ARPEGIO.

Todo Tchaikovsky: la Serenata para Cuerdas.

2012-02-11T00:35:00.002-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky

STREICHERSERENADE, Op.48

Staatskapelle Dresden

Dir: Otmar Suitner.

(Brilliant Classics)

Continuando con nuestra serie de entregas cronológicas de las obras del Gran Trágico Ruso, nos corresponde a continuación su magnífica Serenata para Cuerdas, Op.48, que califica dentro de sus más grandes obras maestras.

Hacia mediados de 1880, después de un período de descanso, el compositor manifestaba deseos de emprender una nueva obra. Sus ímpetus creativos se orientaban hacia una nueva sinfonía o un cuarteto de cuerdas. Finalmente sus ideas se fueron orientando hacia lo que llamó una "Suite para Orquesta de Cuerdas". La estructura de los tres primeros movimientos (la obra fué concebida en los clásicos cuatro movimientos) fué emanando de manera bastante espontánea y fluida, mientras que para el Finale, Tchaikovsky incluyó melodías provenientes de dos canciones populares rusas. Para el 14 de octubre del mismo año, la finalmente "Serenata para Cuerdas" estaba concluida, arreglada luego para piano a 4 manos, y de inmediato enviadas las versiones a Petr Jurgenson para ser publicadas. Taneyev asistió a Tchaikovsky en las correcciones previas a la publicación definitiva.

*
La Serenata fué estrenada el 21 de Noviembre de 1880 en un concierto privado en el Conservatorio de Moscú, constituido especialmente para la ocasión por una fuerza de Profesores y estudiantes, para dar una sorpresa y agasajar al compositor, después de una larga ausencia del Conservatorio. La recepción de la obra fué bastante cálida. En junio del año siguiente, Tchaikovsky escribió a Eduard Nápravník, preguntando si la obra podría ser programada para conciertos futuros, obteniendo una respuesta positiva.

*
La primera ejecución pública del Op.48 tuvo lugar en San Petersburgo, el 18 de Octubre de 1881, en el tercer concierto de la Sociedad Musical Rusa, dirigida por el mismo Eduard Nápravník. La primera ejecución moscovita se llevó a lugar el 16 de Enero de 1882, en el 7mo concierto de la Sociedad Musical Rusa, dirigida por Max Erdmannsdörfer.
*

La Serenata es una obra de intensa expresividad de las cuerdas, una obra muy emotiva y de gran sabor y cualidad autóctonos rusos. Desde el sonido de las primeras cuerdas hasta el acorde final se aprecia ese olor, ese sabor y ese ánimo inconfundible en el que se mezclan sentimientos de calma, nostalgia, resignación y tristeza impostados. La nostalgia y poder oníricamente evocador de estas páginas son algo difícil de describir con palabras. No se trata de una partitura alegre, pero aún sin alegría se puede expresar una belleza casi insoportable. Tchaikovsky siempre lo hizo.

La obra cuenta con muchas grabaciones que le hacen justicia, sin embargo son menos las que penetran ese característico ánimo tchaikovskiano que muchos banalizan y edulcoran. La versión de Yuri Bashmet al frente de los Solistas de Moscú es un prototipo de ejecución ideal, muy rusa y muy ardiente. La versión hoy presentada, a cargo de Otmar Suitner, dirigiendo la Staatskapelle Dresden, pudiera considerarse antítesis de la primera, pero convergiendo a la final en resultados similares. Suitner opta por la aproximación más germánica, reposada, lírica, pero que permite a las cuerdas de la orquesta llegar al umbral de lo imposible en detalle, depuración y brillo del sonido. Es una grabación increible que invito a conocer a plenitud. Celebrando con esta joya el arribo a las 300.000 visitas al Blog.

M-S.

La ejecución ideal del concierto para violín de Brahms.

2012-02-06T18:12:00.002-04:30

Johannes Brahms
VIOLIN CONCERTO, Op.77
Viktoria Mullova, Violin
Berliner Philharmoniker
Dir: Claudio Abbado.
(Philips)
*
Si hay una lectura moderna que se acerca a la perfección brahmsiana en el Op.77, es ésta maravilla producto de un concierto en vivo que se llevó a cabo en Tokyo en el año 1992.
*
Abbado es un director de excelentes credenciales brahmsianas, por lo que ha grabado esta obra varias veces (Vengerov, Mintz, Mullova) siendo esta última la grabación de absoluta preferencia. Quedan invitados a apreciarla.
*
M-S.

Las Múltiples caras de la 9na de Beethoven.

2012-01-29T02:03:00.003-04:30

Ludwig van Beethoven

SYMPHONIE NR.IX, Op.125

Irmgard Seefried (soprano); Sieglinde Wagner (alto); Anton Dermota (tenor); Josef Greindl (bass)

Wiener Philharmoniker

Dir: Wilhelm Furtwängler.

(August, 31th, 1951)

(ORFEO)

Si entre sus intérpretes, la inmortal 9na de Beethoven ha tenido un único dueño, ese ha sido el no menos célebre director alemán Wilhelm Furtwängler, quien durante su vida la dirigió decenas de veces. En la actualidad existen unas 10 grabaciones más o menos bien personalizadas de las diferentes visiones que durante su vida éste artista le imprimió a la partitura, paseándonos por las más variadas atmósferas, desde las trágicas y ominosas, pasando por las épicas y llegando finalmente a las visiones más humanísticas y universalistas de la obra. Al primer renglón pertenecen la mayoría de sus grabaciones y lecturas de los años de guerra, siendo titular de la Filarmónica de Berlin, siendo su más reconocida insignia su archifamosa grabación de 1942, dramáticamente premonitoria. Al segundo grupo pertenecen las lecturas que son tenidas como su mejor Beethoven, donde cuentan sus modélicas grabaciones de posguerra hechas en los festivales de Bayreuth y de Lucerna. Finalmente, a la última categoría pertenece la grabación hoy presentada, que data del 31 de Agosto de 1951, posterior a la grabación de Bayreuth. Lo curioso del caso, es que no hay un período cronológico preciso para estos cambios de ánimo, Furtwängler era un personaje muy variable y en este sentido polifacético, si en alguna obra lo demuestra, es en la 9na de Beethoven.

La presente grabación nos muestra a un director en ánimo inusualmente holgado, sosegado, reconciliado consigo mismo, capaz de ofrecernos una visión de la 9na profunda e incluso enternecedoramente humana, universalista y como pocas veces con un mensaje de optimismo y de verdadera esperanza (intenciones explícitas del compositor). Para quien está acostumbrado a las grabaciones dramáticas, intensísimas y esquizoides este cambio de concepción puede resultar chocante, pero precisamente en esto radica la fascinación por un artista único como fué Furtwängler.

Sin más, una 9na controversial y poco difundida en comparación con las más famosas de Furt, pero que bien vale la pena agregar a toda colección.

M-S.

Paavo Berglund (1929-2012)... IN MEMORIAM.

2012-01-26T16:23:00.003-04:30

Descanse en paz, Maestro...

Gustav Leonhardt (1928-2012)... IN MEMORIAM

2012-01-20T01:11:00.002-04:30

Hermann Abendroth dirige la 1ra de Brahms.

2012-01-16T23:17:00.003-04:30

Johannes Brahms.

SYMPHONIE NR.1, Op.68

Rundfunk Sinfonie-orchester Leipzig

Dir: Hermann Abendroth.

Hermann Abendroth (1883-1956) fué una de las auténticas grandes batutas del siglo XX. Su grandeza es aún desconocida por muchos melómanos al no haber contado con el más que ventajoso padrinazgo discográfico con que sí lo hicieron contemporáneos como Furtwängler ó Klemperer.

La mayoría del legado discográfico de Abendroth pertenece al período de posguerra, durante el cual le tocó vivir bajo la penosa transición de una Alemania arruinada hacia una nación dividida y, obligado ó no, finalmente destinado a permanecer en el lado comunista.

Como hemos dicho, un director desafortunadamente para muchos oídos poco conocido, pues aparte de haber sufrido las consecuencias por haber pertenecido al partido nazi, luego fue execrado por haber decidido quedarse en la Alemania comunista y haber sido el primer director alemán en aceptar invitaciones a dirigir en la URSS. Después de la caida del nazismo, el nuevo villano, la nueva encarnación del Mal era el comunismo soviético y esto le valió un veto automático al director por razones políticas, lo que le impidió poder grabar con los grandes sellos disqueros, mientras por el contrario Furtwängler, Knappertsbusch, Böhm Schuricht y Karajan, entre otros, con igual pasado político no del todo impolutos, sí pudieron reivindicarse. Es por esto que Abendroth solo pudo grabar para sellos de segunda, que nunca serían competencia para gigantes como EMI ó Decca. No todo fue malo, pues esta decisión del director permitió el renacimiento de grandes orquestas como la Gewandhaus de Leipzig, ó la RSO Berlin las cuales vivieron una de las eras más brillantes de toda su historia. Luego de la caída del nazismo se crearon orquestas nuevas, entre ellas la famosa Sinfónica de la Radio de Leipzig, que fue estrenada por Hermann Abendroth, su primer titular.

La especialidad de Abendroth era el repertorio romántico alemán: Beethoven, Brahms, Bruckner, Schumann, de los cuales dejó formidables grabaciones, usualmente de conciertos en vivo. De Brahms, con quien el director tuvo siempre una muy particular y extraordinaria afinidad, es de lo que más hay disponible en discografía de Abendroth. Se puede apreciar a través de la misma en sus diferentes eras, circunstancias y orquestas, la uniformidad y la misma visión básica que siempre mantuvo a través de lecturas de intensa pasión, pulcra sonoridad, ataques incisivos y extremidad en los tiempos, que compartiendo similitudes con Furtwängler, sin embargo sus derroteros finales eran harto diferentes. Hacia el final de su carrera artística Abendroth dispuso de un ciclo completo que incluye sus conciertos y las cuatro sinfonías, de entre las cuales destaca una mercurial, erudita y heterodoxa interpretación de la Primera, grabación que nos enorgullece compartirles. Probablemente no sea del gusto o aprobación de todos, pero lo que escuchareis a continuacion es una forma de interpretar a Brahms que ya ha muerto y que probablemente no volverá. Desde la primera explosión volcánica y ominosa que abre el primer movimiento nos damos cuenta de que se nos viene encima algo fuera de serie, y esta tensión se mantiene durante toda la ejecución, con un movimiento final controversial pero para nada rutinario y en todo momento excitante. Como detalle adicional, se trata de grabaciones que cuentan con un magnífico e incluso increíble sonido, tomando en cuenta que son monoaurales de entre los años 1953-56 (ninguna de las Primeras por Furtwängler suena así). Todo un tesoro a tener en sus colecciones y del que se recomienda no escuchar luego por mucho tiempo otras versiones «para no descontaminarse».

M-S.

Carlos Kleiber y la 7ma de Beethoven

2012-01-09T15:48:00.002-04:30

Ludwig van Beethoven

SYMPHONIE NR.7, Op. 92

Bayerisches Staatsorchester

Dir: Carlos Kleiber.

(ORFEO)

La mejor 7ma de cuantas grabó Carlos Kleiber.

"Carlos Kleiber's best Beethoven Seventh remains his Concertgebouw video. His Vienna recording for DG has discipline going for it, and lively tempos, but the same somewhat mechanical approach to the opening two movements afflicts this newcomer, which features thrilling accounts of the scherzo and finale. In the first movement, Kleiber's refusal to inflect the music robs it of character. The transition from the introduction to the main allegro has no charm whatsoever, and the general impression once the music gets going is one of breathlessness. And why can't the orchestra play the opening chords together? They sound squeezed rather than attacked with the necessary precision.
*

The swift allegretto features a marvelously phrased opening tune, and a totally expressionless view of the counter-theme in violas and cellos, with grace notes minimized in a most unstylish manner. As his father did before him, Kleiber keeps the pizzicato strings right up to the end, which is wrong and sounds more so absent any attempt to phrase the movement's conclusion with even the slightest hint of a ritard. But as I said, the scherzo trips along enchantingly, and the finale is volcanic, with brilliant horn playing and a real tornado of a coda.
*

The orchestra plays very well throughout, with oboes particularly outstanding, and the audience is present but well-behaved, offering surprisingly underwhelmed applause at the end. I listened in stereo only; why or how this 1982 production can possibly offer real multi-channel sound I don't want to know, but the two-channel mastering is very present and impactful. Whether you want or need a 35-minute CD containing only Beethoven's Seventh, shorn of repeats in its outer movements, obviously is a personal choice. If you have the Concertgebouw video, then you have Kleiber at his best in this music, and you don't need this new release. But I certainly wouldn't want to be without the scherzo and finale. They are remarkable".
*

--David Hurwitz

Todo Tchaikovsky: Capriccio Italien

2012-01-05T10:10:00.003-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky
CAPRICCIO ITALIEN, Op.45
Berliner Philharmoniker
Dir: Herbert von Karajan.
(DG)
*
Comenzando el año 2012, y haciéndolo de manera festiva, y qué mejor manera que con una obra como el fantástico Capriccio Italien.
*
Tchaikovsky compuso su Op.45 en Roma, a principios de 1880. El compositor quiso componer una "Suite Italiana" a la manera de la Fantasía Española de Glinka, y en base a melodías autóctonas recogidas por su mismo oído durante su periplo italiano. Sin embargo, la obra no sería estrenada hasta el 6 de diciembre de ese año, ya en Moscú, bajo la batuta de Nikolai Rubinstein.
*
La obra es un maravilloso caleidoscopio de melodías, de indiscutible aroma italiano, desplegado en un fastuoso despliegue orquestal, colocándola como un verdadero mostrario de exhibicionismo, en el buen sentido.
*
Por todo esto es una obra que se presta para exhibir todas las dotes de una orquesta. Grabaciones hay muchísimas, aunque su partitura no ha sido tan destrozada como Romeo u Julieta. Desde Arthur Fiedler y Erich Kunzel, hasta los directores más intelectuales, han grabado al menos una vez su propia versión del Capriccio.
*
De entre toda la pléyade de grabaciones existentes, quien escribe considera hasta el momento irrebatible la milagrosa versión de Herbert von Karajan, de 1967, en la que fue sin duda la década de oro de la Filarmónica de Berlin. El masivo pero deslumbrante despliegue sonoro logrado en esa oportunidad aún luce incontestable a los oídos de hoy.
*
M-S.

La Canción de la Tierra

2011-12-31T19:10:00.002-04:30

Gustav Mahler

DAS LIED VON DER ERDE

Janet Baker, Soprano

Waldemar Kmentt, Tenor

SOBR.

Dir: Rafael Kubelik.

(Audite)

Finaliza este especialísimo año Mahler, donde rendimos homenaje al centenario de la desaparición física del genio de Kalischt.

Aunque "Das Lied von der Erde" (DLVDE) no es la obra postrera cronológicamente hablando del compositor, sí lo es desde el punto de vista ideológico y espiritual. Es el adiós definitivo a una época y a un sistema, una obra sinóptica y de auténtica vanguardia, una transición entre los recursos vocales de la 8va y las innovaciones armónicas de la 9na.

DLVDE fue compuesta entre los veranos de 1908 y 1909. Mahler nunca vió la obra interpretada, y fue estrenada en Munich, el 20 de noviembre de 1911 (6 meses despuès de la muerte del autor) bajo la dirección de Bruno Walter.

Sin el tiempo ya para hacer un análisis más extenso, que sin duda merece, de DLVDE, pasemos a las grabaciones. Existen varias cumbres altísimas en la discografía existente de DLVDE, Klemperer y Walter tienen grabaciones de referencia casi indiscutible, sin embargo creo que la grabación "Live" de Rafael Kubelik, para Audite, supera todo lo conocido, no sólo por la formidable interpretación, sino por los dos solistas vocales, La gran Dame Janet Baker, una de las más fenomenales voces mahlerianas y Waldemar Kmentt, no tan mahleriano, pero escalofriantemente asertivo en esta aparición. Una joya con la que me complazco en concluir este año 2011, deseando un Feliz 2012 a todos los fieles y consecuentes visitantes.

M-S.

Las Grandes Batutas Mahlerianas.

2011-12-31T01:16:00.016-04:30

Sir Georg Solti

Bruno Walter

Dimitri Mitropoulos

Hermann Scherchen

Otto Klemperer

Jascha Horenstein

Leonard Bernstein

Rafael Kubelik

Klaus Tennstedt

Lorin Maazel

Claudio Abbado

Bernard Haitink

La 9na de Mahler.

2011-12-28T17:40:00.004-04:30

Gustav Mahler

SYMPHONIE NR.9

London Symphony Orchestra

Dir: Sir Georg Solti.

(DECCA)

Ya casi finaliza el 2011, y con él este homenaje centenario de la muerte de Gustav Mahler.

La 9na Sinfonía fue comenzada en el verano de 1908 en Toblach (Austria). Mahler la concluyó el 1ro de abril de 1910 en New York. Nunca logró verla puesta en ejecución. La premiére se llevó a cabo en Viena, el 26 de junio de 1912, con Bruno Walter dirigiendo la Orquesta del Festival de Viena.

En la 9na el compositor vuelve a la expresividad instrumental pura, estructurada en un tradicional despliegue de 4 movimientos, pero sin ninguna táctica formal aparente en común con sus predecesoras (1a, 4ta y 6ta). Si alguna deuda formal tiene la 9na, es con Das Lied von der Erde, compartiendo el ánimo de obra de despedida, y donde el Adagio final es realmente otro tipo de "Abschied", pero ésta vez sin la intervención de la voz.

Desde cualquier otro punto de vista, la 9na es una obra de vanguardia que definitivamente abre los caminos del expresionismo del siglo XX, con la incorporación de un cuerpo de ideas absolutamente nuevo. Es la obra del período final de Mahler, que se caracterizó por permanentes conflictos personales y profesionales así como el establecimiento pleno de la enfermedad que lo llevaría muy pronto a la muerte.

Probablemente para 1912, año en que finalmente se estrenó la obra, nunca se hubiera creado hasta la fecha una obra de semejante nivel de complejidad. Para muchos directores es la sinfonía más difícil de Mahler, por la demanda que requiere representar con convicción los siempre variantes estados de ánimo de la partitura, desde la ternura más sublime, pasando por las diversas caras de la sátira, para finalizar en el dolor y en la premonición de muerte más torturados. El acorde inolvidable a cargo de las cuerdas que comienza el Adagio finale, es casualmente idéntico al mismo acorde que comienza el final de la 9na de Bruckner, otra sinfonía de despedida.

La discografía de la 9na es extensa, y casi todo director que ha incurrido en Mahler tiene su propia grabación. La primera grabación fue hecha el 16 de enero de 1938, por el mismo Bruno Walter dirigiendo la Filarmónica de Viena, pocas semanas antes del "Anschluss" y el ambiente premonitorio de tensión que se percibe es algo escalofriante. La misma no se volvió a grabar hasta 1950, cuando apareció la controversial grabación de Hermann Scherchen. Tendría que esperar una década más hasta mediados de los 60´s para que empezara a conquistar el terreno que hoy ocupa. Grabaciones hoy día son numerosas, probablemente la que más se acerque al nivel ideal de perfección interpretativa, sea la inolvidable lectura de Herbert von Karajan, en sonido digital con la Filarmónica de Berlín, pero a pesar de ese altísimo pináculo, quien escribe cree que Mahler no puede ser tan aséptico, y menos en la 9na. Volvemos a la contraposición de la ejecución "moralista" y la "amoralista". Sir Georg Solti, a su propio modo, se coloca en el último bando, el de directores como Scherchen, Klemperer, incluso Bernstein y con tempi abruptos y sobreañadido de drama y grotesca perversión, logra una de las grabaciones más intensas de la 9na, sin caer nunca en el melodrama. Una absoluta referencia en la 9na, la obra que decreta el final del romanticismo musical y el arribo de la Música Contemporánea.

M-S.

Bicentenario Liszt: Los dos Conciertos para Piano.

2011-12-25T13:52:00.002-04:30

Franz Liszt

THE TWO PIANO CONCERTOS

Sviatoslav Richter, Piano

London Symphony Orchestra

Dir: Kirill Kondrashin.

(PHILIPS).

Finalizando el homenaje al bicentenario del nacimiento del gran Ferenc Liszt, compartimos en esta oportunidad sus conciertos para piano.

Los dos conciertos de Liszt son obras de aparentemente corta envergadura y sencillez, sin embargo las dotes técnicas y dificultades que demanda al intérprete son formidables. Liszt ha sido uno de los grandes pianistas de todos los tiempos, y su maestría de igual modo la refleja en las obras que compuso para su instrumento.

Aún en la actualidad son obras que no gozan de la popularidad de otros conciertos de mucha más tradición (Beethoven, Rachmaninov, Tchaikovsky, Brahms), y aunque entre nuevos intérpretes parecieran estar reconquistando su terreno, son pocas aún las grabaciones que les hacen verdadera justicia. Para quien escribe, aún sigue siendo la absoluta referencia de los mismos la inmortal grabación de Sviatoslav Richter, acompañado por la siempre magnífica LSO y la dirección de uno de los grandes: Kirill Kondrashin. El resultado no puede ser sino el ideal, y para muestra el disco que les invito a escuchar.

M-S.

Sinfonía de los Mil.

2011-12-21T19:15:00.002-04:30

Gustav Mahler (1860-1911)

SYMPHONIE NR.8 "SINFONIA DE LOS MIL"

Kölner Rundfunkchor

Prager Philharmonischer Chor

Südfunkchor Stuttgart

Tokyo Sängerknaben

Kölner Rundfunk Sinfonie-orchester

Dir: Gary Bertini.

(EMI)

Mahler esbozó la 8va sinfonía entre junio y agosto de 1907, orquestándola en el verano siguiente. El estreno se llevó a cabo en Munich, el 12 de septiembre de 1910. Dicho evento fué un suceso de significativa importancia, pues de todas partes peregrinaron a Munich celebridades y músicos para escucharlo, entre los cuales estuvieron Arnold Schoenberg, Otto Klemperer, Anton Webern, Oskar Fried, Willem Mengelberg, Siegfried Wagner, Alfredo Casella, Erich Wolfgang Korngold, Félix Weingartner, Leopold Stokowski, Stefan Zweig, Max Reinhardt, Thomas Mann, el príncipe heredero de Baviera, el rey de Bélgica y Henry Ford. El título "De los Mil" nunca fué colocado por Mahler, pero sin su aprobación se le empezó a conocer de ese modo para efectos de taquilla. Aunque no requiere necesariamente de mil intérpretes, sí prevé el despliegue de al menos 350-400 miembros entre director, orquesta, solistas vocales y grupos de coros.

Cuando abordamos la 8va sinfonía del homenajeado de este año, nos conseguimos con algo muy diferente a todo lo producido con anterioridad. La diferencia radica en una monumentalidad sinóptica retrospectiva. Al igual que más tarde en Das Lied von der Erde, la 8va resume y desarrolla con grandes recursos las ideas musicales, las formas y los medios que desde hacía ya mucho eran centro de la atención de Mahler al componer. Nuevamente, y después de la gran trilogía sinfónica (5ta, 6ta y 7ma), Mahler siente la necesidad de recurrir a las formas vocales, esta vez en forma masiva y con texturas muy complejas que recogen estilos que vienen desde las Cantatas de Bach hasta las Operas de Wagner.

La obra se divide en sólo dos partes de extensión considerable:

I.- Hymnus: Veni, creator Spiritus

II.- Escena Final del Fausto de Goethe.

El masivo primer movimiento, basado en el himno de la fe cristiana "veni creator spiritus", refleja un verdadero tributo mahleriano a uno de los grandes motetes de Bach, probablemente el "Singer dem Herrn", cuya polifonía siempre le abrumara y al que seguramente intentó emular. Por esto, no vamos a observar el desarrollo de una forma sonata típica, sino en la forma de un gigantesco motete para voces, coro y orquesta, en una especie de rediseño barroco distorsionado por las gafas mahlerianas de 1907.

La segunda parte, a modo de contraste, es una vasta síntesis de de muchas de las formas y medios que Mahler había frecuentado desde que por primera vez hallara su propia voz como compositor. Así, la puesta en música de la última escena del Fausto de Goethe es una amalgama de cantata dramática, oratorio sacro, ciclo de lieder, sinfonía coral a la manera de Liszt y sinfonía instrumental, culminando todo ello en un postrer y apoteósico coral final (Chorus misticus) modelado según la experiencia previa de la 2da sinfonía, aunque definitivamente aventajándole en envergadura y ambición.

El estreno fue un éxito sin precedentes y Mahler recibió una ovación de 30 minutos. Sería su último gran triunfo. Bruno Walter, director de los coros, escribió en sus memorias: "Cuando la última nota se desvaneció y las oleadas de aplauso entusiasta llegaron a él, Mahler subió los escalones de la tarima, en cuya cima estaban los coros de niños. Los pequeños le aclamaban con gritos de júbilo y caminando a lo largo de la línea, Mahler tomó cada una de las pequeñas manos que le tendían. El saludo afectuoso de la joven generación le llenaba de esperanza por el futuro de su obra y le daba un verdadero placer..."

Por razones obvias, es hasta el momento la sinfonía menos interpretada y grabada de toda la producción mahleriana. Montar semejante mamuth sinfónico no es fácil por ser una empresa muy costosa. Luego del estreno de 1910, tuvo que esperar 6 años a que finalmente pudiera ser estrenada en América, en Philadelphia, a cargo de Leopold Stokowski. También este director tiene en su haber la primera grabación mundial de la 8va completa, que vino a realizarse el 9 de abril de 1950, con Stokie dirigiendo la Fil. de New York, en un registro de lujo. A partir de este momento se han añadido un puñado de grabaciones, de calidad variable y adaptables a los diversos gustos. Están las que resaltan la perfección sonora como la de Abbado, las que añaden dramatismo hiperromántico como las de Bernstein, las vertiginosamente extremas como la de Solti y las que exquisitamente mezclan todos estos ingredientes, como la que hoy recomendamos de Gari Bertini, uno de sus más altos pináculos en su muy respetable ciclo con la Orquesta de la Radio de Colonia. El enfoque de Bertini se aproxima al de Stokowski, haciendo énfasis en los detalles, en el lirismo, en la belleza sonora, pero sin descuidar nunca el ingrediente dramático. Es una de las mejores 8vas de toda la discografía y con la que creo representa dignamente esta serie de entregas.

M-S.

Mahler: La Canción de la Noche

2011-12-18T09:51:00.003-04:30

Gustav Mahler (1860-1911)

SYMPHONIE NR.7

London Philharmonic Orchestra

Dir: Klaus Tennstedt.

(BBC Legends)

Casi a finalizar el año centenario de la muerte de Gustav Mahler y retomando la actividad del Blog.

La 7ma Sinfonía es la obra mahleriana que ha llevado más tiempo en lograr aceptación en el terreno de las interpretaciones y grabaciones. Para un análisis completo y extenso de la 7ma y su discografía, les remito al Blog hermano Oido Fino ( http://bit.ly/dVQVz2 ) , con una serie de artículos escritos por este servidor. A pesar de la importante labor del maestro Hermann Scherchen en su difusión hasta llegar a alcanzar el ideal interpretativo, la 7ma sólo empezó a ganar su merecido espacio a final de la década de los 60´s, cuando comenzó a ser llevada de Europa al otro lado del Atlántico, es decir a Norteamérica, y fue empezada a demandar por parte de las casas disqueras comerciales como tesoro insospechado. El año 1965 fue especial para esta obra, pues ocurrieron dos eventos importantes: Hermann Scherchen hizo su famosa grabación canadiense con la Sinfónica de Toronto, de un concierto en vivo fechado el 22-04-1965, y aunque revela el mismo e inconfundible magistral estilo del maestro alemán, refleja por otro lado a una orquesta que no logra ponerse a la par de sus homólogos vieneses en la grabación de 1953, presentada en esta serie como referencia. Aún con todo, esta grabación canadiense (Music & Arts) es motivo de culto entre muchos mahleritas. Por otro lado, a finales de ese año se produjo la importante grabación comercial de Leonard Bernstein para CBS (ahora Sony) con la Filarmónica de New York.

