativas. El acompañamiento de Welser-Möst al frente de la Orquesta de la Opera de Zürich resulta el ideal. Maravilloso disco recomendable sin reservas.

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M-S.

La Leyenda de William Kapell

Sergei Rachmaninov
RAPSODIA SOBRE UN TEMA DE PAGANINI, Op.43
William Kapell, Piano
Robin Hood Dell Orchestra of Philadelphia
Dir: Fritz Reiner
(RCA).
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El nombre de William Kapell puede sonar inédito a la mayoría de los oídos, incluso a los de muchos de quienes están familiarizados con la música académica. En los últimos años se ha rescatado de manera justa el nombre de este genio absurdamente truncado por la fatalidad. Y es que en efecto, de haber tenido una vida artística completa, sin duda tendría su sitial en el Panteón de los grandes pianistas de todos los tiempos.

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Siempre me ha parecido sobrecogedor el rostro siempre melancólico e introspectivo de William Kapell a través de todas las fotos que se tienen de él. En su expresión y en su mirada se aprecia una mezcla de insondable melancolía como la de quien tal vez vislumbra en su subconciente su trágico destino junto a una introspección y ausencia de quien tiene su mirada puesta en otros mundos y en otras dimensiones a las cuales impregnar con su música.^

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Nacido en 1.922, ya a los 10 años el joven William era un niño prodigio. Su carrera fue en rápido y vertiginoso ascenso, hasta el extremo de que al caer en manos de Horowitz como discípulo, el pretendido maestro declaró no tener nada que enseñarle al pretendido alumno. Su especialidad en Chopin, Khachaturian y Rachmaninov, entre otros compositores, creó nuevas dimensiones en la forma de ejecución del piano, al extremo de que el gran Rudolf Serkin lo proclamó como "el producto musical más grande salido de América".

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William Kapell desarrolló a partir de los 22 años y hasta el momento de su trágica muerte una intensa actividad como solista a través de conciertos y recitales que lo llevaron a las principales salas del mundo. En 1.953 emprendió una gira triunfal por Australia, pero quiso el trágico destino que más nunca regresara a su casa. De regreso de esa gira, el avión donde viajaba se estrelló en California, el 29 de octubre de 1.953, sin sobrevivientes. Terminaba a los 31 años, y de esta injusta y triste forma una carrera que aun tenía todo por entregarlo.

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Gracias a la intensa labor realizada por publicar en CD las grabaciones de Kapell, hoy se puede conocer plenamente su arte y su legado. Siendo gran intérprete de Rachmaninov, no es de extrañar que tocara muchas veces y grabara su legendaria Rapsodia Paganini. En 1.947 tuvo el privilegio de grabarla secundado por la Orquesta Robin Hood Dell de Philadelphia, dirigida por el maestro Fritz Reiner, dejando un documento de inigualable valor histórico y musical y que aun hasta nuestros días, arguiblemente se podría considerar como la grabación de referencia de esta obra. Un hermosisimo documento que se debe conocer y atesorar.´

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M=S.

William Kapell (1.922=1.953)

Todo Tchaikovsky: Maazel dirige la 4ta Sinfonía.

Piotr Ilich Tchaikovsky

Symphony No. 4, Op.36

The Cleveland Orchestra

Dir: Lorin Maazel.

(TELARC)

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La música del gran trágico ruso habla directa y emotivamente al escucha apelando a la sublimidad más accesible de sus niveles de conciencia, haciéndola de entre la música más democrática alguna vez compuesta. La 4ta Sinfonía es buen paradigma de esta esencia, impregnada de registros y cambios emotivos, ritmos estimulantes y agradables y fáciles tonadas que se revisten en suntuosos ropajes orquestales a través de una amplia acuarela musical.

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Aunque Tchaikovsky no era especial adorador de Beethoven, reconoció que la estructura de su nueva sinfonía era "imitación de la idea básica de la 5ta de Beethoven", y examinando el hecho que ambas obras se refieren programáticamente al tema del "destino", nos damos cuenta que efectivamente así es. Sin embargo, mientras Beethoven toma al destino y lo aprieta por la garganta (lo acogota), Tchaikovsky examina por su naturaleza dubitativa e hiperromántica los diversos escenarios del destino a través del amor, del triunfo, de la derrota y de la muerte.
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Como ya se ha comentado, la aparición de la Sra. von Meck en la vida del compositor fue determinante en la recuperación espiritual y artística del mismo, y directamente en la creación de esta formidable obra, dedicada a su misma mecenas.

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La obra es definitivamente una sinfonía programática, género muy particular y característico del romanticismo, y para cada movimiento Tchaikovsky dejó una leyenda explicativa:

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1. Andante sostenuto - Moderato con anima - Moderato assai, quasi andante - Allegro vivo. “Destino, fuerza fatal que impide el impulso hacia los logros; que celosamente se asegura que la prosperidad y la paz nunca sean completas y que cuelga sobre nosotros como una espada de Damocles... Es un ente invencible y todo lo que podemos hacer es lamentarnos vanamente".

Esta nota programática del compositor marca el ánimo del movimiento y explica mucha de la tensión emocional que la magistral forma sonata genera en su impacto. El tema introductorio del destino no es sólo un mero gesto, sino un permanente guía a través de la exposición, desarrollo y recapitulación y el principal peso del conflicto se lleva a cabo definitivamente en este movimiento.

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2. Andantino in modo di canzone

“Qué triste pensar en todo lo pasado y en todo lo que se ha ido! Añoramos el pasado pero no resolvemos ni deseamos un cambio en nuestra vida... somos un ropaje de existencia"

Tchaikovsky fue un prolífico creador de canciones y definitivamente el monarca de la melodía.

Este movimiento es melodía pura y canción, impregnado fuertemente de nostalgia y en una atmósfera evocadora de trasfondo definitivamente ruso. Algo difícil de olvidar.

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3. Scherzo - Pizzicato ostinato, allegro

“De repente nos viene a la memoria la imagen de un campesino ebrio cantando una canción popular, con un fondo de ritmos militares en la distancia. Son imágenes desconectadas, fragmentarias y bizarras, que tienen poco que hacer con la realidad".
Con uso del tiempo impecable, Tchaikovsky suaviza la oscuridad de los movimientos anteriores, y con recursos inusuales crea un scherzo de absoluta originalidad, donde el peso se lo llevan las cuerdas que tocan en pizzicato, el trio esta desempeñado por los vientos y de manera sorpresiva el movimiento concluye simplemente evaporándose.

