Good Bye Leverkühn`s Corner?

Editorial.

*

Quien escribe puede dar testimonio del impacto que ha causado la "salida" de la red del magnífico Blog hermano "Leverkün`s corner", tanto en el medio bloguero musical como en los asíduos visitantes.

*

Se había tratado hasta el momento de uno de los mejores blogs en el género, tanto para el público hispano como el angloparlante, con una increible variedad de publicaciones y revisiones de grabaciones musicales que han marcado huella histórica.

*

Desde Arpegio saludamos a Lever, creador del sitio, y le enviamos un reconocimiento a su trabajo, esperando que dicha "salida del aire" se trate de algo temporal, para deleite y esperanza de sus visitantes y admiradores.

*

M-S.

En el Bicentenario del natalicio de Mendelssohn.

Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847)

EIN SOMMERNACHTSTRAUM (SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO)

Kathleen Battle, Friderika von Stade, solistas

Judi Dench, Narrador

Tanglewood Festival Chorus

Boston Symphony Orchestra

Dir: Seiji Ozawa.

(DG)

*

Entre las efemérides más relevantes de este año ha estado el bicentenario del natalicio del gran Félix Mendelssohn Bartholdy, uno de los más grandes y genuinos representantes del período romántico.

*

Mendelssohn tuvo acceso de lectura a la obra inspiradora de Shakespeare a los 17 años, y a esa edad compuso la "Obertura de Concierto" basada en la misma, logrando un prodigio que ni el mismo Mozart hubiera alcanzado a la misma edad. La obra fue estrenada en 1.827, pero no fue hasta 17 años más tarde cuando el compositor, por encargo del Rey de Prusia, se embarcó en la creación de la música incidental completa. El resultado final fue un score de 13 números, incluida la Obertura, que alternan secciones orquestales y secciones vocales.

*

La mayoría de grabaciones de "Sueño de una Noche de Verano" están hechas en base a arreglos recortados ó editados a conveniencia. Aparte de la impoluta, idiomática y perfecta interpretación de Seiji Ozawa, director que suele ser injustamente vilipendiado por algunos críticos sesudos, su grabación tiene la gran bondad de seguir el score original y en el orden correcto de los números.

*

La combinación exquisita de todos los intérpretes (director, orquesta, solistas, coro), hacen de esta la grabación de preferencia para quien quiera conocer el genuino idioma de Shakespeare traducido en magia musical. Los detractores de Ozawa, pueden ponerse a escribir recetas de cocina, les iría mejor.

*

M-S.

Alicia de Larrocha (1923-2009) IN MEMORIAM.

Esta nota lleva algo de atraso, pero se trata de un acto de justicia hacer una pequeña reseña a la lamentable desaparición física de la más conspícua representante de la música pianística española, así como gran intérprete de un extenso y variado repertorio universal para este instrumento, Doña Alicia de Larrocha, fallecida en Barcelona el pasado 25 de septiembre.

*

Doña Alicia tiene el gran mérito de haber hecho una pieza de conocimiento universal la gran Suite Iberia, de Albéniz, así como música de otros compositores españoles. Además fue una gran ejecutante de Debussy, Schumann y una mozartiana a carta cabal.

*

Así lo reseñó en una sentida nota informativa el diario El País, de España:

*

"Escribió de ella Enrique Franco en este periódico en 1995 que fue "artista madura en plena juventud del mismo modo que conserva frescura en su madurez". Si algo caracterizó a Alicia de Larrocha, esta suprema artista que llevó el repertorio español por todo el mundo, fue justamente eso: haber mantenido una trayectoria sin fisuras, compacta, muy seria. Había nacido para el piano.

La pianista falleció anoche en Barcelona a los 86 años a causa de un proceso cardiorrespiratorio, según un portavoz del Hospital Quirón, donde estaba ingresada desde hace unos días. El Gobierno catalán estudiaba anoche instalar la capilla ardiente en el salón Sant Jordi de la Generalitat, donde se despide tradicionalmente a las grandes personalidades.

Nacida en Barcelona el 23 de mayo de 1923, Alicia de Larrocha se formó desde los cinco años en la tradición marcada por Enrique Granados. A esa edad entró en la academia de Frank Marshall, discípulo y colaborador del compositor y autor de un tratado sobre el uso del pedal en el piano. Estudió armonía con Ricardo Lamote de Grignon y Joaquín Zamacois y al poco la descubrió Joaquín Turina, quien propició su debut un año más tarde en la Exposición Internacional, como uno más de los muchos prodigios que se exhibían. Cuenta la tradición que hubo que añadir unas calzas a los pedales del instrumento para que la niña pudiera accionarlos. A los 11 años dio un concierto en Madrid con la Orquesta Sinfónica dirigida por Arbós y ahí quedó establecido que el prodigio desembocaría en una sólida trayectoria como intérprete.

Pero no había prisa. Alicia seguía con sus estudios escolares, aparte de los musicales. Por esa época trabó una amistad profunda con la soprano Victoria de los Ángeles, de su misma edad. De esa amistad nacería una aclamada colaboración artística que llevaría la canción española -Falla, Turina, Mompou, Montsalvatge- por los mejores escenarios internacionales. Pero eso aún había de aguardar. A partir de 1940 empezó a dar recitales por toda la península, preparándose para el salto internacional, que se produjo en 1947 con una gira por Europa.

Casada en 1950 con el también pianista Juan Torra, con quien tuvo dos hijos, Juan Francisco y Alicia, en 1953 debutó en Londres y dos años más tarde saltó a EE UU, donde tuvo por representante a Herbert Breslin, que también lo era de Pavarotti. La carrera americana de Larrocha ya no habría de interrumpirse hasta el final. Al cumplir los 80 años dio una gira para despedirse, pero no legó a dejar del todo la actividad concertística.

¿Por qué encantaba con su piano a públicos tan diversos? Porque era de un rigor y a la vez de una humildad que te ganaban apenas pisaba el escenario. Ella solía decir que la música no era para verse, sino para escucharse. Sentada ante el gran cola de concierto parecía como una niña perdida en la inmensidad. Pero apenas entraba se convertía en una artista de extraordinaria madurez que no se permitía la más mínima concesión a la galería, ningún gesto de virtuosa, ninguna artificiosidad, nada. Su interpretación parecía natural, como si brotara de la pura lógica de la partitura. Mucho estudio se necesita para lograr esa aparente sencillez.

Su repertorio fue extenso, no sólo español, sino también centroeuropeo: Schumann, Mozart, Beethoven y los impresionistas, Ravel, Debussy, Fauré. Pero su caballo de batalla había de ser la Suite Iberia de Albéniz, que tocaba de manera increíble, pues siempre tuvo la mano pequeña para una partitura que exige notabilísimas extensiones de los dedos.

Premiada y condecorada internacionalmente, con varios Grammy en su haber, en 1994 recibió el premio Príncipe de Asturias.
*

N del E: Escribió Shakespeare en su Julio César : ..."Cuando mueren payasos y falsarios, sólo escucharéis el clamor estridente de las turbas... cuando muere un auténtico soberano, el firmamento mismo resplandece con señales..." Desde el 25 de septiembre una nueva estrella brilla resplandeciente en los cielos... paz a sus restos.

*

M-S.

Le Sacre du Printemps.

Igor Stravinsky
Le Sacre de Printemps (The Cleveland Orchestra)
Petrouchka (New York Philharmonic)
Dir: Pierre Boulez.
(CBS-Sony)


Stravinsky essential recording...
*

Finalizando el año 1999 y oficialmente para muchos el siglo XX, y con el propósito de hacer una memoria musical de lo que fue esa convulsa centuria, en cierta ocasión nos reunimos en la Red varios melómanos que pertenecíamos a un muy popular foro internacional dedicado a los grandes directores orquestales. Para ese momento se planteó una interrogante obligada, y sobre la cual todos emitimos nuestras opiniones. El asunto planteado, entre otros que se postularon, fue acerca de la obra musical más representativa del siglo XX. La conclusión fue casi unánime. La obra “galardonada” fue, para sorpresa de ninguno, La Consagración de la Primavera (Le Sacre du Printemps), de Stravinsky. Igor Stravinsky es una de las figuras musicales más representativas del siglo XX, y La Consagración su obra maestra e insignia musical de todo el cambio que sufrió el mundo entero, sus sociedades, sus traducciones en el arte y en prácticamente todos los ámbitos a comienzos de este siglo. La obra fue concebida como un ballet, aunque hoy es conocida únicamente como obra orquestal pura. Stravinsky inició la obra en 1911 y fue estrenada en París, el 29 de mayo de 1913, a cargo del célebre director Pierre Monteux.

