lunes, 27 de abril de 2009

Rimsky-Korsakov: Las Suites Orquestales de sus Operas (II)


Nikolai Rimsky Korsakov
Opera Suites, Vol.2
Royal Scottish National Orchestra
Dir: Neeme Järvi
(Chandos)
1-3.- Zar Zaltan
4-7.- Kitezh.
8-11.- Le Coq D`Or (El Gallo de Oro)
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Continuando con la segunda y última entrega de las maravillosas Suites de las Operas de
Rimsky-Korsakov, obras que tienen su peso específico y que merecen ser más conocidas
e interpretadas, una pena por quienes las menosprecian, de lo que se pierden.
M-S.

martes, 21 de abril de 2009

Año 2009: Bicentenario de la Muerte de Franz Joseph Haydn.

Franz Joseph Haydn
CELLO CONCERTO IN C (Cadenzas por Benjamin Britten)
Mstislav Rostropovich, Cello
English Chamber Orchestra
Dir: Benjamin Britten.
(LONDON)


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Entre las efemérides más importantes de este año está el bicentenario de uno de los compositores sin duda más grandes e importantes de la Historia de la Música: Papa Haydn. No solo fue creador de la sinfonía moderna, sino, manteniendose bajo las formas del clasicismo, siempre lograba innovar, crear maravillosos mundos sonoros con originalidad y siempre supo dejar y satisfacer las expectativas de su público. No solo fue Haydn el gran pionero sinfonista, sino un gran y maravilloso creador de conciertos para los mas diversos instrumentos solistas, creando practicamente para todos los principales de la época (flauta, corno, trompeta, violin, oboe,clavecín, órgano y violoncello). En lo personal, me parece que la era clásica descuidó al cello como instrumento solista concertante, cosa que fue reivindicada luego con el período romántico. Salvo los maravillosos conciertospara cello de Haydn, sólo hay conciertos de importancia creados por C.P.E Bach. Mozart no compuso conciertos para este instrumento, así como Beethoven tampoco, aunque el último hizo una aproximación con su Triple Concierto. El concierto para cello en do es una de las mas hermosas piezas concertantes de Haydn y una de las mas queridas por los cellistas. Las notas del disco recomendado me parecen muy interesantes, por lo que traduzco un fragmento:
"Uno de los mas sensacionales descubrimientos en investigación sobre Haydn se efectuó en 1.962, cuando O. Pulkert, bibliotecario del Museo Nacional de Praga, encontró en una serie de manuscritos del siglo XVIII, las partes de un "Concerto per il Violoncello in Do". El trabajo fue autenticado como perteneciente a Haydn, y se estrenó al año siguiente en el Festival de primavera de Praga, convirtiéndose rápidamente en uno de los trabajos más populares en el repertorio para el cello... La presente grabación fue hecha apenas dos años después del descubrimiento". "El Concierto fue probablemente escrito en 1.765 para Joseph Weigl, el brillante cellista de la corte de los Esterházy. El primer movimiento del concierto, con ritmos alternantes convariaciones sincopadas y una atmósfera cortesana, remiten a sus obras sinfónicas tempranas de la decada de los 60`s. El final, es un tour de force de proporciones épicas, brillantemente desarrollado y es buena muestra de la culminación de todos los finales concertantes de ese período de Haydn, como ejemplo de valioso restaurador del gran ritornello vivaldiano."
La grabación recomendada, ejecutada por dos gigantes, Britten y Rostropovich, es como dice el texto, de apenas dos años después de la develación del manuscrito, y la grandeza se aprecia desde el primer acorde. Sin duda es la grabación de referencia para este concierto.
M-S.

domingo, 19 de abril de 2009

Rimsky-Korsakov: Las Suites Orquestales de sus Operas (I).