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4. Finale - Allegro con fuoco

“Paseemonos entre la gente. Vean como es su manera de entender la felicidad. Pero tan pronto te has olvidado de tus sinsabores contemplando las alegrías de los otros cuando ya llega el destino a recordarte todo de nuevo..."

Las explosiones orquestales de este movimiento actuan a manera de llamadas a despertar. Los brotes de tutti orquestal se alternan con el tema del destino que reaparece en este movimiento
conduciendo finalmente a una explosiva, bombástica, nerviosa e hiperemotiva coda de dudosa triunfalidad que representa el triunfo final del destino. Las similitudes con la Sinfonia Eroica de Beethoven son evidentes.

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Sirva esta entrega para anexar la que desde siempre ha sido mi grabación preferida y más querida de esta obra. Lorin Maazel al frente de la Orquesta de Cleveland representa en su formidable grabación lo mejor de los dos mundos concebibles de la 4ta sinfonía. Su lectura es muy emotiva, estudiada, balanceada, psicológicamente preparada, pero controlada (impacto controlado) sin entrar en los insoportables arranques de histeria de Mravinsky que hizo de su famosa lectura un absurdo antitchaikovskiano. Maazel se crece prestando la debida atención a cada nota y a cada instrucción de la partitura y distribuyendo sabiamente el papel de cada uno de los departamentos orquestales, que junto a un tempo giusto y al mando de los que aún fueron los músicos de George Szell, dejaron un registro inolvidable, sin olvidar la calidad de sonido tomada por Telarc que para el momento era state-of-the-art.

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Continuando esta serie de Todo Tchaikovsky, la 4ta con Maazel y la Orquesta de Cleveland.

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M-S.

Noche en el Monte Calvo

Modest Mussorgsky
NIGHT ON THE BALD MOUNTAIN (NOCHE EN EL MONTE CALVO)
(Versión arreglada por Nikolai Rimsky-Korsakov)
London Philharmonic Orchestra
Dir: Sir Charles Mackerras
(EMI)
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Continuamos en ARPEGIO homenajeando a Sir Charles Mackerras, con varias de las joyas que dejó en su legado discográfico.

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La Noche en el Monte Pelado o en la Arida Montaña (tiene varias acepciones) es el nombre común para "La noche de San Juan en el Monte Calvo" ("Ivanova noch' na Lisoy gore"), un poema sinfónico de Modest Petrovich Mussorgsky, el mismo creador de los conocidos "Cuadros en una Exposición", miembro del entonces renombrado "grupo de los cinco" que comandaba Mily Balakirev, y orientados hacia las tendencias nacionalistas rusas. La obra fue originalmente inspirada por una historia de Gogol, en la cual un campesino presencia un acto de brujería en el Monte Calvo (Lisoy gore), cerca de Kiev en la Noche de San Juan (equivalente a la Noche de Walpurgis germánica). Siendo una obra de originalidad inusitada, no dejó de sufrir las consecuencias de una autoría errática, dubitativa e inconstante, que eran características del compositor. Mussorgsky encabezó la partitura con unas frases de su puño y letra, que desde un principio ayudaron a comprender mejor la atmósfera fantástica de la obra, siguiendo de alguna manera el patrón establecido por Saint-Säens en su fabulosa Danza Macabra: "Rumores subterráneos de voces sobrenaturales - Aparición de los espíritus de las tinieblas y de Chernabog (Satanás) - Glorificación de Chernabog y la Misa negra - Sábado de Aquelarre - A lo lejos suena la campana de la Iglesia del pueblo, dispersando a los espíritus de las tinieblas - Amanecer".

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La versión original de Mussorgsky revela buena parte de la genialidad impostada que poseía el compositor y su particular manera de orquestar, imprimiendo al escucha una atmósfera arcaica, primitiva y astringente, anunciando el lenguaje de Stravinsky unos años más tarde en La Consagración de La Primavera. Después de la muerte de Mussorgsky a edad prematura por razón de su alcoholismo, su colega y compañero en el grupo de los cinco, Nikolai Rimsky-Korsakov, brillante y logrado compositor y además uno de los más geniales orquestadores de todos los tiempos, orquestó y arregló esta extraordinaria obra, tan llena de intenso colorido y fuerza que la han hecho muy popular en los conciertos y en la discografía.

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La versión arreglada de Rimsky es particularmente la preferida de quien escribe, pues la orquestación está mucho mejor ajustada a la trama, el colorido orquestal es fantástico y los momentos de drama, fuerza, satanismo y hechicería están mucho mejor logrados, gracias a un talento musical más avanzado, más académico y menos rupestre. Pareciera ser que entre los intérpretes se piensa de igual modo, puesto que esta es la versión que se suele llevar a los conciertos y la que cuenta con mayor número de grabaciones. Si surge algún interés pudiera colocar la versión original de Mussorgsky a fín de que el escucha pueda comparar.

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Es de esperar que de la versión arreglada de Rimsky existan muchas grabaciones, y efectivamente así es. Traigo a colación la grabación de Mackerras, pues de todas las que conozco me parece la mejor interpretada y la más fastuosamente tocada, explotando todo lo que tiene para ofrecer esta partitura. Mackerras dirige en esta ocasión a la talentosa Filarmónica de Londres, que como otras orquestas inglesas, realmente se luce en el repertorio ruso. Desde siempre ha sido mi grabación predilecta, por lo que la comparto.

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M-S.

Sir Charles Mackerras (1.925-2.010)

Homenaje a Sir Charles Mackerras.

Ludwig van Beethoven

SYMPHONIE NR.IX, "CORAL"

Stuart Skelton, Detlef Roth, Catherine Wyn-Rogers, Janice Watson, Solistas

Edinburgh Festival Chorus

Philharmonia Orchestra

Members of The Scottish Chamber Orchestra

Dir: Sir Charles Mackerras.

Edinburgh Festival, Edinburgh, Scotland, 09/01/2006

(HYPERION)

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Cortesia del grupo hermano greatconductors.

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"En homenaje al Maestro desaparecido, una grabación muy especial. Mackerras logró completar su ciclo de Beethoven con la Orquesta de Cámara Escocesa para el sello Hyperion, y coronó el mismo con esta grabación que ponemos en su honor. Es tomada de un concierto en vivo del año 2.006, del Festival de Edinburgo, y el resultado fue muy emotivo y especial. Mackerras no utiliza la edición crítica de Del Mar en su totalidad, como parece ser la nueva tendencia, pero sí muchas de sus modificaciones, por lo que el resultado es un híbrido entre las interpretaciones del tipo convencional y las "históricamente informadas". Es una grabación que desde que la escuché me gustó mucho y en algún momento la iba a traer, pero lamentablemente la ocasión me la adelantaron, así que de este modo se las comparto. Se me olvidó resaltar también la importancia de Mackerras como gran Mozartiano que fue, habiendo dejado un ciclo completo grabado con Telarc, y que de hecho es uno de los mejores existentes".