*

Citando a este respecto al musicólogo Jonathan Kramer: “En ocasiones -y en muy raras ocasiones- las circunstancias conspiran para reunir al artista adecuado con el clima intelectual adecuado y los estímulos externos adecuados para producir una obra tan revolucionaria, tan poderosa, que refleja con tanta profundidad su época , que la humanidad jamás puede volver a ser la misma...”. Si poco más de un siglo atrás Beethoven lo había logrado con su Sinfonía Eroica, esta vez lo había hecho un ruso, rebelde, irreverente, de vanguardia, iconoclasta, Igor Stravinsky. La obra, como suele suceder en las obras características de la nueva era, tiene su origen e inspiración en fuentes extramusicales, con frecuencia temas novedosos y hasta inauditos, pero sin verdadero argumento. La obra se basa en representaciones hipotéticas de temas paganos, ritos paganos provenientes de tiempos inmemoriales, con un lenguaje musical rico, florido, original, atmosférico, con una paleta orquestal viva y colorida y temas que si bien son tonales, están constituidos por ritmos folklóricos que no alcanzan la categoría de danzas, y estructuras melódicas que no son melodías, sino embriones de melodías, los cuales se alternan de forma libre y dejando mucha de su secuencia discursiva al campo de lo impredecible. La técnica de composición hasta el día de hoy se considera magistral.

*

La obra se divide en dos partes: 1) La adoración de la Tierra, y, 2) El Sacrificio.
*
Con respecto a la idea matriz, Stravinsky explica: “Ví en mi imaginación un rito pagano solemne: los ancianos sabios, sentados en círculo, observando a una muchacha, que baila hasta morir. La están sacrificando para propiciar al Dios de la Primavera.” Desde las primeras notas a cargo del evocador fagot se aprecia una estructura monolítica y con un poder telúrico que va progresando y hacia el par de clímax principales alcanza auténtico grado de cataclismo, representando de esta manera la brutalidad inmemorial de la Rusia pagana.
*
Como suele suceder ante todo lo novedoso y vanguardista, la reacción del público al estreno de la obra fue un tumulto de proporciones legendarias, con escenas de violencia y con saldo de varios heridos. La música y las danzas frenéticas fueron consideradas obscenas y levantaron las reacciones de rechazo más apasionadas, pero también de entusiasmo febril y poseso de otra parte del público, lo cual trajo el inevitable zafarrancho, con golpes, patadas y sillas al aire. Años más tarde ocurriría lo mismo en Colonia ante el estreno de una obra similar, “El Mandarín Maravilloso” de Bártok, con la agravante de que en esta ocasión el compositor fue “invitado” a abandonar la ciudad. En el caso de Stravinsky, su Consagración pasó a ser interpretada en el futuro como pieza orquestal pura, logrando finalmente su reconocimiento y aclamación como auténtica obra maestra que es. Cuando cincuenta años después, le fue devuelto a Stravinsky el manuscrito original, éste escribió en la última página: “Ojalá quien quiera que escuche esta música jamás experimente la burla a la que fue sometida y de la cual fuí testigo en el Théatre des Champs Elysées, en París, primavera de 1913.”

*

La Consagración está bien servida en cuanto a interpretaciones, hay varias de excelente calidad, incluso el mismo compositor la dirigió y la grabó. Prácticamente todo director que ha querido dejar un legado discográfico la ha tenido que dirigir y registrar, al ser una obra de rango universal. De todas las magníficas grabaciones existentes, hasta el momento no escucho ninguna que se aproxime en precisión y frenesí a la realizada por el gran maestro Pierre Boulez, a cargo de la Orquesta de Cleveland (SONY), lo que hicieron fue sencillamente un prodigio. No confundir con su posterior grabación con la misma orquesta, hecha para DG. Bernstein hizo un espectacular registro en 1.958, que tampoco volvió a igualar y entre las modernas cabe mencionar la reciente de Valéry Gergiev, que imprime mayor “olor ruso” a su lectura. Sin ningún temor es una obra esencial para quien se inicia en el conocimiento de la Gran Música Universal.

*
En el mismo disco está incluida una interpretación extraordinaria de Pêtrouchka, otra de las obras maestras de Stravinsky, y en manos de Boulez el resultado es de primer nivel.
*
M-S.

Carátula del LP original

Des Knaben Wunderhorn: El inicio de la travesía mahleriana.

Arpegio se inicia en Mahler...

*

Habiendo tantos y excelentes Blogs que difunden la música de Mahler, entre ellos nuestro insuperable y recordado Cuervo López, sólo se tratará la misma especialmente cuando haya algo nuevo que aportar a lo ya dicho o publicado.

*

Des Knaben Wunderhorn es la serie de canciones orquestales creadas por Mahler a partir de la antología de poemas de Arnim y Brentano (1805-08), y se considera el pivote que da inicio a todo el estilo que el compositor desarrollará a lo largo de toda su obra orquestal.

*

En estas canciones Mahler imprime una huella profundamente personal, plasmando en música su personalidad, recuerdos y traumas de infancia, así como sus infortunios de adulto. Son canciones oscuras, cifradas, transmisoras de una sutil melancolía, que alternan un estilo lírico con elementos arcaicos e incluso grotescos con un permanente flujo de ironía que hacen que sea un material no del todo fácil de digerir. Por el título de los poemas que dan nombre a las canciones se pueden sacar muchas conclusiones. Sin embargo este material de un modo u otro es la base de toda su obra posterior, aunque más intensamente en sus sinfonías 2, 3 y 4, las llamadas "Sinfonías Wunderhorn".

*

La mayoría de versiones famosas del Des Knaben Wunderhorn (El Maravilloso Corno del Muchacho) hacen énfasis en el brillo orquestal y en la lucidez de los solistas vocales, sin embargo pocas penetran la esencial vena oscurantista y si se quiere, gótica, de las canciones.

*

Una excepción es esta relativa rareza, dirigida por un director poco conocido, Felix Prohaska, quien dirige la Sinfónica de Viena. Prohaska escoge la muy preferible versión que alterna en las canciones un barítono con una contralto. Los solistas son el excelente barítono Heinz Rehfuss, y como soprano la inmortal Maureen Forrester, quienes con Prohaska dejan un registro digno del pantéon del arte mahleriano.

*

M-S

*

Gustav Mahler

Des Knaben Wunderhorn

Heins Rehfuss, bass

Maureen Forrester, alt

Wiener Symphoniker

Dir: Felix Prohaska.

(VANGUARD CLASSICS)

Homenaje a Erich Kunzel (1935-2009) IN MEMORIAM

El pasado 1ro de septiembre dejó este plano el conocido director de clásicos ligeros, Erich Kunzel, quien llevó a la fama a su eterna orquesta, los Cincinnati Pops, a través de sus brillantes y sonoras interpretaciones de obras populares del género light, y a través de las cuales muchísima gente tuvo acceso por primera vez a la música académica. Sin ser un director erudito del extremo academicismo, su trabajo contribuyó de manera definitiva a democratizar la música clásica en los Estados Unidos y hacerla accesible a todo tipo de público, del mismo modo que lo hiciera antes Arthur Fiedler. Valga entonces una nota de condolencia a la memoria de este gran músico.

*
M-S.

Mozart y su probable Sinfonia Concertante para vientos.