*
La grabación de Bernstein fue la segunda grabación de estudio realizada de la 7ma, sólo precedida por la legendaria grabación de Scherchen en Viena para Westminster. En ella el joven Lenny se pone en las antípodas del alemán, al ofrecer una lectura más intervencionista, audaz y si se quiere imaginativa, dando una sensación de frescura y de ánimo más relajado que en la “negra” contraparte schercheniana. Bernstein demuestra gran cuidado en los detalles y en el colorido, sin olvidar las grandes y variadas atmósferas que demanda la partitura y despliega una lectura apasionada, impetuosa e hiperromántica. La Orquesta Filarmónica de New York, para entonces bajo el reinado de Lenny, toca más con arte que con simple virtuosismo y el resultado es una de las más grandes grabaciones aún existentes de la 7ma. Pasarían veinte años (1985), hasta que de nuevo Leonard Bernstein volviera a grabar la misma obra con la misma orquesta, ahora como director invitado, y además para otra casa disquera, la DG. Esta grabación, en excelente sonido digital, muestra grandes diferencias con respecto a la primera: en primer lugar lo obvio, el sonido formidablemente capturado e infinitamente superior a su antecesora. Luego la longitud en tiempo de la nueva versión: la nueva versión digital es considerablemente más extensa, y mientras su primer registro en CBS ocupa un solo CD, el nuevo se tiene que acomodar en dos. Finalmente, en cuanto al estilo, Bernstein se muestra ahora en la plenitud de su madurez, decantándose por una lectura más reposada, expansiva, más majestuosa, refinada, intelectual, que si no menos impetuosa al menos es menos abrupta. A diferencia de lo que señalan algunos expertos, quien escribe encuentra a su versión digital como un indudable paso adelante, y por lo tanto preferible a su versión de 1965. La ejecución de la Filarmónica de New York en esta oportunidad es simplemente celestial.

*
La década de los 70´s fue por consiguiente menos tímida en cuanto a nuevas grabaciones de la 7ma, y en estos años ya la misma era pieza regular en conciertos de las grandes orquestas del mundo. Grabación notable de estos años es la de Rafael Kubelik, con su orquesta de la Radio de Baviera (SOBR), quien la grabó para el sello Audite de un fulgurante concierto en vivo que data del 05-02-1976. Kubelik sabiamente concilia lo mejor de los enfoques de Scherchen y de Bernstein y también deja una versión modélica. Es digna de mención para esta década otra grabación de un concierto en vivo del año 1979, donde el director ruso Kirill Kondrashin registró una lectura inolvidable de la 7ma con la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam y que desde su salida en CD es un disco muy codiciado por coleccionistas.
*

Los 80`s marcaron ya definitivamente el boom en nuevas grabaciones de la 7ma, y para entonces ya todo director de verdadera estampa mahleriana se procuró su propia grabación oficial. Uno de los más altos pináculos de toda la discografía de la 7ma lo constituye una grabación que marca un antes y un después en la historia interpretativa de esta obra: se trata de un registro, nuevamente tomado de un concierto en vivo, fechado el 29-08-1980 y en el cual al director alemán Klaus Tennstedt le correspondió dirigir la Orquesta Filarmónica de Londres, en su época de titularidad. La grabación ha sido reeditada en CD por el sello BBC Legends. Tennstedt marca mundos aparte de las grabaciones anteriores, dejando una de las lecturas más expansivas de cuantas se conocen (sólo superada por la perversamente elefantina grabación de Klemperer), y en la cual el director, aun con esos tempi tan arriesgados, se permite volcar toda la partitura mahleriana hacia los límites de su expresión, en una lectura absolutamente enrumbada hacia el siglo XX, pero que en ningún momento llega a caer en los marcados, oscuros y autoflagelantes acentos scherchenianos, pintándonos una escena musical en la que aún dentro de una visión modernista y resaltadora de conflictos existe una perspectiva esperanzadora. Tennstedt y sus músicos despliegan una ejecución inolvidable, apasionada pero nunca amanerada, intelectual, sin fisuras ni porosidades, y en donde llevan el rango expresivo a límites inimaginables. Es una grabación especialísima y probablemente mi segunda alternativa después de Scherchen y es la grabación que les presento hoy en el Blog para su pleno disfrute.

M-S.

El Palacio Nacional de las Artes Escénicas de Budapest.

2011-12-08T14:19:00.005-04:30

Probablemente se trate del complejo cultural más grande y moderno del mundo, y en una ciudad insospechada: Budapest. La monumental edificación incluye la gran Sala de Conciertos Béla Bartók, que es catalogada como la sala de mejor acústica del mundo, y es que en su diseño se han empleado los más modernos recursos tecnológicos para llegar a este espléndido logro. Sin duda un orgullo nacional de Hungría y auténtico lugar de peregrinación para los melómanos.

M-S.

Todo Tchaikovsky: Piano Concerto Nr.2

2011-11-10T19:36:00.006-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky
PIANO CONCERTO NR.2, Op.44
Mikhail Pletnev, Piano
Philharmonia Orchesta
Dir: Vladimir Fedoseyev.
(VIRGIN)
*
Continuando el ciclo Todo Tchaikovsky, poco atendido este año por otras prioridades.
*
Tchaikovsky compuso el Op.44 entre octubre y diciembre de 1879 entre Kamenka y París.
La orquestación se completó en abril de 1880, de regreso en Kamenka. La obra fue dedicada a su amigo y colega Nikolai Rubinstein (el mismo del penoso affaire con el concierto Nr.1), quien moriría al año siguiente.
*
La obra fue compuesta en un período de relativa tranqulidad y descanso para el compositor
lo cual se refleja en la atmósfera despreocupada y a intervalos festiva del concierto. Aún con todo esto, la gestación y maduración de la obra llevó un tiempo prolongado. El 23 de noviembre de ese año, Tchaikovsky escribía: "Esta mañana he trabajado muy satisfactoriamente y el finale está casi terminado; después de concluirlo escribiré el andante, el cual ya existe en mi cabeza..."
*
Para el 5 de diciembre, Tchaikovsky dejó Paris y puso marcha a Roma, y allá entre diciembre de 1879 y enero de 1880 estuvo ocupado revisando la 2da Sinfonía y componiendo el siguiente Opus, el Capriccio Italien. Para febrero ya el concierto contaba con una "copia justa". Para entonces escribía a Petr Jurgenson: "Para principios de marzo estaré en San Petersburgo ... allá orquestaré el concierto, el cual está ya listo en versión para dos pianos... Me encuentro muy satisfecho y orgulloso de este concierto..." Para el 2 de mayo la partitura completa fue enviada a Jurgenson.
*
La Premiere del Concierto se llevó a cabo el 18 de mayo de 1882 in Moscú, con Sergei Taneyev como solista , y la orquesta dirigida por Anton Rubinstein , hermano del recién desaparecido Nikolai. Tchaikovsky resultó decepcionado por la tibia acogida de la obra y su consecuente falta de popularidad, ya que la consideraba como uno de sus mejores trabajos.
En 1887, Tchaikovsky hizo alteraciones y cortes al concierto, ya que uno de los problemasencontrados por muchos pianistas era su longitud. En 1888, Petr Jurgenson quiso reimprimir el concierto. Alexander Siloti propuso a Tchaikovsky cambios fundamentales al primer y segundo movimientos, propuesta que Tchaikovsky rechazó, limitándose a a hacer cambios sólo a la parte pianística: En respuesta a Siloti, escribió "En absoluto puedo estar de acuerdo con sus cortes, especialmente los referentes al primer movimiento... mi sensibilidad de autor queda fuertemente irritada por sus alteraciones, por lo que me es imposible aprobarlas..." En respuesta a esta misiva, Siloti escribía el 1 de enero de 1889: "Por supuesto que tocaré el Concerto Nr.2 en la forma que me ha indicado, con el gran solo de violín en el segundo movimiento omitido por completo!..." ¨
*
En 1891, Tchaikovsky retomó la idea de reeditar el concierto. En carta a Jurgenson, del 30 de marzo de 1891, escribía: "El concierto Nr.2 es casi imposible en su forma actual... entiendo que ha querido reimprimirlo, pero no conozco su posición actual al respecto. Contiene ya varias correcciones, pero aún el número de errores constituye para mí una desgracia. He afrontado ya muchos tormentos con los ensayos de este concierto..."
*
Sin embargo, no fué hasta 1893 que Siloti comenzó a preparar su revisión del concierto, con aprobación del autor. Bajo intensa presión del pianista, Tchaikovsky accedió a varios cambios, manteniendo el cuidado en preservar la forma y conceptos originales del mismo: "No estoy del todo feliz con sus proyectados cambios al Andante... Todo lo que ha sugerido is probablemente lo más práctico, pero esta estúpida sensibilidad mía de autor se escandaliza con cambios más radicales..."
*
Aun con la desaprobación de Tchaikovsky, Siloti alteró significativamente el concierto, introduciendo cortes y transposiciones a los que el autor nunca dió consentimiento. Ese mismo año moría el Gran Trágico Ruso, y la versión Siloti no sería publicada por Jurgenson hasta 1897.
Para estupor de los puristas, la versión horrorosamente mutilada de Siloti sería la versión conocida y ejecutada del Op.44 de Tchaikovsky por muchos lustros.
*
Con el devenir de las décadas, pianistas más académicos y directores más comprometidos con algo más que un aplauso fácil, sabiamente se volcaron al rescate de la partitura original, y la experiencia ha resultado en el descubrimiento absoluto de una obra nueva, maravillosamente concebida, de una originalidad asombrosa, que si bien no encuadra en el típico concierto romántico virtuoso, posee más bien una verdadera estructura de sinfonía concertante, por el importante protagonismo de la orquesta, del violín y del cello. Hemos de dar gracias por el rescate de la versión original de la obra y el abandono definitivo de la versión Siloti.
*
Existe un puñado de grabaciones de la versión original del Op.44, con excelentes intérpretes como el gran Igor Zhukov, Peter Donohoe y Mikhail Pletnev, quien lo ejecuta extraordinariamente en la presente grabación, secundado por la batuta de su compatriota Vladimir Fedoseyev, como curiosidad dirigiendo una gran orquesta inglesa como es la mítica Philharmonia. La versión Siloti quedará como curiosidad en los anales de las grandes chapuzas musicales.
*
M-S.

Mahler: Sinfonía Nr.6.

2011-10-30T00:18:00.003-04:30

Gustav Mahler (1860-1911)

SYMPHONIE NR.6

Wiener Philharmoniker

Dir: Leonard Bernstein.

(DG)

Continuando en ARPEGIO con el ciclo homenaje al centenario de la muerte de Gustav Mahler.

La Sexta es considerada por lo común como la sinfonía más "formal" de Mahler, no obstante ser también una de sus creaciones más personales y cargadas de emociones, así como una de las que plantea más problemas y retos a intérpretes y escuchas. Se trata de una obra que confía en una clara organización dramática para apuntalar la estructura en conjunto. La Sexta es también la única obra "trágica" del compositor, puesto que el Héroe constantemente simbolizado en sus sinfonías, cae derrotado y abatido en este particular mundo sonoro. La formalidad viene dada entonces por un planteamiento convencional en cuatro movimientos, así como por la afirmación de una tonalidad concéntrica sin ambiguedades: la obra comienza y termina en la menor, y el scherzo sigue la misma tonalidad. El simbolismo de esta característica es claro y es que el Héroe implicado no tenga escape a la fatídica tonalidad que representa el destino y la muerte. En el finale, uno de los más largos y masivos de toda la literatura sinfónica, la muerte del Héroe queda representada en el último y paroxístico clímax del movimiento.

Aunque muchos compositores eminentes como por ejemplo Webern y Berg han considerado a la 6ta como una de las más grandes obras de Mahler, en vista de su notable equilibrio entre forma y drama, la obra no está desprovista de escollos y problemas que se oponen al ensamblaje de una arquitectura perfecta: la masividad y densidad de los movimientos externos crea un desequilibrio frente a un violento Scherzo que no termina de encuadrar bien ya sea poniéndolo en segundo lugar, antes del Andante, ó en tercer lugar sucediendo al mismo. Pareciera haber la necesidad, nuevamente como en su predecesora, la Quinta, y posteriormente en su sucesora, la "problemática" Séptima, de colocar un movimiento adicional para amortiguar adecuadamente esta inestabilidad intrínseca estructural. De no menor importancia es el reconocimiento de que las radicales desviaciones de los considerados modelos "clásicos" ó "formales" han sido provocadas por consideraciones exclusivamente dramáticas. De este modo, y sin haber el reconocimiento explícito de un programa, la forma cede definitivamente paso al drama. La Sexta no sólo resalta por su formidable capacidad expresiva de la emoción en todos sus rangos, sino en los tremendos avances logrados por el compositor en el desarrollo de un pensamiento contrapuntístico propio.

A causa de su estructura "clásica", la Sexta es la única sinfonía de Mahler en que un movimiento lento desempeña un papel tradicional dentro de un esquema tradicional cuatripartito, como lo impusiera Haydn. En otras, o bien no hay verdadero movimiento lento, como en la 7ma, ó bien el mismo funciona cumpliendo otro rol, como puede ser el de un Finale (3ra y 9na); el de una antesala al Finale (como en la 5ta); el de un movimiento de apertura (la 10ma); ó el de una parodia impostada (la 1ra). Pero volvemos y repetimos, semejante coloso sinfónico, a juicio de quien escribe, no está del todo pisando terrenos estables bajo la forma tradicional haydniana de una sinfonía.

Siendo una obra de semejante calibre, plantea un reto constante a orquestas y directores. Herbert von Karajan decía que fuera de las Operas de Wagner, era una de las pocas obras que lo dejaban inevitablemente exhausto. Hay muchísimas grabaciones, y dentro de las interpretaciones hay dos corrientes diferentes: la línea hiperdramática, representada por directores como Leonard Bernstein ó Klaus Tennstedt, con tempi rápidos y mucho énfasis en los clímax; y la línea estoica, que antepone al drama la claridad de las líneas sonoras, del contrapunto y del argumento. Aca sobresalen las versiones de Barbirolli ó Mitropoulos. Entre las lecturas "modernas" de la 6ta pareciera imponerse una línea intermedia que concilia las dos primeras, lo cual tal vez sea lo correcto, y aca sobresalen grabaciones como las de Sanderling, Farberman, Abbado, ó la del mismo Karajan.

Leonard Bernstein fue un especialista en la 6ta. Director controversial, aunque considerado como uno de los verdaderamente grandes mahlerianos, Lenny tiene dos registros de la 6ta, el primero con la Filarmónica de New York (hiperdramático) y su última grabación hecha para DG con la Filarmónica de Viena, para DG, en todos los aspectos harto preferible. Aunque la concecpción del director es la misma, la grabación en DG es menos extremista, más erudita y reflexiva, así como goza de los hechos de que la Filarmónica de Viena toca como pocas veces lo ha hecho en Mahler, el sonido es extraordinario y el Finale es, sin duda, el mejor que se ha grabado alguna vez. Esta grabación es una de las cinco grandes 6tas que existen en disco.

M-S.

La Arlesiana

2011-10-22T22:43:00.002-04:30

Georges Bizet

L`ARLESIENNE (Incidental Music)

Orchestre du Capitole de Toulouse

Dir: Michel Plasson.

(EMI).

El célebre creador de Carmen tiene algunas otras obras obras en su haber. Si bien son bastante familiares y populares sus dos Suites de L`Arlesienne (La Arlesiana ò La chica de Arlés), lo es mucho menos la música incidental completa que Bizet creó para el libreto de Alphonse Daudet en 1872. La obra original sigue una estructura y ánimo similares al "Sueño de una Noche de Verano" mendelssohniano, y de igual modo està escrita para voces, coro y orquesta.

La pobre recepciòn que tuvo la música incidental al momento de su estreno la condenó al olvido absoluto, lo que animó al compositor a hacer algún tipo de rescate mediante la creación de las dos suites respectivas. Sin embargo el score original ha sobrevivido milagrosamente a este olvido y en la era del disco algunos directores se han animado a desarrollar la obra completa. Se puede decir que Michel Plasson ha sido el auténtico dueño de esta versión, tal como lo demuestra en su excelente ejecución al frente de su Orquesta del Capitolio de Toulouse.

M-S.

La Batalla de los Hunos.

2011-10-13T17:35:00.003-04:30

Franz Liszt
HUNNENSCHLACHT (LA BATALLA DE LOS HUNOS), S.105
London Philharmonic Orchestra
Dir: Bernard Haitink.
(DECCA)
*

Continuando con el año bicentenario del nacimiento de Franz Liszt.

La batalla de los hunos (Hunnenschlacht en alemán) es uno de los trece Poemas sinfónicos de Franz Liszt, compuesto en 1857 y como buen Poema Sinfónico de quien iniciara el género, está basado en el cuadro homónimo del pintor alemán Wilhelm von Kaulbach (1850).
*

La pintura de Kaulbach, de estilo barroco, describe el escenario de la Batalla de los Campos Cataláunicos en el año 451, en la que las hordas del huno Atila lucharon contra una coalición del ejército romano dirigido por Aecio y el ejército visigodo comandado por Teodorico. Según la leyenda, la batalla fue tan feroz que las almas de los guerreros muertos continúan aún combatiendo en el cielo.
*

La estructura del Poema Sinfónico, sin pretender ser explícitamente descriptiva, expone diversas atmósferas del evento histórico, el discurso musical es de ánimo épico, y en el mismo vale resaltar la genialidad de Liszt en la forma de orquestar logrando el efecto con la indicación explícita de que "todos los instrumentos deben sonar como fantasmas". La finalización del mismo de forma triunfal con el uso del Organo es típica del compositor y hacen de esta obra un momento musical único.

*
Bernard Haitink, venerado maestro holandés, nos deja una grabación modélica de uno de los mejores Poemas Sinfónicos del segundo homenajeado de este año.

La batalla de los hunos "Hunnenschlacht" de Kaulbach

Requiem. In Memoriam Steve Jobs (1955-2011)

2011-10-09T13:16:00.004-04:30

Wolfgang Amadeus Mozart
REQUIEM, Op.626
Choir and Orchestra of Academy of Saint-Martin-in-the-Fields
Dir: Sir Neville Marriner.
(DECCA).
*

No es usual homenajear por aca a un personaje extrínseco al ámbito artístico de la Música, pero el actual personaje en cuestión lo amerita. Su paso por la Historia deja huella indeleble en todos los ámbitos del desarrollo de nuestra actual civilización, y aunque no fue compositor como Mozart, comparte con el mismo el raro privilegio de haber sido uno de los pocos que ha hecho que en lo sucesivo la Música no vuelva a ser la misma, en el primero por su arte equiparable al de Bach, y en el caso de Jobs, por las nuevas formas que gracias a su genio tiene la música para alcanzar el oído del escucha. Vaya para él un merecido homenaje.

Rest in peace, Steve Jobs.

M-S

Sanderling el Mahleriano.

2011-10-02T01:49:00.002-04:30

Gustav Mahler

SYMPHONIE NR.10 (Edición Deryck Cooke - II)

Berliner Sinfonie-Orchester

Dir: Kurt Sanderling.

(Berlin Classics)

Esta entrega constituye un doble homenaje, tanto a Mahler en el centenario de su muerte, como al recién desaparecido maestro Sanderling. El presente disco (la 10ma sinfonía) estaba planificado para concluir el ciclo Mahler a finales de año. Kurt Sanderling no era exactamente lo que se dice un director mahleriano, sin embargo grabó algunas de sus sinfonías, con resultados superlativos. Esta 10ma es la cúspide de su relativamente limitada incursión en este repertorio, y a juicio de quien escribe, la mejor de las grabaciones que se han hecho de las versiones de Deryck Cooke, incluyendo las famosas de Rattle.

Esta 10ma de Sanderling es una lectura magistral, soberbiamente apuntalada, sin caer en manierismos ni extremismos de directores clásicamente catalogados de mahlerianos. Sanderling da nuevamente una lección de música al servicio del arte y no de las candilejas. Con solo escuchar estas grabaciones con que le homenajeamos, podemos apreciar el gran talante de verdadero artista que tenía este gigante de la batuta, con el cual fenece una generación que más nunca volverá.

M-S.

Kurt Sanderling y Shostakovich

2011-09-29T00:17:00.002-04:30

Dmitri Shostakovich
SYMPHONIE NR.5, Op.47
Berliner Sinfonie-orchester
Dir: Kurt Sanderling.
(Berlin Classics)
*

El recién desaparecido maestro Sanderling fue una de las grandes batutas shostakovianas. Con Sanderling se nos va el último director en trabajar personalmente con el compositor. Habiendo grabado no todas pero sí varias de sus sinfonías, Sanderling resalta hasta el día de hoy como el verdadero propietario de la sinfonía Nr.15, aunque de igual modo dejó grabaciones
referenciales de las sinfonías Nrs. 1, 5, 6, 8 y 10.

En vida, el recordado maestro confesó a través de entrevistas su particular predilección por la 6ta sinfonía. De igual modo manifestaba especial identificación con la 15, lo cual se refleja en los increíbles estándares de sus lecturas. En menor grado ocurría lo mismo hacia la 5ta, la obra más famosa y popular del compositor, pero a diferencia de directores como Mravinsky, Kondrashin ó Bernstein, que tendieron a darle cierto aire triunfalista ó prosopopéyico a la obra, se va por el lado lacónico, torturado, estoico e introspectivo que de seguro es el que va más acorde con el las verdaderas ideas del compositor al construir esta monumental página sinfónica. En este sentido, Sanderling se aproxima más al abordaje de directores como Rostropovich ó de Maxim Shostakovich, el mismo hijo del compositor.

La lectura de Sanderling es erudita y expansiva, y lo que pueda perder en impulso hormonal lo gana en fraseo, articulación y caracterización dramática de las líneas solistas. Hoy en día éste es el enfoque que se tiende a rescatar al interpretar esta importante obra. Como homenaje al recordado maestro, su registro de la Op.47.

M-S.

Homenaje a Kurt Sanderling (1912-2011)

2011-09-24T10:00:00.003-04:30

Sergei Rachmaninov

SYMPHONIE NR.2, Op.27

Leningrader Philharmonie

Dir: Kurt Sanderling.

(DG)

Comenzamos la serie de homenajes al maestro Sanderling con una de sus grabaciones más emblemáticas, su legendaria versión de la 2da de Rachmaninov, con la Filarmónica de Leningrado.

Grabación algo idiosincrática, pero que no deja de pertenecer por eso a las verdaderamente grandes, por las impresionantes cualidades interpretativas del entonces asistente del icónico Mravinsky.

Ya en entregas posteriores conoceremos muestras del Sanderling ya crecido y en la cúspide de sus capacidades como mago de la batuta.

M-S.

Kurt Sanderling (1912 - 2011)... IN MEMORIAM.

2011-09-18T14:28:00.003-04:30

Le decimos un triste adiós a una de las últimas grandes batutas del siglo XX, el gran maestro Kurt Sanderling, fallecido el día de ayer en Berlín... Paz a su alma. Volveremos con un merecido homenaje a su arte.
*
M-S

Shostakovich y el Cello.

2011-09-16T19:35:00.003-04:30

Dmitri Shostakovich (1906-1975)

CELLO CONCERTO Nr.1, Op.

Mstislav Rostropovich, Cello

The Philadelphia Orchestra

Dir: Eugene Ormandy.

(CBS-Sony)

El Concierto para Cello Nr.1 de Shostakovich puede ser considerado como el concierto prototipo del siglo XX para este instrumento. Se le considera uno de los conciertos para cello más difíciles de todo el repertorio por el inmenso reto técnico y hasta físico que plantea al intérprete.

El Concierto pertenece ya al período tardío de la evolución creadora del maestro soviético. Fué compuesto específicamente para el amigo de Shostakovich, Mstislav Rostropovich, para entonces considerado el único cellista equiparable a Pau Casals. El concierto fue estrenado el 4 de octubre de 1959, con Rostropovich al cello, acompañado por la batuta de Mravinsky al frente de su Orquesta Filarmónica de Leningrado. Al mes siguiente, en noviembre, se llevaría a cabo la primera grabación, con el mismo Rostropovich y la Orquesta de Philadelphia bajo la batuta de Eugene Ormandy, grabación hoy presentada. Esta primera representación americana constituyó un éxito apabullante, y pudo contar con la presencia del compositor durante las sesiones de grabación, siendo llamado a saludar y ovacionado estruendosamente el día del concierto en público.

La obra es profundamente intelectual e introspectiva, como suelen ser las obras de este período tardío del compositor. De nuevo reconocemos el profundo simbolismo, los inagotables recursos técnicos y el lenguaje en claves cifradas, que eran talento nato de Shostakovich.

La presente grabación, aún siendo la primera de esta obra, sigue siendo el rasero por el cual deben medirse todas las demás. Rostropovich lo tocaría y grabaría en otras ocasiones posteriores, con otras orquestas y directores, pero jamás se ha vuelto a capturar la especialísima atmósfera de aquel día de noviembre de 1959, que a Dios gracias persiste registrado.

M-S.

IN MEMORIAM...

2011-09-11T12:59:00.002-04:30

Wojciech Kilar

LAMENTO, PARA CORO A CAPPELLA

SINFONIA "SEPTIEMBRE" (SEPTEMBER SYMPHONY)

Warsaw Philharmonic Symphony Orchestra

Dir: Antoni Wit.

(Accord)

En memoria a los caídos aquella fatídica fecha del 11 de septiembre del 2001, hace ya una década, hecho que marca el verdadero inicio del siglo XXI, y que selló una huella definitiva en la mayoría de nuestras almas.

En un estilo que recuerda a Gorecki, su compatriota y contemporáneo Wojciech Kilar compuso esta hermosa página sinfónica que comienza como un profundo lamento que hace transición a una melodía de resignación, pero que finalmente conduce a un canto de esperanza.

Se trata de la premiere grabada de esta obra, en un hermoso disco registrado por el campeón de la música polaca, Antoni Wit. A 10 años del 11-S, sigue la esperanza de evolucionar a una mejor humanidad.

M-S.

Mahler y la 5ta Sinfonía

2011-09-09T21:21:00.002-04:30

Gustav Mahler (1860-1911)
SYMPHONIE NR.5
Gewandhausorchester Leipzig
Dir: Vaclav Neumann.
(Berlin Classics).
*
Continuando con la conmemoración del centenario de la muerte de Mahler.
*

La 5ta Sinfonía, al igual que sucede con las 5tas de otros compositores de renombre, marca un hito en la trayectoria artística del compositor, quien para ese momento se encuentra en la cúspide de sus poderes creativos, logrando la que es con justicia la obra más erudita de su catálogo.

En el ámbito de la filosofía intrínseca de las sinfonías mahlerianas, donde un héroe nace, muere, vence, es derrotado, resucita y se transfigura, a nivel de la 5ta se evidencia la última vez en que veremos al mismo triunfar. En la 6ta será aplastado por los martillazos del destino, en la 7ma será eclipsado por la noche y en la 9na morirá para siempre. La 5ta es por tanto el clímax de la trayectoria de este héroe y que no es más que la transposición a la música del mismo espíritu del compositor.