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Descanse en paz, venerado maestro. Nos preocupa que los grandes se están marchando y pareciera que no están siendo relevados a la misma velocidad. Ojalá la tendencia cambie...

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M-S.

Sir Charles Mackerras (1.925-2.010)... IN MEMORIAM

Muere Sir Charles Mackerras, reconocido director de orquesta
ÚLTIMA HORA
The Associated Press

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LONDRES — Sir Charles Mackerras, un director orquestal reconocido como el principal intérprete actual de las óperas de Leos Janacek, falleció de cáncer. Tenía 84 años. Mackerras murió el miércoles por la noche en Londres, según la agencia representante Askonas Holt.
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En Gran Bretaña, Mackerras estaba asociado con la Opera Nacional Inglesa y la Opera Real, fue director principal de la Opera Nacional Galesa y director principal de la Orquesta de Conciertos de BBC. También dirigió en Alemania, Australia, la República Checa, Estados Unidos, Austria y Francia, y realizó numerosas grabaciones, muy elogiadas por la crítica.

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"El impacto de Charlie Mackerras en el desarrollo de la práctica de la interpretación musical durante los últimos 60 años ha sido enorme", dijo el director musical de la Opera Real, Antonio Pappano.

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"Era una fuerza de la naturaleza, un verdadero hombre del teatro que se esforzaba por honrar las intenciones de un compositor con el mayor brillo rítmico, drama y entusiasmo".

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Mackerras hizo su última aparición con la Opera Real dirigiendo "La pequeña zorra astuta" de Janacek, que el teatro montó a solicitud suya.
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Fue un precursor en la interpretación de obras del barroco con instrumentos originales. Un resultado temprano fue su grabación de 1959 de "Música acuática" de Haendel, que descartó las versiones suntuosas de la época a favor de la instrumentación original con 24 oboes.
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"Conseguimos que todos los instrumentistas de alientos de Londres vinieran a una sesión en la mitad de la noche y lo intentaran", recordó Mackerras.
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"Todo se editó y se emitió muy rápidamente, en apenas unos pocos días, y debo decir que me dio un poco de miedo que sonara horrible, pero por supuesto ocurrió lo contrario. Sonó de maravilla".
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El movimiento por la conducción a la manera y con la instrumentación originales ilustró su manera de dirigir, sobre todo con la música de Mozart y la del período barroco. En 1966, agregó ornamentación a la partitura de "Las bodas de Fígaro" en Gales, de acuerdo con las prácticas interpretativas de la época de Mozart.
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"Estoy seguro de que fuimos demasiado lejos en esa producción de Fígaro, exageramos en un esfuerzo por llamar la atención del público, pero no hubo mucha oposición", dijo Mackerras.
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Nacido en Schenectady, Nueva York, de padres australianos, Mackerras creció en Australia y estudió oboe, piano y composición en el Nuevo Conservatorio de Música del Sur de Gales en Sydney.
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En 1947, ganó una beca del consejo británico para estudiar dirección con Vaclav Talich en Praga, donde nació el interés por Janacek que demostraría durante toda su vida.
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Mackerras aprendió a hablar checo con fluidez y preparó nuevas ediciones de las partituras de Janacek.
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Fue el principal director invitado de la Orquesta Filarmónica Checa de 1997 al 2003.
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Tras sus estudios en Praga, Mackerras se asoció a la Opera Galesa de Sadler — conocida después como la Opera Nacional Británica — donde dirigió la primera puesta británica de "Katia Kabanová" de Janacek y los estrenos mundiales de "Ruth" de Lennox Berkeley y "Noye's Fludde" de Benjamin Britten.
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Su debut con la Opera Metropolitana de Nueva York se produjo en 1972, dirigiendo "Orfeo et Euridice" de Gluck, y al año siguiente dirigió la función inaugural de la Opera de Sydney.
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Mackerras fue director de la Opera Estatal de Hamburgo desde 1966 hasta 1969, y director en jefe de la Orquesta Sinfónica de Sydney desde 1982 hasta 1985.
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Fue director musical de la Opera Nacional Galesa (1987-92), principal director invitado de la Orquesta de Cámara Escocesa (1992-95), director musical de la Orquesta St. Luke en Nueva York (1998-2001), principal director invitado de la Filarmonía (desde el 2004) y principal director invitado de la Filarmónica Checa.
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Mackerras recibió el título de Sir en 1979 y el de Compañero de Honor —reservado para 65 personas distinguidas— en el 2003.
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Mackerras deja a su esposa, Judith, y sus dos hijas.

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Descanse en Paz, Maestro... Lo hizo muy bien.

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M-S

Todo Tchaikovsky: La Cuarta Sinfonía.

Piotr Ilich Tchaikovsky
SINFONIA NR.4, Op.36
Leningrader Philharmonie
Dir: Gennadi Rozhdestvensky
(BBC Legends)
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Una auténtica joya de la historia del disco...
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Tchaikovsky comenzó su Sinfonía Nr.4, la Op. 36, en marzo de 1877. Dos meses antes había acabado su desastroso y efímero matrimonio que casi lo lleva al suicidio. Al momento de esta restauradora y curativa separación, aparece al mismo tiempo otra mujer que entraría en su vida, aunque de un modo absolutamente diferente, incluso asombroso, incluso bizarro, pues ningún lazo romántico les unió de alguna manera y ni siquiera el contacto físico. La rica viuda terrateniente Nadezhda Filaretovna von Meck comenzó una larga y fecunda relación epistolar con el compositor y le legó un sueldo anual que lo liberó de preocupaciones financieras. Fué a ella a quien Tchaikovsky le dedicó la Sinfonía Nr.4 y a quien el compositor confió su programa. El primer movimiento, después del leitmotiv "del destino", está en forma sonata con un melancólico influjo en el primer tema presentado por las cuerdas. Su carácter algo parecido a un vals es un dueto en el segundo movimiento con los acordes que atormentan al autor (frecuenta), representados por el clarinete y secundado en ecos tristes por el resto de las maderas. Pero, como Tchaikovsky escribió, "el destino despiadado nos despierta ... nos hundimos en su nada ", y luego de un scherzo aparentemente juguetón e inocente a cargo de las cuerdas en pizzicato, la tensión del leitmotiv del principio regresa en la conclusión, imbuida en el ropaje de una fanfarria triunfal y llega a un punto culminantemente aterrador hacia el final del movimiento, justo antes de la coda final que cierra triunfalmente la obra... El hombre se impone a su destino.