Sinfonia Concertante, Kv.297b

Berliner Philharmoniker

Dir: Karl Böhm

(Deutsche Grammophon)

*
Atendiendo peticiones...
*

La Sinfonia Concertante para vientos (oboe, clarinete, corno y fagot) es una obra atribuida a Mozart, lo cual resulta casi indudable cuando se escucha la hermosa y magistral música que contiene, de fortísimo aroma sólo producto de la creación de su genio.

*

El libro de Arturo Reverter dedicado al estudio de toda la obra mozartiana, explica lo siguiente al respecto:

*

" En relación con esta obra hay una densa cortina de misterio porque la partitura que hoy conocemos, con la instrumentación solista indicada, no es la que Mozart escribió, con destino a Les Concerts Spirituelles de Paris en abril de 1.778, pues esta venía compuesta para flauta, oboe, fagot y corno e iba indicada a los principales instrumentistas de la Orquesta de Mannheim, de visita en la capital francesa. La obra nunca se estrenó ya que Le Gros, el director de aquellos conciertos, la retiró de la circulación. Años después, una mano desconocida reescribió la obra y pasó la parte de la flauta al oboe, y la del oboe al clarinete... Una mano que sin duda sabía lo que hacía porque el resultado es rotundamente mozartiano; de allí que se piensa que pueda haber sido el Mozart de los últimos años quien hizo la transcripción, lo cual plantearía también interrogantes, ya que, en tal caso ¿por qué no apuntó el trabajo en su catálogo? ... Sin duda es una obra importante por su potencia sinfónica sin ser sinfonía, lo cual sólo hubiera podido alcanzar en semejante grado de convicción el genio de Salzburgo".

*

La obra en toda su extensión permite a los solistas expresarse de la manera más expresiva y lírica, sin hacer en ningún momento choque con el acompañamiento orquestal. El movimiento final, un Tema e variazioni, es una hermosa creación que proporciona amplio lucimiento a los cuatro instrumentistas, tanto en pasajes solos como los combinados... una joya.

*

Existen hoy dia versiones que utilizan la instrumentación original de Mozart (la que incluye la flauta), sin embargo quien escribe está de acuerdo en que la reescritura con el Oboe es aún más mozartiana y por eso es preferible. La grabación de Karl Böhm , mozartiano de factura insigne, acompañando a solistas de la Filarmónica de Berlin, es la más exquisita y sublime que se conoce.

Disfrutenla.

*

M-S.

Todo Tchaikovsky: La Marcha de la Coronación.

Tchaikovsky compuso este delicioso platillo de caviar musical en 1.883, como encargo junto a otra obra poco conocida, la Cantata "Moscú", como piezas para ser interpretadas en las festividades por la ascensión al trono del nuevo Zar, Alejandro III. Ya Tchaikovsky era altamente apreciado por la familia imperial rusa, tras la dedicatoria de la Obertura Danesa, ya presentada por aca. Ambas piezas constituyeron un éxito rotundo y Tchaikovsky pasó a ser compositor oficial de la Corte Imperial. La obra es una excelente muestra de pirotecnia orquestal, género en el cual el compositor siempre obró prodigios. A disfrutar.

*

M-S.
*
Kronungsmarsch (Marcha de la Coronación)
Orquesta del Ministerio de Cultura de la URSS
Dir: Gennady Rozhdestvensky

Coronación de Alejandro III en 1.883

El Magnificat de Bach

El Magníficat (magnificat en latín) es un canto y una oración cristiana. Proviene del evangelio de Lucas Lucas 1:46-55 y reproduce las palabras que según este evangelista, María dirige a Dios cuando visita a su prima Isabel, madre de Juan el Bautista y esposa de Zacarías.

*
El nombre de la oración está tomado de la primera frase en latín, que reza Magnificat anima mea Dominum.

*

Numerosos compositores, especialmente del barroco, compusieron música para acompañar a esta inspiradora oración, y no sin razones el de Johann Sebastian Bach es el más célebre y conocido. En la Música de Bach se puede decir, sin exagerar, que se encuentra compendiado y comprimido el DNA de toda la música occidental, y la gran espiritualidad de su Magnificat es una excelente prueba de ello.

*

Nuevamente ese gran intérprete de Bach que fue Karl Münchinger, nos dejó un registro inolvidable del Magníficat, y aunque puedan haber en la actualidad grabaciones más pulidas y tal vez más cercanas al ideal interpretativo barroco, pocas tocan el corazón como lo ha hecho el recordado forjador de la Orquesta de Cámara de Stuttgart.

*
M-S.

*

Johann Sebastian Bach

MAGNIFICAT

Stuttgarter Kammerorchester

Dir: Karl Münchinger.

(DECCA)

Encuesta en Arpegio

Arpegio se complace en publicar una encuesta, la cual será una sección periódica, e invita a sus consecuentes lectores y seguidores a participar. Se trata de evaluar en esta oportunidad quien puede ser el mejor director orquestal de los que aun están vigentes. No se han considerado talentos aun jóvenes por motivos obvios. Gracias por tu voto.

M-S.

Todo Tchaikovsky: La Ucraniana por Abbado.

La 2da sinfonía del Gran Trágico Ruso, la Op.17, conocida como "Pequeña Rusa" ó "Ucraniana", no sólo es la obra de este género que tiene más "sabor" ruso que el resto de sus homólogas, sino que es la de estructura más "clásica", compuesta por los tradicionales cuatro movimientos, un andante marcial en segundo lugar, un verdadero scherzo en tercero y un final festivo basado en una canción tradicional ucraniana que le da el nombre a la sinfonía.

*

Tchaikovsky comenzó la obra en 1.872, y en enero siguiente la mostró a su colega Rimsky-Korsakov y otros miembros de "Los Cinco", quienes quedaron muy complacidos con la misma. El 7 de febrero de 1.873, Nikolai Rubinstein la estrenó ante la Sociedad Imperial de Música, en Moscú. La obra fue bien recibida, pero entre 1879-80 el compositor, no satisfecho del todo, procedió a revisar radicalmente los dos primeros movimientos y ligeramente el scherzo... "...solo el Finale debe permanecer intacto", manifestó entonces.

*

La versión original de la "Ucraniana" está disponible en una admirable versión de Geoffrey Simon, para el sello Chandos, sin embargo la versión revisada muestra muchas mejoras indiscutibles y es definitivamente preferible.

*

La versión definitiva y conocida hoy fue estrenada el 2 de febrero de 1.881 por la Sociedad de Música de San Petersburgo, dirigida por K. Sike. La recepción del público fue entusiasta.

*

Versiones de la Ucraniana hay varias, aunque algunos intérpretes han insistido en colocarle pompa y parafernalia excesivos (eviten la versión de Muti), la versión de Claudio Abbado con la Sinf. de Chicago es una de las glorias en esta sinfonía... exquisito equilibrio y detalle orquestal con excelente sonido.

*

M-S.

*

Sinfonia Nr.2, Op.17, "Ucraniana"

Chicago Symphony Orchestra

Dir: Claudio Abbado.

(CBS-Sony).

Hildegard Behrens (1937-2009) IN MEMORIAM.

Adiós a la gran voz wagneriana.

Develada la verdadera causa de muerte de Mozart?

La muerte de Mozart siempre ha sido un arquetípico tema romántico para la literatura y para la música. Se han planteado como causas las posibilidades de una tuberculosis, de una sífilis terciaria, de una escarlatina, y mucho menos verosímilmente, la posibilidad de un envenenamiento crónico propinado por su rival, Salieri. Al no haber documentación fidedigna ni suficiente acerca de los últimos días del gran genio de Salzburgo, ni saberse de sus restos, todo ha quedado en especulaciones y fabulaciones.

*

Muy recientemente ha concluido una investigación médica, cuyas conclusiones acaban de ser sumariadas en la afamada revista médica científica "Annals of Internal Medicine". Sin ser conclusiones definitivas, las nuevas hipótesis arrojan resultados interesantes y más ajustados a lo posible.