Nikolai Rimsky-Korsakov
Opera Suites (Vol.1)
Scottish National Symphony Orchestra
Dir: Neeme Järvi.
(Chandos)

1) May Night - Overture
2-5) Snow Maiden: Suite
6-10) Mlada: Suite
11-15) Christmas Eve: Suite

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El talento de Rimsky-Korsakov como uno de los orquestadores más geniales de la Historia de la Música es un hecho indiscutible. Compositor prolijo de Operas, de calidad variable, dejó un puñado de ellas que son verdaderas joyas en el repertorio operístico universal. Siendo su música orquestal de una belleza y encanto irresistibles, el compositor de manera muy acertada creó de las principales su correspondiente suite orquestal con los momentos sonoros más encumbrados. Muy por el contrario a la opinión de los "puristas" sesudos que pontifican prepotentemente en contra de estas composiciones, éstas suites son obras maravillosas que merecen el mismo lugar que las Operas, así como su interpretación y difusión más frecuentes a lo usual hasta el día de hoy. Este álbum del genial maestro Neeme Järvi es la absoluta referencia en esta antología. Como complemento anexo, la revisión del Sr. David Hurwitz.


Amazon.com "Rimsky-Korsakov's operatic suites used to be standard repertoire, but like so much attractive and colorful music, it seems that recording has absolved orchestras of the need to play them live! It's a rare day that you will find such lovely works as the Christmas Eve or Snow Maiden suite in the concert hall, so by all means invest in this comprehensive collection and enjoy them at home. This was the first project in Neeme Järvi's epic collaboration with the Scottish National Orchestra, and as is so often the case in such instances, everyone really plays their collective hearts out. Even Chandos outdoes itself in providing sound of speaker-shattering impact. A great set." --David Hurwitz

viernes, 17 de abril de 2009

Dimitri Shostakovich y sus últimas tres Sinfonías de Muerte. (I)

Dimitri Shostakovich
SINFONIA NR.13, Op.113 "Babi Yar"
Artur Eizen, Bass
RSFSR Academic Russian Choir
Moscow Philharmonic Orchestra
Dir: Kirill Kondrashin

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LA SINFONIA BABI YAR
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Pocas obras han creado tanta expectativa, conflictos y pulsos de poder en su torno a su estreno como lo hizo Babi Yar, la Sinfonía Nr.13 del genio soviético. Pensada originalmente como una Cantata basada en poemas de Yevgeny Yevtushenko, fue finalmente planteada como una Sinfonía Coral y estrenada en Moscú, el 18 de diciembre de 1.962 con la Filarmónica de Moscú, dirigida por Kirill Kondrashin.

Con la Sinfonía Nr.13 comienza el período final introspectivo en la vida creativa del gran maestro, continuado con las sucesoras 14 y 15, que se vuelca hacia los rincones más sinuosos, recónditos y oscuros del alma humana y que recogen algunas de las páginas más conmovedoras de toda la historia de la música del siglo XX.

El contenido potencialmente subversivo de los poemas de Yevtushenko que dan letra a parte de la obra, de alta crítica al antisemitismo impostado y tácito por parte del régimen comunista, ya habían encendido las alarmas en los altos círculos de la "intelligentsia" soviética, estableciéndose una censura previa, que inhibió por ejemplo al director Evgeny Mravinsky de atreverse a dirigir la obra, como de naturaleza se hubiera pensado. De igual modo, los tres primeros barítonos seleccionados para el estreno uno tras otro fueron renunciando, y finalmente Vitaly Gromadsky fue el cuarto candidato y definitivo intérprete de la premiere, aquel memorable 18 de diciembre. Dos días después quedó registrada la inmortal grabación de la obra en el sello Russian Disc, disco que actualmente es materia de un milagro conseguir, y a nivel de coleccionistas se vende usado a precios inauditos.

Babi Yar fue una provocación bien pensada, calculada y deliberada. Por fín Shostakovich sentía que había alcanzado un lenguaje que balanceaba realmente sus pensamientos con lo que decía a través de su música. Para finales de los 50´s ya se consideraba al compositor como un genio universal, y su posición, si bien no era invulnerable, estaba mucho más afianzada y segura que bajo el yugo del implacable sátrapa Stalin. Ya para 1.962 eran pocos los que se atrevían a poner dudas, objeciones o correcciones a su música. Sin embargo, desde el gobierno se hizo presión para que se cambiara la letra de las partes vocales, y así Yevtushenko tuvo que hacer modificaciones y no hacer referencias abiertas que pudieran sugerir antisemitismo en la URSS. Asímismo, se prohibió a orquestas soviéticas interpretar la obra fuera del país. En lo sucesivo, las interpretaciones serían las de la versión revisada (censurada).La obra traspasó las fronteras soviéticas en 1.970, cuando se permitió a Kurt Masur interpretarla con la Gewandhaus de Leipzig. Masur hubo de pedir permiso al partido comunista alemán para interpretarla, y se le autorizó a hacerlo siempre y cuando no fuera en Berlin. La obra se conoció en Occidente a partir del estreno dado por Eugene Ormandy con la Orquesta de Philadelphia. Se cuenta que subrepticiamente, Rostropovich, amigo de Shostakovich, pudo filtrar la partitura a través del telón de acero y llevarla a Occidente. Como se puede ver, las aventuras en torno a esta sinfonía son comparables a lo que sucedió con la difusión de la Sinfonía Leningrado.