Por décadas se ha tomado como grabación de referencia a la "famosa" versión de Barbirolli. Sin embargo, a juicio de quien escribe, es una grabación que no ha resultado indeleble a la prueba del tiempo, siendo lenta y progresivamente anquilosada y eclipsada por grabaciones más modernas, que a expensas de un sonido más homogeneo, brillante y de mejor calidad, así como de lecturas con más garra, han logrado superar a esta aún importante referencia histórica.

Aún dentro de grabaciones más o menos contemporáneas con la de Barbirolli, existen otras mucho mejor preferibles. Ejemplo es la grabación hoy presentada, producto de un concierto conmemorativo muy especial. En 1966, la legendaria orquesta de la Gewandhaus de Leipzig celebraba el jubileo por sus 250 años de creada, y entre la serie de conciertos conmemorativos se incluyó esta legendaria 5ta de Mahler, bajo la batuta de un director de auténticas credenciales mahlerianas, aunque sin la publicidad de un Barbirolli, un Walter, un Kubelik ó un Klemperer: el checo Vaclav Neumann. El concierto para entonces registrado nos deja una versión de la 5ta, que a diferencia de la de Sir John, ha resistido la prueba del tiempo, y aún es un rasero por el cual deberían de ser medidas todas las versiones posteriores.

Posteriormente Neumann volvería sobre la 5ta, pero esta vez con la Filarmónica checa, pero con resultados muy inferiores, por lo que su milagro alcanzado en Leipzig es el que debe de ser atesorado.

M-S.

Aquel año de 1905.

2011-09-02T18:36:00.003-04:30

Dmitri Shostakovich (1906-1975)
SYMPHONY NR.11, Op.103 "The Year 1905"
St. Petersburg Philharmonic Orchestra
Dir: Vladimir Ashkenazy.
(DECCA)
*

La undécima sinfonía del más representativo de los compositores soviéticos es en apariencia una obra "oficialista" ó "propagandista" de los "valores" del socialismo soviético post-estalinista, al haber sido compuesta en homenaje a una fecha notable de las efemérides patrias, pero al examinarla en profundidad de nuevo nos encontramos con los asombrosos enigmas que sólo un genio como Shostakovich podía plantear en su música. Una obra conmemorativa en apariencia se torna en una hermosa y conmovedora página evocadora del cuasi-eterno ciclo de sufrimiento-reivindicación que ha vivido el gran pueblo de todas las Rusias a través de su accidentada Historia.

La obra fue compuesta en 1957, cuatro años después de la extinción de la férula estalinista y del advenimiento de la apertura khruscheviana. El argumento de la música está basado en los históricos hechos del año 1905, cuando ocurrió lo que se conoce como la "primera revolución rusa", y que no fue más que el preludio a la gran revolución de 12 años más tarde. Aquel día, el fatídico "domingo sangriento", 22 de enero de 1905, las tropas zaristas abrieron fuego contra una multitud inerme congregada ante el Palacio de Invierno en San Petersburgo y que hacía pacíficamente peticiones reformistas y masacraron a miles. El compositor debería haberla concluido lógicamente para el año 1955, en conmemoración del cincuentenario, pero diversos disturbios familiares se lo impidieron, y no fué hasta el año siguiente, 1956, en que el mismo decidiría salir de su inercia. Qué lo sacó de ese marasmo?

El 30 de noviembre de 1956, los tanques soviéticos invaden Hungría, y se aplasta sangrientamente la revolución nacionalista húngara. Se instala entonces el gobierno comunista pro-soviético de Janos Kádar y miles de personas son ejecutadas, encarceladas ó enviadas a los Gulag. Los eventos en Hungría despertaron la intermitente inspiración creativa de Shostakovich, y de este modo nació la 11ma sinfonía. La obra evoca pues en apariencia a las víctimas de la cruel autocracia zarista, pero en sentido más amplio (e inconfesable) hace memoria a todas las víctimas de todas las tiranías y todos los despotismos del antes y del ahora, incluyendo el soviético.

La obra fue estrenada el 30 de octubre de 1957, en Leningrado, con la Orquesta de la Union Soviética, bajo la dirección de Natan Rakhlin. El éxito fue inmediato y colosal, el compositor no era aclamado a estos niveles desde la creación de la 7ma sinfonía, la "Leningrado", y le valió al año siguiente el Premio Lenin a las artes, así como su rehabilitación de la mocion de censura que se le había impuesto 10 años antes a consecuencia de la "doctrina Zhdanov"... Shostakovich volvía a ser héroe de la Unión Soviética.

La sinfonía está estructurada a modo de obra programática, de tonalidades épicas, haciéndola aparentar una especie de "música de película, pero sin película". La misma es definitivamente tonal, en estilo romántico, pero curiosamente distribuida en los clásicos cuatro movimientos. La orquestación figura dentro de la más característica de lo mejor del compositor y el trato de los temas y el simbolismo sugieren mucho a Mussorgsky, quien siempre fue uno de los íconos de Shostakovich. Cada uno de los cuatro movimientos conllevan un título alegórico, lo cual soporta el análisis de la obra como programática:

1) La Plaza del Palacio de Invierno (Adagio): en una música ominosamente atmosférica, el compositor representa el ambiente en la ciudad y seguramente en toda la nación en los días previos a la masacre. La música es distante, fría, subrepticia, amenazante, con melodías de vientos y sonidos de percusión que apenas se insinúan aquí y alla, sin disparar un verdadero desarrollo. Algunos recursos mahlerianos no dejan de apreciarse en esta introducción.

2) El 9 de Enero (22 de enero, calendario occidental): tras una tranquila transición, el 1er movimiento abre paso sin pausa a este inolvidable Allegro, que pasa a narrar los hechos propios del día en cuestión. El mismo se divide en dos partes, una primera que evoca a los manifestantes congregándose en un lado de la Plaza del Palacio, y a la guardia imperial en el otro lado aguardando órdenes. La música va adquiriendo fuerza y turbulencia y tras un pasaje intermedio calmado se abre paso un estridente y violento tambor militar que inicia la segunda parte, o sea la masacre. Se desencadena una implacable marcha militar que representa a la tropa arremetiendo y matando sin piedad a los manifestantes, con golpes de timbal y tam-tam que sugieren disparos, en un descriptivismo musical aterrador. Finaliza la masacre y en ese momento, al igual que en la inolvidable marcha de la Sinfonía Leningrado, la música se quiebra, creando en el escucha un golpe psicológico definitivo. La calma del 1er movimiento vuelve a cargo de unas cuerdas lejanas y nos hacen ver fácilmente a la gran Plaza del Palacio desolada, plena de cadáveres y nieve.

3) Memorial eterno: a continuación y de nuevo sin pausa, adviene el tercer movimiento, un adagio en forma de marcha fúnebre, melancólica y torturada, y que constituye un lamento a la violencia. Luego de la ferocidad implacable del movimiento anterior, actúa a modo de analgésico, y como transición al movimiento final.

4) Tocsin (La Campana): la obra finaliza con este formidable Allegro non troppo, que inicia a modo de marcha-scherzo cuasi-bruckneriano y que recopila diversos materiales que ya hemos conocido en los movimientos precedentes. El estilo y el simbolismo mussorgskianos adquieren relieve a medida que la orquesta va aumentando su intervención en el desarrollo y la aparición de una gran campana de alarma (Tocsin) establece un conflicto sonoro entre dos bandos (la Campana tañe en sol menor mientras la orquesta lo hace en sol mayor) que pretende comunicar una moraleja y el modo abrupto en que ambas finalizan de tocar al mismo tiempo sugieren que ninguno de los bandos obtendrá ganancia hasta que llegue la hora definitiva (1917).

Es de entender la alta popularidad de que ha gozado la obra desde su estreno. Uno de los asistentes a ese evento del año 1957 fue un joven estudiante del piano llamado Vladimir Ashkenazy, quien se sorprendía entonces de que alguien con el genio de Shostakovich se pudiera prestar a componer "Música de propaganda". Años más tarde, Ashkenazy, pianista consumado y gran director, admite públicamente el error en que estaba y reconoce el verdadero valor de la 11ma, no sólo en declaraciones, sino agarrando él mismo la batuta y dirigiéndola, dejándonos la que quien escribe considera la mejor grabación de la obra. La lectura de Ashkenazy y el sonido de la Orquesta de San Petersburgo (antes Filarmónica de Leningrado) son desgarradores y el golpe en el alma es definitivo. Les invito a conocer esta inolvidable lectura de una de las grandes páginas sinfónicas del siglo XX.

*
M-S.

El Mephisto de Liszt.

2011-07-31T15:43:00.002-04:30

Franz Liszt

MEPHISTO-WALZER

Berliner Philharmoniker

Dir: Herbert von Karajan.

(DG)

Continuando con el bicentenario de Liszt, en esta ocasión uno de sus más inspirados Poemas Sinfónicos, basado en la inmortal trama de Goethe. La lectura de Karajan al frente de sus "berliners" resulta la ideal.

M-S.

Erich Wolfgang Korngold

2011-07-24T23:11:00.003-04:30

Erich Wolfgang Korngold

SINFONIETTA, Op.5 (Für grosses orchester)

Runfunk Sinfonieorchester Berlin

Dir: Gerd Albrecht.

(Varese)

Erich Wolfgang Korngold es hoy recordado principalmente por los fastuosos e inmortales soundtracks musicales que compuso para numerosas películas de la era de oro de Hollywood. Austríaco de orígen judío, fue un niño prodigio con una trayectoria comparable a la de Mozart y posteriormente fue uno de los tantos artistas que tuvo que emigrar a los Estados Unidos tras el ascenso en Europa del nazismo. Compuso, sin embargo, casi tanta cantidad de música académica como la que destinó al cine, y hoy día afortunadamente han sido en buena proporción rescatadas y dadas a conocer. Muy famoso su concierto para violín, que es con justicia uno de los mejores conciertos del siglo XX para ese instrumento.

La Sinfonietta Op.5, es el primer trabajo en gran escala del compositor, y data de 1912. La misma se estrenó en Viena el 30 de noviembre de 1913, a cargo de nada menos que la Filarmónica de Viena, bajo la batuta de Felix Weingartner, a quien la obra está dedicada. Es una obra hermosa, muy romántica y con gran ingenio en la orquestación, aunque en su esencia pueda parecer anticuada en comparación con otras obras revolucionarias que para la época conmocionaban los auditorios.

Afortunadamente los excesos de la musica contemporanea han permitido que sean resucitadas grandes obras como es esta Sinfonietta de Korngold.

M-S

Desde Eslovaquia...

2011-07-09T19:34:00.002-04:30

Vìteszlav Novak

-SLOVACKO SUITE

-MELANCHOLIC SONGS OF LOVE

-SERENADE IN F FOR SMALL ORCHESTRA.

Jana Tetourovà

The Prague Philharmonia

Dir: Jiri Belohlavek.

(SUPRAPHON)

Cuando se habla de música de orígen checo (Bohemia, Moravia y Eslovaquia) se tiende a pensar sólo en Dvorak ó Smetana, y si se quiere ser más profundo, se incluye a Martinu. Afortunadamente se ha venido explotando el repertorio dejado por otros compositores hasta hace poco ignorados y por tanto desconocidos. Uno de ellos es Víteszlav Novak, espléndido compositor que tiene en su haber un amplio repertorio orquestal, con obras magníficas como las que hoy presentamos. Para introducir a Novak este disco es una excelente selección.

M-S.

Todo Tchaikovsky: la 1ra Suite Orquestal.

2011-07-02T20:57:00.002-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky

SUITE NR.1, Op.43

USSR Symphony Orchestra

Dir: Evgeny Svetlanov.

(Melodiya).

La Suite Orquestal Nr.1 de Tchaikovsky fue compuesta entre los años 1878 y 1879. Su estreno se llevó a cabo en Moscú, el 20 de diciembre de 1879, en un concierto de la Sociedad Musical Rusa, bajo la batuta de Nikolai Rubinstein. Tchaikovsky dedicó la obra a su benefactora y mecenas anónima, la Sra. Nadezhda von Meck.

Posterior al esfuerzo humano titánico que significó la 4ta Sinfonía, Tchaikovsky quiso tomar un descanso de las creaciones de grueso calibre y para el momento fue atraido hacia las formas simples que ofrecían las antíguas suites barrocas. El modelo más directo y obvio, Bach. De este modo, el compositor se embarcó en el experimento de crear nueva música bajo el molde de las formas antíguas, y así surgieron sus 4 suites orquestales, de las cuales la 1ra es la más larga y la más aproximada a un divertissement de ballet, a la usanza antígua. En un principio constaba de 5 movimientos, a los cuales luego el compositor agregó la conocida y popularísima "marche miniature", que pese a la brevedad de su duración es paradójicamente el movimiento más querido y apreciado de la obra.

Evgeny Svetlanov, director insigne en todo el repertorio sinfónico ruso, aunque a veces algo errático y hasta rústico cuando afrontaba a Tchaikovsky, en las suites orquestales se mostró todo un maestro, y su lectura de la Suite Nr.1 es la ideal para comparar al resto de grabaciones rivales.

M-S.

Dos años...

2011-06-27T23:25:00.002-04:30

Sergei Rachmaninov
PIANO CONCERTO NR.3, Op.30
Arcadi Volodos, Piano
Berliner Philharmoniker
Dir: James Levine.
(RCA)
*

A dos años de la partida a la Gloria de nuestro entrañable amigo Gabriel, El Cuervo López. Su amplia dedicación a la difusión musical y cultural que durante años generosamente nos brindó a tantos seguidores anónimos a través de su inigualable Blog, así como la interacción que nos permitía e incluso para muchos privilegiados como quien escribe, el poder colaborar eventualmente en la edición, nos hará tenerlo perennemente en nuestras memorias y corazones y siempre será el referente para el modesto y desinteresado trabajo que aca se hace, así como en otros Blogs hermanos.

La pasión del Cuervo por Mahler será algo siempre proverbial, pero además nuestro Cuervo era apasionado de la música rusa del siglo XIX (odiaba a Shostakovich y Prokofiev, nadie es perfecto, jejeje), y uno de sus preferidos era (y cómo culparlo) el gran Sergei Rachmaninov. Quien escribe recuerda que poco tiempo antes de enfermar, el Cuervo me remitió la grabación que hoy presento para evaluarla, planificada para publicación. Estaba muy emocionado con este descubrimiento. A mí también me pareció y aun me parece estupenda grabación y así se lo hice saber, tras lo cual finalmente lo publicó.

El Cuervo consideraba a James Levine (actualmente enfermo y a quien Dios tenga a bien recuperar) un excelente director, y realmente estaba en lo cierto. Su acompañamiento a Arcadi Volodos, nada menos que al frente de la Filarmónica de Berlín, es el que todo solista podría soñar. Para muestra basta escuchar.

Te recordamos un montón, Cuervito, pues bastante nos dejaste.

M-S.

Los Preludios.

2011-06-24T18:32:00.003-04:30

Franz Liszt (1811-1886)

LES PRÉLUDES

RIAS Berlin

Dir: Ferenc Fricsay.

(DG).

Aparte del centenario Mahler, el 2011 es el año bicentenario del natalicio del gran Ferenc (Franz) Liszt.

Soberbio pianista y revolucionario compositor, Liszt introdujo como su invención la figura del Poema Sinfónico. El Poema Sinfónico es una composición orquestal, en la concepción romántica usualmente creado para gran orquesta, de duración más extensa que una Obertura, y cuyo argumento suele hacer alegoría o descripción musical basada en un texto literario ó idea filosófica. Los Poemas Sinfónicos de Liszt fueron todos alegóricos a textos de obras literarias contemporáneas. Su Poema Sinfónico mejor elaborado, más convincente, más popular y conocido es con justicia Los Preludios, la obra traida en esta oportunidad.

Liszt concluyó la composición de Les Préludes en 1851 y la obra fue estrenada el 23 de febrero de 1854, con el propio compositor dirigiendo la Orquesta de la Corte de Weimar. El título del mismo debe su nombre a una obra homónima de 375 líneas publicada en 1832 por el poeta francés Alphonse de Lamartine, amigo del compositor. El "poema" literario describe cuatro secciones que tratan respectivamente del amor, del destino, de la guerra y de la naturaleza. Por lo tanto el Poema Sinfónico deja reconocer, aun dentro de su continuidad, cuatro secciones principales, cada una con un estado de ánimo distinto y separadas por ingeniosas transiciones, y que en conjunto delimitan la llegada de un nuevo tipo de género musical que sería insignia del romanticismo: la Música Programática.

La "nota de programa" escrita por Liszt a su creación reza lo siguiente:

"¿ Qué es nuestra vida sino una serie de preludios a una canción desconocida, de la cual la primera nota solemne es la que hace sonar la muerte? El amanecer encantado de toda existencia está anunciado por el amor, y sin embargo, ¿en el destino de quién no están interpretados los primeros latidos de la felicidad por tormentas cuyas violentas ráfagas disipan las más caras ilusiones del Ser, consumiendo su altar con un fuego fatal? ¿Y dónde debe hallarse el alma cruelmente golpeada, que habiéndose convertido en juguete de una de esas tempestades, no busca olvido en la dulce quietud de la vida rural? Sin embargo, el hombre pocas veces se entrega a la calma beneficiosa que al principio lo encadenó al regazo de la naturaleza. Tan pronto como la trompeta hace sonar la alarma, corre él al puesto del peligro, aunque sea la guerra la que lo convoque a sus filas, pues hallará nuevamente en la lucha completa autorrealización y plena posesión de sus fuerzas".

Los Preludios es con justicia una de las obras más hermosas y populares de todo el repertorio sinfónico. Ampliamente honrada en cuanto a grabaciones, la mayoría la engalanan, aunque son pocas las que realmente han llegado a la cima que Liszt mismo hubiera soñado. Casi cualquier director famoso que ha incurrido en repertorio romántico lo ha grabado o al menos abordado. Y de todo lo existente, para quien escribe, hasta ahora nada supera a la mítica versión grabada por Ferenc Fricsay (compatriota de Liszt) en 1959, dirigiendo a su orquesta RIAS de la Radio berlinesa. El fraseo efusivo, el poder desplegado en las secciones dramáticas, el magistral cuidado en el balance y en el detalle, el vertiginoso énfasis que llevan metales y percusión, hacen de esta grabación algo cercano al milagro y a la experiencia cuasi-religiosa... A disfrutarla!

M-S.

Mahler: SINFONIA NR.4

2011-06-19T15:48:00.004-04:30

Gustav Mahler

SYMPHONIE NR.4

Judith Raskin, Soprano

The Cleveland Orchestra

Dir: George Szell

(CBS-Sony)

Por problemas operativos el Blog estuvo inactivo unas semanas. Hubiera querido hacer su merecido homenaje a Gustav Mahler el día centenario de su muerte (18 de mayo), pero ya no se pudo. Esta iba a ser la grabación a publicar, uno de los más altos pináculos en toda la discografía mahleriana de antes y ahora.

Para un análisis exhaustivo de la 4ta de Mahler y selección de su discografía (amplísima), remito nuevamente al lector a la excelente serie publicada en el Blog hermano Oido Fino (http://oidofino.blogspot.com/2010/11/mahler-discografia-esencial-sinfonia-n.html), escrita por el dedicado mahleriano y amigo Fernando Toledo, que aunque en otras sinfonías no coincidimos, creo que aca en la 4ta no tenemos discrepancias... : )

Para hacer un resumen de 4tas de primera referencia, propondría mi lista personal, cronológicamente:

1) Willem Mengelberg/Jo Vincent/Concertgebouw (Philips-1939): inigualable, aún con sus imperfecciones, muy probablemente lo más cercano a como la hubiera dirigido el propio compositor.

2) Bruno Walter/Hilde Güden/Wiener Philharmoniker (DG-1954): de lo mejor que ha hecho Bruno Walter en Mahler, ejecución equilibrada, impoluta, y excelentemente cantada por la Sra. Güden.

3) George Szell/Judith Raskin/The Cleveland Orchestra (CBS-1967): la perfección llevada al sonido. Las cualidades técnicas y amplio conocimiento del director húngaro en la cúspide de sus poderes, aunado a una de las mejores voces para el "Das himmlische leben"... Parafraseando a Norman Lebrecht, "una obra de este mundo tocada como desde otro mundo".

4) Stanislaw Skrowaczewski/Allison Hargan/The Hallé Orchestra (IMP): grabación de los 70´s, especialísima y comodín debajo de la manga para quien escribe, la misma ya publicada anteriormente en este Blog.

5) Michael Tilson Thomas/Laura Claycomb/San Francisco Symphony Orchestra: de entre las grabaciones más recientes, probablemente ninguna mejora a MTT, sin duda lo mejor de su ciclo en San Francisco.

Pronto vendremos con una 5ta extraordinaria.

M-S.

Feliz cumpleaños, Don Igor!

2011-06-17T22:02:00.002-04:30

Igor Stravinsky (1882-1970)

PIANO CONCERTO

Olli Mustonen, Piano

DSO Berlin

Dir: Vladimir Ashkenazy.

(DECCA).

Hace 129 años nació Igor Stravinsky, genio musical del siglo XX y auténtico revolucionario de este arte. Con su idiosincrático Concierto para Piano deseamos hacerle un pequeño homenaje para conmemorar esta fecha.

M-S.

Taneyev, el Bach ruso.

2011-06-10T00:41:00.004-04:30

Sergei Taneyev

ORCHESTRAL WORKS

Novosibirsk Academy Symphony Orchestra

Dir: Thomas Sanderling.

(NAXOS).

Reiniciando la actividad del Blog, les presento un maravilloso disco con obras poco conocidas pero muy representativas del estilo creador de Taneyev, a quien el mismo Tchaikovsky llegó a llamar el "Bach ruso", por su increible genio en el contrapunto.

De las obras presentadas en el disco, sólo la Obertura para la Opera "La Oresteia" tiene su puesto en el repertorio y su bien ganada fama, el resto son obras poco conocidas. Recomiendo especialmente la magnífica Obertura sobre un Tema Ruso, excelente muestra del genio derivativo y contrapuntístico del compositor y sin duda una pieza que a pesar de su esencia academicista merece ser más conocida e interpretada.

M-S.

Centenario Gustav Mahler: la 3ra Sinfonía

2011-04-04T01:23:00.004-04:30

Gustav Mahler (1860-1911) SYMPHONIE NR.3 Christa Ludwig, Soprano New York Choral Artists, Brooklyn Boys Chorus New York Philharmonic Dir: Leonard Bernstein. (DG) *

Sin duda, la mejor 3ra que se ha grabado jamás...

La 3ra de Mahler se puede considerar afortunada, pues se encuentra excelentemente servida en cuanto a discografía que le hace honor. A través de magistrales grabaciones hechas por Mitropoulos, Adler, Horenstein, Kubelik, Bernstein, Barbirolli y Haitink, entre otros, su inmortalidad está asegurada.

Sin embargo, dentro de esta pléyade de registros antológicos, para quien escribe sólo una sobresale como una isla desierta en medio de ese océano. Se trata de la celestial lectura de Leonard Bernstein, del año 1987, con su orquesta madre, la Filarmónica de New York, en su ciclo mixto para DG y con el genial canto de Christa Ludwig. En esta grabación la partitura mahleriana es hecha cantar como ninguna, y el rango expresivo y emotivo llevado a límites inimaginables, dentro de la expansividad mejor pensada que he encontrado en lectura mahleriana alguna. Sin duda Lenny sigue siendo el dueño y monarca en la sinfonía más larga del repertorio.

M-S.

Desde el Nuevo Mundo...

2011-03-29T22:03:00.002-04:30

Antonín Dvoràk

SYMPHONY NR.9, Op.95 "Aus der neuen welt"

Chicago Symphony Orchestra.

Dir: Sir Georg Solti.

(DECCA)

Aunque la 9na de Dvorak es la sinfonía más popular y conocida de este compositor, probablemente no es su mejor composición musicalmente hablando y ni siquiera la más hermosa y cautivadora, pudiendo colocar por delante a la 5ta y a la 8va.

Sin embargo, la 9na conserva la mayor popularidad, lo cual probablemente se deba en especial a dos momentos inolvidables de la obra: el tema principal del 2do movimiento, que inicia el corno inglés, y la tumultuosa fanfarria que abre el Finale y lo desarrolla.

Dada su gran popularidad, es de entender que sea una obra con decenas de grabaciones, desde la gran isla desierta implantada por Vaclav Talich, hasta los grandes despliegues sonoros con que se han lucido los más variados directores y orquestas en la era digital. De entre éstos últimos probablemente ninguno supere al milagro registrado en disco por el maestro Solti con la orquesta que regentó por una década, la sinfónica de Chicago... Ejecución perfecta, sin porosidades, sin amaneramientos (cosa en la que Solti no obtiene siempre las mejores calificaciones); además de la calidad de sonido a las que Decca nos ha tenido acostumbrados.

Preparados a cantar esta 9na de Dvorak como la mejor en disco.

M-S.

Yakov Kreizberg (1959-2011) IN MEMORIAM.

2011-03-16T18:22:00.002-04:30

Descanse en paz, Maestro!

Homenaje al Japón

2011-03-13T14:04:00.002-04:30

Takashi Yoshimatsu
PRELUDIO A LA CELEBRACION DE LOS PAJAROS.
BBC Philharmonic Orchestra
Dir: Sachio Fujioka
(CHANDOS)
*

Una hermosa, serena y reflexiva obra en honor de las víctimas del terremoto y tsunami que han devastado parte de la admirable tierra del Japón...

La calma volverá...

Todo Tchaikovsky: Gala en Leningrado.

2011-03-06T13:26:00.003-04:30

ARPEGIO celebra el día de hoy el arribo a las 200.000 visitas. Gracias a todos.

La ocasión se presta para publicar y presentar a evaluación un disco que se me había pedido hace algún tiempo. Ya algunas obras separadas habían sido publicadas, pero un visitante solicitó el disco completo. Espero no haber llegado muy tarde.

Este fabuloso disco recoge la toma de un concierto de gala llevado a cabo en Leningrado (ahora San Petersburgo) el año 1990, con motivo del 150 aniversario del nacimiento del Gran Trágico Ruso, Piotr Ilich Tchaikovsky, y que incluyó varias de sus obras más populares, como las Variaciones Rococó, el Valse-Scherzo, y la infaltable Obertura 1812. El mismo incluyó artistas de alta factura como Yo-Yo-Ma e Itzhak Perlman, y la Filarmónica de Leningrado, todos bajo la batuta del maestro ruso Yuri Temirkanov. Fue un momento mágico.
*

Sin más, y saldando una vieja deuda, que lo disfruten...

M-S.

Centenario Gustav Mahler: La Resurrección.

2011-02-28T20:56:00.002-04:30

Gustav Mahler

SINFONIA NR.2 "RESURRECCION"

Sylvia McNair, Soprano

Jard van Nes, Contralto

Ernst Seff Chor

Berliner Philharmoniker

Dir: Bernard Haitink

(Philips)

Para el análisis y contexto completo de esta obra recomiendo la entrega respectiva en el Blog hermano Oido Fino, formidablemente escrito por nuestro amigo Ernesto Nosthas.

La 2da sinfonía de Mahler fue compuesta en su mayor parte en el año 1894. Los primeros tres movimientos fueron interpretados el 4 de marzo de 1895, bajo la batuta de Richard Strauss. La premiere de la obra completa fue el 13 de diciembre de ese mismo año, bajo la batuta de Mahler.

La obra no era ni es en sí revolucionaria, pues no era la primera sinfonía coral que se componía, pero sí marca un hito al alcanzar semejantes proporciones en cuanto a duración y despliegue orquestal. Entre la 9na de Beethoven, de más de 70 años antes, y la 2da de Mahler, sólo existe una sinfonía coral digna de mención, que es la "Lobgesang", es decir, la 2da de Mendelssohn.