*

A continuación el resumen del artículo:

*

..."La causa de la muerte del compositor Wolfgang Amadeus Mozart alos 35 años de edad sigue siendo un misterio, pero un equipo de investigadores de la Universidad de Amsterdam sugiere que se debió a una infección de la garganta, según un artículo publicado hoy. El artículo de la revista Annals of Internal Medicine resume las conclusiones de Richard H.C. Zegers y sus colegas que analizaron datos de los registros de muerte en Viena. Es la primera vez que un equipo de investigadores analiza los registros diarios de defunciones, que comenzaron manuscritos en 1607 y así se mantuvieron hasta 1920, en busca de pistas sobre el fallecimiento de Mozart en 1791. Zegers y su equipo analizaron la información referida a la muertede 5.011 adultos en tres inviernos consecutivos a partir de 1790, así como los relatos de los testigos del fallecimiento del músico."La muerte a joven edad de Mozart el 5 de diciembre de 1791 ha fascinado al mundo durante más de dos siglos", señala el artículo. "Se ha sugerido que su enfermedad fatal la causó un envenenamiento, o el fallo renal, o condiciones como una púrpura de Henoch-Schönlein, triquinosis y otras". En los registros de defunción vieneses en los períodos de noviembre a enero de 1790 a 1792 aparecen los decesos de 3.442 hombres y 1,569 mujeres. La media de edad de fallecimiento fue de 45,5 años para los hombres y de 54,5 años para las mujeres. Los autores señalaron que "la tuberculosis y condiciones relacionadas con ella fueron las causas del mayor número de muertes; en segundo lugar aparecen la caquexia (estado de extrema desnutrición) y la mala nutrición, y la tercera causa más común de muertes fue el edema". "En las semanas próximas a la muerte de Mozart aumentaron notablemente las muertes por edema entre los hombres jóvenes, comparado con los años previos y siguientes", señala el estudio, que añade que "esta epidemia menor puede haberse originado en el hospital militar". "Nuestro análisis es coherente con la posibilidad de que la enfermedad final yla muerte de Mozart se hayan debido a una infección con estreptococos que condujo a un síndrome nefrítico agudo, causado por la glomerulonefritis postestreptococal", apunta el artículo. En cuanto a la fiebre escarlatina, una condición que representa desde una perspectiva etiológica la misma enfermedad subyacente, estos expertos afirman que es "una posibilidad menos probable" como causa de la muerte de Mozart.

http://annals.org/cgi/content/abstract/151/4/274

Mozart en su lecho de muerte, escucha a sus amigos interpretando sus esbozos del Requiem.

Mozart: Sinfonia Concertante para Violín y Viola.

Wolfgang Amadeus Mozart
Sinfonia Concertante para Violin y Viola, KV.364
Jonathan Brandis, Violin
Frank Cappone, Viola
Berliner Philharmoniker
Dir: Karl Böhm
(Deutsche Grammopphon)

*

Una joya de la discografía mozartiana... recomendable tenerla.

*

M-S.

Todo Tchaikovsky: La Tempestad

La Obertura-Fantasía "La Tempestad" (no confundir con la Obertura temprana llamada "La Tormenta"), es la segunda obra de este género particular compuesta por Tchaikovsky. Así como Balakirev fue el inspirador de Romeo y Julieta, La Tempestad fue sugerida por el crítico Vladimir Stasov, en 1.873, basado nuevamente en el score de Shakespeare. A finales de ese año la obra estaba terminada y por supuesto fue dedicada a su inspirador. La premiere se llevó a cabo el 19 de diciembre de 1.873, en el Conservatorio de Moscú. La obra no posee el impacto dramático y de extremidad pasional del Romeo y Julieta, pero probablemente aca Tchaikovsky hace una mejor adaptación musical al texto del genio literario inglés, con maravillosa y mejor lograda secuencia derivativa. Los temas de Ariel, Fernando y Próspero, la tempestad y el mar, están muy bien caracterizados.

*

Aun en nuestros días, "La Tempestad" no goza de la popularidad de "Romeo y Julieta", ni de su sucesora, "Francesca da Rímini", sin embargo musicalmente es una obra que se les equipara, y que afortunadamente cuenta con un puñado de grabaciones que le hacen honor. Considerando a la de Claudio Abbado, con la Sinf. de Chicago, en SONY, como modélica, Mikhail Pletnev, fabuloso pianista, pero director de logros zigzagueantes, avanza sorprendentemente un paso mas allá imprimiendo mayor garra en los clímax orquestales, dándole un toque "más ruso" a la interpretación, lo cual puede ser un plus, aunque no supera al italiano en cuanto a balance ni cuidado en el detalle. Siendo Abbado más sabio en su lectura, Pletnev resulta más pasional y mejor adaptado a las circunstancias escénicas del texto shakespeariano.

*

La Tempestad, Op.18

Russian National Orchestra

Dir: Mikhail Pletnev

(Deutsche Grammophon)

*

M-S.

El Respighi de Sir Edward Downes.

Homenaje Póstumo al recién desaparecido maestro...

*

Ottorino Respighi

SINFONIA DRAMMATICA

BBC Philharmonic Orchestra

Dir: Sir Edward Downes.

(Chandos).

M-S.

Todo Tchaikovsky: Serenata de San Nicolás.

Uno de los grandes amigos de Tchaikovsky fue su colega y campeón en la promoción de sus obras tempranas, Nikolai Rubinstein, fundador del Conservatorio de Moscú, institución a la que como ya sabemos, ingresó el primero como profesor en 1.866. Aunque esta amistad no estuvo desprovista de desacuerdos, momentos difíciles e incluso peleas tormentosas e inflamadas (recordemos el episodio del concierto para piano Nr.1), predominó ante todo una relación de hermandad y respeto. No es pues de extrañar, que Tchaikovsky le compusiera a Rubinstein una pequeña Serenata para el día de su santo. Así pues, compuso en 1.872 la "Serenata para el dia del Santo de Nicolás Rubinstein". Esta corta obra, a pesar de su brevedad, está dotada sin embargo de una gran hermosura, con el manejo de la melodía típico y único del compositor. Aunque Piotr Ilich pudiera ser cualquier cosa menos amante de la música de Wagner, se suele relacionar el tema principal de la Serenata con el motivo del "Idilio de Sigfrido". La misma fue estrenada en el hogar de Rubinstein, en Moscú, el 18 de diciembre de 1.872 y fue interpretada por una flauta, dos clarinetes, corno, trompeta y cuarteto de cuerdas... toda una pequeña gema.

*

De nuevo el maestro Geoffrey Simon, nos ofrece un rescate de esta obra a través de su fabulosa antología de piezas raras tchaikovskianas, grabadas con la Sinfónica de Londres, para el sello Chandos.

*
M-S.

Todo Tchaikovsky: La Obertura Danesa

La Obertura Festiva sobre el Himno Nacional Danés ( ó simplemente Obertura Danesa), la Opus 15 del catálogo tchaikovskiano, fue la primera comisión hecha a Tchaikovsky en los comienzos de su carrera como compositor. Como fue comentado en la entrega anterior, Piotr Ilich ingresó como profesor de teoría musical en el recién fundado Conservatorio de Moscú de Nikolai Rubinstein y ese mismo año se anunció que el zarevich iba a visitar Moscú con su nueva novia danesa, la princesa Dagmar. Rubinstein solicitó de Tchaikovsky una ofrenda musical para la magna ocasión y esta delicia de Obertura fue el resultado. La obra fue exitosa y aparte de las Imperiales gracias, el compositor recibió un regalo especial de la regia pareja, que inmediatamente vendió para saldar algunas deudas.

*

A pesar de su cautivante belleza y encantador ánimo festivo, y en opinión de quien escribe, musicalmente superior a su obra postrera, la Obertura Solemne 1.812, la obertura ha sido raramente ejecutada y mas raramente grabada, desde el estreno por Rubinstein el 10 de febrero de 1.867. La mezcla de elementos incidentales con alegorías a los himnos nacionales danés y zarista, y una gran coda en tono mayor con las notas del himno danés le imparten soberbia majestad y grandeza a una obra que debe estar en cualquier colección tchaikovskiana. La grabación presentada, de la magnífica colección de Geoffrey Simon dirigiendo a la espléndida Sinfónica de Londres, es la primera grabación comercial de la obra... a disfrutar.