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Tchaikovsky finalizó la Cuarta en diciembre de 1.877 y su gran Premiere se llevó a cabo en Moscú, el 22 Febrero de 1878, bajo la dirección de Nikolai Rubinstein.
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El 23 de abril de 1878 Tchaikovsky volvió a Kamenka, donde permaneció cuatro meses. En octubre, a su vuelta a Moscú, dejó definitivamente su puesto en el Conservatorio, gracias al mecenazgo de la señora von Meck. La condición era que no debían verse jamás, y de esta manera mantuvieron una relación por carta que duró catorce años. Éstas cartas se conservan, y son de vital importancia para conocer las opiniones, impresiones y esperanzas del compositor. Se puede decir que los años de este mecenazgo y de esta singularísima relación vieron la etapa más productiva de la vida del compositor y de la creación de sus más grandes y memorables obras.

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La Cuarta es una sinfonía programática, y esto se explica ampliamente en las extensas notas enviadas por el compositor a la Sra. von Meck. Al igual y en conjunto con los casos de las dos sinfonías numeradas que aun quedaban por componer, la 5ta y la 6ta, conforman una trilogía del destino, donde se exponen en terrenos y escenarios diferentes la permanente y vana lucha del hombre (el compositor) contra su destino. En la 4ta el triunfo es rotundo, en la 5ta hay un triunfo resignado y finalmente en la 6ta es derrotado y muere.

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Con toda razón, la 4ta de Tchaikovsky es una de las sinfonías más populares y queridas de todo el repertorio universal. Su impacto y su poder adhesivo son inmediatos en el escucha, lo cual no nos hace extrañar de que existan muchísimas grabaciones en disco, por pràcticamente todos los directores y orquestas importantes. Una grabación emblemática y que recoge de la manera más integral todos los aspectos importantes de esta obra es esta joya registrada de un concierto en vivo del año 1.970, cuando la entonces Filarmónica de Leningrado, orquesta insignia de la URSS, se presentó en Londres, causando furor colindante en la demencia en aquella audiencia conformada principalmente por jóvenes. Muy diferente del enfoque histérico de Mravinsky, Rozhdestvensky se maneja magistralmente en su concepción de esta gran página tchaikovskiana, sin abandonar el fuego y pasión de la misma y deja un documento que tiene pocos competidores en este terreno.

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M-S.

Un día como hoy...150 años del natalicio de Gustav Mahler.

Gustav Mahler
SINFONIA NR.4
Allison Hargan, Soprano
The Hallé Orchestra
Dir: Stanislaw Skrowaczewski
(IMP)
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Tal día como hoy, hace 150 años, nació Gustav Mahler, uno de los más grandes sinfonistas de toda la Historia de la Música. En su conmemoración una entrega especial.

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La 4ta Sinfonía es una obra con lugar especial dentro de toda la producción mahleriana. Se le suele considerar la menos turbulenta de todas, y por lo tanto la más accesible al escucha, y según algunos, "la más fácil" de interpretar. También se trata de una de las más cortas en longitud. Aún dentro de esta aparente sencillez de la obra, el segundo movimiento que es el pivote de la misma, es de extrema complejidad, y de su ejecución depende el poder separar las verdaderas grandes grabaciones del resto "del montón".

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Otro aspecto clave es la actuación de la voz femenina en el movimiento final. Son pocas las voces que realmente han logrado imprimir esa atmósfera visionariamente infantil que del Paraíso quería transmitir el compositor. La grabación a presentar en esta oportunidad es una joya que cumple cabalmente con ambos aspectos cumbre y merece entrar en el Panteón de las grandes 4tas. Se trata de una orquesta mahleriana, al tratarse de una agrupación a quien le dió su forma un mahleriano, Sir John Barbirolli. El director, Skrowaczewski, con mejor reputación bruckneriana que mahleriana, imprime sin embargo un enfoque en todo momento asertivo. Y finalmente la soprano, Allison Hargan, que no es tan conocida como una Judith Raskin, una Janet Baker ó una Elizabeth Schwarzkopf, pero que definitivamente se desempeña como cualquiera de ellas.

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Toda una joya mahleriana digna de esta celebración.

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M-S.

Retrato de Lincoln

Aaron Copland
LINCOLN PORTRAIT (RETRATO DE LINCOLN)
James Earl Jones, Speaker
Seattle Symphony Orchestra
Dir: Gerard Schwarz.
(Delos)
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Un saludo americano. En conmemoración de un nuevo aniversario de la independencia de los Estados Unidos, ese gran país.

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Las obras musicales de carácter nacionalista suelen estar impregnadas de atmósferas y cánticos de libertad y exaltación de los valores y derechos del ser humano. Suelen por lo tanto muchas tener valor universal en cuanto a estos mensajes se refieren, pues lo mismo aplica a todas las nacionalidades, géneros, razas, lenguas ó religiones.

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Aaron Copland ha sido uno de los compositores más representativos de la idiosincrasia autóctona de los Estados Unidos. Su música es norteamericana desde la primera hasta la última nota. Su célebre obra orquestal, "Lincoln Portrait" (Retrato de Lincoln), es uno de los trabajos mejor logrados compuestos para gran orquesta y uso de un narrador (speaker). Las secciones narrativas se basan en lecturas de los más célebres discursos del malogrado presidente Abraham Lincoln, salvador de la Union americana tras la Guerra de Secesión, incluido su inmortal Discurso de Gettysburg. La obra fue compuesta por Copland en 1.942, para dar aliento a los esfuerzos de las tropas norteamericanas que se encontraban combatiendo en la II Guerra Mundial.