Al ser una obra tan distinguida y una de las más populares y conocidas del compositor, es de entender que cuente con una numerosa y respetable discografía. A continuación algunas grabaciones que han marcado época:

1.- Hermann Scherchen/Orquesta de la Opera de Viena (1958): grabación de culto entre los mahleritas, de ritmos y tiempos incisivos y abruptos, rubatos y cambios emotivos extremos, considerada como la lectura "mas peligrosa" jamás realizada, y como la manera más aproximada a como el mismo Mahler la debe haber interpretado. Una joya, de difícil adquisición.

2.- Otto Klemperer/Philharmonia (1961) y SOBR (1963): probablemente el director más asociado a esta obra, Otto Klemperer siempre le dió a través de sus numerosas grabaciones una sonoridad especial a la misma, con un estilo monolítico y sensación de unidad sin fisuras, en un sentido diametralmente opuesto al estilo iconoclasta de Scherchen. De sus grabaciones las más famosas son estas dos, con mi particular preferencia por la grabación de 1963 en Munich.

3.- Sir John Barbirolli/Orquesta de la Radio de Stuttgart (1970): otra gran lectura que concilia lo mejor de los enfoques de Scherchen, Klemperer y Bruno Walter para lograr un mundo sonoro ideal.

4.- Leopold Stokowski/London Symphony Orchestra (1974): la unica grabación comercial mahleriana de Stokie, hecha a sus 92 años, paradójicamente marca una revolución no solo en calidad interpretativa sino en formidables avances en el sonido, haciendo palidecer a sus antecesoras. Lectura de gran poder e impacto que merece sin duda su puesto en el Panteon de las inmortales.

5.- Zubin Mehta/Filarmónica de Viena (1975): una lectura dramática pero a la vez hermosamente poética, con una Fil. de Viena en estado de gracia y solistas modélicas.

6.- Rafael Kubelik/SOBR (1982): se trata nuevamente de su grabación en vivo, registrada para el sello audite, muy preferible a su versión DG. Es una lectura objetiva y que concilia definitivamente las diferencias entre Klemperer y Walter, bastante en la vía de Barbirolli.

7.- Leonard Bernstein/New York Philharmonic (DG, 1987): imposible dejar de mencionar a Lenny, con una grabación muy a su estilo, con realce especial en el dramatismo, pero con un sonido también excelente.

8.- Bernard Haitink/Berliner Philharmoniker (Philips, 1994): lectura modélica, impoluta, dramática, impactante, con solistas de entre las de más hermosa voz y coros celestiales... para quien escribe sigue siendo la ideal y es la que hoy se presenta.

9.- Seiji Ozawa/Saito Kinen Orchestra (Sony, 2000): impactante lectura tomada de un concierto en vivo, muy recomendable.

Como muestra de audición, Haitink en Berlin, a quien la orquesta designó en su momento como director destinado a grabar con ellos el primer ciclo completo de las sinfonías de Mahler, proyecto que muy penosamente nunca se completó, llegando sólo hasta la 7ma. Qué pena por Philips.

M-S.

Todo Tchaikovsky: cerrando la 4ta.

2011-02-20T02:44:00.002-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky

SINFONIA NR.4, Op.36

London Symphony Orchestra

Dir: Antal Dorati

(MERCURY)

Finaliza con esta espectacular grabación la serie de entregas dedicada a la espléndida 4ta del Gran Trágico Ruso. La Sinfónica de Londres tiene fama legendaria en tocar soberbiamente la música rusa, muy especialmente la del compositor que nos ocupa. El sonido y ejecución bajo la batuta de Dorati son motivos de celebración, dejando una 4ta limítrofe con la perfección, y que sin duda merece estar colocada en el Panteón de las inmortales junto con las que se han presentado en entregas anteriores: Maazel, Rozhdestvensky, Böhm...

A disfrutar de una grabación de cinco estrellas.

M-S.

Pompa y Circunstancia.

2011-02-12T19:57:00.003-04:30

Edward Elgar
POMP AND CIRCUMSTANCE MARCHES 1-5
London Philharmonic Orchestra
Dir: Vernon Handley
(EMI)
*

Sir Edward Elgar ha sido uno de los compositores británicos más importantes. De amplio catálogo de producciones, su música incidental, de ballet y en general la menos formal resulta en opinión de quien escribe más interesante que sus obras más intelectuales, que suelen ser muy densas, extensas y sonar demasiado prosopopéyicas.

Un ejemplo de su música más "digerible" son las exquisitas 5 marchas "Pompa y Circunstancia", que aunque pomposas, son festivas, alegres y de fácil audición.
*

Sir Vernon Handley, estupendo director británico recientemente desaparecido, fue siempre un campeón en la música de Elgar, y su lectura de estas marchas no desentona de esta afirmación. Particularmente su ejecución de la Nr.1, la más famosa, es de leyenda.

M-S.

En el Bicentenario de Franz Liszt

2011-02-05T23:50:00.002-04:30

Ferenc Liszt (1811-1886)

TASSO, LAMENTO E TRIONFO

Philharmonia Orchestra

Dir: Constantin Silvestri.

(EMI)

Franz (Ferenc) Liszt no sólo fue uno de los pianistas más soberbios de todos los tiempos, sino un gran e innovador compositor, cuyo protagonismo ha dejado huella en la historia de la música por ser el padre de un género prototípico del romanticismo como fue el Poema Sinfónico.

Compositor de al menos doce grandes obras de este género, uno de sus Poemas Sinfónicos más representativos es Tasso, compuesto en 1849 en conmemoración al centenario de Goethe.

Se trata de una obra poderosa, imaginativa y menos divagante que otros Poemas posteriores.

El director rumano Constantin Silvestri fue un gran lisztiano, y una de sus grandes especialidades fue este Poema Sinfónico, teniendo en su haber al menos dos grandes grabaciones del mismo, no habiendo acuerdo total en cual sea la verdadera referencia, pero sin duda el dueño de esta obra es este director.

Con Tasso comienza la entrega periódica de las principales obras orquestales de Liszt en este año 2011, su bicentenario natalicio.

M-S.

Centenario Gustav Mahler: la 1ra Sinfonía

2011-01-31T21:12:00.005-04:30

Gustav Mahler (1860-1911)

SYMPHONIE NR.1 "DER TITAN"

Symphonie-Orchester des Bayerischen Rundfunks

Dir: Rafael Kubelik.

(AUDITE)

Para profundizar sobre el contexto histórico, análisis y discografía selecta de cada una de las Sinfonías y Obras de Gustav Mahler, recomiendo visitar las excelentes entregas mensuales que se vienen publicando en el Blog hermano Oido Fino. http://oidofino.blogspot.com/

La discografía existente de esta Primera Sinfonía es muy extensa, probablemente es la obra mahleriana más grabada hasta los momentos, contando dentro de la misma con la más amplia variedad de enfoques imaginables. Existen sin embargo grabaciones que han marcado hitos históricos:

- Dimitri Mitropoulos/Minneapolis Symphony Orchestra (CBS-04-11-1940), la más importante de la era pre-stereo, probablemente la más aproximada a la forma como el mismo compositor la dirigía.

- Sir John Barbirolli/The Hallé Orchestra (Dutton), pionera en grabaciones stereo, aún una absoluta referencia.

- Jascha Horenstein/LSO (UK), aún es motivo de culto, sobre todo entre los fans del director.

- Rafael Kubelik/SOBR (DG y AUDITE), durante mucho tiempo la famosa grabación de DG (Deutsche Grammophon) fue considerada la referencia absoluta, hasta que apareció su versión posterior del año 1979, tomada de un concierto en vivo, y editada por el sello AUDITE, que es la grabación hoy presentada. La grabación AUDITE goza de un mejor sonido y de un sentido único de la ocasión que le brinda la toma de un concierto en vivo, aspecto del cual se beneficia grandemente esta sinfonía. Sin duda hasta el momento Kubelik en AUDITE luce como la referencia absoluta en esta obra.

M-S.

Discoteca Mahleriana

2011-01-22T23:22:00.022-04:30

En homenaje al centenario de la muerte de Gustav Mahler, se trae a consideración mi lista de grabaciones ideales para quien quiera empezar una colección de las principales obras del gran compositor...

GUSTAV MAHLER - DAS KLAGENDE LIED

RSO Berlin - Riccardo Chailly

MAHLER - DES KNABEN WUNDERHORN

Forrester - Rehfuss - Wiener Symphoniker - Felix Prohaska

MAHLER - SYMPHONIE NR.1 "DER TITAN"

The Hallé Orchestra - Sir John Barbirolli

MAHLER - SYMPHONIE NR.1

SOBR - Rafael Kubelik

MAHLER - SYMPHONIE NR.2 "AUFERSTEHUNG" (RESURRECCION)
SOBR - Otto Klemperer

MAHLER - SYMPHONIE NR.2
Berliner Philharmoniker - Bernard Haitink

MAHLER - SYMPHONIE NR.3
New York Philharmonic/Leonard Bernstein

MAHLER - SYMPHONIE NR.4
Judith Raskin - The Cleveland Orchestra - George Szell

MAHLER - SYMPHONIE NR.5
Gewandhausorchester Leipzig - Vaclav Neumann

MAHLER - SYMPHONIE NR.6

New York Philharmonic - Dimitri Mitropoulos (Live, 10-04-1955)

MAHLER - SYMPHONIE NR.6

Wiener Philharmoniker - Leonard Bernstein

MAHLER - SINFONIA NR.7

Wiener Staatsopernorchester - Hermann Scherchen

MAHLER - SINFONIA NR.7

London Philharmonic Orchestra - Klaus Tennstedt (Live, 1993)

MAHLER - SINFONIA NR.8 "DE LOS MIL"

Berliner Philharmoniker - Claudio Abbado

MAHLER - SINFONIA NR.9

Berliner Philharmoniker - Herbert von Karajan

MAHLER - DAS LIED VON DER ERDE

Janet Baker - Waldemar Kmentt - SOBR - Rafael Kubelik

MAHLER - SINFONIA NR.10 - VERSION ARREGLADA POR DERYCK COOKE

Berliner Sinfonie-Orchester - Kurt Sanderling

MAHLER - SINFONIA NR.10 - VERSION ARREGLADA POR RUDOLF BARSHAI

Junge Deutsche Philharmonie - Rudolf Barshai

Recibiendo jubilosamente el 2011

2011-01-08T15:23:00.003-04:30

FAVORITE OVERTURES

-Hèrold - Zampa

-Thomas - Mignon

-Thomas - Raymond

-Suppé - Poet and Peasant

-Rossini - William Tell

New York Philharmonic

Dir: Leonard Bernstein

(CBS-Sony)

El año nuevo suele recibirse tradicionalmente en muchas partes del orbe con eventos musicales, y usualmente con música que refleja ánimo, entusiasmo, júbilo y alegría de vivir.

Muchas Operas que han pasado al olvido se recuerdan en la actualidad sólo por sus grandes oberturas, piezas de pirotecnia orquestal maravillosamente construidas. El presente disco incluye cinco de las mejores de ellas, en antológicas lecturas del recordado maestro Leonard Bernstein, quien la grabó durante sus años como cabeza de la Filarmónica de New York. Todas las piezas de este disco están formidablemente ejecutadas, y en cuanto al Poeta y el Campesino de Suppé y el Guillaume Tell de Rossini, cuentan aca con la quinta esencia de sus interpretaciónes.

Para todos un excelente año 2011.

M-S.

Finaliza el año Schumann: La 4ta Sinfonía.

2010-12-31T00:19:00.005-04:30

Robert Schumann
Symphonie Nr.4, Op.120
Berliner Philharmoniker
Dir: Wilhelm Furtwängler
(DG)
*

Despedimos el 2010 con una grabación de lujo, por su trascendencia histórica.

Finaliza la conmemoración del bicentenario del natalicio de Robert Schumann, lo cual no significa que no se seguirán colocando obras del mismo, pero hemos querido darle un relieve especial durante el transcurso de este año 2010, con las principales obras de su creación.

Schumann completó por primera vez su Op.120, que pasaría a ser la 4ta sinfonía, en 1841.

El compositor no quedó satisfecho con el resultado, revisándola extensamente en 1851 para finalmente ser publicada. Como se explicó en la entrega anterior, realmente el último trabajo sinfónico de Schumann viene a ser la Op.97, la "Renana". La viuda de Schumann, Clara Wieck, también compositora, siempre oficializó la versión de que el primer trabajo de 1841 no eran más que esbozos a medio orquestar, lo cual no era cierto. Johannes Brahms, gran amigo de los Schumann, siempre fue partidario de esta temprana versión, por lo cual la publicó en 1891, a pesar de la oposición de Clara.

Existen testimonios de que Schumann quedó complacido con su revisión de 1851, pues la obra quedaba en muchos aspectos más satisfactoria: la orquestación de la versión revisada es superior y está mejor juzgada; las interconexiones entre cada movimiento están colocadas muy convincentemente a fín de lograr el efecto de una única pieza integral, sin pausas verdaderas entre sus movimientos; En carta de Schumann a Johannes Verhulst, fechada el 3 de mayo de 1853, el compositor se refiere a la sinfonía como "mejor y más efectiva"...

Atendiendo a las indicaciones del propio compositor, a través de los tiempos por supuesto que la versión interpretada y grabada es con mucho la oficial publicada con el Op.120. Existe como curiosidad un par de grabaciones de la versión original de 1841, entre las que recomendaría a la versión de John Elliot Gardiner, quien tuvo el buen tino de grabar en su ciclo las dos versiones, dando la oportunidad al escucha de felizmente comparar. Regresando a grabaciones de la versión oficial, existen muchas que le hacen un alto honor por su excelencia, a través de grandes batutas como Sawallisch, Haitink, Vonk, Konwitschny, Bernstein y otros tantos... Sin embargo, esta es una obra que en particular cuenta con una grabación considerada como "isla desierta" por recoger el "momentum" que hace LA DIFERENCIA. Se trata de la legendaria versión de Wilhelm Furtwängler, editada luego por el sello DG, grabación de post-guerra que marca un antes y un después en la historia de las grabaciones schumannianas. Con una grabación de este calibre considero justo y feliz el cierre del 2010 para ARPEGIO y como conclusión misma a la serie de entregas que se hicieron para conmemorar a este gran compositor.

Sin más, mis mejores deseos por un feliz 2011 a todos los visitantes y seguidores de este modesto espacio.

M-S.

Bicentenario de Schumann: La Renana

2010-12-27T22:54:00.003-04:30

Robert Schumann

SYMPHONIE NR.3, Op.97 "Rheinische" (Renana)

Koninklijk Concertgebouworkest, Amsterdam

Dir: Bernard Haitink.

(Philips)

Finalizando el año bicentenario del nacimiento del gran Robert Schumann, cerraremos el año con sus dos últimas sinfonías, la 3ra y la 4ta.

A pesar de llevar el Nr.3, la Sinfonía Renana es la última sinfonía compuesta por Robert Schumann. La misma fue creada entre el 2 de noviembre y el 9 de diciembre de 1850. El estreno se llevó a cabo en Düsseldorf, el 6 de febrero de 1851, con el mismo compositor dirigiendo la obra. La 3ra constituye una respuesta definitiva a quienes han dudado y aún dudan de las habilidades del compositor como orquestador. Su seguridad de orquestación en esta oportunidad revela contundencia y demuestra la posibilidad de unir el lirismo romántico con la forma sinfónica plena, en contraposición a la reglas impuestas por Beethoven, y que señalarían en lo sucesivo las rutas a seguir en las grandes sinfonías de compositores del romanticismo tardío.

Aunque Schumann era enemigo de la música explícitamente programática, en la Renana se aprecian elementos programáticos no confesados y que se manifiestan sólo en forma de insinuaciones. El nombre de la obra está basado en un paseo de verano que el compositor hizo con su esposa Clara por la región alemana de Renania, siendo para entonces director de Música en Düsseldorf, y de cuya experiencia fue esbozando la música, basado en sus visiones de la campiña, del escuchar de su música folklórica, y de la liturgia germánica. La Renana, en conjunto con el maravilloso concierto para cello, forma parte del último período de explosión creativa del compositor, antes de sufrir el último y definitivo menoscabo de sus facultades mentales que finalmente lo llevarían a la muerte.

Sin entrar en detalles profundos en el análisis de la obra, que por su complejidad e importancia en el repertorio sin duda los merecería, la Renana es el prototipo de obra sinfónica del más puro romanticismo centroeuropeo y constituye base y modelo para el estilo que se siguió para componer en este género en el resto del siglo XIX. Su riqueza melódica, su brillante orquestación, su deliberada forma rapsódica, las alegorías programáticas, la estructura cíclica, la necesidad de llevar el discurso en un esquema diferente a los clásicos cuatro movimientos y el uso de leitmotiv son características que hacen de la Renana el gran prototipo señalado. Es una de las verdaderas grandes sinfonías de todo el repertorio universal.

Por supuesto a una obra tan importante le sobran grabaciones que la engalanen. Existen muchas, y para todos los gustos, la mayoría de las existentes en disco al menos le hacen justicia.

Podría recomendar al menos 10 grandes grabaciones. En esta ocasión he escogido la del maestro Bernard Haitink por ser una de las más brillantemente ejecutadas y con un sonido de excepción. Aca se aprecia a un director y a una orquesta realmente en sintonía con la obra y demuestran dar lo mejor de cada uno para exponer todas las virtudes que posee esta gran obra del celebrado compositor.

M-S.

Algo más que Schelomo...

2010-12-18T17:00:00.002-04:30

Ernest Bloch

POEMES D`AUTOMNE

PSAUMES

HIVER-PRINTEMPS

IN THE NIGHTS

Mireille Delunsch, Brigitte Balleys, Vincent Le Texier, solistas.

Orchestre Philharmonique du Luxembourg

Dir: David Shallon

(Timpani)

Quienes han oido acerca del compositor hebreo-suizo Ernest Bloch, usualmente lo han hecho debido a su obra más famosa, su Rapsodia Schelomo, ya tratada en este sitio. Sin embargo, hay más trabajos de Bloch, muy importantes, que vale la pena conocer como son estas canciones orquestales, de exquisita elaboración.

Vaya esta entrega como homenaje al recién desaparecido profesor Walter Aníbal Ravanelli, académico de vasta cultura y melómano que siempre tuvo a Bloch como una de sus grandes pasiones e íconos, y sobre quien disertaba de manera experta... mis disculpas por el retardo en este reconocimiento, profesor, que su alma vuele siempre libre.

M-S.

Henryk Gorecki (1933-2010)... In Memoriam

2010-11-12T13:53:00.001-04:30

Todo Tchaikovsky: El 2do concierto para piano.

2010-11-07T23:57:00.004-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky
PIANO CONCERTO NR.2, Op.44
Peter Donohoe, Piano
Bournemouth Symphony Orchestra
Dir: Rudolf Barshai.
(EMI)
*
En homenaje al recién desaparecido maestro, Rudolf Barshai.
*

Tchaikovsky compuso su 2do concierto para piano entre 1879-80. Fue dedicado a Nikolai Rubinstein, viejo amigo del compositor y protagonista del famoso impasse ocasionado años atrás en torno al estreno del 1er concierto, el Op.23, más conocido y mucho más popular. Aunque Rubinstein era el designado para estrenar el Op.44, su imprevista muerte en marzo de 1881 lo impidió. Así entonces la premiére fue destinada a la ciudad de New York, donde la solista Madeline Schiller lo ejecutó al lado de la Filarmónica de New York, dirigida por Theodore Thomas, el 12 de noviembre de 1881. La premiére rusa del concierto se llevó a cabo en Moscú, en marzo de 1882, con Sergei Taneyev al piano, secundado por la batuta de Anton Rubinstein, compositor y director reputado, así como hermano del fallecido Nikolai.

El 2do concierto es una obra atípica, aun dentro de las libertades y desapego al formalismo estricto que siempre se tomó Tchaikovsky al componer. El concierto, aunque estructurado en los clásicos 3 movimientos, posee un extenso y lírico movimiento central con prominentes solos de violín y cello, imprimiéndole al mismo efectos de sinfonia concertante ó de triple concierto. En un arreglo póstumo, Alexander Siloti mutiló salvajemente la obra removiendo estos pasajes solistas, pretendiendo hacerla más pianística, sin embargo a juicio de quien escribe, este arreglo es insolente y arruina la increible hermosura de este movimiento, por lo que resulta absolutamente desaconsejable.

Es también de hacer notar en las características atípicas de este concierto, el insólito grado de independencia entre el piano solista y la orquesta, siendo escasos los momentos en que ambos coinciden. Tchaikovsky no soportaba el sonido de un piano contraponiendose al de la orquesta de forma simultanea, por lo que en esta obra las apariciones del piano solista dan la impresión al escucha de ser episódicas dentro del contexto de una sinfonía concertante. Tchaikovsky idolatraba a Mozart y no es de extrañar que en parte fuera modelo a seguir a la hora de estructurar esta singularísima obra, no tan famosa como su antecesor, el Nr.1, pero más ruso, más complejo, más original y más auténtico en el sentido de que el compositor se expresó de una forma más libre y menos comprometida con el "que dirán".

Al no gozar de la inmensa popularidad del Op.23, el Op.44 cuenta con muchas menos interpretaciones y grabaciones en disco. Mientras cualquier pianista que quiera ganar renombre y relieve en el medio artístico debe adoptar el Nr.1 como caballito de batalla, no son muchos los que se atreven a embarcarse en el especial mundo del Nr.2. Aun dentro de los que sí lo han hecho, no todos han resultado exitosos. Unos por su idiosincrasia y otros por haber cometido el error de embarcarse a tocar la versión mutilada de Siloti. Las versiones a considerar son las de la partitura original, y entre las disponibles, salvo el milagro logrado por Igor Zhukov secundado por Gennady Rozhdestvensky, una de las pocas que se le equipara es la versión hoy presentada. Peter Donohoe toca su parte de manera impoluta y el magistral acompañamiento de Barshai es el ideal, como experto en música rusa que siempre fue. El sonido es excelente y en este punto le lleva ventaja a Zhukov. Los grandes músicos son los que se embarcan en cualquier obra y no sólo en las que se prestan al efectismo trivial y que garantizan el aplauso fácil.

M-S.

Maestro Rudolf Barshai (1924-2010)... IN MEMORIAM

2010-11-05T00:41:00.002-04:30

Rudolf Barshai

George Dyson: extraordinario y eclipsado compositor británico.

2010-11-01T01:21:00.004-04:30

George Dyson (1883-1964)

VIOLIN CONCERTO

Lydia Mordkovitch, Violin

City of London Sinfonia

Dir: Richard Hickox

(CHANDOS)

"Por qué se ha tenido que esperar tanto por una grabación de este gran concierto?"

Musicweb

A continuación un extraordinario compositor relativa e injustificadamente desconocido.

La música británica es definitivamente mucho más que Elgar, Vaughan Williams y Britten. Sin intención alguna de demeritarlos, sus hiperbólicas glorificaciones han eclipsado injustificablemente la obra de talentos equiparables como han sido George Villiers Stanford, Gerald Finzi, John Foulds, Frank Bridge y nuestro compositor en cuestión, George Dyson.

Discípulo de Stanford, otro indudable gran compositor, Dyson fue contemporáneo de Finzi y de Vaughan Williams. Su obra orquestal es abundante, y después de haber quedado prendado con su gran Oratorio "Quo Vadis", mi siguiente exploración fue su concierto para violín, la obra aca presentada, y la impresión fue jubilosamente indeleble.

El concierto para violín es una obra hermosa, grande, evocadora, lírica, con gran riqueza melódica, y aunque extensa, carece de la pretenciosa e interminablemente somnífera retórica

del concierto de Elgar, colocándose como uno de los verdaderamente grandes conciertos alguna vez salidos de las islas británicas, a mi juicio por encima de Elgar y de Britten.

La siguiente se trata de la primera grabación comercial realizada de este concierto. La plantilla de intérpretes no ha podido ser mejor seleccionada: la gran violinista Lydia Mordkovitch es secundada por ese gigante de la música británica que fue Richard Hickox, genio de la batuta, dolorosamente desaparecido a una edad en que apenas se comienza a conocer la grandeza en ese honorable oficio.

Sin más, aprecien una obra de lujo en grabación también de lujo.

M-S.

La 2da de Schumann: Epítome del Romanticismo

2010-10-24T00:50:00.003-04:30

Robert Schumann
SYMPHONIE NR.2, Op.61
Gewandhausorchester Leipzig
Dir: Franz Konwitschny.
(BERLIN CLASSICS)
*

El período romántico ha sido el más rico y prolijo de toda la Historia de la Música en cuanto a producción sinfónica. A partir de Beethoven queda establecido el formato de la Gran Sinfonía, y más tarde Franz Liszt impone el género del Poema Sinfónico. Se puede considerar al período comprendido entre la Sinfonía "Eroica" de Beethoven y las últimas creaciones de Robert Schumann como el llamado "romanticismo puro", que luego sería continuado de inmediato con el "romanticismo tardío" a través de los compositores que desarrollaron su actividad artística en la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX, y que sin duda finaliza con una obra en particular: la 9na de Mahler.

El romanticismo puro fue en resumen la era de la producción madura de Beethoven, continuando con la inmortal música de cámara de Schubert, el pictorismo musical de Mendelssohn, el idealismo germánico de Schumann, y finalmente los grandes despliegues innovadores que crearon el puente con el período siguiente, a través de Liszt y Berlioz.

Si hay tres obras que se pueden considerar epítomes de esta gloriosa era del arte musical, quien escribe colocaría Los Preludios de Liszt, la Fantástica de Berlioz y la 2da Sinfonía de Schumann, motivo de esta entrega, para continuar con la conmemoración de su bicentenario.

La 2da Sinfonía fue concebida en el año 1845, pero debido a quebrantos de salud y a las alteraciones de la esfera mental que intermitentemente aquejarían y atormentarían al compositor hasta su muerte, la misma no fue terminada hasta octubre de 1846. La misma fue publicada en 1847 como su segunda sinfonía, aunque realmente era el tercer esfuerzo del compositor en este género. La misma, según las intenciones de Schumann, debía concebirse como "la continuación del triunfo beethoveniano sobre el destino pesimista". La misma está estructurada en los tradicionales 4 movimientos, pero con la particularidad, que sería luego práctica corriente en el período romántico, de colocar el scherzo como segundo movimiento.

La misma mantiene una coherente tonalidad de do mayor durante todo su transcurso.

La misma inicia con una introducción lenta y lírica, un hermoso coral de bronces en estilo bachiano que establece el primer tema, que más o menos a manera de leitmotiv se repetirá en el resto de los movimientos (figura musical muy romántica). El resto de este movimiento se desarrolla en forma sonata, con un desarrollo muy convincente entre el lirismo y la turbulencia, con un uso admirable del contrapunto, que nuevamente recuerda a los corales de Bach. Se puede resumir a este hermoso movimiento como un himno coral sinfónico. El scherzo es particularmente desconcertante pues se desarrolla a través de armonías inestables que le imprimen rasgos neuropáticos a quien escucha, causando según se ha descrito la sensación de "silbar en la oscuridad, en una carrera contra la muerte"... maravillosa descripción.

El adagio espressivo, colocado en tercer lugar, vuelve a la estructura sonata, y su carácter es profundamente elegiaco y evocador. Hacia la llegada del final, aunque se respeta la forma sonata, el compositor se permite suficientes libertades para darle cierto desenvolvimiento rapsódico al movimiento, que después de un final en falsete (otra figura romántica) anuncia una coda coral muy elaborada y que recopila materiales expuestos en la primera introducción, finalizando de forma triunfal... finaliza así una joya del más puro romanticismo germánico.