*

M-S

Maestro Geoffrey Simon

El Zar Alejandro III y su consorte danesa.

Todo Tchaikovsky: la 1ra Sinfonía y los 20 años de la partida de Karajan.

Se cumplen hoy 16 de Julio, 20 años de la muerte de una de las más grandes batutas del siglo XX, el maestro Herbert von Karajan. Personaje controversial, con multitud de adoradores pero igual número de detractores, pero con un hecho innegable: los estándares y pureza del sonido emanados de las orquestas que dirigió alcanzaron niveles inimaginables y la historia del disco tiene un antes y un después del salzburgués más famoso después de Mozart.

*

Karajan adoptó diversos repertorios en sus ejecuciones típicas, entre los cuales se encontraban música de Mozart, Beethoven, Bruckner, Honegger, Strauss, Brahms, Schumann, Verdi, Wagner y Tchaikovsky. Su incursión tardía en Mahler es bien conocida y pudo dejar estupendas grabaciones de cinco de sus sinfonías.

*

Particularmente en la música de Tchaikovsky, Karajan llegó a dirigir todas sus sinfonías y sus conciertos y obras orquestales más famosos. Su ciclo sinfónico grabado en los 70`s con su eterna Filarmónica de Berlin, está ahora compendiado en un estupendo album muy recomendable para quien quiera conocer el arte absolutamente convincente de este director en este repertorio. En esta colección están incluidas las seis sinfonías (por alguna razón no se animó a ejecutar Manfredo), en interpretaciones que hoy día son referencia cuando se analizan las mejores grabaciones de cada una de las mismas. Las interpretaciones de Karajan particularmente de las tres primeras sinfonías, son especialmente buenas, transparentes, idiomáticas e inspiradas, reflejando un director y orquesta en su mejor y plena formas.

*

A pesar de haber un innegable elemento olfatorio tradicional ruso (mas no nacionalista de vanguardia al estilo de los Cinco) en todas las obras de Piotr Ilich, en sus obras tempranas se aprecia su tributo hacia el colorido emotivo y riqueza melódica heredados de la tradición centroeuropea de Mendelssohn y Schumann.

*
Tchaikovsky se embarcó en la composición de su primera gran obra de envergadura sinfónica, la 1ra sinfonía, la op.13 en 1.866. Mucho le costó al compositor llegar a abrazar una forma sinfónica convincente y la obra le costó muchísimo esfuerzos físicos y emocionales que casi lo llevan a un colapso. La obra, en probable tributo velado al pictorismo programático de Mendelssohn, fue titulada "Sueños de Invierno" (Ruso: Зимние грёзы, Zimniye gryozy), Op. 13. Este período creativo coincidía con su ingreso como profesor en el Conservatorio de Moscú. Años más tarde, en 1.883 cuando ya el compositor mantenía su extraña relación epistolar con su mecenas, madame von Meck, le escribía: "aunque en muchas maneras se trata de una obra muy inmadura, posee aún mucha más sustancia y es mejor que algunos de mis trabajos más maduros..." Tchaikovsky dedicó la obra a su amigo y colega, el pianista Nikolai Rubisntein.
*
Estructura de la obra:
Sinfonía en cuatro movimientos.-
1.- Sueños de un viaje de invierno. Allegro tranquillo
2.- Tierra desolada, tierra de neblinas. Adagio cantabile ma non tanto
3.- Scherzo: Allegro scherzando giocoso
4.- Finale. Andante lugubre—Allegro maestoso.
En el Finale Tchaikovsky usa la tonada popular "Распашу ли я млада, младeшенка" (Raspashu li ya mlada, mladeshenka) como base para la introducción y el segundo tema.
*
Composicion.-

*
Tchaikovsky comenzó la composición en marzo de 1866. Componía día y noche y comenzó a padecer insomnio y terribles jaquecas, y finalmente llegó a convencerse de que no terminaría la obra. En esos días, una interpretación muy exitosa de su Obertura en Fa llevada a cabo en St. Petersburgo, contribuyó a elevar su espíritu. Entonces se trasladó con su familia a un retiro de veraneo, por prescripción médica. A pesar del estancamiento temporal en la composición, Tchaikovsky buscó la opinión de sus antíguos mentores, Anton Rubistein (hermano de Nikolai) y Nikolai Zaremba a finales de agosto, cuando regresó a Petersburgo. Ambos personajes se mostraron hostiles a la obra y a la posibilidad de ejecutarla. Tchaikovsky entonces paró el trabajo para poder completar su primer encargo público, la Obertura Festiva sobre el himno nacional danés, para celebrar la visita a Moscú del futuro Zar Alejandro III con su nueva novia danesa. Una vez terminada exitosamente la comisión, el compositor pudo completar la sinfonía antes de navidad de ese año. La versión terminada incluyó las modificaciones solicitadas por Rubinstein y Zaremba como condición para reconsiderarla. Aun con todo, cuando el manuscrito fue reenviado a los "maestros", todavía desaprobaron la sinfonía y solo manifestaron aprobación por el adagio y el scherzo, los cuales ejecutaron en un concierto en St. Petersburgo el 23 de febrero de 1.867, sin éxito alguno (muy probablemente la ejecución fue mediocre). Desilusionado, Tchaikovsky se deslindó de la opinión de los críticos de esa ciudad y la de sus antíguos maestros. Decidió entonces descartar las revisiones y volver sobre sus concepciones originales. De regreso en Moscú, Nikolai Rubinstein decidió interpretar la sinfonía, primero por partes y luego en su integridad, en un concierto que tuvo lugar el 15 de febrero de 1.868, logrando un triunfo grandioso y contundente. Sorprendentemente, la obra tuvo que esperar 15 años para volver a ser interpretada. El compositor hizo revisiones adicionales de la obra y la versión definitiva fue interpretada en Moscú, el 1ro de diciembre de 1.883, bajo la batuta de Max Erdmannsdörfer.
*
Tchaikovsky tardíamente en su vida confesó que no podía componer de acuerdo a las reglas estrictas de la forma sonata occidental. . Anton Rubinstein fue el principal seguidor eslavo de del cumplimiento de estas reglas en sus propias obras. Se entiende entonces la miopía del mismo en poder entender las maravillosas novedades que Tchaikovsky planteaba con su obra. Sus lenguajes eran agua y aceite. Esto no significa que Piotr Ilich fuera incapaz de escribir dentro de la "forma musical" tradicional, pero a pesar de estas "deficiencias", supo compensar estos problemas con grandes arranques melódicos y pictorismo en los desarrollos, y la experiencia del op.13 lo obligaron a tener que adaptarse posteriormente a las formas tradicionales aprobadas.
*

Las características de la sinfonía op.13 develan en primer lugar una obra profundamente romántica, de connotaciones semi-programáticas, derivadas de las sinfonías de Mendelssohn. El maravilloso primer movimiento es absolutamente descriptivo y profundamente atmosférico, con claras insinuaciones pre-sibelianas. La orquestación que en todo momento transmite en ambiente gélidamente onírico es motivo hoy en dia para maravillarnos. El segundo movimiento pareciera trasladarnos a una profundidad aun mayor del plano onírico, haciéndolo más nebuloso, y bucólico. El scherzo, aun manteniendo la misma tonalidad sombría, parece despejar las densas neblinas del adagio pero mantiene la intimidad de la experiencia onírica justo antes del comienzo de la resolución. El brillante Finale definitivamente aclara el panorama e indica un despertar y una brillante salida del sol, de una manera festiva y triunfal... ya hemos despertado del largo sueño.

*

Una de las mejores experiencias sonoras en esta sinfonía es precisamente la grabación del maestro Karajan, una vez escuchada es difícil de olvidar. El brillo y matices sonoros que Karajan le imprime a la Filarmónica de Berlin se ajustan perfectamente al contenido programático de la obra. El brillo y abandono románticos en la diversidad melódica que se despliega a lo largo de toda la partitura son motivo de admiración y la resistencia a desbocarse en pasajes de carácter, con el fín de darle un inapropiado "rusismo" a la obra, como se observa en otras grabaciones, es otro de los puntos fuertes y grandes noblezas en esta lectura única de Karajan, quien deja definitivamente un testimonio difícilmente superable.