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Copland recibió la encomienda para componer la obra del director André Kostelanetz. Originalmente Copland quería retratar a Walt Whitman, pero a la final decidió que era necesaria una figura política para mayor impacto. "Desde este momento, la elección de Lincoln parecía inevitable", relata el compositor. Copland usó extractos de discursos y cartas del presidente, así como utilizó citas de canciones populares de la época. La premiere correspondió a la Sinfónica de Cincinnati, el 14 de mayo de 1.942, con William Adams como narrador.
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"Retrato de Lincoln" es un hermoso canto de Libertad, que realza sus valores y los de la democracia en general. Parte del impacto de la obra se debe a la fuerza declamativa que se requiere del narrador, habiendo quedado varios registros inmortales a través de narradores que han hecho historia con esta obra. Una joya de la música americana pero también universal, emotiva como la que más, hasta las lágrimas, y sin necesidad de ser norteamericano.
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Narradores y versiones famosas del "Retrato de Lincoln":

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-Marian Anderson, Philadelphia Orchestra, dirigida por Aaaron Copland, 1.966

-Marian Anderson, Philadelphia Orchestra, dirigida por Seiji Ozawa, 1.977

-Alec Baldwin, Philadelphia Orchestra, 2009
-Walter Cronkite, U.S. Air Force Symphony Orchestra
-Henry Fonda, London Symphony Orchestra, dirigida por Aaron Copland, 1.968
-Al Gore, New York Philharmonic
-Tom Hanks, U.S. Armed Forces Symphony, We Are One celebration, 18 January 2009
-Katherine Hepburn, Cincinnati Pops Orchestra, dirigida por Erich Kunzel
-Charlton Heston, Utah Symphony Orchestra
-Samuel L. Jackson, Orchestra of St. Luke's, dirigida por James Levine
-James Earl Jones , uno de sus mejores intérpretes, la ha llevado a cabo varias veces, tal vez su mejor aparición fue con la Seattle Symphony Orchestra, dirigida por Gerard Schwarz

-Sen. Edward M. Kennedy, Symphony by the Sea, Newburyport Yankee Homecoming, 29 July 2006
-Walter Mondale, Minnesota Orchestra
-Paul Newman, St. Louis Symphony Orchestra
-Barack Obama (actual presidente de E.E.U.U), Chicago Symphony Orchestra, 2.006
-Gregory Peck, Los Angeles Philharmonic Orchestra
-Vincent Price, Yale Symphony Orchestra
-Carl Sandburg, New York Philharmonic, conducted by Andre Kostelanetz
-Norman Schwarzkopf, St. Louis Symphony Orchestra
-Adlai Stevenson, Philadelphia Orchestra, dirigida por Eugene Ormandy
-Margaret Thatcher, London Symphony Orchestra
-Gore Vidal, Los Angeles Philharmonic Orchestra, dirigida por Michael Tilson Thomas, 2.007
-William Warfield, New York Philharmonic, dirigida por Leonard Bernstein, en el Royal Albert Hall de Londres, una de las más emotivas, disponible en video.

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Libreto del "Retrato de Lincoln".

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Fellow citizens, we cannot escape history."
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That is what he said. That is what Abraham Lincoln said.
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"Fellow citizens, we cannot escape history. We of this congress and this administration will be remembered in spite of ourselves. No personal significance or insignificance can spare one or another of us. The fiery trial through which we pass will light us down in honor or dishonor to the latest generation. We, even we here, hold the power and bear the responsibility." [Annual Message to Congress, December 1, 1862]
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He was born in Kentucky, raised in Indiana, and lived in Illinois. And this is what he said. This is what Abe Lincoln said.
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"The dogmas of the quiet past are inadequate to the stormy present. The occasion is piled high with difficulty and we must rise with the occasion. As our case is new, so we must think anew and act anew. We must disenthrall ourselves and then we will save our country." [Annual Message to Congress, December 1, 1862]
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When standing erect he was six feet four inches tall, and this is what he said.
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He said: "It is the eternal struggle between two principles, right and wrong, throughout the world. It is the same spirit that says 'you toil and work and earn bread, and I'll eat it.' No matter in what shape it comes, whether from the mouth of a king who seeks to bestride the people of his own nation, and live by the fruit of their labor, or from one race of men as an apology for enslaving another race, it is the same tyrannical principle." [Lincoln-Douglas debates, 15 October 1858]

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Lincoln was a quiet man. Abe Lincoln was a quiet and a melancholy man. But when he spoke of democracy, this is what he said.

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He said: "As I would not be a slave, so I would not be a master. This expresses my idea of democracy. Whatever differs from this, to the extent of the difference, is no democracy."
Abraham Lincoln, sixteenth president of these United States, is everlasting in the memory of his countrymen. For on the battleground at Gettysburg, this is what he said:
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He said: "That from these honored dead we take increased devotion to that cause for which they gave the last full measure of devotion. That we here highly resolve that these dead shall not have died in vain. That this nation under God shall have a new birth of freedom and that government of the people, by the people, and for the people shall not perish from the earth."

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M-S.

"In this temple, as in the hearts of the people, for whom he saved the Union, the memory of Abraham Lincoln is enshrined forever."

A UN AÑO...

Gustav Mahler
SYMPHONIE NR.6
New York Philharmonic
Dir: Dimitri Mitropoulos
(Live Recording 10-04-1955)
(ARCHIPEL)
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A un año de la desaparición terrena del inolvidable amigo Gabriel "Cuervo López"...

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La inspiración de este modesto BLOG ha sido mi admiración por el titánico trabajo dejado por El Cuervo en el suyo propio, y de alguna manera ARPEGIO, al igual que otros Blogs hermanos, es descendiente ó al menos tributario de aquella gran enciclopedia virtual cuerviana, respetando las abismales diferencias.

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Su pasión por Mahler no la he conocido en más nadie, y su discoteca mahleriana debe ser hoy todo un patrimonio cultural... En una de mis últimas correspondencias con El Cuervo le pregunté sobre la grabación que hoy presento, y no la poseía, y hasta donde sé nunca llegó a escucharla. De todas las sinfonías mahlerianas probablemente su gran pasión era la 6ta, y su versión favorita era su enguerrilladamente defendida grabación de Solti, que muchísimas diatribas levantó en los foros de discusión.

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Buena como es esta grabación de Solti, la 6ta es una obra con un rango dinámico y expresivo que acepta casi cualquier tipo de enfoque, desde el sombrío estoicismo espartano de Barbirolli hasta los límites y umbrales de la psicopatofonía de versiones como las de Bernstein ó Tennstedt.