En cuanto a grabaciones, se trata de una obra felizmente afortunada en cuanto a interpretaciones y versiones. Memorable la grabación de un concierto de 1.984, transmitido por la radio holandesa, donde Hans Vonk dirige la orquesta del Concertgebouw, en un concierto inolvidable. En cuanto a grabaciones comerciales, la 2da encuentra dignos representantes a través de Bernard Haitink, Leonard Bernstein, Wolfgang Sawallisch, Sir Georg Solti y otros tantos. Entre grabaciones legendarias, Franz Konwitschny, titular de la igualmente legendaria orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, dejó un ciclo completo donde la 2da brilla como una de sus estrellas más refulgentes. Es una lectura poderosa, ígnea, sólida, intelectual, con gran poder de convicción. Se trata de un estilo apegado a la vieja escuela alemana, sin los ropajes post-románticos que se suelen ver en grabaciones posteriores ó en los abominables retoques que hizo Mahler a las sinfonías de Schumann, para nada aconsejables. La 2da es excelente muestra que echa por el suelo las dudas necias que se colocan acerca de la habilidad de Schumann como orquestador... Para muestra un click.

M-S.

A 20 años de su partida... IN MEMORIAM

2010-10-15T01:19:00.002-04:30

Leonard Bernstein (1918 - 14 de octubre 1990)

Adiós a La Stupenda

2010-10-11T20:43:00.005-04:30

El bel canto tiene un antes y un después de Joan Sutherland (1926-2010), quien falleció el dia de hoy, a los 83 años, después de una larga dolencia.

Su inconfundible figura y presencia nos hará recordarla como una de las voces más emblemáticas de la historia del canto lírico y como la prototípica soprano de coloratura.

Conocida con el nombre de "La Stupenda", Madame Sutherland deja un legado discográfico y videográfico que aseguran su paso a la inmortalidad... Desde hoy el firmamento es un sitio más alegre, pues Pavarotti y Sutherland volverán a cantar sus dúos para los Angeles... Paz a su alma.

*
M-S.

Dame Joan Sutherland (1926-2010)

Todo Tchaikovsky: la 4ta en Salzburgo

2010-10-08T22:07:00.003-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky

SINFONIA NR.4 , Op.36

Czech Philharmonic Orchestra

Dir: Karl Böhm

(Live, Salzburg Festspiele, 8 August 1.971)

La 4ta de Tchaikovsky es una de las obras más populares y queridas de toda la literatura sinfónica universal. Seguramente no lo sea por ser la composición musicalmente perfecta, sino por el magnético poder que ejerce sobre el escucha, así como el espíritu profundamente democrático que se refleja en esta música de principio a fín.

Antes de seguir adelante con el proyecto del ciclo Todo Tchaikovsky, con esta entrega se completan tres grandes y antológicas versiones de esta obra, de visiones y sonoridades diferentes, pero que engalanan el panteón de las grandes grabaciones disponibles. Si la grabación de Rozhdestvensky recoge lo mejor del alma rusa que delata el gentilicio de la partitura, Maazel se va por la perfección técnica y el balance sonoro creando la obra de arte perfecta. Karl Böhm, director alemán de la vieja escuela, y muy poco asociado al repertorio tchaikovskiano, grabó sin embargo y para sorpresa de muchos las tres últimas sinfonías del Gran Trágico Ruso. Su grabación en vivo de la 4ta la hizo de manera igualmente insospechada con una orquesta no alemana: la Filarmónica Checa. El memorable concierto tuvo lugar el 8 de Agosto de 1.971, durante el célebre Festival de Salzburgo de ese año. El resultado fue magnífico. Böhm y los checos desplegaron un universo sonoro como pocas veces se ha escuchado, dejando un registro para todos los tiempos, y del que se puede decir que recoge lo mejor de las concepciones de Rozhdestvensky y de Maazel, suponiéndolos como opuestos. El despliegue sonoro, la asertividad experta en el enfoque, la intensidad en los tour de force, el equilibrio perfecto en todos los departamentos de la orquesta, y la incandescencia alternante con el más hermoso lirismo son características de este registro histórico, espléndidamente reeditado por el sello Orfeo, con una grabación digna de atesorar. Bravo por Orfeo y las gemas musicales que nos ofrece!

M-S.

El Manfredo de Schumann

2010-09-26T22:37:00.003-04:30

Robert Schumann
MANFRED-OUVERTURE, Op.115
Los Angeles Philharmonic Orchestra
Dir: Carlo Maria Giulini.
(DG)
*

En Arpegio continúa la conmemoración del bicentenario del natalicio de Schumann.

El Manfredo inmortalizado por Lord Byron ha sido llevado a música mediante algunos compositores, siendo los más relevantes Tchaikovsky, a través de su sinfonía del mismo nombre, y antes que él Robert Schumann, quien compuso una música incidental basada en el texto de Byron, que aunque está dispuesta en quince números, lo que resalta es especialmente la Obertura, hoy presentada.

La obra pertenece al último y tardío período creativo del compositor, quien padecía una severa afección mental oscilante, y cuya gravedad se refleja en la tensión, conflicto y angustia que transmiten las notas de la obertura. El mismo compositor admitió que Manfredo fue gestada bajo el "hostigamiento permanente de voces interiores". La música fue compuesta entre

1.848-49, y Schumann dirigió el estreno de la Obertura en Leipzig, el 14 de marzo de 1.852.

Al igual que en el caso de Tchaikovsky años más tarde con su sinfonía del mismo nombre, el personaje de Manfredo era fascinante para Schumann, pues sus dilemas le servían para reconciliar en cierto modo sus propios conflictos de personalidad colindantes con períodos de auténtica locura. El reto de componer esta obra significaba su lucha personal para imponer sus remanentes de cordura mediante el arte, y como él mismo declaraba "Con la posibilidad de ponerlo en escena, no puedo negar que me sobrecoge un verdadero espanto frente a la magnitud de la empresa".

La Obertura refleja este estado de conflicto, pues no se trata de una Obertura convencional. Impregnada de cambios dinámicos y violentos contrastes, le falta la continuidad necesaria para establecer una línea convincente. Finalmente la carencia de una resolución en la pieza resulta acorde al mismo drama byroniano, donde el héroe se disuelve vanamente en su destino sin ninguna resolución.

De la música incidental lo que se interpreta es la Obertura en conciertos y en grabaciones, que aun con todas sus inconsistencias no deja de tener atractivo orquestal y dramático.

Hay varios enfoques de esta pieza, desde el extremadamente dramático de Furtwängler, hasta las concepciones más melódicas y conciliadoras. Se puede considerar a esta grabación de Carlo Maria Giulini dentro de las últimas, que aunque la lleva en tiempo más lento, sabe sacar la expresión de cada nota, de cada acento y de cada pausa. Es una lectura notabilísima. La colaboración de Giulini con la Filarmónica de Los Angeles ha sido una de las más afortunadas que se puedan recordar, y existen varias grabaciones que dan testimonio, siendo este Manfredo sólo una pequeña muestra.

M-S.

Shostakovich y la enigmática Doce

2010-09-19T01:07:00.004-04:30

Dimitri Shostakovich
SYMPHONY NR.12, Op.112, "The Year 1917"
Gewandhausorchester Leipzig
Dir: Ogan Durjan
(Philips)
*

En esta oportunidad un disco de auténtica colección.
*

Dimitri Shostakovich es considerado como el último gran sinfonista, al menos en la gran tradición iniciada por Haydn y elevada por Beethoven. Fue de este grupo uno de los pocos en romper la célebre "maldición de la novena", pues pudo completar más de 9 sinfonías (quince). Shostakovich compuso su sinfonía Nr.12, subtitulada "El año de 1917", en 1961, dedicándola a la memoria Vladimir Lenin, líder de la revolución bolchevique. La premiére de la obra tuvo lugar en octubre de ese mismo año, con la Filarmónica de Leningrado, dirigida por

Yevgeny Mravinsky. Esta fue la última obra estrenada por este director, pues su posterior rechazo a estrenar la siguiente sinfonía, la Nr.13, causó una ruptura definitiva en su relación artística (ver artículos anteriores relacionados con Shostakovich y su trilogía sinfónica final).

La obra está compuesta para orquesta de tamaño medio, tiene aproximadamente 40 minutos de duración y está estructurada en los cuatro movimientos convencionales de una sinfonía, con una concatenación inmediata entre los mismos y sin pausas, a la manera de una sinfonía programática, como ocurre con su antecesora, la sinfonía Nr.11. El motivo del programa en la 12 es la persona de Lenin, y aunque hoy se considera a Shostakovich como uno de los más notables y originales opositores al régimen soviético, parecía sentir particular veneración por el fundador de la esencia original del Estado soviético. Los movimientos están subtitulados de la siguiente manera:
-
1) Petrogrado revolucionario: Moderato — Allegro — Più mosso — Allegro
2) Razliv: Allegro (L'istesso tempo) — Adagio : el movimiento es alegórico al cuartel general de Lenin, en las afueras de Petrogrado.
3) Aurora: Adagio (L'istesso tempo) — Allegro: Aurora fue el buque que disparó contra el Palacio de Invierno zarista, iniciando la revolución rusa.
4) The Dawn of Humanity (despertar de la Humanidad): Allegro (L'istesso tempo) — Allegretto — Moderato : El movimiento final representa la vida soviética bajo la guía de Lenin, con aparentemente pretendido clima de júbilo y triunfalismo.
*

Como se ha explicado, la Doce sigue el modelo programático de la Nr.11. Al haber más programa que música en esta obra, se le ha atribuido desde siempre puro valor propagandístico al comunismo y sus "valores", lo que la ha condenado a ser menospreciada musicalmente, como es el caso de sus sinfonías 2 y 3. Pero a diferencia de la 11, donde se hace uso de la narrativa descriptiva musical en forma de drama histórico, en la 12 Shostakovich se plantea en elementos más abstractos una serie de reflexiones concatenadas pero independientes una de otra, en forma de cuadros épicos.

Aunque no sin razón por parte de los analistas se considera a esta obra musicalmente inferior a sus sinfonías verdaderamente grandes, no deja de tener el sello propio del compositor ni carece de elementos musicales interesantes y de valor. De ninguna manera se puede atribuir esto a una degeneración en la capacidad musical del compositor, pues la obra es contemporánea de maravillas como el 1er concierto para cello ó el 8vo cuarteto de cuerdas, por lo que esa hipótesis queda descartada. Es probable que el compositor creara esta obra "políticamente correcta" para congraciarse temporalmente con el régimen de Khrushchev y preparar el terreno para el cataclismo que luego causaría su siguiente sinfonía, la 13 "Babi Yar" (ver la trilogía sinfónica final, en artículo anterior).
*

La recepción del público a la obra no tuvo el mismo nivel de calidez desde el mismo momento de su estreno. La gente se preguntaría donde estaba el Shostakovich grande e irreverente creador de la 5ta, la 8va y la inolvidable 10ma en la que hizo un retrato descarnado de Stalin. Aunque bien recibida en la URSS, en Occidente el efecto fue diametralmente opuesto, y sin necesariamente ser un experto en música, el escucha percibía inmediatamente el tufillo oficialista y propagandístico de la obra, con su natural rechazo impostado.

Al ser aun una obra que está rodeada de un velo de misterio y de interrogantes, no es interpretada casi, y cuenta con pocas grabaciones. Incluso directores de talla verdaderamente shostakoviana se han negado a grabarla, al igual que las Nrs. 2 y 3.

La grabación presentada en esta entrega es una rareza que forma parte del legado y conocimiento de coleccionistas y expertos avanzados, pero que constituye tal vez la mejor grabación disponible de esta obra, al nivel de la grabación oficial de Mravinsky (descatalogada) y superior definitivamente al de otras más occidentalizadas como la de Neeme Järvi ó la de Bernard Haitink. Ogan Durjan fue un destacado director soviético e hizo esta grabación con la Gewandhaus de Leipzig, en la era de la Alemania comunista, época donde por razones obvias se apreciaba la música de Shostakovich y de otros compositores soviéticos. Es una joya difícil de conseguir que se recomienda evaluar y atesorar y que clama por una reedición.

Entrega especial dedicada a ese gran Shostakoviano que es Don Fernando De León.

M-S.

SCHEREZADE.

2010-09-12T22:19:00.003-04:30

Nikolai Rimsky-Korsakov

SCHEREZADE, Op.35

Glenn Dicterow, Violin

New York Philharmonic

Dir: Yuri Temirkanov

(RCA)

Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) es sin duda uno de los grandes compositores de la Historia de la Música. Su genio y talento como pictorista musical y orquestador tienen pocos parangones no sólo en la música rusa sino en todo el repertorio universal.

Iniciado en la música por Balakirev, Rimsky-Korsakov se hizo pronto de nombre propio e ingresó en la esfera del luego conocido "Grupo de los Cinco" (Rimsky, Balakirev, Borodin, Musorgsky, Cui). De toda su obra orquestal, seguramente con toda justicia su inmortal Suite

"Scherezade", basada en las Mil y una Noches, es la obra más famosa, conocida e interpretada del compositor.

Al tratarse de una obra popularísima y atractivísima, es de entender que tenga numerosa producción en disco, habiendo excelentes referencias a través de registros de antología dejados por directores como Nikolai Golovanov, Sir Thomas Beecham, Fritz Reiner, Igor Markevitch, Herbert von Karajan y Kirill Kondrashin, por mencionar de entre los más reconocidos.

Yuri Temirkanov no es particularmente un director que haya ocasionado a quien escribe verdadera impresión alguna vez. La mayoria de lo que le he escuchado ha sido bastante"promedio", sin mayor pena ni gloria. Sus interpretaciones del repertorio ruso, en especial de Shostakovich, me parecen aderezadas de sacarina, aun con las orquestas más rusas imaginables. Sin embargo, y atendiendo al decir de que hasta un reloj parado tiene razón dos veces al dia, me topé con esta grabación, y la gran sorpresa ha resultado en una de las mas grandes, inspiradas y poderosas grabaciones alguna vez registradas de esta maravilla sinfónica. Parece otro Temirkanov: su lectura es brillante, poderosa, asertiva y ocurrente en todo momento, con una Filarmónica de New York robusta y en plena forma, cuyo conjunto toca como una secta de posesos, con el aval de ser una orquesta que desde la era Bernstein se ha dado excelentemente bien con esta obra. La presencia de Glenn Dicterow, el legendario concertino de la orquesta, en el rol del violín solista, es un gran plus, y aunado a una toma de sonido brutalmente espléndida, dan en conjunto como resultado un gran registro discográfico que merece estar a la par del nivel de las grandes referencias ya mencionadas.

Absoluta recomendación para los fervientes melómanos.

M-S

Schumann: Sinfonía Primavera.

2010-09-05T00:33:00.002-04:30

Robert Schumann
SINFONIA NR.1, en Si bemol mayor, Op.38, "Primavera"
Wiener Philharmoniker
Dir: Dimitri Mitropoulos.
(ORFEO)
*

En la continuación del bicentenario del natalicio de Robert Schumann.

Schumann compuso su Primera Sinfonía entre 1.840-1.841, y fue su primer trabajo sinfónico concluido. La premiére de la obra estuvo a cargo de nada menos que Félix Mendelssohn, quien la dirigió el 31 de marzo de 1.841, al frente de la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. La obra fue cálidamente recibida por la audiencia. El título de la Sinfonía, "Primavera", de acuerdo al diario de Clara Schumann, es por inspiración de los "Poemas de Primavera" de Adolph Boettger.

La obra, de clara inspiración beethoveniana, es sin embargo por su orquestación una sinfonía revolucionaria del más puro romanticismo, con uso virtuoso de los bronces y recurrencia expansiva de los timbales. El ambiente de la obra es en todo momento pastoril, alegre y despreocupado, revelando tal vez conflicto y amenaza en el scherzo. El final concluye la obra de manera festiva y triunfal, y así sería más o menos el patrón compositivo de la mayoría de las sinfonías del período.

Se trata de una obra muy afortunada en discografía, disponiendo de un gran puñado de excelentes interpretaciones. El gran maestro, Dimitri Mitropoulos, tiene un registro de antología con la Fil. de New York, pero lo hecho en 1.957, en el Festival de Salzburgo, dirigiendo la célebre Filarmónica de Viena es algo que va mucho más allá y se cuenta en el Panteón de las Inmortales.

Qué gran músico fue Mitropoulos!

M-S.

Un Rossini inusual

2010-08-29T01:44:00.002-04:30

Gioacchino Rossini

Introducción, Tema & Variaciones para Clarinete y orquesta en si bemol mayor.

Sabine Meyer, Clarinete

Zurich Opera Orchestra (Zürcher Opernorchester)

Dir: Franz Welser-Most.

(EMI)

Rossini es y ha sido siempre recordado por las grandes Operas que compuso, sin embargo, en su producción musical se incluyen obras de otros géneros, como música de cámara y música concertante.

Sus Variaciones para Clarinete que hoy presentamos constituyen una de las obras más famosas y caballito de batalla para este instrumento, añadido a que se trata realmente de una obra maestra, con una deliciosa orquestación y un genial, inaudito, y si se quiere inesperado manejo magistral del arte de la variación, que sería más utilizado por compositores más sinfónicos y de típica usanza romántica, posteriores al período creativo del gran italiano.

Sabine Meyer es una de las más insignes representantes actuales en la ejecución del clarinete, y por mucho tiempo se esperaba que grabara esta obra clave. Finalmente lo ha hecho, y su desempeño resulta fantásticamente apegado a las expectativas. El acompañamiento de Welser-Möst al frente de la Orquesta de la Opera de Zürich resulta el ideal. Maravilloso disco recomendable sin reservas.

M-S.

La Leyenda de William Kapell

2010-08-21T01:09:00.003-04:30

Sergei Rachmaninov
RAPSODIA SOBRE UN TEMA DE PAGANINI, Op.43
William Kapell, Piano
Robin Hood Dell Orchestra of Philadelphia
Dir: Fritz Reiner
(RCA).
*

El nombre de William Kapell puede sonar inédito a la mayoría de los oídos, incluso a los de muchos de quienes están familiarizados con la música académica. En los últimos años se ha rescatado de manera justa el nombre de este genio absurdamente truncado por la fatalidad. Y es que en efecto, de haber tenido una vida artística completa, sin duda tendría su sitial en el Panteón de los grandes pianistas de todos los tiempos.

Siempre me ha parecido sobrecogedor el rostro siempre melancólico e introspectivo de William Kapell a través de todas las fotos que se tienen de él. En su expresión y en su mirada se aprecia una mezcla de insondable melancolía como la de quien tal vez vislumbra en su subconciente su trágico destino junto a una introspección y ausencia de quien tiene su mirada puesta en otros mundos y en otras dimensiones a las cuales impregnar con su música.^

Nacido en 1.922, ya a los 10 años el joven William era un niño prodigio. Su carrera fue en rápido y vertiginoso ascenso, hasta el extremo de que al caer en manos de Horowitz como discípulo, el pretendido maestro declaró no tener nada que enseñarle al pretendido alumno. Su especialidad en Chopin, Khachaturian y Rachmaninov, entre otros compositores, creó nuevas dimensiones en la forma de ejecución del piano, al extremo de que el gran Rudolf Serkin lo proclamó como "el producto musical más grande salido de América".

William Kapell desarrolló a partir de los 22 años y hasta el momento de su trágica muerte una intensa actividad como solista a través de conciertos y recitales que lo llevaron a las principales salas del mundo. En 1.953 emprendió una gira triunfal por Australia, pero quiso el trágico destino que más nunca regresara a su casa. De regreso de esa gira, el avión donde viajaba se estrelló en California, el 29 de octubre de 1.953, sin sobrevivientes. Terminaba a los 31 años, y de esta injusta y triste forma una carrera que aun tenía todo por entregarlo.

Gracias a la intensa labor realizada por publicar en CD las grabaciones de Kapell, hoy se puede conocer plenamente su arte y su legado. Siendo gran intérprete de Rachmaninov, no es de extrañar que tocara muchas veces y grabara su legendaria Rapsodia Paganini. En 1.947 tuvo el privilegio de grabarla secundado por la Orquesta Robin Hood Dell de Philadelphia, dirigida por el maestro Fritz Reiner, dejando un documento de inigualable valor histórico y musical y que aun hasta nuestros días, arguiblemente se podría considerar como la grabación de referencia de esta obra. Un hermosisimo documento que se debe conocer y atesorar.´

M=S.

William Kapell (1.922=1.953)

Todo Tchaikovsky: Maazel dirige la 4ta Sinfonía.

2010-07-31T22:56:00.002-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky

Symphony No. 4, Op.36

The Cleveland Orchestra

Dir: Lorin Maazel.

(TELARC)

La música del gran trágico ruso habla directa y emotivamente al escucha apelando a la sublimidad más accesible de sus niveles de conciencia, haciéndola de entre la música más democrática alguna vez compuesta. La 4ta Sinfonía es buen paradigma de esta esencia, impregnada de registros y cambios emotivos, ritmos estimulantes y agradables y fáciles tonadas que se revisten en suntuosos ropajes orquestales a través de una amplia acuarela musical.

Aunque Tchaikovsky no era especial adorador de Beethoven, reconoció que la estructura de su nueva sinfonía era "imitación de la idea básica de la 5ta de Beethoven", y examinando el hecho que ambas obras se refieren programáticamente al tema del "destino", nos damos cuenta que efectivamente así es. Sin embargo, mientras Beethoven toma al destino y lo aprieta por la garganta (lo acogota), Tchaikovsky examina por su naturaleza dubitativa e hiperromántica los diversos escenarios del destino a través del amor, del triunfo, de la derrota y de la muerte.
*

Como ya se ha comentado, la aparición de la Sra. von Meck en la vida del compositor fue determinante en la recuperación espiritual y artística del mismo, y directamente en la creación de esta formidable obra, dedicada a su misma mecenas.

La obra es definitivamente una sinfonía programática, género muy particular y característico del romanticismo, y para cada movimiento Tchaikovsky dejó una leyenda explicativa:

*
1. Andante sostenuto - Moderato con anima - Moderato assai, quasi andante - Allegro vivo. “Destino, fuerza fatal que impide el impulso hacia los logros; que celosamente se asegura que la prosperidad y la paz nunca sean completas y que cuelga sobre nosotros como una espada de Damocles... Es un ente invencible y todo lo que podemos hacer es lamentarnos vanamente".

Esta nota programática del compositor marca el ánimo del movimiento y explica mucha de la tensión emocional que la magistral forma sonata genera en su impacto. El tema introductorio del destino no es sólo un mero gesto, sino un permanente guía a través de la exposición, desarrollo y recapitulación y el principal peso del conflicto se lleva a cabo definitivamente en este movimiento.

*
2. Andantino in modo di canzone

“Qué triste pensar en todo lo pasado y en todo lo que se ha ido! Añoramos el pasado pero no resolvemos ni deseamos un cambio en nuestra vida... somos un ropaje de existencia"

Tchaikovsky fue un prolífico creador de canciones y definitivamente el monarca de la melodía.

Este movimiento es melodía pura y canción, impregnado fuertemente de nostalgia y en una atmósfera evocadora de trasfondo definitivamente ruso. Algo difícil de olvidar.

3. Scherzo - Pizzicato ostinato, allegro

“De repente nos viene a la memoria la imagen de un campesino ebrio cantando una canción popular, con un fondo de ritmos militares en la distancia. Son imágenes desconectadas, fragmentarias y bizarras, que tienen poco que hacer con la realidad".
Con uso del tiempo impecable, Tchaikovsky suaviza la oscuridad de los movimientos anteriores, y con recursos inusuales crea un scherzo de absoluta originalidad, donde el peso se lo llevan las cuerdas que tocan en pizzicato, el trio esta desempeñado por los vientos y de manera sorpresiva el movimiento concluye simplemente evaporándose.

*
4. Finale - Allegro con fuoco

“Paseemonos entre la gente. Vean como es su manera de entender la felicidad. Pero tan pronto te has olvidado de tus sinsabores contemplando las alegrías de los otros cuando ya llega el destino a recordarte todo de nuevo..."

Las explosiones orquestales de este movimiento actuan a manera de llamadas a despertar. Los brotes de tutti orquestal se alternan con el tema del destino que reaparece en este movimiento
conduciendo finalmente a una explosiva, bombástica, nerviosa e hiperemotiva coda de dudosa triunfalidad que representa el triunfo final del destino. Las similitudes con la Sinfonia Eroica de Beethoven son evidentes.

Sirva esta entrega para anexar la que desde siempre ha sido mi grabación preferida y más querida de esta obra. Lorin Maazel al frente de la Orquesta de Cleveland representa en su formidable grabación lo mejor de los dos mundos concebibles de la 4ta sinfonía. Su lectura es muy emotiva, estudiada, balanceada, psicológicamente preparada, pero controlada (impacto controlado) sin entrar en los insoportables arranques de histeria de Mravinsky que hizo de su famosa lectura un absurdo antitchaikovskiano. Maazel se crece prestando la debida atención a cada nota y a cada instrucción de la partitura y distribuyendo sabiamente el papel de cada uno de los departamentos orquestales, que junto a un tempo giusto y al mando de los que aún fueron los músicos de George Szell, dejaron un registro inolvidable, sin olvidar la calidad de sonido tomada por Telarc que para el momento era state-of-the-art.

Continuando esta serie de Todo Tchaikovsky, la 4ta con Maazel y la Orquesta de Cleveland.

M-S.

Noche en el Monte Calvo

2010-07-25T02:16:00.005-04:30

Modest Mussorgsky
NIGHT ON THE BALD MOUNTAIN (NOCHE EN EL MONTE CALVO)
(Versión arreglada por Nikolai Rimsky-Korsakov)
London Philharmonic Orchestra
Dir: Sir Charles Mackerras
(EMI)
*

Continuamos en ARPEGIO homenajeando a Sir Charles Mackerras, con varias de las joyas que dejó en su legado discográfico.

La Noche en el Monte Pelado o en la Arida Montaña (tiene varias acepciones) es el nombre común para "La noche de San Juan en el Monte Calvo" ("Ivanova noch' na Lisoy gore"), un poema sinfónico de Modest Petrovich Mussorgsky, el mismo creador de los conocidos "Cuadros en una Exposición", miembro del entonces renombrado "grupo de los cinco" que comandaba Mily Balakirev, y orientados hacia las tendencias nacionalistas rusas. La obra fue originalmente inspirada por una historia de Gogol, en la cual un campesino presencia un acto de brujería en el Monte Calvo (Lisoy gore), cerca de Kiev en la Noche de San Juan (equivalente a la Noche de Walpurgis germánica). Siendo una obra de originalidad inusitada, no dejó de sufrir las consecuencias de una autoría errática, dubitativa e inconstante, que eran características del compositor. Mussorgsky encabezó la partitura con unas frases de su puño y letra, que desde un principio ayudaron a comprender mejor la atmósfera fantástica de la obra, siguiendo de alguna manera el patrón establecido por Saint-Säens en su fabulosa Danza Macabra: "Rumores subterráneos de voces sobrenaturales - Aparición de los espíritus de las tinieblas y de Chernabog (Satanás) - Glorificación de Chernabog y la Misa negra - Sábado de Aquelarre - A lo lejos suena la campana de la Iglesia del pueblo, dispersando a los espíritus de las tinieblas - Amanecer".