*

Con este maravilloso ejemplar del amplio legado registrado por Herbert von Karajan, que sirva esta grabación fundamental del repertorio tchaikovskiano como homenaje a los 20 años de la desaparición del admirado maestro. Su arte siempre persistirá y prevalecerá contra cualquier juicio negativo y extramusical con los cuales se le suele atacar y vilipendiar.

*

Piotr Ilich Tchaikovsky

SINFONIA NR.1, Op.13, "SUEÑOS DE INVIERNO"

Berliner Philharmoniker

Dir: Herbert von Karajan.

(DG)

*

M-S.

Maestro Sir Edward Downes (1.924-2.009) IN MEMORIAM.

Sir Edward Downes (1924-2009)
14/07/2009

El mundo de la Música Académica, y particularmente el medio musical británico, no se recuperan del todo de la pérdida el año pasado de dos grandes batutas, Sir Vernon Handley y Richard Hickox, cuando una nueva triste noticia nos enluta. El renombrado maestro Sir Edward Downes, aquejado de múltiples dolencias, en conjunto con su esposa, Lady Joan Downes, aquejada de un cáncer terminal, decidieron poner fín a sus vidas mediante suicidio asistido en la clínica Dignitas de Suiza, dedicada a este tipo de "servicios".

*

Después de 54 años juntos, decidieron finalizar sus vidas antes que seguir sufriendo el deterioro progresivo por múltiples dolencias y en el caso de Joan, un cáncer que ya la tenía sentenciada.
Finaliza la vida de un gran músico y ejemplo de vida en familia, con entrega y amor en sociedad con una mujer que consideró única.
*
El director nacido en Birmingham comenzó su carrera profesional en la Royal Opera House en 1952, inicialmente como asistente Rafael Kubelik. Muy temprano se manifestó como excelente intérprete verdiano, fama que iría en aumento hasta el final de su carrera, dejando interpretaciones de 28 de sus Operas.
*
Su ascenso lo llevó a Sydney en 1970, donde fue director musical de la Opera Australiana, siendo el primero en dirigir una producción en la famosa Opera House. Luego mantuvo una larga asociación con la BBC Philharmonic, siendo su director principal desde 1980 a 1991, continuando luego como director emeritus. En 1.991 se hace director musical asociado de Covent Garden, donde dejó 49 producciones y más de 1.000 ejecuciones.

*

Sir Edward fue excelente intérprete del repertorio romántico tardío, especialmente de los rusos, como Prokofiev, Mussorgsky y Shostakovich. Se destacó en Prokofiev, rescatando obras olvidadas y completando su música incidental para Eugene Onegin. Fue un excelente ejecutor de Respighi, dejando una valiosa discografía para el sello Chandos.
*
La hoja de servicios de Sir Edward para con la Música es amplísima, y se le reconoció con el nombramiento de caballero en 1.991. Gran Bretaña entera pero también el mundo lloran su partida.

*

Ante todo fue un romántico, un verdiano, y como director de Operas, decidió poner un final verdiano a su vida. Que descansen en paz su alma y la de Joan. Las estrellas brillan esta noche.

*

*

*

"Cuando mueren payasos y falsarios, sólo escucharéis el clamor estridente de las turbas... Cuando muere un soberano, el firmamento mismo resplandece con señales..."

Shakespeare-Julio César.

*

M-S.

Todo Tchaikovsky: El Romeo y Julieta original.

Algunos melómanos no conocen aún hoy día que "Romeo y Julieta", el popularísimo e inmortal drama sinfónico de Tchaikovsky, como se le conoce actualmente no es sino una tercera revisión de un primer trabajo hecho en 1.869.

*

Una de las mejores cosas hechas en vida por Mily Balakirev, Gran Gurú del Grupo de los Cinco, fue haber sugerido a Tchaikovsky componer una Obertura basada en el drama de Shakespeare, y su segunda y tercera mejores cosas hechas fueron pedirle que la revisara dos veces. Si Balakirev hubiera muerto en un accidente de tranvía que casi no cuenta, en 1.869, probablemente la Obertura-Fantasía conocida hoy sería esta versión original.

*

Aunque es muy interesante conocer cuales fueron las ideas originales del gran trágico ruso al imprimirle música a los textos shakespaerianos, definitivamente la versión final revisada es la más redonda, ajustada y convincente... perfecta, diría quien escribe. En la primera revisión de 1.870 el compositor cambió la introducción original y corrigió las partes orquestales descriptivas de Fray Lorenzo. Finalmente, en 1.880, Tchaikovsky volvió sobre la partitura y modificó sustancialmente los últimos 80 compases y la coda... Las revisiones fueron afortunadas y el resultado final es la gran Obertura-Fantasía que hoy conocemos.

*

En los años 80`s, el director australiano Geoffrey Simon con la maravillosa Sinfónica de Londres, se embarcaron en el proyecto de grabar algunas versiones originales de obras de Tchaikovsky, entre ellas este Romeo, así como obras o fragmentos orquestales que nunca antes se habían ejecutado. El resultado fue un maravilloso album que ha sido de lo mejor que ha sacado el sello Chandos y que les estaré trayendo por partes.

*

M-S

*

Romeo y Julieta (versión original de 1.869)

London Symphony Orchestra

Dir: Geoffrey Simon.

(Chandos)

El joven Piotr Ilich.

Zbigniew Preisner.

Zbigniew Preisner (n.1.955)

REQUIEM (PARA MI AMIGO), para voces, orquesta de cuerdas, doble bajo, Organo & Perc.

Marek Mos, Arkadiusz Kubica, Elzbieta Towarnicka, Jerzy Glowczewski,Lukasz Syrnicki,

Piotr Janosik, Leszek Mozdzer, Piotr Kusiewicz.

Sinfonia Varsovia

Dir: Jacek Kaspszyk

(ERATO)

*

Nacido en 1.955, el compositor polaco Zbigniew Preisner es más popular y conocido como creador de música para películas y se ha consolidado como el principal compositor de este género en Polonia. Es relevante la música que compuso para la trilogía de películas francesas llamada "Tres Colores: Azul, Blanco y Rojo", basada en cada uno de los colores de la bandera francesa. Dentro de su producción "seria", Preisner tiene ya varias obras en su haber y una de las más importantes y uno de sus éxitos más consolidados es este "Requiem Para mi Amigo", dedicado a la memoria de su amigo Krzysztof Kieslowski, el director de"Tres Colores", y es su primera obra académica en gran escala. El Requiem fue estrenado en Varsovia en 1.998 y sacada a edición sonora en 1998, a través de este disco, el mismo año. La obra posee una originalidad asombrosa y para la misma el compositor utilizó varias de las técnicas empleadas en sus scores para películas, con una alternabilidad de polifonía medieval, cuerdas barrocas y percusión modernista que raya con el New Age, con una participàción muy discreta pero atinada del Organo. La obra se divide en dos partes: Requiem y Vida; y la atmósfera monástica que se logra en la primera parte es motivo para maravillarse. Hacia el final de esta parte el compositor persigue una resolución visual ó pictórica que coloca a la resolución sonora en un plano secundario. En la segunda parte la música se hace más llana y relajada, más atmosférica y menos compleja e introduce embriones jazzisticos a través de un saxofón. La impresión es la de la búsqueda de un fenómeno sonoro liberador, como se aprecia en algunas obras de Schnittke. Para mí ha resultado una agradable sorpresa conocer esta obra hace un par de años, definitivamente no es el prototipo de Requiem al que estamos acostumbrados, pero en este sentido su originalidad la dota de un interés irresistible.

M-S.

Delicia Haydniana

Una ofrenda al gran compositor "Papa Haydn", padre de la sinfonía, a 200 años de su desaparición. Interpretación magistral del inmortal maestro Eugene Ormandy con su Orquesta de Philadelphia.

* * *

Sinfonia Concertante

The Philadelphia Orchestra

Dir: Eugene Ormandy.