Un referente obligado en esta sinfonía es uno de los indiscutiblemente grandes intérpretes mahlerianos: el maestro Dimitri Mitropoulos... el mismo que hizo la primera gran grabación de la 1ra, la "Titán" (entrega futura de ARPEGIO). Mitropoulos, director por una decada de la Filarmónica de New York, introdujo la 6ta sinfonía, hasta entonces una obra muy impopular e incomprendida, nada menos que en el ambiente musical de los Estados Unidos. Si bien ha dejado una grabación comercial y conocida con la orquesta de la Radio de Colonia, su verdadero hito histórico lo constituye una grabación anterior, digna de atesorar, realizada el 10 de abril de 1.955 con la Fil. de New York, y con semejante grado de intensidad y penetración del pathos mahleriano, se puede considerar como el rasero a través del cual deben medirse el resto de las grabaciones, habidas y por haber.

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A tal respecto, el reputado mahlerólogo Tony Duggan escribió en su revisión a esta grabación:

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"A truly great recording of this work is one by the New York Philharmonic under Dimitri Mitropoulos "live" at Carnegie Hall in 1955. Unfortunately this is only available as part of a very expensive multi-disc NYPO commemorative box called "The Mahler Broadcasts" but is the one performance in that box that cries out for individual release. I’m still using this survey to make a strong plea that the orchestra authorities contribute to the Mahler discography and licence it to one of the major companies as the remastering engineers have certainly done it proud. One critic described this as a "dramatic, intense reading of molten heat and energy" and I wouldn’t disagree with that. Mitropoulos was a Mahler pioneer who gave the first American performance of this work in 1947 and it’s extraordinary to hear this performance when you consider that it predates all but the earliest released versions by Charles Adler and Eduard Flipse, both of which are available on compact disc still and deserve to be heard, even though I am left with the impression that even the 1950s were early days in the consideration of this forward-looking work. The playing by the New York Philharmonic for Mitropoulos more than justifies their reputation as one of the great Mahler ensembles and proves beyond doubt they could play Mahler magnificently long before Leonard Bernstein came along and usurped his old mentor.
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The first movement begins with another superbly weighty yet also forward moving tempo, each element of the exposition crucially integrated: energetic yet reflective at the same time, classical structure maintained with expressive contours. Alma is urgently conveyed with a real sense of the "Schwungvoll" ("Gusto" or "Spirited") Mahler asks. There is no exposition repeat from this era but Mitropoulos has invoked such a sense of the "all-or-nothing" you feel you just want to press on regardless. He makes no apologies for the relentless quality to the march rhythm, of course, with really unforgiving percussion battering away at us so that the pastoral interlude with cowbells seems a welcome place to catch our breaths before the recapitulation pitches us back into the maelstrom which seems to grow out of the music. Mitropoulos proves, if proof were ever needed, that to keep the symphonic argument to the fore brings the greatest dividends.
This performance took place before publication of the work’s critical edition so it reverses the usual order of the inner movements. Mitropoulos’s cor-anglais soloist manages a fine lamenting quality at the start of the Andante, as does his solo trumpeter later with some nice vibrato, really idiomatic, charged in its nostalgic feel but absolutely part of the whole. Mitropoulos also maintains the link to the Kindertotenlieder song already noted and the whole movement is taken "in one" with just the merest assistance to the melodies from Mitropoulos. The central climax of the movement is absolutely overwhelming in its power but by virtue of its nobility. Then the scherzo is remarkable at the start for, as with the first movement’s opening, great forward momentum matched with weight. The crucial trios find Mitropoulos aware of the various changes in meter that are there, bringing out that impression of children playing on the beach Alma Mahler has left us with. I also liked the perky woodwinds of the New York Philharmonic. All in all, Mitropoulos conveys the ugliness of this music without playing it in an ugly fashion.
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It cannot be said enough just how remarkable it is to find that in 1955 an orchestra could give such a performance as this of Mahler’s then least played and most difficult work. The opening pages of the last movement under Mitropoulos show he has appreciated their importance but he never lingers over them, showing they must be seen as prelude of the titanic drama to come. I’ll say straight away that, for me, this is the finest performance of the last movement I know. Mitropoulos keeps such a firm grip on the symphonic structure, such a single-minded concentration on pressing ahead, that the drama the movement delivers seems to hit us head on, rather like the blows of fate the hammer delivers. Note the passage 237-270 which, in more than any other version, recalls the corresponding passage in the first movement and so knits the symphony together across the movements. Then, soon after, the astonishing contribution of the trumpeters as the first hammer approaches with the latter a real blow of fate - heroic ambition emphatically stopped in its tracks. Then the "whipped" passage between the first two blows also has to be heard to be believed. So towering, so thrillingly conceived and delivered, with the orchestra playing like things possessed. Likewise in the final assault leading to the place where the third hammer blow used to be there is the same feeling as with Sanderling of the work’s "hero" going for one final throw before utter disaster. Too often we hear described the three blows of fate that fell the "hero". We never hear anywhere near enough of that which is felled, that which the hero loses and Mitropoulos seems aware of that. As I have said before, how are we to appreciate the devastating nature of what fate delivers unless we appreciate what it is that will be lost ? A man "in full leaf and flower", as Alma described Mahler at this time, must be depicted in this movement. Right up until the last note the orchestra never flags. In a studio recording this would be remarkable enough but in a "live" performance this has to be one of the great public recordings of anything, up there with Furtwängler’s Beethoven Ninth from 1942. If there is any justice this recording will become available singly at some point. If you cannot get the NYPO version by Mitropoulos but still want to experience this man’s special view of the work look out for a Cologne performance on Living Stage (LS4035155). Not quite as compelling as in New York but still formidable in its own way and a Mitropoulos Mahler Sixth to treasure."

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La Petición y anhelo del Sr. Duggan han encontrado finalmente respuesta a través de ese maravilloso sello que es ARCHIPEL, que ha obtenido los derechos de esta grabación, y la ha reeditado en un fabuloso disco que se encuentra ya disponible a la venta.

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Sirva esta entrega de homenaje y de cálido recuerdo al amigo que ya no está, pero que tantas horas de esparcimiento me brindó, y del que tanto aprendí... "No está muerto, se fue de viaje por un millón de años, quizá un poco menos."

"Cuando un amigo se va queda un espacio vacío que no lo puede llenar la llegada de otro amigo. Cuando un amigo se va se queda un árbol caído que ya no vuelve a brotar porque el viento lo ha vencido..."

Las obras completas para piano y orquesta de Schumann.