La Sinfonía está compuesta en cinco partes, cada una de las cuales es una canción orquestal. Los poemas a los cuales Shostakovich pone música son de índole vernácula y pretende cubrir con ellos cada aspecto de la vida soviética. La estructura es la siguiente:

1.- Babi Yar (Adagio): es el movimiento que da el nombre y tema a la obra. Se basa en el poema de Yevtushenko, donde se hace crítica del nacionalismo ruso y del antisemitismo imperante, llevado por otras vías por el régimen soviético. La inspiración aparente es un homenaje que se hace en memoria a las víctimas de las horrendas masacres perpetradas por los nazis en el barranco de Babi Yar, en las afueras de Kiev.
2.- Humor (Allegretto): basado en el poema de Robert Burns llamado “MacPhersen antes de su ejecución” se amplifica la idea de Yevtushenko exaltando el espíritu de la burla, siempre inmortal y siempre resucitado.
3. En la Tienda (Adagio): este movimiento resalta las penurias de las mujeres soviéticas y sus quejas hacia las fallas del gobierno en distribuir las necesidades materiales básicas de la gente.
4.- Temores (Largo): aca se toca el tema de la represión por parte del Estado. Son notables en esta sección los efectos de la orquesta, la percusión y particularmente la tuba, que hace evocación de los “arrestos de medianoche”, retrotrayéndose hacia el mundo de la mahleriana 4ta Sinfonía.
5.- Una Carrera (Allegretto): este memorable final saluda a grandes hombres como Galileo y Tolstoy, quienes lograron reafirmarse frente a falsos cargos impuestos por el Estado… “Y sin embargo, se mueve”. Se critica a la unanimidad robótica del pensamiento y el lenguaje satírico adquiere los matices de la 8va Sinfonía y del cuarteto de cuerdas Nr.6… Magnífico final.

La grabación presentada acompañando a estas líneas es modélica en cuanto a fidelidad al lenguaje shostakoviano, en la cual director, orquesta, coros y solista se unen en una estructura musical inexpugnable. La fuerza y poder incisivo de la orquesta lucen implacables, los coros a la vieja usanza rusa se oyen con transparencia impactante y el solista de esta grabación, hecha en 1.967, Artur Eizen, supera en poder de convicción a Gromadsky, aquel valiente que la cantó cinco años antes. Dirigió de nuevo Kondrashin su Filarmónica de Moscú, resultando ser el verdadero dueño de esta obra. El célebre director la grabaría de nuevo posteriormente con la Orquesta de la Radio de Baviera, con un muy eficiente John Shirley-Quirk, pero que no alcanza el nivel de Eizen. Un saludo al maestro por haber dejado un documento histórico tan importante.














Portada del disco de la primera grabación de 1.962, cantada por Vitaly Gromadsky, las más escalofriante vista en disco alguno.

miércoles, 15 de abril de 2009

Un Director Legendario: Hermann Abendroth.