(SONY-CBS)

M-S.

Otro Blog que rinde culto a Mahler?

En respuesta a un visitante que me ha pedido Mahler, sin negarme de entrada, creo que ya hay suficientes y excelentes Blogs hermanos que difunden suficiente música del bohemio. Aunque Mahler no necesita a estas alturas defensores de su puesto como uno de los más importantes compositores de la Historia de la Música, no será este un sitio más donde se le glorifique. Teniendo en su haber 10 importantísimas sinfonías, sus alcances creativos fueron sin embargo limitados: su producción de cámara es escueta, nunca logró finalizar una Opera aunque llegó a ser el director de Opera más grande de su tiempo. Salvo un esbozo de un concierto para violín, al parecer nunca se interesó en cultivar ese género. En otros géneros su legado es inexistente. Celibidache lo calificó como uno de los más grandes ignorantes, pero yo creo que esto es sólo envidia del rumano, que nunca supo como abordarlo. Es por tanto Mahler dentro de todo y viéndolo fríamente, un compositor de alcances limitados. Personalmente no lo pondría a la altura de Mozart, de Beethoven, de Brahms ó de Tchaikovsky, sin desmerecer su puesto como gran sinfonista. En el futuro solo vendré a colocar mi grabación de referencia para cada una de sus sinfonías.

M-S.

* * * * *

CUADRO DE HONOR...

**

1) SINFONIA NR.1

-Concertgebouw/Bernard Haitink (Philips-1972)

-The Hallé Orchestra/Sir John Barbirolli (DUTTON)

-SOBR/Rafael Kubelik (AUDITE)

**

2) SINFONIA NR.2 "AUFERSTEHUNG"

-Sylvia McNair, Jard van Nes

Berliner Philharmoniker/Bernard Haitink (Philips-1993)

-Margaret Price, Brigitte Fassbaender

London Symphony Orchestra/Leopold Stokowski (RCA-1974)

**

3) SINFONIA NR.3

-Christa Ludwig

New York Philharmonic/Leonard Bernstein (DG)

-Maureen Forrester

Concertgebouw/Bernard Haitink (PHILIPS)

**

4) SINFONIA NR.4

-Jo Vincent

Concertgebouw/Willem Mengelberg (Philips-1939)

-Judith Raskin

The Cleveland Orchestra/George Szell (SONY)

-Allison Hargan

The Halle Orchestra/Stanislaw Skrowaczewski (IMP)

-Juliane Banse

Wiener Philharmoniker/Pierre Boulez (DG)

**

5) SINFONIA NR.5

-Gewandhausorchester Leipzig/Vaclav Neumann (BERLIN CLASSICS)

-London Philharmonic Orchestra/Klaus Tennstedt (EMI-Live Tokyo 1984)

-Royal Philharmonic Orchestra/Frank Shipway (RPO)

**

6) SINFONIA NR.6

-Wiener Philharmoniker/Leonard Bernstein (DG)

-Czech Philharmonic/Vladimir Ashkenazy (EXTON)

-Kölner Rundfunk Sinfonieorchester/Dimitri Mitropoulos (Great Conductors of XX Cent)

**

7) SINFONIA NR.7

-Chicago Symphony Orchestra/Claudio Abbado (DG)

-New York Philharmonic/Leonard Bernstein (DG)

-SOBR/Rafael Kubelik (DG)

**

8) SINFONIA NR.8

-Berliner Philharmoniker/Claudio Abbado (DG)

-Wiener Philharmoniker/Leonard Bernstein (DG)

-Kölner Rundfunk Sinfonieorchester/Gary Bertini (EMI)

-SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg/Michael Gielen (HAENSSLER)

-Polish Radio National Symphony Orchestra/Antoni Wit (NAXOS)

**

9) SINFONIA NR.9

-Berliner Philharmoniker/Herbert von Karajan (DG-1982)

-London Symphony Orchestra/Sir Georg Solti (DECCA)

-Concertgebouw/Bernard Haitink (PHILIPS)

-Concertgebouw/Leonard Bernstein (DG)

-Netherlands Radio Philharmonic Orchestra/Edo de Waart (RCA)

**

10) SINFONIA NR.10

-Berliner Symphoniker/Kurt Sanderling (Berlin Classics) Versión Cooke

-Junge Deutsche Philharmonie/Rudolf Barshai (Brilliant Classics) Versión Barshai

**

11) DAS LIED VON DER ERDE

-Janet Baker, Waldemar Kmentt

SOBR/ Rafael Kubelik (AUDITE)

-Birgit Finnila, Peter Schreier

Berliner Symphoniker/Kurt Sanderling (BERLIN CLASSICS)

-Christa Ludwig, Fritz Wunderlich

Philharmonia Orchestra/Otto Klemperer (EMI)

**

12) DES KNABEN WUNDERHORN

-Maureen Forrester, Heinz Rehfuss

Wiener Symphoniker/Felix Prohaska (VANGUARD CLASSICS)

-Elizabeth Schwarzkopf, Dietrich Fischer-Dieskau

London Symphony Orchestra/George Szell (EMI)

Todo Tchaikovsky: La Doncella de Nieve.

Piotr Ilich Tchaikovsky fue un compositor integral, incurriendo prácticamente en la creación de obras para todos los géneros principales: música sinfónica, música de cámara, conciertos, operas, música vocal y música incidental para escena. En este último renglón figuran dos obras importantes: la Doncella de Nieve (Snegurotchka) en la etapa temprana de su vida artística; y Hamlet, obra maestra creada hacia su última era creadora. Basada en el texto de Ostrovsky, y tal vez un tanto trivial, la música creada es tremendamente inspiradora y convincente, con grandes momentos orquestales y bellos pasajes vocales y corales. La grabación traída a continuación es la referencia de entre las pocas que existen de esta relativa rareza tchaikovskiana.

*

M-S.

El Sibelius de Horst Stein.

El célebre maestro Horst Stein, desaparecido el año pasado, fue batuta experta en compositores como Bruckner, Strauss y Reger. De igual modo lo fue en la música de Jean Sibelius, y es una lástima que no nos haya dejado grabado un ciclo de sus sinfonías con la

Sinfónica de Bamberg, que de seguro hubiera dado mucho de qué hablar y admirar.

Stein grabó para DECCA un excelente álbum con algunos de los Poemas Sinfónicos sibelianos, como Finlandia y En Saga , y para quienes quedaron entusiasmados con su Sinfonía Alpina, aca les dejo su gran testimonio en terrenos escandinavos. Interpreta Stein, dirigiendo otra de las orquestas de las que fue insigne titular, la Orchestre de la Suisse Romande.

M-S.

* * * * *

Jean Sibelius
FINLANDIA
THE SWAN OF TUONELA
EN SAGA
NIGHT RIDE AND SUNRISE
POHJOLA`S DAUGHTER
Orchestre de la Suisse Romande
Dir: Horst Stein.
(DECCA)

IN MEMORIAM

A la memoria de ese gran bloguero que fue Gabriel (El Cuervo) López, exponente inigualable de la Blogosfera en lengua hispana... Descansa en paz amigo, sin Duda Dios te tiene asignadas ahora otras tareas superiores.

M-S.

Lutoslawski - Concierto para Orquesta.

Para el visitante que quedó interesado en esta obra, una de las más representativas del compositor polaco y una de las más accesibles.

* * * * *

Witold Lutoslawski

Concierto para Orquesta

Orquesta Filarmónica Nacional de Varsovia

Dir: Witold Rowicki.

(Polskie-Nagranja-1962).

M-S.

Un Romeo y Julieta para todos los tiempos.

Cuando nos hablan en música de Romeo y Julieta, a pesar de haber otras obras compuestas sobre el texto de Shakespeare, la primera que nos viene a la mente es sin duda la inmortal Obertura-Fantasía creada por el gran trágico ruso, Piotr Ilich Tchaikovsky.