*
La versión original de Mussorgsky revela buena parte de la genialidad impostada que poseía el compositor y su particular manera de orquestar, imprimiendo al escucha una atmósfera arcaica, primitiva y astringente, anunciando el lenguaje de Stravinsky unos años más tarde en La Consagración de La Primavera. Después de la muerte de Mussorgsky a edad prematura por razón de su alcoholismo, su colega y compañero en el grupo de los cinco, Nikolai Rimsky-Korsakov, brillante y logrado compositor y además uno de los más geniales orquestadores de todos los tiempos, orquestó y arregló esta extraordinaria obra, tan llena de intenso colorido y fuerza que la han hecho muy popular en los conciertos y en la discografía.

La versión arreglada de Rimsky es particularmente la preferida de quien escribe, pues la orquestación está mucho mejor ajustada a la trama, el colorido orquestal es fantástico y los momentos de drama, fuerza, satanismo y hechicería están mucho mejor logrados, gracias a un talento musical más avanzado, más académico y menos rupestre. Pareciera ser que entre los intérpretes se piensa de igual modo, puesto que esta es la versión que se suele llevar a los conciertos y la que cuenta con mayor número de grabaciones. Si surge algún interés pudiera colocar la versión original de Mussorgsky a fín de que el escucha pueda comparar.

Es de esperar que de la versión arreglada de Rimsky existan muchas grabaciones, y efectivamente así es. Traigo a colación la grabación de Mackerras, pues de todas las que conozco me parece la mejor interpretada y la más fastuosamente tocada, explotando todo lo que tiene para ofrecer esta partitura. Mackerras dirige en esta ocasión a la talentosa Filarmónica de Londres, que como otras orquestas inglesas, realmente se luce en el repertorio ruso. Desde siempre ha sido mi grabación predilecta, por lo que la comparto.

M-S.

Sir Charles Mackerras (1.925-2.010)

Homenaje a Sir Charles Mackerras.

2010-07-18T15:42:00.002-04:30

Ludwig van Beethoven

SYMPHONIE NR.IX, "CORAL"

Stuart Skelton, Detlef Roth, Catherine Wyn-Rogers, Janice Watson, Solistas

Edinburgh Festival Chorus

Philharmonia Orchestra

Members of The Scottish Chamber Orchestra

Dir: Sir Charles Mackerras.

Edinburgh Festival, Edinburgh, Scotland, 09/01/2006

(HYPERION)

Cortesia del grupo hermano greatconductors.

"En homenaje al Maestro desaparecido, una grabación muy especial. Mackerras logró completar su ciclo de Beethoven con la Orquesta de Cámara Escocesa para el sello Hyperion, y coronó el mismo con esta grabación que ponemos en su honor. Es tomada de un concierto en vivo del año 2.006, del Festival de Edinburgo, y el resultado fue muy emotivo y especial. Mackerras no utiliza la edición crítica de Del Mar en su totalidad, como parece ser la nueva tendencia, pero sí muchas de sus modificaciones, por lo que el resultado es un híbrido entre las interpretaciones del tipo convencional y las "históricamente informadas". Es una grabación que desde que la escuché me gustó mucho y en algún momento la iba a traer, pero lamentablemente la ocasión me la adelantaron, así que de este modo se las comparto. Se me olvidó resaltar también la importancia de Mackerras como gran Mozartiano que fue, habiendo dejado un ciclo completo grabado con Telarc, y que de hecho es uno de los mejores existentes".

Descanse en paz, venerado maestro. Nos preocupa que los grandes se están marchando y pareciera que no están siendo relevados a la misma velocidad. Ojalá la tendencia cambie...

M-S.

Sir Charles Mackerras (1.925-2.010)... IN MEMORIAM

2010-07-15T16:44:00.004-04:30

Muere Sir Charles Mackerras, reconocido director de orquesta
ÚLTIMA HORA
The Associated Press

*
LONDRES — Sir Charles Mackerras, un director orquestal reconocido como el principal intérprete actual de las óperas de Leos Janacek, falleció de cáncer. Tenía 84 años. Mackerras murió el miércoles por la noche en Londres, según la agencia representante Askonas Holt.
*

En Gran Bretaña, Mackerras estaba asociado con la Opera Nacional Inglesa y la Opera Real, fue director principal de la Opera Nacional Galesa y director principal de la Orquesta de Conciertos de BBC. También dirigió en Alemania, Australia, la República Checa, Estados Unidos, Austria y Francia, y realizó numerosas grabaciones, muy elogiadas por la crítica.

*
"El impacto de Charlie Mackerras en el desarrollo de la práctica de la interpretación musical durante los últimos 60 años ha sido enorme", dijo el director musical de la Opera Real, Antonio Pappano.

*
"Era una fuerza de la naturaleza, un verdadero hombre del teatro que se esforzaba por honrar las intenciones de un compositor con el mayor brillo rítmico, drama y entusiasmo".

*
Mackerras hizo su última aparición con la Opera Real dirigiendo "La pequeña zorra astuta" de Janacek, que el teatro montó a solicitud suya.
*

Fue un precursor en la interpretación de obras del barroco con instrumentos originales. Un resultado temprano fue su grabación de 1959 de "Música acuática" de Haendel, que descartó las versiones suntuosas de la época a favor de la instrumentación original con 24 oboes.
*

"Conseguimos que todos los instrumentistas de alientos de Londres vinieran a una sesión en la mitad de la noche y lo intentaran", recordó Mackerras.
*

"Todo se editó y se emitió muy rápidamente, en apenas unos pocos días, y debo decir que me dio un poco de miedo que sonara horrible, pero por supuesto ocurrió lo contrario. Sonó de maravilla".
*

El movimiento por la conducción a la manera y con la instrumentación originales ilustró su manera de dirigir, sobre todo con la música de Mozart y la del período barroco. En 1966, agregó ornamentación a la partitura de "Las bodas de Fígaro" en Gales, de acuerdo con las prácticas interpretativas de la época de Mozart.
*

"Estoy seguro de que fuimos demasiado lejos en esa producción de Fígaro, exageramos en un esfuerzo por llamar la atención del público, pero no hubo mucha oposición", dijo Mackerras.
*

Nacido en Schenectady, Nueva York, de padres australianos, Mackerras creció en Australia y estudió oboe, piano y composición en el Nuevo Conservatorio de Música del Sur de Gales en Sydney.
*

En 1947, ganó una beca del consejo británico para estudiar dirección con Vaclav Talich en Praga, donde nació el interés por Janacek que demostraría durante toda su vida.
*

Mackerras aprendió a hablar checo con fluidez y preparó nuevas ediciones de las partituras de Janacek.
*

Fue el principal director invitado de la Orquesta Filarmónica Checa de 1997 al 2003.
*

Tras sus estudios en Praga, Mackerras se asoció a la Opera Galesa de Sadler — conocida después como la Opera Nacional Británica — donde dirigió la primera puesta británica de "Katia Kabanová" de Janacek y los estrenos mundiales de "Ruth" de Lennox Berkeley y "Noye's Fludde" de Benjamin Britten.
*

Su debut con la Opera Metropolitana de Nueva York se produjo en 1972, dirigiendo "Orfeo et Euridice" de Gluck, y al año siguiente dirigió la función inaugural de la Opera de Sydney.
*

Mackerras fue director de la Opera Estatal de Hamburgo desde 1966 hasta 1969, y director en jefe de la Orquesta Sinfónica de Sydney desde 1982 hasta 1985.
*

Fue director musical de la Opera Nacional Galesa (1987-92), principal director invitado de la Orquesta de Cámara Escocesa (1992-95), director musical de la Orquesta St. Luke en Nueva York (1998-2001), principal director invitado de la Filarmonía (desde el 2004) y principal director invitado de la Filarmónica Checa.
*

Mackerras recibió el título de Sir en 1979 y el de Compañero de Honor —reservado para 65 personas distinguidas— en el 2003.
*

Mackerras deja a su esposa, Judith, y sus dos hijas.

Descanse en Paz, Maestro... Lo hizo muy bien.

M-S

Todo Tchaikovsky: La Cuarta Sinfonía.

2010-07-14T23:58:00.002-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky
SINFONIA NR.4, Op.36
Leningrader Philharmonie
Dir: Gennadi Rozhdestvensky
(BBC Legends)
*

Una auténtica joya de la historia del disco...
*

Tchaikovsky comenzó su Sinfonía Nr.4, la Op. 36, en marzo de 1877. Dos meses antes había acabado su desastroso y efímero matrimonio que casi lo lleva al suicidio. Al momento de esta restauradora y curativa separación, aparece al mismo tiempo otra mujer que entraría en su vida, aunque de un modo absolutamente diferente, incluso asombroso, incluso bizarro, pues ningún lazo romántico les unió de alguna manera y ni siquiera el contacto físico. La rica viuda terrateniente Nadezhda Filaretovna von Meck comenzó una larga y fecunda relación epistolar con el compositor y le legó un sueldo anual que lo liberó de preocupaciones financieras. Fué a ella a quien Tchaikovsky le dedicó la Sinfonía Nr.4 y a quien el compositor confió su programa. El primer movimiento, después del leitmotiv "del destino", está en forma sonata con un melancólico influjo en el primer tema presentado por las cuerdas. Su carácter algo parecido a un vals es un dueto en el segundo movimiento con los acordes que atormentan al autor (frecuenta), representados por el clarinete y secundado en ecos tristes por el resto de las maderas. Pero, como Tchaikovsky escribió, "el destino despiadado nos despierta ... nos hundimos en su nada ", y luego de un scherzo aparentemente juguetón e inocente a cargo de las cuerdas en pizzicato, la tensión del leitmotiv del principio regresa en la conclusión, imbuida en el ropaje de una fanfarria triunfal y llega a un punto culminantemente aterrador hacia el final del movimiento, justo antes de la coda final que cierra triunfalmente la obra... El hombre se impone a su destino.

*
Tchaikovsky finalizó la Cuarta en diciembre de 1.877 y su gran Premiere se llevó a cabo en Moscú, el 22 Febrero de 1878, bajo la dirección de Nikolai Rubinstein.
*
El 23 de abril de 1878 Tchaikovsky volvió a Kamenka, donde permaneció cuatro meses. En octubre, a su vuelta a Moscú, dejó definitivamente su puesto en el Conservatorio, gracias al mecenazgo de la señora von Meck. La condición era que no debían verse jamás, y de esta manera mantuvieron una relación por carta que duró catorce años. Éstas cartas se conservan, y son de vital importancia para conocer las opiniones, impresiones y esperanzas del compositor. Se puede decir que los años de este mecenazgo y de esta singularísima relación vieron la etapa más productiva de la vida del compositor y de la creación de sus más grandes y memorables obras.

La Cuarta es una sinfonía programática, y esto se explica ampliamente en las extensas notas enviadas por el compositor a la Sra. von Meck. Al igual y en conjunto con los casos de las dos sinfonías numeradas que aun quedaban por componer, la 5ta y la 6ta, conforman una trilogía del destino, donde se exponen en terrenos y escenarios diferentes la permanente y vana lucha del hombre (el compositor) contra su destino. En la 4ta el triunfo es rotundo, en la 5ta hay un triunfo resignado y finalmente en la 6ta es derrotado y muere.

Con toda razón, la 4ta de Tchaikovsky es una de las sinfonías más populares y queridas de todo el repertorio universal. Su impacto y su poder adhesivo son inmediatos en el escucha, lo cual no nos hace extrañar de que existan muchísimas grabaciones en disco, por pràcticamente todos los directores y orquestas importantes. Una grabación emblemática y que recoge de la manera más integral todos los aspectos importantes de esta obra es esta joya registrada de un concierto en vivo del año 1.970, cuando la entonces Filarmónica de Leningrado, orquesta insignia de la URSS, se presentó en Londres, causando furor colindante en la demencia en aquella audiencia conformada principalmente por jóvenes. Muy diferente del enfoque histérico de Mravinsky, Rozhdestvensky se maneja magistralmente en su concepción de esta gran página tchaikovskiana, sin abandonar el fuego y pasión de la misma y deja un documento que tiene pocos competidores en este terreno.

M-S.

Un día como hoy...150 años del natalicio de Gustav Mahler.

2010-07-07T18:08:00.003-04:30

Gustav Mahler
SINFONIA NR.4
Allison Hargan, Soprano
The Hallé Orchestra
Dir: Stanislaw Skrowaczewski
(IMP)
*

Tal día como hoy, hace 150 años, nació Gustav Mahler, uno de los más grandes sinfonistas de toda la Historia de la Música. En su conmemoración una entrega especial.

La 4ta Sinfonía es una obra con lugar especial dentro de toda la producción mahleriana. Se le suele considerar la menos turbulenta de todas, y por lo tanto la más accesible al escucha, y según algunos, "la más fácil" de interpretar. También se trata de una de las más cortas en longitud. Aún dentro de esta aparente sencillez de la obra, el segundo movimiento que es el pivote de la misma, es de extrema complejidad, y de su ejecución depende el poder separar las verdaderas grandes grabaciones del resto "del montón".

Otro aspecto clave es la actuación de la voz femenina en el movimiento final. Son pocas las voces que realmente han logrado imprimir esa atmósfera visionariamente infantil que del Paraíso quería transmitir el compositor. La grabación a presentar en esta oportunidad es una joya que cumple cabalmente con ambos aspectos cumbre y merece entrar en el Panteón de las grandes 4tas. Se trata de una orquesta mahleriana, al tratarse de una agrupación a quien le dió su forma un mahleriano, Sir John Barbirolli. El director, Skrowaczewski, con mejor reputación bruckneriana que mahleriana, imprime sin embargo un enfoque en todo momento asertivo. Y finalmente la soprano, Allison Hargan, que no es tan conocida como una Judith Raskin, una Janet Baker ó una Elizabeth Schwarzkopf, pero que definitivamente se desempeña como cualquiera de ellas.

Toda una joya mahleriana digna de esta celebración.

M-S.

Retrato de Lincoln

2010-07-03T23:08:00.005-04:30

Aaron Copland
LINCOLN PORTRAIT (RETRATO DE LINCOLN)
James Earl Jones, Speaker
Seattle Symphony Orchestra
Dir: Gerard Schwarz.
(Delos)
*

Un saludo americano. En conmemoración de un nuevo aniversario de la independencia de los Estados Unidos, ese gran país.

Las obras musicales de carácter nacionalista suelen estar impregnadas de atmósferas y cánticos de libertad y exaltación de los valores y derechos del ser humano. Suelen por lo tanto muchas tener valor universal en cuanto a estos mensajes se refieren, pues lo mismo aplica a todas las nacionalidades, géneros, razas, lenguas ó religiones.

Aaron Copland ha sido uno de los compositores más representativos de la idiosincrasia autóctona de los Estados Unidos. Su música es norteamericana desde la primera hasta la última nota. Su célebre obra orquestal, "Lincoln Portrait" (Retrato de Lincoln), es uno de los trabajos mejor logrados compuestos para gran orquesta y uso de un narrador (speaker). Las secciones narrativas se basan en lecturas de los más célebres discursos del malogrado presidente Abraham Lincoln, salvador de la Union americana tras la Guerra de Secesión, incluido su inmortal Discurso de Gettysburg. La obra fue compuesta por Copland en 1.942, para dar aliento a los esfuerzos de las tropas norteamericanas que se encontraban combatiendo en la II Guerra Mundial.

*
Copland recibió la encomienda para componer la obra del director André Kostelanetz. Originalmente Copland quería retratar a Walt Whitman, pero a la final decidió que era necesaria una figura política para mayor impacto. "Desde este momento, la elección de Lincoln parecía inevitable", relata el compositor. Copland usó extractos de discursos y cartas del presidente, así como utilizó citas de canciones populares de la época. La premiere correspondió a la Sinfónica de Cincinnati, el 14 de mayo de 1.942, con William Adams como narrador.
*

"Retrato de Lincoln" es un hermoso canto de Libertad, que realza sus valores y los de la democracia en general. Parte del impacto de la obra se debe a la fuerza declamativa que se requiere del narrador, habiendo quedado varios registros inmortales a través de narradores que han hecho historia con esta obra. Una joya de la música americana pero también universal, emotiva como la que más, hasta las lágrimas, y sin necesidad de ser norteamericano.
*

Narradores y versiones famosas del "Retrato de Lincoln":

*
-Marian Anderson, Philadelphia Orchestra, dirigida por Aaaron Copland, 1.966

-Marian Anderson, Philadelphia Orchestra, dirigida por Seiji Ozawa, 1.977

-Alec Baldwin, Philadelphia Orchestra, 2009
-Walter Cronkite, U.S. Air Force Symphony Orchestra
-Henry Fonda, London Symphony Orchestra, dirigida por Aaron Copland, 1.968
-Al Gore, New York Philharmonic
-Tom Hanks, U.S. Armed Forces Symphony, We Are One celebration, 18 January 2009
-Katherine Hepburn, Cincinnati Pops Orchestra, dirigida por Erich Kunzel
-Charlton Heston, Utah Symphony Orchestra
-Samuel L. Jackson, Orchestra of St. Luke's, dirigida por James Levine
-James Earl Jones , uno de sus mejores intérpretes, la ha llevado a cabo varias veces, tal vez su mejor aparición fue con la Seattle Symphony Orchestra, dirigida por Gerard Schwarz

-Sen. Edward M. Kennedy, Symphony by the Sea, Newburyport Yankee Homecoming, 29 July 2006
-Walter Mondale, Minnesota Orchestra
-Paul Newman, St. Louis Symphony Orchestra
-Barack Obama (actual presidente de E.E.U.U), Chicago Symphony Orchestra, 2.006
-Gregory Peck, Los Angeles Philharmonic Orchestra
-Vincent Price, Yale Symphony Orchestra
-Carl Sandburg, New York Philharmonic, conducted by Andre Kostelanetz
-Norman Schwarzkopf, St. Louis Symphony Orchestra
-Adlai Stevenson, Philadelphia Orchestra, dirigida por Eugene Ormandy
-Margaret Thatcher, London Symphony Orchestra
-Gore Vidal, Los Angeles Philharmonic Orchestra, dirigida por Michael Tilson Thomas, 2.007
-William Warfield, New York Philharmonic, dirigida por Leonard Bernstein, en el Royal Albert Hall de Londres, una de las más emotivas, disponible en video.

Libreto del "Retrato de Lincoln".

Fellow citizens, we cannot escape history."
*

That is what he said. That is what Abraham Lincoln said.
*

"Fellow citizens, we cannot escape history. We of this congress and this administration will be remembered in spite of ourselves. No personal significance or insignificance can spare one or another of us. The fiery trial through which we pass will light us down in honor or dishonor to the latest generation. We, even we here, hold the power and bear the responsibility." [Annual Message to Congress, December 1, 1862]
*

He was born in Kentucky, raised in Indiana, and lived in Illinois. And this is what he said. This is what Abe Lincoln said.
*

"The dogmas of the quiet past are inadequate to the stormy present. The occasion is piled high with difficulty and we must rise with the occasion. As our case is new, so we must think anew and act anew. We must disenthrall ourselves and then we will save our country." [Annual Message to Congress, December 1, 1862]
*

When standing erect he was six feet four inches tall, and this is what he said.
*

He said: "It is the eternal struggle between two principles, right and wrong, throughout the world. It is the same spirit that says 'you toil and work and earn bread, and I'll eat it.' No matter in what shape it comes, whether from the mouth of a king who seeks to bestride the people of his own nation, and live by the fruit of their labor, or from one race of men as an apology for enslaving another race, it is the same tyrannical principle." [Lincoln-Douglas debates, 15 October 1858]

*
Lincoln was a quiet man. Abe Lincoln was a quiet and a melancholy man. But when he spoke of democracy, this is what he said.

*
He said: "As I would not be a slave, so I would not be a master. This expresses my idea of democracy. Whatever differs from this, to the extent of the difference, is no democracy."
Abraham Lincoln, sixteenth president of these United States, is everlasting in the memory of his countrymen. For on the battleground at Gettysburg, this is what he said:
*

He said: "That from these honored dead we take increased devotion to that cause for which they gave the last full measure of devotion. That we here highly resolve that these dead shall not have died in vain. That this nation under God shall have a new birth of freedom and that government of the people, by the people, and for the people shall not perish from the earth."

M-S.

"In this temple, as in the hearts of the people, for whom he saved the Union, the memory of Abraham Lincoln is enshrined forever."

A UN AÑO...

2010-06-26T23:56:00.007-04:30

Gustav Mahler
SYMPHONIE NR.6
New York Philharmonic
Dir: Dimitri Mitropoulos
(Live Recording 10-04-1955)
(ARCHIPEL)
*

A un año de la desaparición terrena del inolvidable amigo Gabriel "Cuervo López"...

La inspiración de este modesto BLOG ha sido mi admiración por el titánico trabajo dejado por El Cuervo en el suyo propio, y de alguna manera ARPEGIO, al igual que otros Blogs hermanos, es descendiente ó al menos tributario de aquella gran enciclopedia virtual cuerviana, respetando las abismales diferencias.

Su pasión por Mahler no la he conocido en más nadie, y su discoteca mahleriana debe ser hoy todo un patrimonio cultural... En una de mis últimas correspondencias con El Cuervo le pregunté sobre la grabación que hoy presento, y no la poseía, y hasta donde sé nunca llegó a escucharla. De todas las sinfonías mahlerianas probablemente su gran pasión era la 6ta, y su versión favorita era su enguerrilladamente defendida grabación de Solti, que muchísimas diatribas levantó en los foros de discusión.

Buena como es esta grabación de Solti, la 6ta es una obra con un rango dinámico y expresivo que acepta casi cualquier tipo de enfoque, desde el sombrío estoicismo espartano de Barbirolli hasta los límites y umbrales de la psicopatofonía de versiones como las de Bernstein ó Tennstedt.

Un referente obligado en esta sinfonía es uno de los indiscutiblemente grandes intérpretes mahlerianos: el maestro Dimitri Mitropoulos... el mismo que hizo la primera gran grabación de la 1ra, la "Titán" (entrega futura de ARPEGIO). Mitropoulos, director por una decada de la Filarmónica de New York, introdujo la 6ta sinfonía, hasta entonces una obra muy impopular e incomprendida, nada menos que en el ambiente musical de los Estados Unidos. Si bien ha dejado una grabación comercial y conocida con la orquesta de la Radio de Colonia, su verdadero hito histórico lo constituye una grabación anterior, digna de atesorar, realizada el 10 de abril de 1.955 con la Fil. de New York, y con semejante grado de intensidad y penetración del pathos mahleriano, se puede considerar como el rasero a través del cual deben medirse el resto de las grabaciones, habidas y por haber.

A tal respecto, el reputado mahlerólogo Tony Duggan escribió en su revisión a esta grabación:

"A truly great recording of this work is one by the New York Philharmonic under Dimitri Mitropoulos "live" at Carnegie Hall in 1955. Unfortunately this is only available as part of a very expensive multi-disc NYPO commemorative box called "The Mahler Broadcasts" but is the one performance in that box that cries out for individual release. I’m still using this survey to make a strong plea that the orchestra authorities contribute to the Mahler discography and licence it to one of the major companies as the remastering engineers have certainly done it proud. One critic described this as a "dramatic, intense reading of molten heat and energy" and I wouldn’t disagree with that. Mitropoulos was a Mahler pioneer who gave the first American performance of this work in 1947 and it’s extraordinary to hear this performance when you consider that it predates all but the earliest released versions by Charles Adler and Eduard Flipse, both of which are available on compact disc still and deserve to be heard, even though I am left with the impression that even the 1950s were early days in the consideration of this forward-looking work. The playing by the New York Philharmonic for Mitropoulos more than justifies their reputation as one of the great Mahler ensembles and proves beyond doubt they could play Mahler magnificently long before Leonard Bernstein came along and usurped his old mentor.
*

The first movement begins with another superbly weighty yet also forward moving tempo, each element of the exposition crucially integrated: energetic yet reflective at the same time, classical structure maintained with expressive contours. Alma is urgently conveyed with a real sense of the "Schwungvoll" ("Gusto" or "Spirited") Mahler asks. There is no exposition repeat from this era but Mitropoulos has invoked such a sense of the "all-or-nothing" you feel you just want to press on regardless. He makes no apologies for the relentless quality to the march rhythm, of course, with really unforgiving percussion battering away at us so that the pastoral interlude with cowbells seems a welcome place to catch our breaths before the recapitulation pitches us back into the maelstrom which seems to grow out of the music. Mitropoulos proves, if proof were ever needed, that to keep the symphonic argument to the fore brings the greatest dividends.
This performance took place before publication of the work’s critical edition so it reverses the usual order of the inner movements. Mitropoulos’s cor-anglais soloist manages a fine lamenting quality at the start of the Andante, as does his solo trumpeter later with some nice vibrato, really idiomatic, charged in its nostalgic feel but absolutely part of the whole. Mitropoulos also maintains the link to the Kindertotenlieder song already noted and the whole movement is taken "in one" with just the merest assistance to the melodies from Mitropoulos. The central climax of the movement is absolutely overwhelming in its power but by virtue of its nobility. Then the scherzo is remarkable at the start for, as with the first movement’s opening, great forward momentum matched with weight. The crucial trios find Mitropoulos aware of the various changes in meter that are there, bringing out that impression of children playing on the beach Alma Mahler has left us with. I also liked the perky woodwinds of the New York Philharmonic. All in all, Mitropoulos conveys the ugliness of this music without playing it in an ugly fashion.
*

It cannot be said enough just how remarkable it is to find that in 1955 an orchestra could give such a performance as this of Mahler’s then least played and most difficult work. The opening pages of the last movement under Mitropoulos show he has appreciated their importance but he never lingers over them, showing they must be seen as prelude of the titanic drama to come. I’ll say straight away that, for me, this is the finest performance of the last movement I know. Mitropoulos keeps such a firm grip on the symphonic structure, such a single-minded concentration on pressing ahead, that the drama the movement delivers seems to hit us head on, rather like the blows of fate the hammer delivers. Note the passage 237-270 which, in more than any other version, recalls the corresponding passage in the first movement and so knits the symphony together across the movements. Then, soon after, the astonishing contribution of the trumpeters as the first hammer approaches with the latter a real blow of fate - heroic ambition emphatically stopped in its tracks. Then the "whipped" passage between the first two blows also has to be heard to be believed. So towering, so thrillingly conceived and delivered, with the orchestra playing like things possessed. Likewise in the final assault leading to the place where the third hammer blow used to be there is the same feeling as with Sanderling of the work’s "hero" going for one final throw before utter disaster. Too often we hear described the three blows of fate that fell the "hero". We never hear anywhere near enough of that which is felled, that which the hero loses and Mitropoulos seems aware of that. As I have said before, how are we to appreciate the devastating nature of what fate delivers unless we appreciate what it is that will be lost ? A man "in full leaf and flower", as Alma described Mahler at this time, must be depicted in this movement. Right up until the last note the orchestra never flags. In a studio recording this would be remarkable enough but in a "live" performance this has to be one of the great public recordings of anything, up there with Furtwängler’s Beethoven Ninth from 1942. If there is any justice this recording will become available singly at some point. If you cannot get the NYPO version by Mitropoulos but still want to experience this man’s special view of the work look out for a Cologne performance on Living Stage (LS4035155). Not quite as compelling as in New York but still formidable in its own way and a Mitropoulos Mahler Sixth to treasure."

La Petición y anhelo del Sr. Duggan han encontrado finalmente respuesta a través de ese maravilloso sello que es ARCHIPEL, que ha obtenido los derechos de esta grabación, y la ha reeditado en un fabuloso disco que se encuentra ya disponible a la venta.

Sirva esta entrega de homenaje y de cálido recuerdo al amigo que ya no está, pero que tantas horas de esparcimiento me brindó, y del que tanto aprendí... "No está muerto, se fue de viaje por un millón de años, quizá un poco menos."