Robert Schumann
PIANO CONCERTO in A minor, Op. 54.
INTRODUCCION & ALLEGRO APPASIONATO, for piano & orchestra in G major, Op. 92
INTRODUCCION & ALLEGRO, for piano & orchestra in D minor, Op. 134.
Murray Perahia, Piano
Berliner Philharmoniker
Dir: Claudio Abbado.
(SONY)
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Continuando con las conmemoraciones al bicentenario del nacimiento del gran Robert Schumann.
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El presente disco es una muy asertiva e inteligente selección de todas las obras para piano y orquesta de Schumann, quien al contrario de lo comunmente creído, compuso otras dos obras concertantes para este instrumento. El concierto de Schumann, el Op.54, es el prototipo más puro del concierto romántico, y que sienta diferencias con respecto al estilo de los grandes conciertos posrománticos, como el de Tchaikovsky ó el de Grieg.
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Perahia es excelente y soberbio pianista, y aca en estas grabaciones demuestra toda su genialidad. Abbado, director definitivamente de los grandes, pero con muchas altas y bajas, no tuvo precisamente sus mejores producciones durante su década al frente de la Filarmónica de Berlín, pero entre las honrosas excepciones cuentan, aparte de su ciclo de Brahms y sus lecturas expertas en compositores contemporaneos, sus grabaciones de Schumann.
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Disco esencial para toda discoteca básica de Schumann. Disponible para la compra (recomendable) en http://www.amazon.com/.
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M-S.

Petrouchka

Igor Stravinsky
PETROUCHKA (versión original de 1.911)
New York Philharmonic
Dir: Pierre Boulez.
(SONY)
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Petrouchka ó Petrushka (Francés: Pétrouchka; Ruso: Петрушка) es uno de los tres grandes ballets compuestos por Igor Stravinsky, en conjunto con La Consagración de la Primavera y El Pájaro de Fuego. Stravinsky compuso otros ballets, pero no en las proporciones de ésta gran trilogía.

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Petrouchka es la historia de una marioneta tradicional rusa, Petrouchka, hecha de trapos y rellena de aserrín (conozco gobernantes similares), que a la manera de Pinocho cobra vida y experimenta emociones. Es una obra única y de originalidad asombrosa que fusiona música, ballet, coreografía e historia en balance perfecto, en persecución de la obra de arte perfecta.

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Stravinsky compuso la música durante el invierno de 1.910-11 para la compañía de Sergei Diaghilev. La premiere tuvo lugar en Paris, en el Théâtre du Chatelet , el 13 de junio de 1.911, bajo la batuta de Pierre Monteux, con coreografía de Mikhail Fokine y escenografía de Alexandre Benois. El rol titular dancístico corrió a cargo del célebre bailarín compatriota del compositor, Vaslav Nijinsky. Siendo la producción del estreno en líneas generales muy exitosa, no dejó de provocar reacciones divididas entre el público, aunque no como el célebre zafarrancho que ocasionó La Consagración de la Primavera. La receptividad no fue la misma en otros centros musicales europeos. La Filarmónica de Viena, por ejemplo, se negó a tocar la obra, por considerarla "música sucia".
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Existen dos versiones de la obra: la original de 1.911 y la revisión del propio Stravinsky hecha en 1.947.

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Versión original de 1.911: Ha sido hasta el momento la preferida por los intérpretes y la que cuenta con más grabaciones, no sin razón, puesto que el despliegue orquestal es mayor y más colorido.
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Versión revisada de 1.947: está orquestada para una agrupación menor, requiriendo una flauta menos, dos oboes menos, pero con la adición de un corno inglés... un fagot menos, pero incluyendo un contrafagot. Stravinsky elimina las dos cornetas pero adiciona una trompeta. De igual manera elimina los instrumentos de percusión fuera de escena, así como el Glockenspiel, y deja sólo un arpa. En líneas generales es una versión de atmósfera más íntima, pero en general menos satisfactoria.
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Entre versiones en disco, hay varias dignas de mención. Vale la pena destacar la maravillosa versión en stereo de Pierre Monteux, el mismo director que estrenó la obra, pero muchos años después dirigiendo la Sinfónica de Boston, en una lectura de lujo. Entre grabaciones posteriores emerge por sobre todas la de otro gran stravinskiano, Pierre Boulez, en una lectura filosa, lujuriosa, con tiempos precisos y ritmos excitantemente abruptos, en una de las glorias interpretativas de la Filarmónica de New York. Sony ha tenido el excelente tino de incluirla junto a la también legendaria interpretación del mismo Boulez de La Consagración, con la Orquesta de Cleveland, del año 1.968. En esta entrega vuelvo a publicar La Consagración, ya tratada anteriormente en un artículo, pero con ripeo rabioso de 320 kbps para la mejor apreciación del sonido... Petrouchka, Boulez, New York...

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M-S.

Stravinsky y Nijinsky, el primer Petrouchka (1911)

Cuando la conciencia de un país pierde una de sus voces...

Frank Ferko
STABAT MATER
His Majestie`s Clerkes
Dir: Anne Heider.
(Cedille)
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Mediante una hermosa obra coral vaya un pequeño pero significativo homenaje musical por la dolorosa e insustituible pérdida de ese gran periodista, poeta, personaje de medios, y sobre todo humorista venezolano y referente latinoamericano que fue Manuel Graterol Santander, mejor conocido y a recordar eternamente como "Graterolacho". Fue su voz en siempre genial prosa y en ocurrentes e hilarantes versos la expresión de la conciencia nacional venezolana, a través de un humor que desde muy temprano hizo academia. Venezuela, ésta Venezuela actual que padece y que parece disolverse en manos de dirigentes indignos, no necesitaba éste duelo adicional y por eso llora tu pérdida, Graterolacho, ahora es allá arribota, cerca del Trono Celestial, donde están disfrutando de tus coplas. IN MEMORIAM.

Manuel Graterol Santander (1935-2010) "Graterolacho"

Paul Hindemith y su Metamorfosis Sinfónica.

Paul Hindemith (1895-1963)
METAMORFOSIS SINFONICA
(SYMPHONISCH METAMORPHOSEN ÜBER EIN THEMA VON CARL MARIA VON WEBER)
Staatskapelle Dresden
Dir: Otmar Suitner.
(Brilliant Classics)
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Con dedicatoria especial al amigo y reciente pero ferviente seguidor de ARPEGIO, Kenbei.
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Paul Hindemith no es sólo uno de los máximos exponentes de la música alemana y centroeuropea del siglo XX, sino de toda la música universal de ese siglo. Su relevancia radica en que fue uno de los más fervientes experimentadores del siglo, en contraposición al vanguardismo radical y atonal de Schönberg y de su escuela, demostrando que aún se podía innovar y crear música "seria" y de calidad dentro del sistema tonal imperante en toda la Historia anterior de la Música. Junto con Schönberg, Stravinsky y Bartók, se le considera uno de los cuatro grandes innovadores del modernismo musical. Fue Hindemith además uno de los pioneros en la creación y evolución de la llamada "música utilitaria" (Gebrauchsmusik), música para poder ser escuchada a cualquier hora del día y en cualquier situación. Hindemith sostenía que el compositor debía actuar como un artesano, al tiempo que debía mostrar en su música las necesidades sociales. En este sentido Hindemith a quien más se aproximaría en estilo sería al también alemán Karl Amadeus Hartmann. Como pedagogo, su influencia en las generaciones posteriores de compositores alemanes e internacionales ha sido muy destacada.