*

Es una obra de inmensa popularidad, entre músicos y entre el público, y según una revisión difundida hace algún tiempo, es la obra musical más grabada, en conjunto con la 5ta sinfonía de Beethoven y el Bolero de Ravel. Su pasión y drama arrolladores cautivan desde el comienzo, y tal vez semejante flujo de emociones sea sólo superado por su Obertura-Fantasía posterior, Francesca da Rímini, la Op.32.

*

Es una obra servida por innumerables grabaciones, con diferentes enfoques y para diferentes gustos. Después de convivir con esta obra desde edad muy temprana, siempre decía que algún día debía conseguirme con la grabación perfecta. Finalmente ese día para mí llegó, cuando escuché el increible registro dejado por el maestro Leonard Bernstein, con la Filarmónica de New York, en sus últimas grabaciones para DG. Siendo una lectura de tiempos algo lentos (característica del Lenny de los últimos años), la grabación desborda en pasión, drama, detalles, matices, pausas y todo esto en un sonido perfectamente tomado, con metales y percusión capaces de ocasionar un ataque cardíaco. Sin duda para quien escribe no hay nada que supere a esta lectura para la Historia.

*

M-S.

*

Piotr Ilich Tchaikovsky

Romeo y Julieta

New York Philharmonic

Dir: Leonard Bernstein.

(Deutsche Grammophon)

La 4ta de Bruckner.

La Música de Anton Bruckner sigue siendo un anatema para muchos melómanos. Por alguna razón no cala de la misma manera que lo hace Beethoven, Mendelssohn, Mozart ó alguien como Gustav Mahler, cuya música es muy compleja y no desprovista de aspectos polémicos.

Al igual que en el caso de Mahler, la música de su antecesor Bruckner está compilada fundamentalmente en sinfonías. Bruckner abrazó definitivamente una forma personal a partir de la 3ra sinfonía, pero su obra más popular y conocida es sin duda la 4ta, tal vez por su riqueza melódica y por su ambientación pastoral. Sus obras posteriores, dotadas de mayor intelectualidad ó erudición, no penetran en la aceptación del público de la misma manera como lo hace esta magnífica obra.

La 4ta está excelentemente servida en cuanto a grabaciones que merecen ser reunidas en un Panteón. Mi preferida es la legendaria de Eugen Jochum con la Fil. de Berlín en DG. Sin embargo hay otras que se le pueden equiparar. Esta formidable grabación EMI de ese otro gran bruckneriano que fue Herbert von Karajan, es una excelente alternativa. De las tres grabaciones más conocidas de Karajan, esta en EMI es con mucho la mejor.

* * * * *

M-S

* * * * *

Nota de Filomúsica.com

Angel Riego.

Las grabaciones que realizara Herbert von Karajan son una mina para los sellos discográficos, pues se reeditan una y otra vez y se siguen vendiendo dada la fama, tanto la musical como la que hoy llamaríamos "mediática", que alcanzó en vida el célebre director de orquesta. De hecho, la EMI ya había sacado al mercado hace unos 10 años una "Karajan Edition" cuyo principal inconveniente era la presentación, con unas portadas bastante horteras donde se veía a Karajan dirigiendo, y de fondo algún edificio importante de la ciudad donde se realizaban las grabaciones; el fotomontaje daba la impresión de que Karajan estuviese dirigiendo en plena calle, esto es, le degradaba a la condición de "músico callejero". Afortunadamente, la nueva "Karajan Collection" que recientemente ha sacado EMI tiene la presentación mucho más cuidada, con portadas más estéticas, donde sólo se ve una foto del director, y puede atraer más al comprador que valora este aspecto de los discos, que también es importante. Esto en lo que se refiere al envoltorio, pues el contenido sigue siendo exactamente el mismo, es más, ni siquiera el sonido ha sido reprocesado de nuevo, utilizándose, para la grabación que comentaremos, un reprocesado de 1996 para un disco publicado en 2005. Como muestra de esta colección (mucho menos amplia que la de los años 90, por cierto) tomaremos un disco dedicado a Bruckner, un autor del que la propaganda pro-karajaniana suele vender que era una de sus grandes especialidades, apreciación que no compartimos, pues pocas veces se le pudo escuchar a Karajan un Bruckner realmente grande (la excepción bien puede ser la Octava Sinfonía que dirigió en 1979 en la iglesia de San Florián, donde está enterrado Bruckner, que se filmó en video y sólo se editó en VHS y laser-disc). El Bruckner de Karajan tiene indudables virtudes, como la perfección orquestal o la facilidad con que consigue el empaste orquestal típico del compositor (que es algo en lo que tantas veces defraudan las orquestas americanas cuando tocan estas obras, el lograr que ningún grupo instrumental destaque sobre los demás, que todo suene empastado como las voces de un órgano). Sin embargo, falla en otros aspectos, como en hacerlo excesivamente sofisticado y exquisito, de una "elegante distancia", cuando Bruckner es uno de los compositores más francos y directos que han existido. Un ejemplo lo tenemos en su Séptima, grabada en 1970-71, cuando hacia el minuto 15 del primer movimiento el fraseo de la orquesta parece reducirse a un susurro, de un sutil tan sutil que casi ni se oye. Tampoco parece que encajen mucho en la "humildad franciscana" que ha visto la tradición en el compositor de Ansfelden unos manierismos tales como los contrastes dinámicos bruscos entre los Scherzos inicial y final del tercer movimiento y el Trío intermedio, o exhibiciones de decibelios que llegan a lo apocalíptico en el platillazo del Adagio o en la coda del último movimiento. A pesar de los reparos expuestos, de esta versión de la Séptima puede decirse que es, como mínimo, bastante correcta y valdría sobradamente para conocer la obra (además, estando a precio medio), pero por supuesto se pueden encontrar unas cuantas aún mejores; sin salirnos de EMI, y a precio medio o barato, son claramente preferibles Klemperer o Jochum (esta última en un "Double Forte" con la Tercera). Eso sí, dentro de las tres Séptimas que grabó Karajan, esta puede ser la más recomendable, pues la de 1977 para el ciclo completo de DG suena algo más espontánea, pero también menos cuidada, y la digital de 1989 (el último disco que grabó Karajan) merecería, si se concediera, el premio a "El Colmo de la Cursilería". Es en este último aspecto, el conocer una muestra del Bruckner que grabó Karajan, y de sus modos al abordar este compositor, en lo que puede tener más interés este disco (y más aún la Cuarta Sinfonía también editada en esta colección).

Discoteca Tchaikovskiana.

Como sección especial de este Blog estaré colocando periódicamente las grabaciones consideradas como de "referencia" en la discografía tchaikovskiana. Lecturas 5 estrellas "editor´s choice" de sus principales obras.

M-S.

La Fantasía Coral por Serkin y Bernstein

Atendiendo peticiones...

Fantasía Coral, Op.80

Rudolf Serkin, Piano

New York Philharmonic

Dir: Leonard Bernstein.

(CBS-Great Performances)

* * * * *

M-S

Rapsodia Satánica.

El compositor italiano Pietro Mascagni está hasta el día de hoy exclusivamente asociado a la composición de Operas, y la primera que viene a nuestras mentes es su célebre "Cavalleria Rusticana", cuyo inmortal Intermezzo es una de las piezas orquestales más hermosas, pegajosas y evocadoras jamás compuesta. Sin embargo, Mascagni compuso curiosidades orquestales como esta Rapsodia Satánica, que resulta muy interesante de escuchar.

M-S

AF 447 IN MEMORIAM.

A quienes no pudieron alzanzar ya su último destino terrenal...

Witold Lutoslawski
Música Funeral, para orquesta de cuerdas.
Orquesta Sinfónica de la Radio Varsovia
Dir: Witold Rowicki.
(POLSKIE-NAGRANJA-1959)

* * * * *

"EL MAR"

¡Quién dijo acaso que la mar suspira, labio de amor hacia las playas, triste? Dejad que envuelta por la luz campee. ¡Gloria, gloria en la altura, y en la mar, el oro! ¡Ah soberana luz que envuelve, cantala inmarcesible edad del mar gozante! Allá, reverberando sin tiempo, el mar existe, ¡Un corazón de Dios sin muerte, late!
(Vicente Aleixandre)

* * * * *