"Cuando un amigo se va queda un espacio vacío que no lo puede llenar la llegada de otro amigo. Cuando un amigo se va se queda un árbol caído que ya no vuelve a brotar porque el viento lo ha vencido..."

Las obras completas para piano y orquesta de Schumann.

2010-06-20T12:09:00.005-04:30

Robert Schumann
PIANO CONCERTO in A minor, Op. 54.
INTRODUCCION & ALLEGRO APPASIONATO, for piano & orchestra in G major, Op. 92
INTRODUCCION & ALLEGRO, for piano & orchestra in D minor, Op. 134.
Murray Perahia, Piano
Berliner Philharmoniker
Dir: Claudio Abbado.
(SONY)
*

Continuando con las conmemoraciones al bicentenario del nacimiento del gran Robert Schumann.
*
El presente disco es una muy asertiva e inteligente selección de todas las obras para piano y orquesta de Schumann, quien al contrario de lo comunmente creído, compuso otras dos obras concertantes para este instrumento. El concierto de Schumann, el Op.54, es el prototipo más puro del concierto romántico, y que sienta diferencias con respecto al estilo de los grandes conciertos posrománticos, como el de Tchaikovsky ó el de Grieg.
*
Perahia es excelente y soberbio pianista, y aca en estas grabaciones demuestra toda su genialidad. Abbado, director definitivamente de los grandes, pero con muchas altas y bajas, no tuvo precisamente sus mejores producciones durante su década al frente de la Filarmónica de Berlín, pero entre las honrosas excepciones cuentan, aparte de su ciclo de Brahms y sus lecturas expertas en compositores contemporaneos, sus grabaciones de Schumann.
*
Disco esencial para toda discoteca básica de Schumann. Disponible para la compra (recomendable) en http://www.amazon.com/.
*
M-S.

Petrouchka

2010-06-15T22:14:00.004-04:30

Igor Stravinsky
PETROUCHKA (versión original de 1.911)
New York Philharmonic
Dir: Pierre Boulez.
(SONY)
*

Petrouchka ó Petrushka (Francés: Pétrouchka; Ruso: Петрушка) es uno de los tres grandes ballets compuestos por Igor Stravinsky, en conjunto con La Consagración de la Primavera y El Pájaro de Fuego. Stravinsky compuso otros ballets, pero no en las proporciones de ésta gran trilogía.

*
Petrouchka es la historia de una marioneta tradicional rusa, Petrouchka, hecha de trapos y rellena de aserrín (conozco gobernantes similares), que a la manera de Pinocho cobra vida y experimenta emociones. Es una obra única y de originalidad asombrosa que fusiona música, ballet, coreografía e historia en balance perfecto, en persecución de la obra de arte perfecta.

*
Stravinsky compuso la música durante el invierno de 1.910-11 para la compañía de Sergei Diaghilev. La premiere tuvo lugar en Paris, en el Théâtre du Chatelet , el 13 de junio de 1.911, bajo la batuta de Pierre Monteux, con coreografía de Mikhail Fokine y escenografía de Alexandre Benois. El rol titular dancístico corrió a cargo del célebre bailarín compatriota del compositor, Vaslav Nijinsky. Siendo la producción del estreno en líneas generales muy exitosa, no dejó de provocar reacciones divididas entre el público, aunque no como el célebre zafarrancho que ocasionó La Consagración de la Primavera. La receptividad no fue la misma en otros centros musicales europeos. La Filarmónica de Viena, por ejemplo, se negó a tocar la obra, por considerarla "música sucia".
*

Existen dos versiones de la obra: la original de 1.911 y la revisión del propio Stravinsky hecha en 1.947.

Versión original de 1.911: Ha sido hasta el momento la preferida por los intérpretes y la que cuenta con más grabaciones, no sin razón, puesto que el despliegue orquestal es mayor y más colorido.
*

Versión revisada de 1.947: está orquestada para una agrupación menor, requiriendo una flauta menos, dos oboes menos, pero con la adición de un corno inglés... un fagot menos, pero incluyendo un contrafagot. Stravinsky elimina las dos cornetas pero adiciona una trompeta. De igual manera elimina los instrumentos de percusión fuera de escena, así como el Glockenspiel, y deja sólo un arpa. En líneas generales es una versión de atmósfera más íntima, pero en general menos satisfactoria.
*

Entre versiones en disco, hay varias dignas de mención. Vale la pena destacar la maravillosa versión en stereo de Pierre Monteux, el mismo director que estrenó la obra, pero muchos años después dirigiendo la Sinfónica de Boston, en una lectura de lujo. Entre grabaciones posteriores emerge por sobre todas la de otro gran stravinskiano, Pierre Boulez, en una lectura filosa, lujuriosa, con tiempos precisos y ritmos excitantemente abruptos, en una de las glorias interpretativas de la Filarmónica de New York. Sony ha tenido el excelente tino de incluirla junto a la también legendaria interpretación del mismo Boulez de La Consagración, con la Orquesta de Cleveland, del año 1.968. En esta entrega vuelvo a publicar La Consagración, ya tratada anteriormente en un artículo, pero con ripeo rabioso de 320 kbps para la mejor apreciación del sonido... Petrouchka, Boulez, New York...

M-S.

Stravinsky y Nijinsky, el primer Petrouchka (1911)

Cuando la conciencia de un país pierde una de sus voces...

2010-06-12T23:24:00.004-04:30

Frank Ferko
STABAT MATER
His Majestie`s Clerkes
Dir: Anne Heider.
(Cedille)
*

Mediante una hermosa obra coral vaya un pequeño pero significativo homenaje musical por la dolorosa e insustituible pérdida de ese gran periodista, poeta, personaje de medios, y sobre todo humorista venezolano y referente latinoamericano que fue Manuel Graterol Santander, mejor conocido y a recordar eternamente como "Graterolacho". Fue su voz en siempre genial prosa y en ocurrentes e hilarantes versos la expresión de la conciencia nacional venezolana, a través de un humor que desde muy temprano hizo academia. Venezuela, ésta Venezuela actual que padece y que parece disolverse en manos de dirigentes indignos, no necesitaba éste duelo adicional y por eso llora tu pérdida, Graterolacho, ahora es allá arribota, cerca del Trono Celestial, donde están disfrutando de tus coplas. IN MEMORIAM.

Manuel Graterol Santander (1935-2010) "Graterolacho"

Paul Hindemith y su Metamorfosis Sinfónica.

2010-06-05T21:57:00.003-04:30

Paul Hindemith (1895-1963)
METAMORFOSIS SINFONICA
(SYMPHONISCH METAMORPHOSEN ÜBER EIN THEMA VON CARL MARIA VON WEBER)
Staatskapelle Dresden
Dir: Otmar Suitner.
(Brilliant Classics)
*
Con dedicatoria especial al amigo y reciente pero ferviente seguidor de ARPEGIO, Kenbei.
*

Paul Hindemith no es sólo uno de los máximos exponentes de la música alemana y centroeuropea del siglo XX, sino de toda la música universal de ese siglo. Su relevancia radica en que fue uno de los más fervientes experimentadores del siglo, en contraposición al vanguardismo radical y atonal de Schönberg y de su escuela, demostrando que aún se podía innovar y crear música "seria" y de calidad dentro del sistema tonal imperante en toda la Historia anterior de la Música. Junto con Schönberg, Stravinsky y Bartók, se le considera uno de los cuatro grandes innovadores del modernismo musical. Fue Hindemith además uno de los pioneros en la creación y evolución de la llamada "música utilitaria" (Gebrauchsmusik), música para poder ser escuchada a cualquier hora del día y en cualquier situación. Hindemith sostenía que el compositor debía actuar como un artesano, al tiempo que debía mostrar en su música las necesidades sociales. En este sentido Hindemith a quien más se aproximaría en estilo sería al también alemán Karl Amadeus Hartmann. Como pedagogo, su influencia en las generaciones posteriores de compositores alemanes e internacionales ha sido muy destacada.

*
Desde muy temprano en su carrera musical, la reputación de Hindemith fue en ascenso, inicialmente por el impacto de su música de cámara y de sus primeras Operas expresionistas. Manteniéndose en el expresionismo, Hindemith logra un lenguaje idiosincrático separado de las corrientes postmahlerianas de por ejemplo Zemlinsky y Schreker, y cada vez se vuelca más hacia las corrientes neoclásicas, aunque en una concepción diferente a lo que luego hizo Stravinsky. Las grandes obras del primer período creador de Hindemith contaron con grandes, cálidos y elogiosos estrenos, y representaciones en las principales salas de concierto y de Opera de la Europa de pre-guerra. Sin embargo, aun no siendo judío, su música fue considerada "degenerada" por los censores nazis, lo cual puso en dificultades cada vez mas serias al compositor frente al régimen, quien finalmente se vio obligado a huir de Alemania.
*
Posterior a este primer período, Hindemith entra en una nueva etapa creadora de su vida artística, donde su visión creadora cambia radicalmente, dando paso a una etapa neoclásica en sus composiciones. En este sentido, trató de distanciarse lo más posible de Stravinsky y lo logró, ya que mientras Stravinsky trabajaba con variaciones sobre la música de Mozart, el germen fundamental de Hindemith era Bach. Buena muestra de ello fue su serie Kammermusik, que inició con Kammermusik no.1, el primero de una serie de siete trabajos escritos entre 1917 y 1924, en los que Hindemith trataba de imitar los conciertos barrocos, específicamente los Conciertos de Brandenburgo de Bach, aunque usando una armonía tonal mucho más amplia y añadiendo unos elementos jazzísticos y otras técnicas propias de su comtemporaneidad.

*
El exilio le valió a Hindemith el auge y esplendor de su creación artística. Por sus muchas obras se labró enorme reputación entre la crítica internacional. Tras Mathias der Maler, la obra que le valió la gloria pero también el ostracismo, el contrapunto lineal de sus composiciones se hizo menos áspero, la tonalidad apareció con más claridad, lo que implicó una mayor belleza en sus piezas, frente a la austeridad característica de sus años anteriores. De esta manera aparecieron obras maestras como Plöner Musiktag; Trauermusik (1936), escrita en menos de veinticuatro horas; la Serie Coral de canciones para los franceses, compuesta sobre poemas de Rilke (1939); el ballet Nobilissima Visione (1938), basado en la vida de San Francisco; Sinfonía en Mi desafinado (1940); Sonata para dos pianos (1942); La Metamorfosis Sinfónica sobre temas de Carl Maria von Weber (1943); La Sinfonía Serena (1945); Los Cuatro Temperamentos (1940); Ludus Tonalis (1942); la Sonata para Arpa en Homenaje a Bach (1949); Sinfonía en Re para banda; o Doce Madrigales. Entre sus conciertos para diferentes instrumentos, destacan el concierto para violín (1939) y concierto para cello (1940), aunque también los hubo dedicados al clarinete, a la trompa y al piano. La última composición de Hindemith fue su snfonía "Die Harmonie der Welt" ('La armonía del mundo', 1957).

Con el tiempo, y sobre todo en el inicio de la postguerra, la influencia de Hindemith fue declinando en favor de las corrientes extremistas de Schoenberg y Webern. La causa principal fue la oposición frontal de Hindemith hacia la dodecafonía que se imponía en las composiciones musicales, lo que incluso le llevó a calificarse a sí mismo como un anti-Schoenberg. Esto hizo que compusiese numerosas piezas satíricas en las que utilizaba once o trece notas seguidas, con las que intentó, sin resultado, cambiar el pensamiento musical de la época. Su trabajo teórico para sustituir la dodecafonía lo resumió en la publicación Unterweisung im Tonsatz ('El arte de la composición musical', 1937-1939). No obstante, su producción musical no decayó en los últimos años de su vida; en estas composiciones tardías se puede encontrar una angustia antes no reflejada. Incluso en su última obra, Die Harmonie del Welt, quizá cansado de lo infructuoso de su empeño, se permitió coincidir en el sonido con las últimas composiciones de Schoenberg.
*
Paul Hindemith falleció en Frankfurt en 1.963, y su música en la actualidad recupera el terreno que bien se merece en la esfera interpretativa y en el mundo de la música grabada.

La Metamorfosis Sinfónica sobre temas de Weber, que motiva esta entrega, constituye una de sus obras más famosas, populares y conocidas y fue compuesta por Hindemith en 1.943. La idea de componer un trabajo basado en música de Weber fue inicialmente el encargo de un ballet por parte del coreógrafo Léonide Massine. Después de estudiar la música de Weber, la idea terminó sin convencer al compositor, y en su lugar compuso la Metamorfosis.

La obra se divide en cuatro partes:

1-Allegro
2- Scherzo (Turandot): Moderato - Lively
3- Andantino
4- Marsch

Los temas weberianos escogidos por Hindemith, parten de la música incidental que aquel compuso para el libreto de Carlo Gozzi, Turandot, el mismo que inspiró a la inmortal Opera de Puccini.
*
La obra fue estrenada el 20 de enero de 1.944, a cargo del director Artur Rodzinsky, dirigiendo la Filarmónica de New York.

La grabación presentada en esta entrega, a cargo del recientemente desaparecido gran maestro Otmar Suitner pone de relieve la grandeza de esta música. Interpretación impoluta, cargada en contrastes y atenta a los balances, equilibrio sonoro y fuerte acentuación en todos los departamentos de la orquesta, de particular relieve la exquisita percusión, uno de los fuertes en todas las obras orquestales de Hindemith. Una verdadera joya y otro aporte en forma de homenaje a ese gran maestro que aún no se valora en su justa medida, mientras que nombres de actualidad y Rockstars de calidad oscilante y por verse como Dudamel son los que se llevan el centimetraje de los críticos.

M-S.

Todo Tchaikovsky: El Concierto para Violín,

2010-05-29T22:54:00.004-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky
VIOLIN CONCERTO, Op.35
Jascha Heifetz, Violín
Chicago Symphony Orchestra
Dir: Fritz Reiner
(RCA)
*

¿Qué màs se puede decir sobre el concierto para violín más popular de todo el repertorio? ¿Qué melómano que se digne de tal nombre no lo conoce? Esperando que el abreboca introductorio ejecutado por Viktor Tretyakov haya sido del agrado de los escuchas entraremos en una grabación totémica que hasta el día de hoy es motivo de ritual sagrado.

Tchaikovsky solía pasar dificultades a la hora de encarar obras concertantes, ya conocemos los intríngulis y desencuentros que rodearon al 1er concierto para piano, así como las circunstancias que permitieron a Fitzenhagen crear su propia versión de las Variaciones Rococó. El concierto para violín también tuvo una gestación y estreno fuera de Rusia. Tchaikovsky lo compuso entre el 17 de marzo y el 11 de abril de 1.878, en Suiza, en circunstancias personales desastrosas, y el estreno correspondió al violinista Adolf Brodsky, secundado por el gran director Hans Richter y la Filarmónica de Viena (vaya estreno!), el 4 de diciembre de 1.881.

El concierto originalmente estaba destinado al gran violinista Leopold Auer, y de igual modo al affaire Rubinstein con el op.23, Auer declaró el concierto inejecutable, no sólo negándose a tocarlo, sino haciendo activa campaña publicitaria en contra de la obra. Finalmente Brodsky se aventuró a desafiar la censura impostada de Auer y decidió dar la premiere, pero no en Moscú, sino en Viena. El resultado de ese concierto fue un tumulto. El público vienés era de tradicion natural conservadora y sus críticos los más ponzoñosos de Europa. Mientras la mitad de la audiencia quedó eufórica ante las novedades audaces y ritmos gitanos del concierto, la otra mitad quedó espantada y le hizo la cruz a la obra. Estas reacciones, en conjunto con la crítica descarnada de Eduard Hanslick, al contrario de desalentar a Brodsky, lo envalentonaron a seguir tocando el concierto, obteniendo mayor éxito en Londres, y uno estruendoso y rotundo cuando por fín fue llevado a Moscú. Los críticos quedaron a la final en ridículo y el propio Auer años más tarde reconoció su error, enseñándolo luego a sus discípulos, entre los que se encontró nada menos que Jascha Heifetz, el motivo de este escrito.

El concierto planteaba retos increibles y avances revolucionarios para el mundo musical europeo decimonónico de los 80`s, de allí el rechazo inicial a la obra (como suele suceder ante lo verdaderamente revolucionario), pero una vez que las dificultades pudieron ser afrontadas y resueltas por las diferentes generaciones de violinistas, el concierto fue alcanzando posiciones hasta alcanzar el lugar que hoy tiene y merece.

Siendo que se trata del concierto más popular de todo el repertorio (lo cual no implica necesariamente que sea el mejor, pura y musicalmente hablando), todo violinista con algun lugar relevante en la historia del instrumento ha tenido que abordarlo, por lo que es de imaginar que grabaciones hay decenas y decenas. Es un concierto que se presta para conocer la personalidad de cada uno de los intérpretes, desde el sanguíneo virtuosismo del gran Jascha Heifetz, la calidez romántica de Milstein y Stern, pasando por el cerebral David Oistrakh, el estoicismo objetivista de Kogan y hasta la estandarización desromantizada que apreciamos en los violinistas del presente. Jascha Heifetz marca un hito importantísimo en este concierto, y en su célebre grabación secundado por otro grande, el director Fritz Reiner, se logró una cumbre olímpica, de la cual se puede decir que hasta ahora no se supera en altura. Dentro de las grabaciones que han pasado la prueba del tiempo y el consenso casi unánime de todos los melómanos, críticos, expertos y no tan expertos, esta es una de ellas, por lo cual no puede faltar en ninguna colección de música que se considere respetable, y menos en una discoteca básica tchaikovskiana. Esta es , pues, una joya esencial de la serie Todo Tchaikovsky.

*
M-S

Jascha Heifetz

Completando a Sibelius

2010-05-25T11:40:00.002-04:30

Jean Sibelius
EL CISNE DE TUONELA
SUITE KARELIA
EN SAGA
The Philadelphia Orchestra
Dir: Eugene Ormandy
(SONY)
*

Con esta entrega finalizo este maravilloso disco que recoge las obras más populares de Sibelius. Mención especial al Poema Sinfónico En Saga, que en ejecución de Ormandy es algo realmente fuera de serie. Ya el amigo y colega Julio Salvador puede completarlo.

*
M-S.

La Isla de los Muertos.

2010-05-19T22:54:00.005-04:30

Sergei Rachmaninov (1873-1943)
TOTENINSEL, Op.29
Minneapolis Symphony Orchestra
Dir: Dimitri Mitropoulos.
(CBS-Masterworks Heritage)
*

Sin intención hasta ahora he descuidado a uno de mis compositores preferidos, Sergei Rachmaninov. Compensaré en lo sucesivo esa omisión.

Rachmaninov fue aparte de gran pianista, gran compositor y gran director de orquesta. Una de sus obras insignia, la 2da Sinfonía, fue completada en 1.907, seguida en 1.909 por su gran Poema Sinfónico "La Isla de los Muertos". La obra está inspirada en una pintura bien conocida del artista suizo Arnold Böcklin, del mismo nombre, la cual muestra a Caronte, el barquero del Hades, quien conduce a los muertos a través del río Styx en su viaje al inframundo, y en cuyo camino fluvial se encuentran los riscos y acantilados de la ominosa isla.

Como es usual en su obra, Rachmaninov hace uso constante de fragmentos del Dies Irae, el himno tradicional de la Misa de Muertos católica, y a través de su trama espectral, se sugiere la atmósfera del viaje de los muertos en la siniestra barca acompañados de Caronte. La idea sugerida es atmosférica, pues para nada se trata de música descriptiva.

A pesar de ser una obra atractivísima y con un rico colorido orquestal, no parece aún ser una de las obras más populares de Rachmaninov. Las grabaciones existentes no son demasiado abundantes, y sólo se puede considerar a unas pocas como totalmente asertivas.

Dimitri Mitropoulos fue sin duda una de las grandes batutas del siglo XX, especialista en el gran repertorio romántico, pero también gran promotor de los contemporáneos de ese siglo. Dado que fue mas o menos contemporáneo con Rachmaninov, fue uno de los primeros intérpretes de "Toteninsel" y uno de los primeros en grabarla. Antes de ser titular de la Fil. de New York, Mitropoulos regentó la Sinfónica de Minneapolis, a la que llevó a un altísimo nivel artístico y de la cuya asociación quedan espléndidas grabaciones.

Una de esas grandes grabaciones inmortales es este registro de "La Isla de los Muertos" , que data de 1.941, y que para muchos es la más grande interpretación realizada hasta el presente. Efectivamente su increible contraste dramático, sus tiempos abruptos y la brillante ejecución orquestal hacen de esta grabación uno de los grandes tesoros de toda la música grabada. A pesar de la antiguedad de la grabación (casi 70 años!), la edicion remasterizada por Sony es extraordinaria y hacen al sonido bastante más que aceptable. Les invito a explorar esta auténtica joya.

*
M-S.

La Isla de los Muertos, por Arnold Böcklin (1883)

Prokofiev: Piano Concerto Nr.2

2010-05-15T20:12:00.002-04:30

Sergei Prokofiev

PIANO CONCERTO NR.2, Op.16

Yundi Li, Piano

Berliner Philharmoniker

Dir: Seiji Ozawa.

(DG)

A continuación un disco salido relativamente reciente y que incluye los conciertos Nr.2 de Prokofiev y el concierto en sol menor de Ravel. Probablemente ha pasado con todos ustedes que particularmente una obra no les haya dicho nada por mucho tiempo, hasta que por fin escuchan una interpretación que les hace elevar las cejas y decir WOW!! Había sido hasta este disco mi caso con el Nr.2 de Prokofiev, que no me decía mucho, sin embargo tras la audición mi valoración y opinión han cambiado. Había leido varias criticas alabando a este joven pianista que es Yundi Li, pero hasta este disco aun no escuchaba nada de él. Debo decir que al menos en Prokofiev, la maestria ejecutoria de Li iguala a cualquiera de los que ha rozado el cielo tocando estos conciertos. La ejecutoria de Li es perfecta, asertiva, mercurial y transparente y el acompañamiento magistral de Ozawa, hacen de esta la grabación perfecta del Nr.2 de Prokofiev, igualando al menos a cualquiera que se quiera presentar como referencia. La toma del sonido es muy buena y proviene de un concierto en vivo, y el aplauso estruendoso al final lo dice todo. Acompaña a esta obra el concierto de Ravel. Aca las cosas cambian. Conociendo interpretaciones verdaderamente ravelianas, incluso Bernstein tocando él mismo el concierto con la ONF de una forma posesa, la lectura de Li luce fría y con pocas texturas, resultando una ejecución solo justa, mas nada. El valor del disco viene dado definitivamente por el Nr.2 de Prokofiev y por eso solo este concierto traigo a consideración.

M-S.

"Yundi Li turns in a scorching performance of Prokofiev's most exciting piano concerto. In the first movement not even monster banger Alexander Toradze throws off more fireworks in the cadenza that comprises nearly 50 percent of the first movement, and yet Li also shapes the music with purpose and a very keen sense of climax. The second-movement toccata flies by at a breathtaking pace so quickly in fact that articulation threatens to become blurred; but somehow both Li and the Berliners under Ozawa manage to hang together. From there on it's smoothsailing, with perfectly paced and transcendently virtuosic accounts of the two final movements (this concerto has no real slow movement at all). The Berlin Philharmonic plays with notably more weight and conviction than it does in Ozawa's dullest-ever Prokofiev symphony cycle...".David Hurwitz.

Sibelius: Valse Triste.

2010-05-11T21:05:00.002-04:30

Jean Sibelius

VALSE TRISTE

The Philadelphia Orchestra

Dir: Eugene Ormandy

(CBS-SONY)

El Valse Triste formaba parte originalmente de la música incidental que Sibelius compuso para su título "Kuolema". Más tarde, en 1.904, el compositor decidió arreglarlo y publicarlo como obra separada, quedando como hoy lo conocemos.

De nuevo, Eugene Ormandy, sibeliano de los mejores, con su orquesta de Philadelphia, nos traen en este disco una interpretación modélica. Para el amigo Julio Salvador...

M-S.

Todo Tchaikovsky: Feliz Cumpleaños Piotr Ilich!

2010-05-07T22:35:00.004-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky

VIOLIN CONCERTO, Op.35

Viktor Tretyakov, Violin

USSR RTV Large Symphony Orchestra

Dir: Vladimir Fedoseyev

(Melodiya)

En el 170 aniversario del nacimiento del Gran Trágico Ruso...

Iniciando la primera de varias entregas concernientes a las mejores grabaciones del fabuloso concierto para violín. En lo particular, me parece que ninguna de las grabaciones hechas por artistas de nuevas generaciones y vigentes se acerca a los grandes intérpretes del pasado(Heifetz, Stern, Oistrakh, Kogan, Milstein...). La siguiente entra en ese selecto grupo y se trata de una transcripción en mp3 de un LP que me ha resultado extraordinaria. Aunque se trata de la versión original que incluye un final más largo, con reexposiciones si se quiere innecesarias del tema virtuoso, la grabación a considerar es una joya digna de esta celebración.

M-S.

La Hija de Pohjola.

2010-04-30T19:13:00.003-04:30

Jean Sibelius

POHJOLAS TOCHTER, Op.49

New York Philharmonic

Dir: Leonard Bernstein.

(CBS-Sony)

Complaciendo peticiones, particularmente en dedicatoria al amigo y colega Julio Salvador.

Leonard Bernstein fue otro de los grandes directores sibelianos, y su registro de este hermosísimo poema sinfónico da testimonio de su maestría. Viene en este disco acompañando al Finlandia ya presentado y a otras piezas famosas que se completarán en una última entrega.

Sibelius compuso su Op.49 en 1.906. Originalmente Sibelius proyectó el título de Väinämöinen para esta obra, en relación a uno de los personajes del Kalevala. El publicista Robert Lienau insistió entonces en el título Pohjolas Tochter (La hija de Pohjola), que fue aceptado luego por el compositor. La hija de Pohjola fue el primer trabajo que Sibelius publicó bajo una editorial alemana. Para sorpresa, la premiere de esta obra se llevó a cabo en Sankt Petersburg, en Rusia, en diciembre de 1.906 con el compositor mismo dirigiendo la Orquesta del Teatro Mariinsky.

*
Este pasaje del Kalevala proviene de la 8va Runa, que narra la historia de "Väinämöinen y la doncella de la granja del norte". El viejo Väinämöinen conoce y se enamora de la "Hija del lejano Norte (Pohjola)", quien se presenta sentada en un arcoiris, vestida de oro mientras de desplaza en un trineo (muy finlandés eso). Väinämöinen pide su mano, pero ella responde que sólo se unirá al hombre que cumpla determinadas tareas casi imposibles, como atar un huevo con nudos invisibles ó construir un barco con los restos de su rueca de hilar. Dadas sus habilidades de mago, Väinämöinen acepta los retos, pero en el ínterim se enfrenta a unos demonios malignos y resulta herido con la aguja de la rueca, y ante la burla sarcástica de Pohjola, renuncia a sus pretensiones y sigue su viaje solo.

Este poema sinfónico se constituye en una de las mejores obras de Sibelius, volcado en estructura hacia las formas de Richard Strauss, pero con un lenguaje finés indudable. La versión aca presentada hasta el momento tiene pocos competidores.

M-S.

Todo Tchaikovsky: Variaciones Rococo (original)

2010-04-27T14:30:00.003-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky

ROCOCO VARIATIONS, Op.33

Raphael Wallfisch, Cello

English Chamber Orchestra

Dir: Geoffrey Simon.

(Chandos)

Complaciendo peticiones, las Variaciones Rococo, en su versión original, tal como las compuso Tchaikovsky, sin ninguna de las intervenciones de Fitzenhagen.