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Desde muy temprano en su carrera musical, la reputación de Hindemith fue en ascenso, inicialmente por el impacto de su música de cámara y de sus primeras Operas expresionistas. Manteniéndose en el expresionismo, Hindemith logra un lenguaje idiosincrático separado de las corrientes postmahlerianas de por ejemplo Zemlinsky y Schreker, y cada vez se vuelca más hacia las corrientes neoclásicas, aunque en una concepción diferente a lo que luego hizo Stravinsky. Las grandes obras del primer período creador de Hindemith contaron con grandes, cálidos y elogiosos estrenos, y representaciones en las principales salas de concierto y de Opera de la Europa de pre-guerra. Sin embargo, aun no siendo judío, su música fue considerada "degenerada" por los censores nazis, lo cual puso en dificultades cada vez mas serias al compositor frente al régimen, quien finalmente se vio obligado a huir de Alemania.
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Posterior a este primer período, Hindemith entra en una nueva etapa creadora de su vida artística, donde su visión creadora cambia radicalmente, dando paso a una etapa neoclásica en sus composiciones. En este sentido, trató de distanciarse lo más posible de Stravinsky y lo logró, ya que mientras Stravinsky trabajaba con variaciones sobre la música de Mozart, el germen fundamental de Hindemith era Bach. Buena muestra de ello fue su serie Kammermusik, que inició con Kammermusik no.1, el primero de una serie de siete trabajos escritos entre 1917 y 1924, en los que Hindemith trataba de imitar los conciertos barrocos, específicamente los Conciertos de Brandenburgo de Bach, aunque usando una armonía tonal mucho más amplia y añadiendo unos elementos jazzísticos y otras técnicas propias de su comtemporaneidad.

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El exilio le valió a Hindemith el auge y esplendor de su creación artística. Por sus muchas obras se labró enorme reputación entre la crítica internacional. Tras Mathias der Maler, la obra que le valió la gloria pero también el ostracismo, el contrapunto lineal de sus composiciones se hizo menos áspero, la tonalidad apareció con más claridad, lo que implicó una mayor belleza en sus piezas, frente a la austeridad característica de sus años anteriores. De esta manera aparecieron obras maestras como Plöner Musiktag; Trauermusik (1936), escrita en menos de veinticuatro horas; la Serie Coral de canciones para los franceses, compuesta sobre poemas de Rilke (1939); el ballet Nobilissima Visione (1938), basado en la vida de San Francisco; Sinfonía en Mi desafinado (1940); Sonata para dos pianos (1942); La Metamorfosis Sinfónica sobre temas de Carl Maria von Weber (1943); La Sinfonía Serena (1945); Los Cuatro Temperamentos (1940); Ludus Tonalis (1942); la Sonata para Arpa en Homenaje a Bach (1949); Sinfonía en Re para banda; o Doce Madrigales. Entre sus conciertos para diferentes instrumentos, destacan el concierto para violín (1939) y concierto para cello (1940), aunque también los hubo dedicados al clarinete, a la trompa y al piano. La última composición de Hindemith fue su snfonía "Die Harmonie der Welt" ('La armonía del mundo', 1957).

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Con el tiempo, y sobre todo en el inicio de la postguerra, la influencia de Hindemith fue declinando en favor de las corrientes extremistas de Schoenberg y Webern. La causa principal fue la oposición frontal de Hindemith hacia la dodecafonía que se imponía en las composiciones musicales, lo que incluso le llevó a calificarse a sí mismo como un anti-Schoenberg. Esto hizo que compusiese numerosas piezas satíricas en las que utilizaba once o trece notas seguidas, con las que intentó, sin resultado, cambiar el pensamiento musical de la época. Su trabajo teórico para sustituir la dodecafonía lo resumió en la publicación Unterweisung im Tonsatz ('El arte de la composición musical', 1937-1939). No obstante, su producción musical no decayó en los últimos años de su vida; en estas composiciones tardías se puede encontrar una angustia antes no reflejada. Incluso en su última obra, Die Harmonie del Welt, quizá cansado de lo infructuoso de su empeño, se permitió coincidir en el sonido con las últimas composiciones de Schoenberg.
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Paul Hindemith falleció en Frankfurt en 1.963, y su música en la actualidad recupera el terreno que bien se merece en la esfera interpretativa y en el mundo de la música grabada.

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La Metamorfosis Sinfónica sobre temas de Weber, que motiva esta entrega, constituye una de sus obras más famosas, populares y conocidas y fue compuesta por Hindemith en 1.943. La idea de componer un trabajo basado en música de Weber fue inicialmente el encargo de un ballet por parte del coreógrafo Léonide Massine. Después de estudiar la música de Weber, la idea terminó sin convencer al compositor, y en su lugar compuso la Metamorfosis.

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La obra se divide en cuatro partes:

1-Allegro
2- Scherzo (Turandot): Moderato - Lively
3- Andantino
4- Marsch

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Los temas weberianos escogidos por Hindemith, parten de la música incidental que aquel compuso para el libreto de Carlo Gozzi, Turandot, el mismo que inspiró a la inmortal Opera de Puccini.
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La obra fue estrenada el 20 de enero de 1.944, a cargo del director Artur Rodzinsky, dirigiendo la Filarmónica de New York.

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La grabación presentada en esta entrega, a cargo del recientemente desaparecido gran maestro Otmar Suitner pone de relieve la grandeza de esta música. Interpretación impoluta, cargada en contrastes y atenta a los balances, equilibrio sonoro y fuerte acentuación en todos los departamentos de la orquesta, de particular relieve la exquisita percusión, uno de los fuertes en todas las obras orquestales de Hindemith. Una verdadera joya y otro aporte en forma de homenaje a ese gran maestro que aún no se valora en su justa medida, mientras que nombres de actualidad y Rockstars de calidad oscilante y por verse como Dudamel son los que se llevan el centimetraje de los críticos.

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M-S.