Ludwig van Beethoven
SYMPHONIE NR.9, D-moll, Op.125
Anny Schlemm, Soprano
Diana Eustrati, Alt
Gert Lutze, Tenor
Karl Paul, Bass
Rundfunkchor Leipzig
Universitätschor Leipzig
Rundfunk-Sinfonieorchester Leipzig
Dir: Hermann Abendroth
Live Recording, Leipzig, 06-01-1953
(ARCHIPEL - DESERT ISLAND COLLECTION)
Referencias: Karajan (DG-1963); Munch (EMI-Great Conductors of 20th Century)
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No suelo por lo general volver sobre obras harto tratadas en Foros y Blogs. Prefiero difundir obras menos trilladas u obras o compositores que sean novedosos. Sin embargo cuando cae en mis manos una grabación de características extraordinarias, bien vale hacer la excepción. Es el caso de esta fenomenal grabación de la 9na de Beethoven,dirigida por una de las grandes batutas de la historia, aunque aún hoy en día sin dársele su justo lugar dentro del Panteón de los verdaderos gigantes de la batuta: se trata del maestro Hermann Abendroth. La integridad musical de Abendroth es motivo de gran admiración para mí, y con mucha justicia en su tiempo llegó a considerársele al mismo nivel de Furtwängler, aunque en cierto modo se le puede considerar una antítesis, pudiendo colocarse más bien en la línea de ese otro genio que fue Felix Weingartner. He venido apreciando cada vez más su arte de un año para aca, y no dejo de quedarme maravillado. Batuta experta en el repertorio romántico alemán, las grabaciones de Beethoven, Brahms, Bruckner y otros tantos hechas por Abendroth poseen una integridad monolítica y erudita que ya hoy están hace rato perdidas entre las nuevas generaciones de directores, salvo muy honrosas excepciones. En el caso de esta 9na de Beethoven se pueden apreciar de la mejor manera las características interpretativas de Abendroth: Seguridad en tiempos y armonías, engranaje perfecto entre orquesta, solistas y coros, equilibrio entre drama, contrastes, intensidad,timbres y tiempos. El primer movimiento resume bien todo esto, seguido de un Scherzo enérgico y vivo, que reexpone el tema principal (punto muy a favor cuando escucho una 9na). Un adagio apasionado, y un final apoteósico y electrizante, que es formidablemente anunciado por la famosa entrada del bajo, con su"O freunde, nicht diese töne", por lo general para mí, inadecuado e insatisfactorio en la mayoría de grabaciones que conozco, pero poderosa y fulminantemente bien entonado en la voz de Karl Paul, tras lo cual sigue una secuencia coral y sinfónica que finalizan en su gran coda de manera gloriosa y perfectamente audible entodos sus detalles (punto débil en los finales furtwanglerianos). Abendroth tiene al menos dos grabaciones anteriores, conozco solo una de ellas, que no está al nivel de esta, pero al escuchar esta maravilla, y en un sonido increiblemente restaurado, no hay más nada que buscar. Esta ejecución es comparable en nivel a lade Furtwängler en Bayreuth, a la de Karajan de 1.963
ó a la muy celebrada de Charles Munch, editada en la serie Great Conductors of the 20th Century. Sin duda la colocaría en mi TOP 5 de grandes 9nas de Beethoven. Sin más, bajen, escuchen y aprecien.
M-S.

sábado, 11 de abril de 2009

Bach - Los 6 Conciertos de Brandenburgo - El Legado de un Pionero.


Para muchos melómanos, al igual que mi caso, Bach fue la reveladora introducción al mundo
de la Música Académica. En Bach se encuentra sin duda el ADN de la Música Occidental, a través de sus obras concertantes y organísticas, Cantatas, Motetes, Pasiones y Oratorios. Unas de las grandes obras de todo el repertorio universal son sus inmortales Conciertos de Brandenburgo.
Karl Münchinger, pionero en la ejecución de Bach, contribuyó de forma clave al resurgimiento del conocimiento de la obra de Bach en los tempranos años de la postguerra, y gracias a su labor al lado de su creación, la célebre Orquesta de Cámara de Stuttgart, dejaron un legado discográfico admirable que solo en años más recientes pudo ser equiparado por otros colegas especialistas como Karl Richter y Nikolaus Harnoncourt. A pesar de no haberse nunca inclinado Münchinger por versiones con enfoques e instrumentos originales de la época de Bach, sus lecturas son inspiradas, transparentes y dotadas de una fluidez magistral. Mi primer acceso a esta serie de conciertos fue precisamente a través de estas grabaciones de Münchinger, del año 1.950, por lo que el cariño por ellas tiene valor agregado. Al cambiarse la orientación de este Blog musical, deseo inaugurar con esta joya de toda la discografía.

M-S.



Maestro Karl Münchinger