Corresponderá al escucha evaluar y comparar para encontrar las diferencias y cual versión les complace más.

M-S.

Finlandia.

2010-04-24T18:58:00.002-04:30

Jean Sibelius
FINLANDIA, Op.26
The Philadelphia Orchestra
Dir: Eugene Ormandy.
(CBS-SONY)
*

Finlandia es una de las obras orquestales más queridas, conocidas y populares de todo el repertorio y probablemente la mejor obra orquestal de corte nacionalista creada alguna vez.

La obra fue escrita originalmente en 1899 y posteriormente revisada en 1900. La pieza dura aproximadamente siete minutos, se desarrolla en tres diversos escenarios anímicos, una primera parte turbulenta y oscura, que representa la opresión del pueblo finés durante mucho tiempo bajo el yugo ruso, una segunda parte con gran y brillante despliegue orquestal en modo maestoso que representa la lucha contra el intruso opresor, y finalmente una conclusión que se manifiesta como un himno de reivindicación y esperanza. La obra desde su estreno fue un éxito rotundo, logrando burlar la censura zarista y convirtiéndose en consigna patriótica y canto a la libertad.

Dada la popularidad de esta bellísima pieza sinfónica, no es de extrañar que existan muchas grabaciones hechas por los más diversos directores y orquestas, tanto en su versión pura orquestal, como en la versión que incluye coros. De las versiones orquestales, hasta el momento no hay ninguna que se iguale a la legendaria grabación de Eugene Ormandy con su Orquesta de Filadelfia. Ormandy no sólo fue un gran sibeliano, sino que fue amigo cercano del compositor, y la calidad de esta interpretación revela mucho más que un compromiso.

M-S.

Sibelius y Ormandy

En el Bicentenario de Schumann (II)

2010-04-18T18:56:00.003-04:30

Robert Schumann

Cello Concerto, Op.129

Mstislav Rostropovich, Cello

Leningrader Philharmonie

Dir: Gennadi Rozhdestvensky.

(DG)

En el marco de nuestro primer aniversario, celebrando las primeras 100.000 visitas al Blog y en el año centenario del gran Robert Schumann, una de las mejores obras de su creación.

Crear un buen concierto para cello es un gran reto y que sólo algunos de los grandes lograron superar. Mozart no lo hizo. Beethoven no se atrevió y resolvió su carencia con el Triple Concierto que atenuaba los problemas técnicos que plantea el cello solista frente a una orquesta. Quitando las libertades de forma de compositores contemporáneos (Shostakovich, Elgar, Walton), no hay en períodos anteriores muchos conciertos verdaderamente buenos para cello. Poniendo como la más alta cumbre de la expresión al milagro que es el concierto de Dvorak, probablemente el de Schumann pueda ocupar el segundo lugar. Es una obra maravillosa, idiomáticamente expresiva a pesar de la gran economía en su composición, significando el más puro estilo romántico embrionario germánico de la primera mitad del siglo XIX.

De entre la pléyade de interpretaciones que existen de este concierto, probablemente no hay ninguna que haya capturado mejor todos los elementos resaltantes de esta obra que la que hicieron Rostropovich y Rozhdestvensky, más o menos para la época en que hicieron su igualmente fabulosa versión de las Variaciones Rococó de Tchaikovsky, recientemente presentada por aca.

Siguiendo pues con este homenaje al bicentenario del natalicio de Schumann que durará el resto del año, disfruten de su concierto para cello.

M-S.

1er Aniversario de ARPEGIO.

2010-04-11T16:03:00.006-04:30

Sir Michael Tippett

A CHILD OF OUR TIME, Oratorio (El Niño de nuestro tiempo)

Jessye Norman, Janet Baker, Richard Cassilly, John Shirley-Quirk, Solistas.

BBC Symphony Orchestra

Dir: Sir Colin Davis.

(PHILIPS)

ARPEGIO celebra su primer aniversario como Blog de Música Académica, y desea hacerlo mediante esta entrega especial, una obra única y de gran relevancia.

"A Child of Our Time" (El Niño de nuestro tiempo ó El Niño de nuestra era) es la obra coral más importante compuesta por Sir Michael Tippett y uno de los mas grandes Oratorios de toda la música británica. Compositor bastante irregular, Tippett compuso bastantes fruslerías, pero entre sus obras rescatables resalta por sobre todo este Oratorio, escrito entre 1939 and 1941.
*
El Oratorio está inspirado en eventos ocurridos en 1.938, como prolegómenos a la II Guerra Mundial: Herschel Grynszpan, un joven judío refugiado en París, asesinó al diplomático alemán Ernst von Rath. Este incidente sirvió de perfecta excusa a la dirigencia nazi para desencadenar la primera gran ola de violencia contra todos los judíos de Alemania en lo que se conoció como la Kristallnacht.

*
La fuerte impresión de estos acontecimientos estimuló a Tippett a componer el libreto para el Oratorio, mostrando sus fuertes creencias pacifistas y su convicción del ser humano como una mezcla de "luz y sombra". El título de la obra proviene de la novela escrita en 1.938 por Ödön von Horváth, Ein Kind unserer Zeit (A Child of Our Time). Tippett comenzó la composición el 5 de Septiembre de 1.939, dos días después de la declaración de guerra de la Gran Bretaña a Alemania. El Oratorio está decididamente marcado por el estilo formal inglés impuesto desde Händel, pero también claramente volcado hacia el lenguaje del siglo XX, con elementos provenientes del Jazz y de los Spirituals afroamericanos. El resultado es una obra única en su estilo.
*

Estructure
*

First part:
Chorus: The world turns on its dark side
The Argument & Interludium: Man has measured the heavens
Scena: Is evil then good?
The Narrator: Now in each nation there were some cast out
Chorus of the Oppressed: When shall the usurer's city cease?
Tenor Solo: I have no money for my bread
Soprano Solo: How can I cherish my man?
A Spiritual: "Steal away to Jesus"
*

Second part:
Chorus: A star rises in midwinter
The Narrator: And a time came
Double Chorus of Persecutors and Persecuted: Away with them!
The Narrator: Where they could, they fled
Chorus of the Self-righteous: We cannot have them in our Empire
The Narrator: And the boy's mother wrote
Scena: The Mother, the Uncle and Aunt, and the Boy: O my son!
A Spiritual: "Nobody knows the trouble I see"
Scena: Duet: The boy becomes desperate
The Narrator: They took a terrible vengeance
Chorus: The Terror: Burn down their houses!
The Narrator: Men were ashamed
Spiritual of Anger: "Go down, Moses"
The Boy Sings in his Prison: My dreams are all shattered
The Mother: What have I done to you, my son?
Alto Solo: The dark forces rise
A Spiritual: "By and by"
*

Third part:
Chorus: The cold deepens
Alto Solo: The soul of man
Scena: The words of wisdom
General Ensemble: I would know my shadow and my light
A Spiritual: "Deep river"
*
La première tuvo lugar en el Adelphi Theatre de Londres, el 19 de Marzo de 1.944, con Walter Goehr dirigiendo la Filarmónica de Londres, obteniendo un estruendoso éxito. La premiére fuera de Inglaterra tuvo lugar en 1952, en Haifa, Israel, concierto en el que estuvo presente el padre de Herschel Grynszpan. Herschel Grynszpan fue deportado a Alemania en 1.94o después de la caida de Francia y estuvo en cárceles y campos de concentración hasta finales de 1.943, momento a partir del cual no se supo más nada de su destino.

Sirva además esta entrega como Homenaje a las víctimas de Katyn, cruelmente masacradas hace 70 años por la brutalidad criminal estalinista, cuya conmemoración que se iba a celebrar ayer fue empañada por el trágico accidente aéreo que segó las vidas de parte de la actual élite polaca, incluyendo al presidente, en una de esas macabras ironías históricas. Paz a las almas de todos.

M-S.

Ferenc Fricsay y El Moldava.

2010-04-09T22:34:00.002-04:30

Bedrich Smetana

DIE MOLDAU (EL MOLDAVA)

Berliner Philharmoniker

Dir: Ferenc Fricsay

(DG)

Como preludio al 1er aniversario de ARPEGIO.

El Moldava es la obra por la que Smetana ha pasado a la inmortalidad, y no sin razón, pues se trata de una de las obras orquestales más hermosas y magistralmente inspiradas que alguna vez se haya creado.

Como bien se sabe, este poema sinfónico es una de las partes que conforma el ciclo llamado "Mi Patria" (Ma Vlast), pero resalta sobre el resto por la magia que irradia desde el mismo comienzo dionisíaco de la flauta dialogando con las cuerdas.

Ferenc Fricsay, gran batuta y talento truncado por una muerte precoz, fue un experto en la interpretación de esta obra, llegando en su tiempo a considerarse el auténtico dueño de la misma. Su famoso video ensayando la obra con su orquesta de la RIAS berlinesa es revelador por el maníaco empeño de Fricsay en afinar hasta el menor detalle e impoluta sincronización de la orquesta hasta dar con el sonido perfecto y puro.

Sin embargo, de las grabaciones dejadas por el maestro húngaro, la presente hecha con la Filarmónica de Berlín (la orquesta de su potencial rival, Karajan) es la más imponente y expresiva de todas. Provoca brincar en bravos cuando la misma finaliza. Digna pieza de celebración de aniversario.

M-S.

Todo Tchaikovsky: Valse-Scherzo.

2010-04-07T18:11:00.002-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky

VALSE-SCHERZO, Para Violín y Orquesta, Op.34

Itzhak Perlman, Violin

Leningrader Philharmonie

Dir: Yuri Temirkanov.

(RCA)

Las obras cortas del Gran Trágico Ruso se pueden considerar auténticas piezas de bombonería musical. Pequeñas pero con mucho sabor.

La obra musical de Tchaikovsky para violín y orquesta comprende su temprana Serenata Melancólica, ya presentada; el Valse-Scherzo, originalmente compuesto para violín y piano y luego arreglado con acompañamiento orquestal; y finalmente el Concierto para Violín, que viene en entrega próxima. De cualquier modo, los pasajes para solo de violín son abundantes en toda la obra del compositor, a los cuales era muy afecto.

En 1.990 el sello RCA editó este interesante disco como tributo a los 150 años del nacimiento del compositor. Lo seleccionado está acertado y en general es un disquito simpático, y dentro de los mejor que tiene está esta interpretación del Valse-Scherzo.

M-S.

Requiem de Mozart.

2010-04-04T18:19:00.002-04:30

Wolfgang Amadeus Mozart
REQUIEM, K.626 (Versión Süssmayr)
Karl Ridderbusch, Hans Haselböck, Edith Mathis, Wieslaw Ochman
Wiener Philharmoniker
Dir: Karl Böhm
(Deutsche Grammophon)
*

Para culminar la conmemoración de la Pascua, otra gran obra coral, de trascendencia universal, en probablemente la lectura más reverencial, implacable y apocalíptica de cuantas se han hecho.

*
M-S.

Franz Xaver Süssmayr: Requiem

2010-04-02T22:21:00.003-04:30

Franz Xaver Süssmayr

REQUIEM

St. Olaf Choir

St. Paul Chamber Orchestra

Dir: Andreas Delfs.

(Saint Olaf Records)

En la conmemoración del Viernes Santo...

Franz Xaver Süssmayr es recordado y acaso conocido hoy día por haber completado el universalísimo Requiem de su mentor, Wolfgang Amadeus Mozart. Sin embargo, el asistente del gran genio de Salzburgo tuvo también su producción propia, en la que se cuenta este interesante, hermoso, pre-romántico y de breves alcances Requiem.

-classicstoday.com Review:

"Any recording by the St. Olaf Choir is worth attention, and although the catalog is hardly desperate for another Mozart Requiem, this program offers an intriguing coupling--what purports to be the modern "premiere" of Franz Süssmayr's own Requiem, likely written sometime after his celebrated (and sometimes maligned) effort to complete Mozart's beloved yet unfinished setting. There's absolutely nothing wrong with the singing here--you can count on this choir to be fully prepared for whatever it undertakes, and Anton Armstrong is America's pre-eminent choral conductor. If you've had the good fortune to hear one of the choir's concerts, you know how good choral singing can be, and you know the glory of inspired, focused ensemble performance. Ironically, it's the quality of the live concert recording, and the strikingly contrasting ambience from two different venues, that compromises the otherwise superb work by the performers, including a very fine group of vocal soloists and a solid, reponsive orchestra.
*

For the Mozart, the sound is acceptable in that you can make out most of the detail in the choral parts, and the solos and quartets are well-balanced; but the orchestra often sounds as if it's mixed in with the singers, so in the tuttis you have trouble separating choir from instruments, either spatially or texturally--undoubtedly a function of concert conditions, but nevertheless a definite concern for CD listeners. Interpretively, there's no lack of energy or attention to the text, and, some idiosyncratic Latin pronunciation aside ("ekselsees", for example), this is as satisfying and reliable a performance as the best in the catalog.
*

The Süssmayr Requiem is one of those works whose obscurity is pretty much deserved--there's absolutely nothing special or original or compelling about it, and yet it retains significant value for its clues to the composer's own style and, most importantly, to his methods and compositional solutions to matters of text setting, orchestration, harmonization, and fundamental aspects of choral/orchestral structure. The one thing that looms large after listening for a few minutes: how could this composer be the same one who completed Mozart's work? There are a few moments of cleverness and even high competence--but you have to conclude that in finishing Mozart's Requiem he must have had some serious help, most likely in the form of sketches that he either destroyed or were accidentally lost. The sonic cast for this part of the CD is more resonant than for the Mozart, and the performers are closer, yielding a somewhat strained quality to the strings--and worse, making them seem out of tune at times (directly attributable to faulty miking, not the playing). Again, the singing is superb, giving Süssmayr's Requiem as committed and highly polished a performance as we could ask for--and perhaps better than it has a right to expect!
*

The uncredited writer of the liner notes shares my view that while we may wish for--and modern scholarship urges--some "improvement" on Süssmayr's flawed completion of the unfinished work of a genius, nevertheless, it's really the best we have, and it bears an authenticity--after all, Süssmayr was at Mozart's side during his last days--that no modern author, no matter how well-intentioned or how musicologically well-armed can claim. I have to mention, however, that this recording suffers from several bad production decisions: the basic track listings appear only on the back of the jewel-box--nothing in the liner booklet (an irritating and unnecessary inconvenience); intrusive audience noise is inexplicably left in at several points in between tracks--and similarly, loud audience applause and shouts are included at the end of the CD. No one really wants to hear this and why anyone thinks so is beyond me. And for those really paying attention, there's a rough electronic glitch about 45 seconds into the "Confutatis" movement. Finally, for some reason Mozart's work is listed only as "Requiem", without the usual key and catalog designation, Requiem in D minor K. 626--not a big deal, but another curious and unnecessary omission. This will be a definite acquisition for St. Olaf fans, but if you have a favorite Mozart Requiem, you need not worry about this one, well sung as it is. However, if you're curious about Süssmayr, this is one of the few opportunities to indulge your interest."
--David Vernier
*

M-S.

El arte de Otmar Suitner: Robert Volkmann y su Serenata Nr.2

2010-03-31T15:30:00.004-04:30

Robert Volkmann

Streicherserenade Nr.2

Staatskapelle Dresden

Dir: Otmar Suitner.

Una entrega especial, dedicada para el amigo y asiduo lector, Bubo.

Las obras grabadas para orquesta de cuerda por este insigne director, recientemente desaparecido, al frente de la que puede ser considerada la agrupación orquestal profesional más antígua del mundo, la Staatskapelle Dresden, son motivo de admiración y amplios elogios por la altísima calidad ejecutoria que evidencian. A quienes gustó la Metamorfosis de Strauss, de seguro se deleitarán con esta pieza breve, pero no desprovista de gran encanto.

Sobre Volkmann dice la wikipedia:

"Nació en Lommatzsch, Sajonia, Alemania. Su padre fue un director musical de una iglesia. Con él aprendió a tocar el órgano y el piano, así como el violín y el chelo. A los 12 años de edad ya tocaba los cuartetos de cuerda de Haydn, Mozart y Beethoven. En 1832, Robert Volkmann ingresó en el instituto de secundaria de Freiberg y estudió música con Anacker, y posteriormente en Leipzig con C.F. Becker en 1836. Justamente fue en Leipzig donde conoció a Robert Schumann, que lo alentó a proseguir su carrera musical.

*
Cuando culminó sus estudios, comenzó a trabajar como docente de canto en la Escuela de Música de Praga. No permaneció mucho tiempo, y en 1841 se mudó a Budapest, empleado como profesor de piano y crítico de la Gaceta alemana de música vienesa. En 1852 su Trío para piano en Si bemol menor cautiva a personalidades como Franz Liszt y [Hans von Bülow], que lo toman como parte de su repertorio en sus giras europeas. En 1854 se trasladó nuevamente a Viena, para retornar cuatro años después a Budapest.
*

En 1857, Gustav Heckenast compró los derechos para publicar toda la obra de Volkmann, por lo que puede dedicarse enteramente a la composición. Cuando visitó Viena en 1864 se acercó al círculo de Johannes Brahms. Después de que la editorial Heckenast se fusionara en la década de 1870, Volkmann dejó casi de componer.
*

Desde 1875 hasta su muerte, Volkmann fue profesor de armonía y contrapunto en la Academia Nacional de Música en Budapest que dirigió Franz Liszt. Volkmann falleció el 30 de octubre de 1883."

N del E: Volkmann compuso tres serenatas para orquesta de cuerdas, sin embargo quien escribe sólo conoce hasta ahora la segunda, pero se apresta a buscar el resto, si es que se han grabado... se aceptan donaciones...

Sin más, una segunda entrega para ir completando la música para orquesta de cuerdas por Otmar Suitner.

M-S.

Requiem de Artyomov.

2010-03-28T17:10:00.003-04:30

Vyacheslav Artyomov
REQUIEM
Oleg Yanchenko, Organo
Sveshnikov Boys Chorus
Kaunas State Chorus
Moscow Philharmonic Symphony Orchestra
Dir: Dmitri Kitaenko.
(Moscow Studio Archives)
*

"No está muerto, solo se fue por un millón de años, quizá un poco menos"...
*
Una obra especial para la audiencia en ocasión del inicio de la Pascua...
*
Artyomov-Requiem.
*

"Vyacheslav Artyomov has dedicated his Requiem to "Martyrs of Long Suffering Russia" and, on a scale commensurate to the immensity of the tragedy, hascreated a gigantic sound epic, a majestic monument with meticulously elaborate details, fine treatment of each feature and all- immense. A grandiose painting, it provides a subject for a long, close "contemplation" - going into and taken by semantic meaning, then it amazes one with its majesty, the might of its artistic impression. The composer's choice of the Requiem was symbolic to him for the complicity of the Russian tragedy with tragedies of the world history and for its joining with eternal spiritual values, the eventual cognition of which takes place only onthe borderline between life and death. With all this the composer interprets traditional text of the requiem in a different way, projecting it at the events of national history, comprehending it as an onlooker, an eyewitness. Canonical text becomes an impulse, a source of pictures, images - appearing in the creative mind of a composer. We perceive the continuity of Artyomov's "Requiem" with the best works of this genre in the world music, a deep, basic connection with the music of Bach. An illusion of a boundless sound space, of the cosmic scale of "action". It has a zone of associative analogies with Scriabin's Cosmos. The radiant light of the "Sanctus" addresses the listener's memory topages of "The Tale of the Invisible City of Kitezh" by Rimsky-Korsakov. And the very conception of the composition – the redemption, quiet forgiveness and rise of the spirit in the face of the eternity. It the healing conception of allgreat Russian art. One more thing should be mentioned – the integrity of the artistic language ofthe composition, the beauty as an original, ethical provision of all means, all devices of expression. No extreme devices are used to affect the audience, no pressure, no excesses - strictly classical conception of the art".

Boosey & Hawkes.
*
M-S.

Todo Tchaikovsky: Variaciones Rococó.

2010-03-26T21:18:00.004-04:30

Piotr Ilich Tchaikovsky
VARIACIONES SOBRE UN TEMA ROCOCO, Op.33
Mstislav Rostropovich, Cello
Leningrader Philharmonie
Dir: Gennady Rozhdestvensky.
(DG)
*

Las Variaciones Rococo de Tchaikovsky constituyen uno de los trabajos más populares, exquisitos y encantadores de cuantos se han creado para cello y orquesta. Es sabido que no es nada fácil componer para cello y orquesta, y ya partiendo de que no demasiados compositores se han atrevido a hacerlo, de los que lo han hecho, no han sido todos exitosos en lo que han dejado. No es el caso de Piotr Ilich por cierto, y estas maravillosas variaciones demuestran una vez más su talento y genio imaginativo, derivativo y orquestador. De hecho, aunque su estructura no lo indique, se puede considerar a esta obra como el concierto para cello de Tchaikovsky.

*
La versión más popular y que siempre se ha interpretado y conocido más no es la original del compositor, sino la arreglada por el cellista a quien fue dedicada la obra, Wilhelm Fitzenhagen. A finales de 1.876, Fitzenhagen agregó enmiendas a la parte solista de la partitura y fue finalmente estrenada la obra en noviembre de 1.877, ante la Sociedad Musical Rusa, concierto en el que el compositor no estuvo presente, pues había dejado Rusia para recuperarse de su desastroso matrimonio que lo había llevado al borde de la autodestrucción. Luego de la premiere, Fitzenhagen hizo algunas correcciones adicionales, alterando variaciones y fusionando otras, presentando la obra modificada luego al publicista Jurgenson, en una versión "corregida y autorizada por el autor". Según escribe el cellista a Tchaikovsky, cuando Fitzenhagen tocó la obra en Alemania, en el Festival de Wiesbaden, Franz Liszt se le acercó y le dijo: "al fín escuchamos de nuevo verdadera música". Probablemente esto persuadió al compositor de adoptar la versión alterada por Fitzenhagen.

*
Aun en nuestros días la versión original de Tchaikovsky, quizás más sincera y por qué no, preferible, es apenas conocida y explorada de manera de anecdótica por unos pocos aventureros.

*
De cualquier modo, la popularidad de la edición corrupta de Fitzenhagen se basa en el virtuosismo que destina por supuesto al instrumento solista, dándole más carácter romántico y quitándole ese espíritu mozartiano que quiso imprimirle en su intención original el compositor.

La versión original también podrá ser publicada, dependiendo de las reacciones de los asiduos lectores.

En cuanto a grabaciones de la versión apócrifa de Fitzenhagen, probablemente la referencia más obvia y automática sea la archifamosa versión de Rostropovich con Karajan, y siendo ciertamente excelente como es, casi todos los melómanos deben conocerla y tenerla en sus colecciones. Me iré por una alternativa que está al mismo nivel, y por qué no, va inclusive un poco más alla: el mismo Rostropovich interpreta, pero acompañado del maestro Rozhdestvensky y la Fil. de Leningrado, la orquesta de Mravinsky. Una joya para atesorar.

M-S

Portada del LP original

Richard Strauss y su Metamorfosis.

2010-03-21T01:52:00.003-04:30

Richard Strauss
METAMORPHOSEN
Staatskapelle Dresden
Dir: Otmar Suitner.
*

Richard Strauss ha sido uno de los compositores verdaderamente grandes del siglo XX. Su vida creativa se divide en tres etapas: la primera etapa, la de los grandes Poemas Tonales, de 1.888 a 1.904; la segunda, la de las grandes Operas, entre 1.905 y 1.914, y finalmente la etapa de los últimos años, donde el compositor, abatido por los avatares de la guerra y ante la inminencia de la ruina de Alemania, comienza a componer música auténticamente personal y emotiva. A este último período pertenecen la Metamorfosis y las Cuatro Ultimas Canciones, que expresan de manera nostálgica los últimos años de una gran cultura.

Hacia el final de la guerra, Strauss, anciano y abatido escribía: "El incendio del Teatro de la Corte de Munich, donde se estrenaron Tristan e Isolda y Los Maestros Cantores, donde escuché por primera vez Der Freischutz, hace 73 años, donde mi padre fue el primer corno de la orquesta durante 49 años, ha sido la peor catástrofe de mi vida y no hay consuelo posible". Para este momento se encontraba componiendo unos esbozos originalmente llamados "Dolor por Munich", que finalmente se convirtieron en la Metamorfosis para 23 cuerdas solistas.

Strauss le escribió entonces a un amigo: " La flor de la música alemana, que había florecido durante 200 años, se ha secado, su espíritu atrapado en la maquinaria, y la gloria de su corona, la Opera alemana, arrancada de cuajo para siempre; la mayor parte de sus hogares ha quedado reducida a escombros y cenizas y la mayoria de los que no han sido destruidos han terminado degradados como salas de cine... En la pobre Munich la casa en que nací, junto a la hermosa Michaelskirche, ya ha sido bombardeada... La casa de Goethe, el lugar mas sagrado de la Tierra, destruida!... Mis encantadoras Dresden, Weimar, todas desaparecidas!...Mi vida ha llegado a su fín..."

En este cuadro de desesperación Strauss compuso su Metamorfosis. Aunque jamás divulgó su contenido programático, cuando se escucha no es difícil comprender el mensaje. La música obra entonces a la manera de un adolorido y torturado requiem al fín de lo que fue una gran civilización. El dia antes de que Strauss concluyera la Metamorfosis, las tropas rusas entraban en Viena. Tres dias después comenzaba la batalla de Berlín y dos semanas después Hitler se suicidaba en su Bunker. Strauss sobreviviría aun 4 años a la debacle dejando concluida una de sus obras más significativas.

La obra fue concluida el 2 de abril de 1.945. Strauss supervisó en ensayo final, y al no quedar en Alemania orquestas estructuradas, el estreno se llevó a cabo en Suiza, donde el director Paul Sacher dirigió el Collegium Musicum de Zurich, el 25 de enero de 1.946.

La grabación dejada por el maestro Otmar Suitner, de reciente desaparición, resulta muy especial por el detalle conmovedor, balance e intensidad tchaikovskiana que resultan del conjunto de cuerdas de la Staatskapelle Dresden, que han dejado una de las mejores grabaciones realizadas hasta el momento.

M-S.

Ernst Krenek y su postmahleriana Elegía Sinfónica

2010-03-13T20:11:00.002-04:30

Ernst Krenek

ELEGIA SINFONICA PARA ORQUESTA DE CUERDAS

(EN MEMORIA DE ANTON VON WEBERN)

New York Philharmonic

Dir: Dimitri Mitropoulos

(CBS)

Ernst Krenek fue uno de los más relevantes representantes del expresionismo alemán postmahleriano del siglo XX. Discípulo de Franz Schreker, y casado y luego divorciado de Anna Mahler, hija del gran Gustav, llevó de algún modo el legado tonal mahleriano a las expresiones modernas del nuevo siglo sin entrar a comprometerse de lleno ni radicalmente con la vanguardia atonal que representaban Schönberg y su segunda escuela vienesa, pero con quienes sin embargo mantuvo contacto y relación, principalmente con Anton von Webern, tras cuya muerte Krenek compuso esta hermosa Elegía para orquesta de cuerdas, en la que de algún modo se puede rastrear influencia de la Metamorfosis straussiana. Aun siendo una pieza breve, tiene una profundidad y relevancia dignos de admiración. El gran director Dimitri Mitropoulos fue gran propulsor de las obras de Krenek, y no fue la excepción con esta obra, que estrenó en los Estados Unidos y que con frecuencia interpretó con la Filarmónica de New York. La grabación ordinariamente se consigue emparejada con su inmortal y única grabación del Wozzeck de Alban Berg. Una joya para todo coleccionista que sea digno de llevar ese nombre.

M-S.